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"Non una semplice canzone d'amore, ma un viaggio nella profondità dell'anima": con queste parole Patrizia Kolombo descrive "Così Non Finirà", il suo nuovo singolo realizzato in collaborazione con Gianni Negri. Il brano, disponibile per Pako Music Records sia in italiano che in una sentita versione in lingua napoletana capace di impreziosire la narrazione con un livello aggiuntivo di intimità e personalizzazione, mette in risalto le radici di un racconto la cui vera essenza risiede nel legame tra gli innamorati, l’uno nel cuore dell'altro. Una finestra personale e universale al tempo stesso, unica nelle sue molteplici sfaccettature, che si apre sullo scenario di emozioni totalizzanti, in grado di andare ben oltre le convenzionali dichiarazioni romantiche. Attraverso la fusione di melodie dolci, avvolgenti ed evocative e liriche fortemente penetranti, i due artisti invitano a riflettere sulle proprie esperienze amorose, cantando non solo il sentimento più alto al mondo, ma mettendo a nudo le complessità e le contraddizioni che spesso lo caratterizzano. La musica, composta da Gianni Negri, e il testo, scritto da Patrizia Kolombo, si immergono nella gioia e nelle paure intrinseche all'amore, offrendo agli ascoltatori un'analisi sincera e riflessiva su cosa significhi veramente amare qualcuno, andando oltre la superficie per toccare le dinamiche più intime del cuore. Perché amare è meraviglioso, ma la paura di farsi o far del male, di ferire o di ferirsi, a volte ci impedisce di aprirci completamente all’altro. Questa esitazione nasce dalla consapevolezza delle vulnerabilità generate dal dare e ricevere affetto. Nonostante la luce intrinseca all'amore, il timore di esporre il proprio cuore agli imprevedibili colpi del destino può frenare i nostri passi verso l'intimità e la gioia più profonde. In "Così Non Finirà", questo conflitto interiore è rappresentato con intensa empatia, riflettendo su quanto sia difficile, eppure essenziale, vincere queste paure per abbracciare pienamente la possibilità di un legame autentico e duraturo. Il brano stimola a superare questi ostacoli, a fidarsi dei battiti che, scuotendoci da dentro, ci ricordano che stiamo vivendo davvero, che perdere il controllo può essere l’unica via per salvarci da una routine monocromatica e che, il rischio di soffrire, è un piccolo prezzo da pagare per scoprire la pienezza di un amore vero. Questa tematica trova eco ed espressione nel verso-chiave del brano, «Regalami il tuo tempo e tutto andrà nel verso giusto», un promemoria che sottolinea quanto il tempo condiviso e la presenza siano fondamentali nel consolidare una relazione. Queste parole, così potenti nella loro apparente semplicità, evidenziano l'investimento emotivo necessario per fronteggiare le incertezze dei rapporti di coppia, suggerendo che la dedizione e la pazienza possono guidare due persone verso una comprensione ed un’armonia più profonde, superando insieme ogni sfida, ogni dubbio, ogni avversità. “Così non finirà”, con la produzione magistrale di Francesco De Rosa, svela anche un ulteriore livello di connessione e scoperta reciproca: mentre le fondamenta di una relazione si costruiscono su tempo e pazienza, si apre anche la porta ad una conoscenza più intima, spirituale e animica dell'altro. Un passaggio alla scoperta che viene magnificamente catturato nel verso «Siamo gente d'altri tempi, di un pianeta sconosciuto, siamo noi», evocando una sensazione di unicità e mistero che mette in luce come ogni amore introduca le persone in un universo completamente nuovo e sconosciuto, un mondo in cui, solo insieme, è possibile esplorare le meraviglie nascoste in un’unione sincera. «Non ti cercavo io, ma ora che ci sei ti lego ai miei pensieri, sento la tua essenza... È simile alla mia»: in questa linea, Gianni Negri e Patrizia Kolombo ci prendono per mano e ci invitano a soffermarci su come spesso l'amore sorprenda, su quanto, nonostante le resistenze iniziali, la nascita di una sintonia inaspettata possa trasformare la percezione di un individuo su se stesso e sulla vita. Il futuro, con tutte le sue incognite, è un tema ricorrente nel brano, che in «Ti vedo in un futuro che mi terrorizza ma tu stammi vicino, insieme sarà meglio», svela sì la vulnerabilità a cui l’amore ci espone, ma anche la forza incrollabile che può sbocciare dal sostenersi a vicenda, dall'affrontare insieme le paure e costruire un domani condiviso nonostante le incertezze. «Questo brano – dichiara Patrizia Kolombo - è più di una canzone d'amore. L'intento è quello di riuscire a toccare l'anima di chi lo ascolta. È un inno alla complessità delle relazioni e alla paura che le accompagna. Ognuno di noi teme qualcosa: il futuro, l'amore, l'incertezza. Ma quando si incontra una persona, una connessione autentica, quando si riconosce qualcosa di bello, qualcosa che potrebbe essere giusto, le paure andrebbero messe da parte e per vivere appieno. È come scoprire un raggio di luce nella notte più buia». La versione in napoletano, intitolata “O’ ssaje nun po’ fernì” e cantata pianoforte e voce dal solo Gianni Negri, impreziosisce la dimensione emotiva del brano grazie ad una lingua intrisa di storia e cultura. Questa variante, ancora più intima, crea un aggiuntivo legame con il pubblico, trasportandolo direttamente nel cuore della tradizione musicale napoletana e nell'essenza stessa della città. Anche la copertina della canzone, che raffigura Napoli, il suo mare e il Vesuvio, è un omaggio al capoluogo campano che aggiunge un prezioso strato di significato alla narrazione. Il Vesuvio, con la sua imponente presenza e la sua storia di eruzioni, rappresenta la forza e l'intensità delle emozioni in una relazione, mentre il mare, con le sue onde e la sua capacità di suscitare al contempo calma e tumulto, simboleggia il flusso delle esperienze nella vita di coppia. Napoli, con la sua ricca storia, cultura e tradizione, riflette pienamente la complessità delle relazioni: questi elementi, combinati con il testo e l’interpretazione in napoletano, creano un connubio di bellezza, intensità e forza, permettendo all'ascoltatore di immergersi in un dipinto di sfumature di amore e di vita. «Voglio spiegare perché la scelta di questa copertina – prosegue Patrizia Kolombo, concludendo -: il Vesuvio rappresenta l'amore e la passione, mentre il mare simboleggia la bellezza e la forza, ma anche la complessità delle storie d’amore. Ho scelto uno scatto su Napoli, che Gianni ha istantaneamente approvato, per invitare chi ci ascolta a vivere pienamente, ad abbracciare ogni sfaccettatura dell'amore e della vita con coraggio e speranza». "'Così Non Finirà'”, accompagnato dal suggestivo ed emblematico visual video ufficiale, è un'esperienza a tuttotondo, una canzone oltre la canzone, capace di celebrare l'amore nelle sue forme più vere e intense. Un brano che tocca direttamente l'anima, invitandoci a vivere le emozioni e le relazioni senza riserve. Una carezza in chiave pop-cantautorale che ci guida, ci avvolge e ci incoraggia a scoprire un nuovo modo di vivere noi stessi, gli altri e l'amore attraverso la musica.... Continua a leggere

Il 17 maggio, in occasione della Giornata Internazionale contro l'omofobia, la lesbofobia, la transfobia e la bifobia, il cantautore, musicista, compositore e insegnante di musica reggiano DEN, al secolo Daniele Mammi, torna nei digital store con una toccante poesia tra le note, "Viaggi Sola". Questa canzone è nata da un momento di profonda connessione tra DEN e una sua giovanissima allieva, straordinaria nonostante i suoi soli tredici anni, che ha trovato la forza di condividere con lui la sua esperienza transgender, trasformando tale fiducia in una lucente e suggestiva espressione artistica. Un legame intenso tra due diverse generazioni, storie e racconti personali che si intrecciano sul fil rouge dell’ascolto e del non-giudizio: attraverso questo brano, l'esperienza vissuta dalla protagonista adolescente, diventa un simbolo di coraggio, speranza e amore. DEN, nel suo ruolo di insegnante, ha avuto l'onore di accompagnare e osservare da vicino questo percorso di scoperta e apertura, trasformando un significativo capitolo di vita in un emozionante richiamo alla libertà d’espressione, individuale, sociale e artistica. «In qualità di insegnante di musica – dichiara DEN - è stato per me un grande onore e motivo di orgoglio essere testimone della fiducia e dell'apertura di questa mia giovane allieva. La sua forza nel condividere la sua esperienza di vita mi ha toccato e ispirato moltisismo, motivandomi a scrivere “Viaggi Sola”. Questo brano è il risultato di quella connessione unica e rappresenta il mio impegno a sostenere il coraggio di essere se stessi senza paure». Successivamente, DEN ha aggiunto un tocco di romanticismo e poesia alla narrazione del pezzo, arricchendola grazie dall'osservazione di un momento di tenerezza e intimità tra due ragazze su un treno. Questa scena di dolce connessione, ha fornito ulteriore ispirazione al cantautore emiliano, permettendogli di estendere e approfondire il racconto già potente della sua allieva e della sua esperienza transgender, con la speranza che nessuna persona in fase di transizione, debba più sentirsi dire, dagli altri e dalla propria voce interiore, “Viaggi Sola”. L'incontro sul treno, ha poi trasformato il brano in un vero e proprio manifesto musicale sull'amore libero da pregiudizi, sottolineando e celebrando la forza e la determinazione necessarie per essere autenticamente se stessi in un mondo ancora troppo spesso incline a giudizi e pregiudizi. "Viaggi Sola" cattura magistralmente l'essenza del cammino interiore descritto nel testo. Sin dalla toccante apertura «I tuoi occhi color del mare mi raccontano chi sei», il brano accompagna e guida l'ascoltatore in una dimensione di comprensione empatica ed interconnessione. Queste linee, esprimono il riconoscimento e l'accettazione della vera identità della giovane allieva di DEN, un’accettazione che va ben oltre la superficie, al di là di qualsiasi tipo di etichetta. Una strofa particolarmente rappresentativa e commovente è «Mi dici che non ti trovi, che quel corpo non è il tuo, che a volte devi fare pace con i tuoi pensieri per non cercare un altro Dio». Qui, DEN dipinge in musica e parole il conflitto interno della giovane, la tortuosa via verso il totale accoglimento di sé e la ricerca di pace in un contesto giudicante, dentro e fuori dal proprio corpo, dimostrando una sensibilità e una profondità d’animo che riescono a rendere questa canzone un meraviglioso strumento di empatia e sostegno. Scritta e composta dallo stesso DEN e prodotto a quattro mani con Valerio Carboni, con il pianoforte suonato da Andrea Gualtieri, “Viaggi Sola” è un piccolo capolavoro di sensibilità artistica e impegno sociale. Un'impeccabile fusione di talento e passione, in cui note e parole sono meticolosamente intessute per trasmettere un messaggio importantissimo, un appello alla dignità e alla bellezza che ciascun essere umano racchiude in sé, ed un invito a facilitare un futuro di piena accettazione e rispetto universale. Proveniente da Reggio Emilia, DEN ha sempre cercato di dare voce alle storie meno raccontate trasformandole in musica. Dopo anni di duro lavoro chiusi in un cassetto, il suo percorso artistico ha preso una decisiva svolta nel 2022 con la pubblicazione di "Solo Polvere Addosso", seguito da altri singoli che hanno consolidato la sua presenza nella scena italiana. “Viaggi Sola" è il perfetto seguito di questo percorso creativo, riconfermando l'abilità di DEN nel creare release che non solo toccano il cuore, ma stimolano anche la mente, incoraggiando il pensiero ad aprirsi a vedute più inclusive. DEN porterà la sua musica e il suo messaggio di inclusione dal vivo, esibendosi domenica 11 Agosto 2024 al Festivald'enza di Bibbiano (RE). Un'occasione unica per assaporare l'emozione delle sue canzoni, e per celebrare insieme la speranza, il coraggio, la libertà e la sincerità che caratterizzano il suo repertorio. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato al Cottonbro Studio, che aggiunge un vivido strato di espressione alla narrazione. Con "Viaggi Sola", DEN incoraggia tutti coloro che si sentono diversi o non compresi a trovare la forza di viaggiare con orgoglio lungo il proprio cammino unico. Questa canzone è un tributo ad amare se stessi e gli altri senza paura, con l'augurio di offrire conforto e ispirazione a chi la ascolta, convertendo le vedute giudicanti in una completa accettazione e riconoscendo che, al mondo, non esistono diversità, ma solo peculiarità e arricchimenti.... Continua a leggere

È con commovente intensità che Lisa Orefice, una delle voci più espressive della scena musicale italiana, presenta il suo nuovo singolo "Inseparabili". Il brano, scritto a quattro mani con uno dei più celebri autori del panorama musicale contemporaneo, Daniele Piovani, nasce da un dolore profondo e personale, e trasforma la perdita in un’ode alla presenza perenne di un amore, un amore così forte e indissolubile da trascendere l’assenza fisica. "Inseparabili" è il frutto della sinergia istantanea tra Lisa e Daniele, che insieme hanno tessuto una dedica di rara bellezza al padre di Lisa, figura imprescindibile della sua vita e ispirazione principale della sua arte. La canzone si sviluppa come un dialogo interiore, vibrando con un’autenticità così sincera da commuovere e risuonare chiaramente con chiunque abbia affrontato un grande lutto. Il brano esprime la perdita e il legame indissolubile tra un padre e una figlia, attraverso liriche che riflettono il dolore e la forza trovata nel ricordo. Lisa canta: «Canto la mia musica, mi rifugio dentro l’anima, ogni giorno, ogni mio passo, è un riflesso su di te». Queste parole non solo evidenziano la capacità della musica di fungere da rifugio e specchio dell'anima, ma sottolineano anche come ogni gesto quotidiano dell’artista sia permeato dalla memoria del padre. La potenza evocativa del testo si manifesta ulteriormente nel ritornello: «Attraverso queste mie lacrime, mi guiderai come un fiume oltre quell’argine, sconfinerò, io e te inseparabili… io e te inseparabili». Qui, il dolore si trasforma in una guida, un fiume che nonostante lacrimi, sfocia in nuovi territori dell'essere, avvalorando una connessione che continua ben oltre la perdita terrena. Ed è verso la fine della traccia che Lisa offre un invito toccante: «Questa è la mia musica, spero un giorno tu l’ascolterai». Un'espressione di amore e speranza che nel messaggio contenuto tra le note, rivela come un legame intimo e viscerale possa trascendere il confine della morte, ma anche il desiderio di raggiungere chiunque abbia bisogno di sentirsi meno solo nella propria perdita, nel proprio dolore, nel proprio senso di vuoto. Nata in Germania e cresciuta con una visione cosmopolita grazie alle sue radici calabresi, Lisa Orefice ha sempre mostrato un’importante sensibilità verso le tematiche universali dell'amore e della perdita. La sua carriera è costellata di performance che toccano il cuore di chi ascolta, rendendola una delle voci più autentiche e coinvolgenti dell’attuale panorama musicale. "Inseparabili" è una canzone per ricordare, un canto per non dimenticare, un invito a riflettere sull'amore, sul dolore e sull'eternità dei rapporti che arricchiscono, corroborano e definiscono la nostra esistenza. Con la sua voce potente e delicata al contempo, Lisa Orefice continua ad accarezzare l’anima dei suoi ascoltatori, convertendo il dolore personale in un abbraccio di unione e speranza.

Dopo aver incantato pubblico e critica con la sua prima release in lingua italiana “Ibisco”, il cantautore milanese Manuel torna a sorprendere con "Metalli", il suo nuovo singolo che anticipa l’atteso debut album di prossima uscita. "Metalli" rappresenta un capitolo significativo nella carriera discografica di Manuel, simbolo di un rinnovamento personale e professionale profondamente sentito. Il riconoscimento della piccolezza dell’umanità di fronte all'immensità dell'universo, che conferma la sensibilità intuitiva di Manuel, in grado di anticipare attraverso la sua arte le trasformazioni della propria vita. Con una maturità autorale ed un’emotività interpretativa sorprendenti, l’artista riesce a fondere l'intimo e il cosmico, ricordandoci che, nonostante le nostre individualità, siamo parte di un Tutto interconnesso, capaci di esperienze che ci elevano e ci uniscono, proprio come i metalli sotto l'azione del fuoco. Un viaggio tra introspezione ed espansione, in cui l'ascoltatore viene guidato in una dimensione di riflessione e scoperta: «Sento un fischio nell’orecchio adesso chi mi pensa, lampi attorno a me ma adesso sento quella brezza», versi che fungono da preludio ad un'esplorazione delle dinamiche dell'amore e dell'essere. Manuel utilizza la sua voce per tracciare un itinerario animico che va dall'attrazione personale alla consapevolezza di essere un frammento di qualcosa di più grande, invitandoci a riflettere sulle nostre relazioni e sull'importanza di ogni singola esperienza nella nostra vita. Questa canzone diventa così un inno alla comprensione, alla consapevolezza di essere parte di un disegno più grande, un piccolo granello di sabbia in un meraviglioso universo in cui, nonostante le singolarità di ciascun componente, siamo tutti interconnessi e capaci di intrecciare le nostre esperienze in qualcosa di divino. “Metalli”, co-prodotta con Matteo Magni e masterizzata da Cristiano Maclovin Messina presso il Magnitude Record Studio, è l’espressione in musica della forza dell'amore verso se stessi e verso gli altri come unica via per una reale unione delle anime, che nella frase-chiave «Ci siamo fusi come i metalli» trova una chiara visualizzazione del processo di coesione ed connessione. Questo passaggio, evoca l'immagine del metallo, elemento naturale solido che, sotto l'influenza di calore estremo, perde le sue rigide barriere individuali per mutare in una nuova, indistinguibile entità. Così, Manuel ci suggerisce che attraverso il calore dell'amore e delle esperienze condivise, le persone possono superare le loro divisioni superficiali, fondendo i loro spiriti in un'armonia perfetta. Questo importante messaggio, non solo celebra l'amore come forza trasformativa, ma ci incoraggia anche a riflettere su come, nell'accettare e amare pienamente noi stessi, apriamo la porta all'opportunità di connessioni autentiche con chi ci circonda. Un simbolo di speranza e di potenziale umano che ci ricorda che, nonostante le nostre apparenze distinte, possediamo la capacità innata di unirci oltre le differenze, creando legami che sono sia intangibili nella loro essenza spirituale, sia profondamente concreti nella loro manifestazione quotidiana. Con un sound elegante, delicato e incredibilmente suggestivo, "Metalli", impreziosito dalla vocalità unica di Manuel, capace di emozionare fin dal primo ascolto per potenza, intensità e sincerità espressiva, è destinato a diventare la colonna sonora di tutti coloro che nella musica ricercano non solo evasione, ma anche comprensione, ascolto e condivisione. Il brano è accompagnato da un vero e proprio videoclip "cinematografico", diretto da Dip Content, Lorenzo Sibug e Kevin Chester Ramos, che enfatizza la dualità del viaggio interiore intrapreso dall’artista, giocando con il contrasto tra la neve, che rappresenta il subconscio di Manuel, capace di mostrargli la via, e la realtà, simboleggiata nel videoclip dagli scorci su City Life, giungendo infine alla rinascita e alla consapevolezza che nascono al calar del sole, quando tutto si unisce, fondendosi proprio come i “Metalli”. Con questa nuova release, un vero e proprio piccolo capolavoro dark pop contemporaneo, Manuel ci invita a riscoprire l'importanza delle nostre radici e della nostra unione con gli altri e con il mondo che ci circonda. Con “Metalli”, l’artista lombardo dimostra ancora una volta che la musica è tra i più potenti strumenti di espressione, capace di superare qualsiasi barriera abbracciando l'universale attraverso la purezza dell’individuale.... Continua a leggere

YungestAlien, una delle penne più vivide e incisive dell’Hip-Hop italiano, dopo aver incantato la giuria d’eccellenza della prima edizione dell’Italia Music Contest di Caserta, annuncia l'uscita del suo nuovo singolo "Non può piovere per sempre", una traccia che si distingue per l’emotività del suo sound e per il messaggio di speranza che trasmette. Nato dalle coste siciliane di Barcellona Pozzo di Gotto, l’artista ha trasformato la musica nel faro guida della sua vita, affermandosi come una delle voci più autentiche e profonde della scena italiana sin dall'età di 13 anni. Le sue release non offrono solo intrattenimento, ma anche una fonte di ispirazione costante. "Non può piovere per sempre" rappresenta un capitolo cruciale nella storia personale e professionale del rapper, raccontando di una lotta interiore e della ricerca incessante di una luce in fondo al tunnel. Le sonorità, di matrice old school con incantevoli influenze blues, avvolgono l'essenza del viaggio di ogni sognatore che, nonostante le difficoltà e le sfide, continua a perseguire i propri obiettivi con determinazione e coraggio. Con un flow impeccabile che scorre magistralmente su una serie di incastri e punchlines disarmanti, YungestAlien affronta tematiche universali come l'odio, la disperazione e il desiderio di riscatto in maniera autentica, sincera e distante dai cliché. La sua capacità espressiva, lo rende un vero e proprio portavoce di esperienze vissute: nel verso «In Pozzo di Gotto nessuno sente, gente che si sente la mafia, piange se il figlio non torna più a casa», l’artista mette a nudo il disagio che permea la sua città natale, dipingendola come un ambiente che, invece di nutrire i sogni dei giovani, sembra opprimerli, schiacciarli sotto il peso di una realtà soffocante. Con la sua lirica incisiva, YungestAlien va oltre la semplice denuncia sociale, trasformando il dolore e la critica in un messaggio universale di risveglio e resistenza. Questo passaggio, carico di emozione e di verità crude, risuona come un appello alla ribellione contro le catene invisibili che legano le aspirazioni individuali, sottolineando l'importanza di lottare per la propria voce in un mondo che troppo spesso cerca di soffocarla. Al contempo, “Non può piovere per sempre” offre anche uno sguardo critico e nostalgico al panorama musicale e culturale attuale, riflettendo su un senso di esclusione e desiderio di un ritorno ad una scena più autentica e inclusiva. «Qui non passano un emergente che non li esce, l'odio cresce, rivoglio i tempi di MTV Spit che a Nuova Scena ne ho visti pochi di MC», suggerisce la difficoltà per gli artisti emergenti di farsi strada nel settore musicale senza avere già alle spalle una certa visibilità o successo. Questa linea coraggiosa, critica la tendenza dell'industria musicale e dei media a valorizzare solamente chi ha già raggiunto un certo livello di riconoscimento, lasciando poco spazio alla scoperta di nuovi talenti. Tutto questo, riflettere la frustrazione dei giovani talenti nei confronti di un ambiente che sembra sempre più incline a coltivare sentimenti negativi piuttosto che supportare e promuovere la crescita e la diversità artistica. Il richiamo ai tempi di MTV Spit esprime la forte nostalgia per un periodo in cui la musica ed il rapping erano celebrati in maniera più genuina e aperta. MTV Spit, programma televisivo dedicato alle battaglie di freestyle, simboleggia qui un'era in cui i rapper avevano maggiori opportunità di esibirsi e di farsi conoscere dal grande pubblico. YungestAlien lamenta che, nella scena musicale attuale, ci siano pochi MC capaci di incarnare lo spirito e il talento visti in passato, suggerendo un impoverimento della qualità e dell'autenticità nell'ambito rap. Con questo brano, l’artista lancia un duplice messaggio: da un lato, la denuncia di un sistema che sembra ostacolare l'emergere di nuovi talenti; dall'altro, un appello nostalgico ad un ritorno di valori come autenticità, passione e meritocrazia nel mondo del rap e della musica in generale. Al centro di "Non può piovere per sempre" vi è comunque una forte speranza: la convinzione che, nonostante a volte tutto sembri remarci contro, esista sempre la possibilità di un riscatto, di una rinascita. YungestAlien, con il suo stile unico, capace di variare con naturalezza senza limitarsi alla cultura rap purista, mira a suscitare emozioni autentiche in chi ascolta e "Non può piovere per sempre", accompagnato dal videoclip ufficiale che ne amplifica l'impatto emotivo, è una testimonianza della sua versatilità e della capacità della musica di superare le barriere, di unire le persone e di ispirare cambiamenti positivi nelle vite di ciascuno di noi.... Continua a leggere

Dall'attenta analisi delle relazioni personali alla creazione di una traccia che sfida le norme sociali, diventando un vero e proprio atto di resistenza alle convenzioni, "Algoritmo" di SayLar si fa spazio nella scena italiana raccontando, in un hardcore rap serratissimo, il conflitto interiore e la ricerca di autonomia emotiva nell'era digitale. Con un debutto che non passa inosservato, SayLar fa il suo ingresso nel panorama Hip Hop del Belpaese come un vero interprete dei tempi moderni: "Algoritmo", primo estratto dell’EP "Resort" di prossima uscita, è una fusione di barre, incastri e punchlines che si prendono per mano e viaggiano nell'Io più profondo dell'artista, in un percorso di liberazione dalle catene delle aspettative altrui che, oggi più che mai, gravano su ogni singola scelta che decidiamo di intraprendere. SayLar descrive il brano come una reazione viscerale alle pressioni esterne, una rivelazione del desiderio di gestire gli eventi in maniera indipendente, senza lasciarsi sopraffare da imposizioni mascherate da norme: «”Algoritmo” nasce all'inizio di gennaio come una risposta istintiva alle situazioni che la vita mi pone davanti. Questo pezzo riflette il desiderio del mio Io più autentico di affrontare gli eventi senza subire passivamente le costrizioni della realtà quotidiana. L’ho scritto in maniera spontanea, basandomi su esperienze vissute ed errori passati: funge un po’ da catalizzatore per attivare in me la reazione appropriata a ciò che mi circonda, piacevole o meno». Queste riflessioni trovano eco nelle liriche incisive di “Algoritmo”, in cui ogni verso serve da ponte tra il vissuto personale di SayLar e le tematiche universali dell'autenticità e dell'integrità individuale. «Non mi bevo tutto quello che mi hai detto, le tue parole dolci come assenzio», canta l’artista, delineando il suo distacco dalle illusioni confortanti ma ingannevoli che spesso vengono propinate come verità. Questa linea mostra come il brano scavi nella lotta per mantenere la propria identità e percezione delle cose, nonostante le distorsioni create dalle relazioni e dalle circostanze. «Adesso apri la pagina e più o meno prendi spunto», prosegue il testo, suggerendo una rinascita e una trasformazione che sono tanto una sfida quanto una liberazione. SayLar invita gli ascoltatori a riflettere su se stessi e a trovare il proprio “Algoritmo” personale per navigare la vita, uno che non sia preimpostato da altri, ma creato attraverso esperienze vissute in prima persona, sulla propria pelle. SayLar, che ha iniziato a scrivere testi come forma di sfogo personale prima di mettere le sue parole in musica, ha maturato il suo stile attraverso esibizioni in diverse città, tra cui Milano, Torino e Pavia. La sua capacità di adattarsi a generi musicali differenti, dall’hip-hop al rock, dall’elettronica al drum and bass, riflette un eclettismo che risuona fortemente in "Algoritmo". Il suo nome d'arte, scelto per rappresentare la sua capacità di comprendere il funzionamento delle cose con un solo sguardo, incarna la sua musica: intuitiva, riflessiva e incisiva. "Algoritmo" è un promemoria per chiunque cerchi di comprendere e accettare le proprie complessità in un mondo che sempre più spesso vuol semplificarci e categorizzarci. SayLar non solo racconta una storia, ma invita ad una partecipazione attiva, ad andare oltre l'ascolto passivo, spingendoci verso una comprensione più profonda di noi stessi, delle nostre dinamiche interiori e di ciò che ci circonda. Con “Algoritmo”, SayLar, oltre a sancire il suo esordio discografico, stabilisce anche un nuovo standard per l'autenticità nella musica contemporanea, in particolare nel panorama rap italiano.... Continua a leggere

Dopo il travolgente successo di "Amore Incondizionato", Vi Skin torna a parlare della sua squadra del cuore in "Ho scelto di vincere" (PaKo Music Records). La cantautrice ciociara, nota per l’emozionalità della sua voce, i suoi testi incisivi e per la passione sfrenata per la squadra nerazzurra, ha lavorato senza sosta per oltre un anno a questo nuovo progetto, cogliendo l'essenza stessa del tifo interista e trasformandola in musica. "Ho scelto di vincere" è, infatti, un vero e proprio manifesto di appartenenza, storia, orgoglio e valori che rappresentano il mondo dell'Inter. Vi Skin, in sinergia con il produttore Matteo “Orph3us” Passarelli, anch'egli tifoso appassionato, ha dato vita ad un inno che intreccia l'eleganza degli archi alla potenza del pop moderno, riflettendo in musica i due volti della città di Milano: la maestosità racchiusa in luoghi emblematici come il Teatro alla Scala e l'energia vibrante di uno degli stadi più amati d’Italia, San Siro. Il brano trae ispirazione da un profondo senso di tradizione e comunità: il verso iniziale «I colori del cielo, l’azzurro che avvolge il nero, l’oro delle stelle che fa da sfondo» si rifà al discorso di Gian Felice Facchetti tenuto in occasione del centenario nerazzuro che, a sua volta, evoca le parole del pittore Giorgio Muggiani, creatore dello storico logo della squadra, che nel 1908 annunciò la nascita del club definendo i colori della sua maglia in questi termini: “hanno scelto per noi i colori del cielo, l’azzurro che avvolge il nero, l’oro delle stelle che fa da sfondo, siamo l’Internazionale perché noi siamo fratelli e sorelle del mondo”. Questa scelta simboleggia un'identità radicata e cosmopolita al contempo, che Vi Skin ha magistralmente trasposto in una release che arriva dritta al cuore dei tifosi. La collaborazione tra l’artista e Matteo Passarelli ha generato un arrangiamento unico, in cui la classicità degli archi, fortemente desiderata da Vi Skin, si fonde con l'energia contemporanea della musica pop, creando un ponte tra la tradizione musicale italiana e il dinamismo del calcio moderno. "Ho scelto di vincere" è frutto anche di un dialogo diretto con i tifosi: Vi Skin, tramite il suo profilo TikTok, ha raccolto parole e sentimenti che per i nerazzurri rappresentano l'essenza della loro squadra: famiglia, fratellanza, amore. In un'epoca in cui è sempre più evidente che il calcio si spinge oltre la semplice competizione sportiva, "Ho scelto di vincere" rappresenta a tutti gli effetti una dichiarazione di “Amore incondizionato”, ma a differenza del precedente singolo dedicato al club, volto più a punzecchiare le squadre avversarie giocando con il tema della rivalità, questo nuovo brano è una pura e profonda dedica d'amore che celebra il legame viscerale capace di unire la squadra e i suoi tifosi, indipendentemente da ogni forma di sfida e contesa. “Ho scelto di vincere” è disponibile su tutti i digital store dal 5 Maggio, una data iconica per ogni tifoso nerazzurro, ricca di sentimenti contrastanti di trionfo e sfida: si tratta infatti del giorno in cui l’Inter perse uno scudetto, ma anche del giorno in cui vinse il primo dei tanti trofei di una stagione che rimase nella storia, la stagione del famoso “triplete” e della celebre “manita”. Attraverso le liriche del testo, Vi Skin trasmette un messaggio di incoraggiamento e di forza, ricordando ai tifosi che, nonostante le sfide e le sconfitte, l'identità e la passione condivise sono fonti inesauribili di ispirazione e orgoglio: «È facile supportare una squadra quando si vince – dichiara -, ma il vero amore si dimostra stando accanto ai propri colori anche e soprattutto nei momenti difficili. Con questo brano, ho voluto trasformare il 5 maggio, una data spesso ricordata con amarezza, in un simbolo di gioia e orgoglio. Quando i rivali cercheranno di ricordarmi questa data con un senso negativo, io risponderò con orgoglio che è il giorno in cui è nato il mio nuovo inno d'amore per l'Inter. La musica è il mio strumento per trasformare le emozioni negative in qualcosa di positivo e duraturo, e con questa canzone ho voluto regalare ai tifosi un motivo in più per amare e celebrare la loro squadra, nel bene e nel male». Il videoclip ufficiale che accompagna il brano, diretto da Federica Di Pasquale, verrà presentato in anteprima su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane. Il video, girato tra le storiche vie di Milano ed il Teatro Marrucino di Chieti, traspone sul piano visivo l’iconico contrasto, già sottolineato nel testo, tra l’imponenza e la rilevanza storica del club e il dinamismo che lo contraddistingue da sempre. Vi Skin conclude con una dichiarazione toccante: «Questo brano è per voi, nerazzurri, per chi vive ogni giorno la passione per l'Inter. Ho messo ogni frammento della mia anima in “Ho scelto di vincere”, sperando di rendervi orgogliosi. Siamo più di una squadra; siamo una famiglia, un unico grande amore che attraversa i tempi e le difficoltà». Con “Ho scelto di vincere”, Vi Skin, che ha ricevuto un invito speciale a partecipare alla festa della Curva Nord la prossima estate per festeggiare l'aggiunta della seconda stella al palmarès dell'Inter, non solo celebra la gloriosa storia del club, ma rafforza l'identità e la passione di una delle squadre più amate al mondo.... Continua a leggere

Dopo lo straordinario successo riscosso su Netflix con il film "Fabbricante di Lacrime" - che ha debuttato al vertice delle classifiche di popolarità della piattaforma streaming su scala globale - Biondo non si ferma e torna alle sue origini musicali con "Un'altra notte", il suo nuovo singolo che lo vede al fianco del giovane talento argentino d'adozione romana giamba. Il brano rappresenta una fusione di emozioni e musica, in cui la nostalgia e il desiderio di riavvicinamento si scontrano con il bisogno di andare avanti e lasciarsi il passato alle spalle. Con una grande profondità lirica ed un'audace sperimentazione nel sound, "Un'altra notte" si distacca dalla convenzionale narrazione musicale per avventurarsi in territori emotivamente più complessi e ricchi di sfumature. La combinazione di elementi melodici e ritmici crea un tessuto sonoro che accoglie l'ascoltatore in una dimensione intima, attraverso la malinconia e la riconciliazione. Le strofe del brano riflettono due visioni contrastanti di un amore perduto: la prima, evoca un irresistibile desiderio di riavvicinamento, mentre la seconda esprime il doloroso processo di accettazione ed il superamento del passato. Questo dualismo è intensificato dall'uso creativo della voce e dei synth, che si mescolano per creare un'atmosfera emotivamente carica e viscerale. L'abilità dei due artisti nel trasformare il dolore e la speranza in musica è evidente in ogni singolo passaggio del testo: la loro collaborazione va oltre la semplice esecuzione di un feat. "Un'altra notte" rappresenta infatti il dialogo aperto tra le due anime che caratterizzano ciascuno di noi, il confronto e la battaglia interiore tra le due metà alle antitesi dello stesso intero che, nonostante le loro differenze, necessitano di trovare un terreno comune per coesistere e convivere. Una contrapposizione sottolineata dall'uso di una produzione che gioca con contrasti sonori intensi, alternando momenti di pura energia ritmica a interludi più riflessivi e introspettivi. Il brano fluisce attraverso una gamma emotiva ampia, dando spazio al tumulto e alla tranquillità, al caos e alla calma. La dicotomia tra i versi di giamba, che esprimono una nostalgica voglia di riconnessione, e quelli di Biondo, che cercano di chiudere definitivamente il capitolo, riflette le complesse dinamiche delle relazioni. Le espressioni «Un'altra notte insieme» e «Correre fino a stare male» rispecchiano nitidamente l'essenza di questi scontri interni, svelando la lotta per mantenere vive le connessioni passate mentre si cerca di andare avanti, nonostante tutto, al di là del dolore. La produzione musicale, curata nei minimi dettagli, sottolinea ulteriormente questo dialogo, con una scelta di suoni che enfatizza sia la tensione che la risoluzione dei temi trattati, aggiungendo un ulteriore strato di profondità a questi temi, con arrangiamenti che enfatizzano il sentimento di urgenza e di irrevocabilità delle decisioni prese sotto l'influenza di emozioni intense. I sintetizzatori pulsanti e la batteria incisiva creano una colonna sonora che non solo accompagna ma amplifica il racconto lirico, trasformando ogni verso nel battito cardiaco di un racconto più grande. giamba racconta la genesi del brano: «Ho iniziato a scrivere "Un'altra notte" verso la fine dell'estate scorsa, in un momento di grande riflessione personale. Conoscendo Simone (Biondo), ho subito pensato che la sua voce e il suo stile unico potessero dare al pezzo la dimensione che cercavo. La sua pronta adesione e la rapidità con cui abbiamo completato il brano confermano quanto sia stata naturale la nostra collaborazione». "Un'altra notte" è un'analisi profonda sulle dinamiche della memoria emotiva e su come queste possano plasmare la nostra realtà, il nostro presente. È una riflessione sul potere del tempo, che può sia guarire che riaprire vecchie ferite, spesso in momenti inaspettati. giamba e Biondo ci invitano a riflettere su queste verità, con una traccia che offre molteplici spunti di meditazione sulla natura transitoria delle relazioni. Coniugando perfettamente la passione e la nostalgia, il brano si impone non solo come un pezzo di altissima qualità, ma anche come un chiaro messaggio sull'importanza di affrontare e accettare le complessità dei rapporti interpersonali, soprattutto delle storie d'amore. Con questa collaborazione, i due artisti ci spingono a riconoscere e celebrare i momenti trascorsi, sia quelli felici che quelli dolorosi, perché è solo attraverso entrambi che cresciamo e impariamo a valorizzare davvero il presente. "Un'altra notte" è, in ultima analisi, un invito a vivere pienamente, ricordandoci che ogni notte passata, ogni esperienza vissuta, fa parte di noi, definisce chi siamo e ci dà l'opportunità di costruire chi saremo.

Alfie Gray, DJ producer sempre più riconosciuto nella scena musicale elettronica, torna con un nuovo singolo, “Follow Me”. Con questo brano, l’artista bresciano ci porta direttamente nel cuore pulsante della techno berlinese, con una produzione che vanta una cassa potente, un basso profondo e una ritmica veloce che cattura sin dalle prime note. “Follow Me” è un'indagine audace delle possibilità sonore della musica techno. Alfie Gray ha scelto di utilizzare la voce non tanto per narrare, ma per arricchire il tessuto sonoro con texture vocali che si intrecciano magistralmente con i synth, creando un'esperienza auditiva quasi ipnotica. Questo approccio innovativo evidenzia la capacità dell'artista di sperimentare e spingersi oltre i confini tradizionali dell’elettronica. Il brano si sviluppa attraverso una struttura che alterna elementi ritmici a melodie avvolgenti, caratteristica distintiva del lavoro di Alfie, che ama creare pezzi lunghi e sostanziosi, permettendo agli ascoltatori di immergersi completamente nel suo universo musicale, perdendosi nelle profondità della sua creatività. «La mia intenzione con “Follow Me” – dichiara - era di avvicinarmi ad una techno più berlinese, mantenendo quel tocco personale che i miei fan hanno imparato a conoscere e ad amare. Questo brano rappresenta un'evoluzione nel mio stile, una fusione tra il ritmo incalzante della techno e le armonie melodiche che caratterizzano la mia musica». “Follow Me” non è solo un viaggio attraverso il suono, ma anche un invito a esplorare le proprie emozioni e a lasciarsi trasportare dalla potenza della musica. Con questo singolo, Alfie Gray, oltre a riconfermare il suo talento e la sua innovazione nel panorama della musica elettronica, pone anche le basi per ulteriori esplorazioni artistiche. Noto per il suo approccio meticoloso alla produzione, infondendo ogni traccia con una qualità cinematica che è tanto avvolgente quanto espressiva, l’artista, in "Follow Me", intreccia sapientemente melodie sintetizzate e linee di basso profonde, creando un paesaggio sonoro che è al contempo intenso e invitante, simile ad una camminata notturna attraverso le strade illuminate solo dai neon di una città mai dormiente. La peculiarità di questa traccia è la sua capacità di trasmettere un'emozione cruda attraverso l’elettronica, una caratteristica che Alfie ha perfezionato nel corso degli anni. La sua abilità nel flettere il genere per raccontare storie e sensazioni è evidente in ogni beat e in ogni nota, facendo di "Follow Me" un'esperienza indimenticabile per chi cerca nella musica non solo intrattenimento, ma una vera e propria narrazione emotiva. Con questa release, Alfie Gray aspira ad influenzare il modo in cui percepiamo e interagiamo con la musica da club. Il suo approccio unico serve come ponte tra diversi mondi musicali, dimostrando che la techno non è solo per le piste da ballo, ma può anche essere un potente mezzo di espressione personale e di connessione. Alfie invita i suoi ascoltatori a tuffarsi nella complessità delle sue tracce, scoprendo i sottili dettagli e le vivide sfumature che contraddistinguono il suo lavoro. È un invito a rallentare, ad ascoltare più profondamente e a connettersi con la musica in modo più significativo. “Follow Me” va oltre al semplice concetto di brano; è un manifesto, un promemoria ritmico di ciò che la musica può essere: trasformativa, evocativa ed incredibilmente umana.... Continua a leggere

LIIA, la cantautrice slovacca che ha incantato l’Italia con l’intensità della sua voce e l’emozionalità della sua penna, torna nei digital store intrecciando le corde della sua anima a quelle del pianoforte in “Last Time”, il suo nuovo singolo. Prodotto in collaborazione con il pianista Peter Butor e i produttori Andrea Cattaldo e NDGN (Andrea “Andy” Fumagalli dei Bluvertigo & Eugene Valenti) del Ground Control Studio di Milano, "Last Time" è avvolto da un’atmosfera pop-epica che fonde l’attitude cinematografica alla capacità di catturare l'emozione cruda del lasciarsi andare, raccontando la struggente storia di un triangolo amoroso e la sofferenza del dirsi addio. Con la maestria e la lucidità di un “architetto emotivo”, LIIA sceglie la cura di sé anziché il vittimismo, in una narrazione dolceamara che echeggia in chiunque abbia mai dovuto lasciar andare un amore per salvare se stesso. «Now I see you in her arms and I'm dying inside. I’m not gonna take it I don’t want this role. I just have to try to save my soul» («Ora ti vedo tra le sue braccia e sto morendo dentro. Non lo accetterò, non voglio questo ruolo. Devo solo cercare di salvare la mia anima»): parole potentissime, in cui si riflette il tormento di vedere la persona amata con qualcun altro, ma anche la determinazione di salvare se stessi e la propria dignità, trasmettendo un messaggio forte di autostima e indipendenza. Rifiutando di restare intrappolata nel ruolo di vittima, LIIA fa una scelta coraggiosa e liberatoria. La sua decisione di mettere fine ad un ciclo interminabile di sofferenza personale, trasforma il tormento in una dichiarazione di resistenza e autoconservazione, mostrando che anche nei momenti di massima vulnerabilità, l'individuo ha il potere di riaffermare il proprio valore, scegliendo un percorso migliore, un cammino di guarigione e consapevolezza. Con una melodia che enfatizza ogni battito e ogni pausa, "Last Time" eleva la dichiarazione di LIIA in un inno all'emancipazione, che invita gli ascoltatori a prendere in mano le redini della propria vita e a riscoprire il proprio diritto alla felicità e alla dignità, lasciando alle spalle le ombre di un amore che anziché amplificare la luce interiore, la offusca soffocandola nel dolore e nell’autocommiserazione. «I am gonna take care of my myself, my dignity» («Mi prenderò cura di me stessa, della mia dignità»): LIIA chiude un capitolo difficile ma necessario, invitando chi ascolta a fare lo stesso nelle proprie vite. Una frase-mantra per l'autocura e l'affermazione di sé, che cattura l'importanza di mantenere la propria integrità in situazioni che ci mettono alla prova. L’aspirazione dell’artista è quella di vedere le sue canzoni trasformarsi in colonne sonore di film, un sogno che rispecchia la sua capacità di evocare immagini vivide e momenti emotivi attraverso il suono. La sua musica, descritta dalla stampa come un "dipinto sonoro", invita a compiere un viaggio intimo, sfiorando temi come l'amore, la nostalgia e la libertà. Semifinalista di "The Coach", LIIA, nonostante non rientri nello stampo tipico di una giovane artista, rifiuta di farsi scoraggiare, abbracciando il suo spirito creativo e la sua estetica sensuale e bohémien. In "Last Time", LIIA utilizza la sua voce come veicolo per diffondere temi di grande rilevanza come l’autoconservazione e la rinascita, offrendo un esempio ispiratore di come si possa uscire rafforzati da situazioni di vita avverse. Un’esortazione a riflettere sul nostro valore, che non va mai misurato in base agli standard altrui o alle aspettative imposte da chi ci circonda; un promemoria in musica per ricordarci che la nostra autenticità e la nostra identità sono sacre e non devono essere compromesse o modellate dalle opinioni o dai desideri degli altri. “Last Time” è tutto questo e molto di più; un richiamo a riconoscere che siamo gli unici artefici del nostro destino e che la dignità personale deve sempre essere preservata. A differenza dell’EP d’esordio "Flowering Trees" e del successivo singolo “Hold On”, “Last Time” si distacca dalle delicate melodie del passato per abbracciare una sonorità più decisa e pop-epica, pur mantenendo la profondità emotiva che definisce la cifra stilistica di LIIA. Un’evoluzione audace e sofisticata, che introduce una nuova complessità nelle composizioni musicali dell’artista. L'arrangiamento, curato nei minimi dettagli, non è solo una cornice per le liriche, ma un potenziamento della narrazione, che amplifica il messaggio di forza e di rinascita personale al cuore del brano. «”Last Time” – dichiara LIIA – nasce dal bisogno di trovare il coraggio di fare scelte difficili, ma fondamentali per il nostro sviluppo personale. Con questo brano, ho voluto esprimere il momento cruciale in cui si decide di non lasciare più che gli altri definiscano chi siamo. È un invito a seguire una bussola interna che rispetti la nostra essenza e i nostri valori, a prendere decisioni che riflettano la nostra autenticità. “Last Time” rappresenta quella svolta definitiva, il punto di non ritorno in cui abbiamo l'opportunità di riaffermare e celebrare la nostra individualità. Spero che ascoltando questo brano, gli altri possano sentirsi ispirati a fare lo stesso, a riconoscere il loro valore intrinseco e a prendere in mano le redini della propria vita». Parole volte a catalizzare un cambiamento positivo, promuovendo una cultura di rispetto e cura di sé che è tanto necessaria nel mondo di oggi. Con questo singolo, LIIA mostra una maturità e una consapevolezza notevoli nel maneggiare temi complessi con una nuova visione sonora, evidenziando anche di saper evolvere e rinnovare il proprio suono in modo significativo. “Last Time” è una fonte di sostegno e ispirazione, un inno alla forza interiore che tutti noi possediamo. “Last Time” è il coraggio di fare scelte difficili per preservare la nostra essenza, un appello a vivere pienamente, con dignità e orgoglio per le scelte che definiscono chi siamo.... Continua a leggere

In un'epoca in cui il confine tra il reale e l'immaginifico si fa sempre più sottile, "Nellie (from Hill House)" di VMC si staglia come un vero e proprio faro musicale nella notte, illuminando le tenebre più cupe e spaventose che offuscano l’animo umano. Questo nuovo singolo del rapper romano, attinge alla ricca vena narrativa della serie TV "The Haunting", in particolare alla sua prima stagione ispirata al classico letterario “L’incubo di Hill House” di Shirley Jackson, per tessere un parallelismo intenso e personale con la vita dell'artista stesso. VMC, con maestria e profondità, traccia un percorso che va oltre il semplice omaggio ad un racconto di fantascienza. “Nellie (from Hill House)” è un cammino attraverso il dolore, la paura e l'isolamento, affrontati con il coraggio di chi ha deciso di guardare in faccia i propri demoni. Il brano, pubblicato per PaKo Music Records e distribuito da Believe Digital, si dipana attraverso sonorità horrorcore di matrice old school, ricreando un'atmosfera densa di suspense e carica di emozioni viscerali. Verso dopo verso, la traccia rivela l'intima connessione tra l'artista e il personaggio di Nellie, simbolo di una lotta interiore contro i fantasmi del passato. «Daddy, do you remember the bent-neck lady? Yes? She’s back!» («Papà, ti ricordi la signora dal collo storto? SÌ? Lei è tornata!») - con questa domanda satura di angoscia, VMC ci introduce in una dimensione in cui il terrore si mescola alla realtà, dove i fantasmi non sono solo entità soprannaturali, ma rappresentazioni dei tormenti interni, lo specchio distorto e distopico di noi stessi e della realtà che ci circonda. Il ritornello, «One, two, three, four, five, six, seven (again)» («Uno, due, tre, quattro, cinque, sei, sette (di nuovo)»), diventa un mantra, un tentativo di dare ordine al caos, di trovare una via d'uscita dal labirinto del dolore. Eppure, è proprio in questo conteggio ossessivo che risiede la verità più profonda del brano: la lotta per la visibilità, per essere riconosciuti e compresi in una società che troppo spesso ci rende invisibili. «I was right here, I was screaming and shouting and none of you could see me» («Ero proprio qui, stavo urlando e gridando e nessuno di voi poteva vedermi») – con queste parole, VMC esprime il dolore dell'invisibilità, della lotta disperata per farsi sentire in un mondo che sembra ignorarci. È un grido che risuona struggente, abbracciando nella morsa di un vuoto pregno di sofferenza tutti coloro che si sono sentiti trasparenti, inascoltati, dimenticati, diversi. "Nellie (from Hill House)" è un tuffo nei sentimenti umani più stagnanti, nelle paure e nelle aspirazioni che per quanto ci spezzino dentro, ci uniscono, rendendoci tutti sullo stesso piano di vulnerabilità, quel piano che può sgretolarsi sotto i nostri piedi, ma anche elevarci a persone migliori e più consapevoli. VMC si avventura nel cuore oscuro dell'esperienza che racconta, dimostrando che anche nei momenti più bui, se lo desideriamo, c'è speranza, c'è luce. La sua musica e il suo flusso di coscienza che la corrobora di veleno e del suo antidoto, diventano il mezzo per navigare in queste acque tempestose, offrendo a chi ascolta conforto e comprensione. «Con “Nellie (from Hill House)” – dichiara l’artista -, ho voluto creare un ponte tra la narrativa fantastica e le realtà emotive con cui tutti possiamo identificarci. La canzone parla di lotta, di dolore, ma anche di speranza e resilienza. L’ho scritta dopo la prima delle 12 volte in cui ho guardato “The Haunting”. È un invito a non arrendersi, a combattere contro i propri demoni e a cercare la luce anche quando tutto sembra perduto. Attraverso la musica, possiamo trovare una via d'uscita, possiamo iniziare a guarire». "Nellie (from Hill House)", infatti, non solo ci guida alla scoperta dei labirinti più oscuri della nostra anima, ma ci offre anche la chiave per uscirne, dimostrandoci che, nonostante il peso del nostro passato e i fantasmi che abitano in noi, c'è sempre spazio per la guarigione, per il cambiamento. È un brano che incita all'introspezione, ma anche alla speranza, ricordandoci che, alla fine, possiamo emergere più forti dalle nostre prove. Con questo brano, VMC conferma il suo ruolo di artista capace di trattare temi complessi con sensibilità ed empatia, invitando gli ascoltatori ad una profonda immersione nella psiche umana. "Nellie (from Hill House)" è una pietra miliare nell’Horrorcore italiano, un lavoro che testimonia l'abilità di VMC di trasformare il dolore e la paura in arte, in un messaggio di forza, resilienza e speranza per il futuro.... Continua a leggere

Ladrone00, al secolo Simone Cicconi, torna a sorprenderci con "Fiamme", il suo nuovo singolo che rappresenta il punto d'incontro tra la devastazione e la rinascita generate dal fuoco. Un brano che racconta la storia di un amore complesso, fatto di contrasti, ma anche di una passione così intensa da poter vincere ogni ostacolo. L'artista marchigiano, noto per la sua capacità di fondere generi diversi creando armonie inaspettate, dopo aver conquistato pubblico e critica con “Fragile”, baluardo in chiave rap-dance contro i giudizi di un mondo iperconnesso, con questo nuovo lavoro indie-pop si immerge in un racconto dove gli alti e bassi di una relazione diventano la melodia principale. Il testo di "Fiamme" si snoda attraverso versi carichi di immagini: «Eh non bevo ma non sono astemio, non mi bevo tutto quello che mi hai detto, le tue parole dolci come assenzio». Qui, Ladrone00 non solo esprime la complessità dei sentimenti, ma anche la forza necessaria per affrontare e superare le sfide insite in ogni rapporto amoroso. E nel passaggio «Spari, nel mio petto hai fatto centro, centro. Ho i brividi se mi sfiori, ush. Appicchiamo sto incendio, incendio. Sei l'unica che mi manda fuori, fuori», l’artista cattura l'essenza del desiderio e della riconciliazione con parole che non sono solo l'eco di un rapporto travagliato, ma la dimostrazione che il vero equilibrio, molto spesso, risiede nella capacità di concedere a se stessi di perderlo. Con sensibilità e maestria, Ladrone00 riesce a trasformare il racconto di una relazione in una danza tra fiamme, in cui ogni passo avvicina i protagonisti nonostante gli ostacoli. La produzione del brano, affidata a Matteo Rossini, si distingue per l'uso di strumenti quali voce, pianoforte, synth e batteria, creando un sound che incanta e invita all'ascolto. Un sound che avvolge menti, orecchie e cuori in un caldo abbraccio, dove il pianoforte e i synth creano un'atmosfera onirica che contrasta e al tempo stesso accoglie il ritmo marcato della batteria. Questa dicotomia musicale riflette il dualismo tematico della canzone tra amore e odio, offrendo un'esperienza d'ascolto ricca e coinvolgente, che invita a riflettere sull'amore nelle sue molteplici sfaccettature. «Eh allora dimmi dimmi dimmi dove andiamo, Attorno noi fiamme fiamme poi balliamo», canta Ladrone00, descrivendo l'attrazione incontrollabile e la volontà di arrendersi completamente al proprio cuore, nonostante le difficoltà. La canzone diventa così un promemoria che, nonostante le divergenze, l'amore ha il potere di trionfare, scatenando "un incendio" positivo di passione e complicità. "Fiamme" è ispirata a storie reali, rivelando un profondo senso di empatia e comprensione verso le dinamiche affettive. L'artista, attraverso questo brano, si fa portavoce di chiunque abbia provato un sentimento intenso, segnato da momenti di felicità ma anche di difficoltà, dimostrando che ogni relazione è un viaggio, a volte tortuoso, ma sempre degno di essere vissuto, come lui stesso racconta: «"Fiamme" nasce da un'osservazione attenta delle relazioni che mi circondano, dalla consapevolezza che l'amore è un viaggio pieno di sorprese, dove ogni ostacolo superato insieme può solo rafforzare il legame. Questa canzone è un omaggio al potere dei sentimenti di superare differenze e difficoltà. Con “Fiamme”, voglio invitare chi ascolta a non temere i momenti difficili, ma a vederli come opportunità per crescere e avvicinarsi ancora di più alla persona amata. La collaborazione con Matteo Rossini ha aggiunto una nuova dimensione al brano, creando una sinergia perfetta tra le parole e la musica che spero possa toccare il cuore di chi ascolta, proprio come ha toccato il mio». Con "Fiamme", Ladrone00 conferma il suo talento nell'esplorare le dinamiche più intime con una prospettiva unica, tessendo un'opera che brucia di emozioni autentiche e palpabili e regalando un mosaico sulla natura stessa dei sentimenti, sulle loro contraddizioni e sulla bellezza delle loro manifestazioni più sincere. Attraverso la sua musica, Ladrone00 dà prova che è possibile trovare armonia e felicità anche nei rapporti più complessi: "Fiamme" è un tributo alla forza dell'amore, un fuoco che brucia dentro ciascuno di noi, capace di distruggere, logorare, ma anche e soprattutto di illuminare la vita anche nei momenti più bui. Questo singolo si conferma un'ulteriore prova dell'eclettismo e della profondità artistica di Ladrone00, un cantautore che continua a esplorare nuovi orizzonti sonori e tematici, dimostrandosi un vero e proprio narratore d'eccezione nel panorama musicale italiano.... Continua a leggere

«Sangue nelle mani, ho ferito la mia donna, ma una lacrima, una sola, mi ha fatto pentire di ciò che ho fatto». È con questa confessione, tanto cruda quanto struggente, che Occhic e Impulso aprono la porta ad un doloroso viaggio nel cuore della violenza di genere, affrontando con delicatezza e coraggio una delle piaghe più atroci che affliggono la nostra società. In "Sangue nelle Mani", la musica diventa veicolo di una narrazione che non teme di esplorare le conseguenze devastanti e irreversibili di atti di violenza troppo spesso celati dietro la quotidianità delle porte chiuse, in un angolo oscuro delle nostre coscienze. La canzone si immerge nella mente e nel cuore di un uomo che, perso nel vortice della rabbia e dell'incomprensione, compie l'irreparabile: la vita di una donna, la sua ex partner, viene brutalmente interrotta dalla furia cieca dell’ego, della gelosia, del possesso. Ma il racconto non si ferma alla tragedia dell'atto, dando voce al tumulto interiore di colui che si ritrova con il "sangue nelle mani", incapace di convivere con il peso di un gesto estremo, conducendolo infine ad un tragico epilogo personale. Il brano diventa un viaggio angoscioso attraverso i corridoi bui del pentimento, dove la solitudine e il rimpianto si fanno compagni costanti. La consapevolezza della gravità del suo aberrante errore lo assale, mostrandoci che, oltre la violenza - che non è mai giustificabile -, esiste un abisso di sofferenza e perdita in cui anche l'autore dell'atto si perde. Nel cuore del testo di "Sangue nelle Mani", troviamo versi che trasudano una disperazione cruda e un tormento che si annida nelle pieghe più oscure dell'anima. «Ho macchiato le mani di sangue e non so più dove potermi nascondere» rivela un senso di colpa insopportabile, una macchia che non può essere lavata via, né ignorata. Questa frase, carica di rimorso, dipinge l'immagine di un individuo in fuga non solo dal mondo esterno, ma soprattutto da se stesso, dalla propria coscienza che non concede tregua o rifugio. «Mi prendo la mia vita con un gesto estremo e sopito» chiude il cerchio di questa tragica narrazione, sottolineando l'inevitabilità della fine scelta dall'artefice della violenza. Questo gesto, descritto come "estremo e sopito", riflette un ultimo tentativo di trovare pace, seppur attraverso un atto di definitiva disperazione. Questa decisione non è vista come una fuga, ma come l'unico percorso rimasto a un'anima ormai troppo lacerata per continuare a sopportare il peso di un crimine così atroce. Entrambi questi versi, con il loro intenso carico emotivo, invitano l'ascoltatore ad una riflessione profonda sull'impatto devastante dei soprusi, non solo sulle vittime, ma anche su chi li compie. Questa canzone scava a fondo, toccando corde molto complesse e penetrando un territorio raramente esplorato, addentrandosi nel vortice di un’esperienza profondamente travagliata. “Sangue nelle Mani” si avventura nell'animo di chi si ritrova, troppo tardi, a fare i conti con le conseguenze irreversibili delle proprie azioni, cercando di comprendere senza mai giustificare, di narrare senza mai legittimare, le tragiche spirali che possono nascere da momenti di perdita di controllo. È un monito in musica che risuona con urgenza, un appello straziante a riflettere sull'impatto devastante degli atti violenti, sulle cicatrici indelebili che lasciano dietro di sé e sulla necessità impellente di cercare vie di comunicazione più sane e costruttive, per prevenire che altre vite siano spezzate in un ciclo senza fine di dolore e rimpianto. "Sangue nelle Mani" si rivela, allora, non solo come un manifesto di denuncia contro abusi perpetrati, ma anche come un amaro riflesso sul tormento di chi si trova a vivere con le conseguenze delle proprie azioni. L'uomo, incapace di sostenere il peso schiacciante della colpa, si avvia verso un'uscita altrettanto tragica, scegliendo di porre fine alla propria sofferenza in un gesto di estrema disperazione. Attraverso questo brano, Occhic e Impulso non cercano di fornire giustificazioni o di alleggerire la gravità degli atti commessi; al contrario, ci confrontano con l'oscurità e le conseguenze devastanti degli abusi e dei soprusi, sottolineando l'assoluta necessità di prevenzione e di cambiamento culturale. Questa canzone è un appello alla consapevolezza, un invito a guardare dentro di noi e intorno a noi, a riconoscere i segnali di pericolo e ad agire per proteggere le vite. "Sangue nelle Mani" è un grido affinché si rompa il silenzio, si superino gli stereotipi e si combatta uniti contro la violenza di genere, promuovendo relazioni sane e rispettose. Occhic, al secolo Alessandro Federico D’Elia, ha sempre utilizzato la sua musica come un mezzo per esplorare e riflettere su tematiche profonde e talvolta scomode. Cresciuto a Ozieri e formatosi musicalmente tra pianoforte, canto e chitarra, ha fatto del suo approccio sincero e diretto un marchio di fabbrica del suo stile artistico. Con "Sangue nelle Mani", impreziosito dal featuring con il rapper Impulso, continua il suo viaggio di racconto emotivo, stavolta addentrandosi in una delle questioni più delicate e urgenti del nostro tempo. Questo brano è un richiamo all'umanità che risiede in ognuno di noi, un invito a fermarsi, ascoltare, e riflettere sulle realtà devastanti di ogni tipo di sopraffazione. Attraverso le voci di Occhic e Impulso, siamo chiamati a confrontarci con le ombre più oscure della nostra società, quelle che troppo spesso preferiamo ignorare o nascondere dietro un velo di indifferenza. Ciascuna nota e parola di “Sangue nelle Mani” ci sfida a riconoscere l'urgenza di un cambiamento, a prendere posizione contro l'indifferenza e a promuovere un futuro dove rispetto e comprensione prevalgano su odio e abusi. Nel tessuto di questa canzone, le confessioni diventano ponti: collegamenti tra cuori e menti, inviti a scavare nelle profondità della nostra coscienza collettiva e a interrogarci sul ruolo che ognuno di noi gioca nella perpetuazione o nell'interruzione di cicli di dolore. "Sangue nelle Mani" ci ricorda che la violenza lascia cicatrici non solo sulle vittime, ma penetra a fondo, lasciando segni indelebili su chi la compie e su chi ne è testimone. Occhic e Impulso ci dimostrano che la musica può e deve essere uno strumento di dialogo, un mezzo per illuminare le tenebre e guidarci verso un domani più giusto. In un mondo troppo spesso diviso da muri di silenzio e incomprensione, "Sangue nelle Mani" è un richiamo a non voltare lo sguardo dall'altro lato, ma ad impegnarsi attivamente nella costruzione di una realtà dove ogni individuo può vivere libero dalla paura. Questo brano, accompagnato dal toccante videoclip ufficiale diretto da Francesco Mura, è un monito a non sottovalutare il potere delle nostre azioni e delle nostre parole, un promemoria che nel cuore della notte più buia, la luce dell'empatia e della compassione può ancora trovare il modo di brillare. "Sangue nelle Mani" ci esorta ad essere parte della soluzione, a unire le nostre voci in un coro che grida per il cambiamento, e a lavorare insieme per un futuro dove la violenza di genere, e qualsiasi altro tipo di violenza, saranno solo un doloroso ricordo del passato.... 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hetra, artistə rivelazione del panorama musicale italiano proveniente dal lontano pianeta hetra-12, dopo aver incantato pubblico e critica con il suggestivo omaggio al Maestro Franco Battiato nella rivisitazione de “Gli Uccelli” ed aver dato prova del suo approccio unico ed intersezionale alla musica nel debut EP “2019 Benvenuta sul Pianeta Terra”, torna a dar voce a tematiche profonde e attuali in “Fire Flowers”, il suo nuovo singolo. “Fire Flowers” è un brano che nasce dalle ceneri dell’anima, una fenice che prende vita dal movimento della rabbia. “Fire Flowers” è furia. “Fire Flowers” è ira. “Fire Flowers” è fuoco. Ed hetra, nelle sue liriche cariche di simbolismo, è il fiore di questo ardore, la rappresentazione tangibile della lotta interiore tra il consumarsi della rabbia e lo sbocciare dell'essere. Un viaggio attraverso le fiamme del dolore e della rinascita, una metafora potente di distruzione e creazione che si alternano in un ciclo senza fine; un ponte catartico che collega e trasforma la sofferenza e l'autoannientamento nel seme di un nuovo inizio. Perché la rabbia è duplice e ambivalente: sa essere forza distruttiva e al tempo stesso creativa, un'emozione che consuma e incenerisce, ma al contempo in grado di condurci al risveglio, alla scoperta, alla consapevolezza di chi siamo davvero. Proprio come il fuoco, la musica di hetra brucia ma illumina, distrugge ma genera nuove forme di esistenza. Da "Fire Flowers", si riemerge nella quotidianità del nostro vivere non consumati, ma rinati, con una nuova comprensione di sé e del mondo circostante. Questo brano si fa portavoce di una realtà in cui il dolore non è una condanna, ma un passaggio necessario per raggiungere una comprensione più profonda della vita. E come i fiori nel fuoco, espressione di una bellezza crudele e affascinante, hetra diviene urlo liberatorio, confessione nuda e cruda di un dolore lacerante capace di mutare in energia purificatrice. Questa conversione non è solo tematica centrale del brano, ma si riflette anche nella composizione musicale di "Fire Flowers", in cui l'intreccio di melodie e ritmi crea un netto contrasto tra il caos interiore e la ricerca di equilibrio. Grazie al lavoro con la produttrice Kimerica il brano è ricco di sonorità dark e hyper. La ricerca della produzione è arrivata fin negli abissi. La collaborazione delle due artistə ha creato una nuova direzione per hetra. Con un'atmosfera onirica e psichedelica, la traccia trascina in un mondo dove le sfumature primordiali dei moti interiori si fondono con la modernità dei suoni, creando un'esperienza auditiva che rimane impressa nella memoria e nel cuore, smuovendolo prima, e sollevandolo poi, dal fardello di un sentimento che più opprimiamo e più ci rende schiavi di noi stessi. hetra scrive: Sono solo un fiore di fuoco. Quando perdo il controllo, sboccio, mi mostro, i petali si accartocciano con il calore delle fiamme. Muoio. Lentamente. Muoio dopo poco. L’ossigeno si consuma, perdo il controllo, ho una crisi, la furia prendo il controllo, mi colpisco, mi graffio, urlo. Urlo fino a che la pressione del mio viso non fa scoppiare i capillari della pelle. Mi faccio del male. Faccio male. Tuttə mi vedono. Io no. Dove sono? Mi perdo. Non riesco a respirare, la mente mi travolge, il corpo mi distrugge. La ragione, ormai lontana, mi compatisce aspettando in un angolo il suo turno. Nella mente tutto si confonde, rimbombano parole. Non voglio morire, voglio solo morire. Voglio che la morte mi prenda e se ne vada. Il mio sangue è magma, fuoco che scorre, fiamme arteriose. Sono solo un fiore che brucia. Sono una stella senza senso, una cometa senza scia. La luce non può risplendere. Sono arrivatə a terra e sono solə qui. Distruttə. Forse l’unica cosa che mi ricorda dove sono. Non so parlare. Non so vivere. Non so morire. Non so. Non so fare niente. Forse neanche respirare, dopo tutto l’ossigeno ormai è consumato. So solo rimanere immersə nelle fiamme, che forse hanno smesso di bruciare. Urlo. Continuo a urlare. Nelle urla mi perdo. Le fiamme mi accolgono. Il sangue scorre. Tutto si trasforma attraverso il calore. Non so dove sto andando. Alla luce dell’incendio riesco a vedere quello che normalmente è assopito negli abissi. Vedo tutto e allo stesso tempo non vedo niente. Sono un fiore di fuoco. Sono una furia di fuoco. Quando sboccio, muoio dopo poco. La narrazione struggente della dolorosa bellezza di un'esistenza combattuta tra luce e oscurità, un'urgenza viscerale che racchiude in sé la dualità dell’esserci, del vivere: la meraviglia effimera di un fiore che, nello sbocciare, si consuma nel fuoco della propria passione e dolore. hetra ci parla senza filtri, in un ciclo di genesi e distruzione, un'eterna rinascita ove ogni momento di perdita di controllo segna l'inizio di una trasformazione profonda. Un conflitto interno che divampa come un incendio inestinguibile, lasciando segni profondi nell’anima e sul corpo. Ma questo viaggio attraverso il fuoco e il tormento non è solo una discesa nel buio; è anche una ricerca di luce, un tentativo di vedere "quello che normalmente è assopito negli abissi."; hetra, con le sue parole, guida gli ascoltatori ad esplorare l'ignoto, dove il caos e la devastazione possono svelare verità nascoste dando forma ad una nuova comprensione di sé e degli altri. Qui, hetra non è solo cantante e autrice del brano, ma è uno specchio della collettività, un’anima inquieta che usa la musica come strumento per esprimere ciò che non riusciamo a comprendere, a metabolizzare, ad accettare. La sua capacità di trasporre queste intense battaglie interiori in musica non solo dimostra un talento eccezionale, ma riconferma anche l’impegno nei confronti delle tematiche che affronta: dall'ecologia alla questione di genere, dall'antispecismo alla salute mentale trattati nel primo EP, dalla volontà di sollevare il velo di Maya schopenhaueriano che offusca la realtà delle cose all’esigenza di adottare un nuovo linguaggio, più equo ed inclusivo, all’interno di una società frammentata e divisa da rigide dicotomie, l’artistə non porta nei suoi brani semplici argomenti, ma fili intrecciati nel tessuto contemporaneo, indagando con sincerità, coraggio e sensibilità le sfide e le speranze che definiscono il nostro tempo. “Fire Flowers” è un inno alla vita e alla morte, a bruciare tutto e rinascere dalle proprie ceneri, più forti di prima. Questo singolo parla a chiunque abbia mai sentito il peso soffocante della disperazione, ma anche a coloro che, nonostante tutto, continuano a cercare la luce tra le proprie ombre. «”Fire Flowers” – dichiara hetra - è per coloro che nelle fiamme del proprio sangue si perdono, si trovano, rinascono e muoiono. Per coloro che sopravvivono a loro stessə e che non sopravvivono. Per coloro che danno valore alla vita come danno valore alla morte. Per coloro che passano attraverso il dolore e per quellə che ancora non lo conoscono. Siamo furore di stelle, fiamme nella pelle, sangue di belve. Brucia. Bruciamo. Tutto. Insieme». "Fire Flowers", accompagnato da due videoclip, un suggestivo lyric ed un emblematico video ufficiale di prossima uscita -, è per quelli che nelle proprie battaglie si perdono, si trovano, rinascono e muoiono, dimostrando che anche nei momenti di più profonda oscurità, esiste la possibilità di una trasformazione, di una rinascita.

C'è un momento nella vita di ogni artista in cui le parole diventano più di semplici versi; diventano un grido, un grido che non solo si fa strada attraverso il caos, ma promette di trasformarlo. Per Pare, al secolo Michele Pasquali, quel momento è ora, con il lancio di "Il mondo collassa", il suo nuovo singolo in feat. con Trip che fonde magistralmente l’immediatezza del rap alla filosofia del divenire del Pensatore oscuro per eccellenza, Eraclito, in un dibattito senza precedenti che va ben oltre la musica. Dalla pioggia incessante di "Nuvole/Fuori Piove" all'isolamento meditativo di "Sto solo", Pare ha illuminato le “Emozioni Spente" per svegliare le coscienze con le sue barre sature di riflessioni e ora, con "Il mondo collassa", ogni goccia di esperienza, di vissuto, si trasforma in un oceano di consapevolezza, chiedendo agli ascoltatori di nuotare nel profondo delle loro anime per esplorare le verità nascoste che risiedono sotto la superficie. Il brano, nato da un'esigenza vitale di espressione, da un dialogo aperto con la realtà, e spinto da un incontro illuminante con Trip riflettendo sullo stato del mondo tra guerre e divisioni sociali, è un manifesto rap carico di significati profondi, una critica pungente verso la società odierna che dalle ceneri del silenzio trova nei due artisti una voce che sfida e illumina le ombre delle verità scomode, facendo leva sull’affascinante beat curato da Pxter, per dipingere il quadro di un’epoca in cui il grigiore delle città soffoca i sogni e le speranze di molti. «"Il mondo collassa" – dichiara Pare - è nato in una di quelle giornate in cui ti guardi intorno e tutto quello che vedi sembra sfuggire di mano. Insieme a Trip, tra discorsi sull'attualità e le guerre che continuano a insanguinare la nostra epoca, mi sono reso conto che era il momento di fare di più. Di dire di più. Questa canzone è il frutto di queste riflessioni, una risposta alla domanda su come la musica possa influenzare, cambiare, o addirittura migliorare il mondo». Con un testo carico di simbolismo, Pare e Trip indagano sulle pieghe più oscure della nostra realtà: dalla manipolazione politica che sfrutta i "dormienti" per interessi personali, rappresentata dalla citazione di Eraclito, all'influenza corrosiva dell'avidità e del materialismo che distorce le relazioni umane. Il riferimento ai «fratelli poveri e fratelli ricchi, i primi son veri e i secondi son finti», non è per i due artisti una superficiale constatazione, ma un invito per tutti noi a riconsiderare i valori autentici dell'esistenza, ponendo il "povero" come icona di ricchezza spirituale e il "ricco" come emblema di povertà interiore. «In questo pezzo – prosegue l’artista -, io e Trip parliamo della società attuale, descrivendo le varie parti "marce" del mondo di adesso, di come la politica sfrutta ì dormienti, citando Eraclito, per i loro tornaconto. Nel testo citiamo la propaganda dei vari tg, dove le notizie vengono date e cambiate in base alla fazione per essere votati, così che continuino ad alzare le tasse e i prezzi non per il Paese, ma per arricchirsi loro e poter fare quello che vogliono. Affrontiamo anche il tema dei soldi, di come cambino le persone nel corso del tempo, e soprattutto della battaglia che esiste dagli inizi della civiltà tra i ricchi e i poveri. Non voglio generalizzare, perché nel mondo siamo miliardi e so che ci sono molte eccezioni, però, umanamente parlando, per me il povero è ricco e il ricco è povero». Ma il tema centrale del brano è la parola come strumento di cambiamento e potere, un concetto che Pare e Trip enfatizzano con forza e convinzione, ricordandoci che le parole non sono semplici suoni o scritti, ma semi che, se piantati con cura e intenzione, possono crescere in movimenti capaci di scuotere le fondamenta di società intere. «Il mondo collassa per il peso di questa massa», «Sono rimasto umile perché ho usato la testa e non le scuse» e «Potere alla parola sta società di merda si cambia con la parola», sono versi che trascendono la critica per diventare proclami di un potenziale rivoluzionario nascosto nella forza del verbo e del pensiero critico. Pare e Trip invitano ad una presa di coscienza, ad una ribellione contro l'apatia che ci avvolge, sottolineando l'importanza di rimanere autentici, di "usare la testa" per navigare le tempeste della vita, alzando la voce non per seminare caos e violenza, ma per convertirli in equilibrio e armonia. Questo invito si estende oltre il dialogo interiore, spingendoci ad agire, a usare la nostra espressione come chiave per aprire nuove porte di possibilità. I due artisti ci spronano a non sottovalutare il peso di ogni parola pronunciata o ascoltata, evidenziando che, quando decidiamo di parlare, partecipiamo attivamente alla costruzione del mondo che ci circonda. Figura eclettica del panorama rap italiano, Pare ha trasformato la sua passione per la musica in uno strumento di esplorazione personale e collettiva. Dall'infanzia, passando per gli studi di pianoforte e clarinetto, fino alla scoperta rivoluzionaria del rap, la sua musica è diventata un rifugio, un mezzo per affrontare e comprendere la realtà. In questo nuovo singolo, con il prezioso featuring di Trip e l’impeccabile creatività di Pxter, l’artista traccia un sentiero di riscatto personale e collettivo, lanciando un messaggio di speranza: in un'epoca dominata dalle apparenze, dalla falsità e dall'alienazione, l'unico modo per combattere il buio esterno è trovare la luce interiore, essere se stessi e pensare con la propria testa. "Il mondo collassa" è una chiamata alle armi per la mente e lo spirito, un invito a non arrendersi mai, a lottare per i propri sogni e a credere nel potere trasformativo dell'autenticità e della parola. «Con questo pezzo - conclude Pare – io e Trip vogliamo mandare il messaggio di aprire gli occhi e pensare con la propria testa perché le persone cercheranno sempre di fregarsi tra loro, soprattutto in quest’epoca pregna di apparenze e falsità. Veneriamo personaggi che si copiano l'un l'altro e cerchiamo di essere ciò che non siamo. In parole povere, siate voi stessi e usate la testa per ragionare su ciò che vi circonda». "Il mondo collassa" si rivela così un inno per chiunque creda nel cambiamento e nella capacità collettiva di modellare una realtà migliore, ribadendo che la trasformazione più significativa inizia sempre dall'individuo, dalla decisione di parlare, di agire, di essere un agente attivo nel processo di cambiamento che vogliamo testimoniare. Questo singolo ci esorta a pensare, a riflettere, a non lasciarci trascinare passivamente dalla corrente. Non è solo un invito a resistere, ma a lottare con le armi più potenti che abbiamo: la nostra voce, le nostre parole.... Continua a leggere

In un'era dominata da ritmi frenetici, in cui il breve e l'effimero regnano sovrani, il tempo scorre veloce e la musica tende ad inseguirlo con brani sempre più brevi e consumati in fretta, Eric Mormile si distacca audacemente dalla norma presentando “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, il suo nuovo singolo. Il brano, superando la soglia dei 5 minuti, si rivela non solo atipico per la sua durata, ma anche emblematico di un messaggio profondo e universale: la musica come faro lucente, capace di unire al di là di ogni confine. La traccia, con la sua estensione, appare quasi una sfida al mercato “mordi e fuggi”, ma per Eric rappresenta la dimensione naturale dell'espressione artistica: ampia, profonda, e inesauribilmente ricca. Scritto nel 2020 dalla penna innovativa e al contempo intensamente radicata alla tradizione dell’artista napoletano, “Figlie d' 'a Fonte d' 'e Suone” nasce sotto l'ala protettiva dell'isola di Ischia, una musa che continua a donare ispirazione e rifugio creativo a Mormile. Dal suo debutto ufficiale con "Quanta Luce", Eric si è distinto per la sua capacità di combinare sonorità moderne con tematiche di rilevanza sociale, esortando l'ascoltatore a riconoscere e coltivare il proprio "bagliore interiore"​​. Con le successive release, "Nun Pozzo Cchiù Guarì", "Anema ‘e Lione", e con l’album d’esordio "Quanta Luce", l’artista ha sempre mostrato la sua dedizione a sonorità che abbracciano le influenze di Peter Gabriel, Phil Collins, e i Mr. Mister. Attraverso l'utilizzo di strumenti iconici quali la Drum Machine Roland CR-78 e lo Stage Piano Yamaha CP-80, anche in questo preludio del suo nuovo disco Mormile non solo rende omaggio a queste influenze, ma plasma un'identità musicale che è intimamente sua, come un abito su misura indossato con orgoglio e naturalezza. «“Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” – dichiara - è uno di quei brani che porto nel cuore non solo per la sua origine, ispirata durante uno dei miei “soggiorni creativi” ad Ischia, ma per il significato profondo che racchiude. È una canzone nata dall'esigenza di unire le voci di amici e colleghi con cui ho avuto il piacere e la gioia di condividere il palco e la vita, trasformando l'esperienza individuale in un coro di emozioni e ricordi. Anche in questo caso, a supervisionare la parte testuale ci ha pensato il mio amico e ormai stretto collaboratore Salvatore Palomba, autore della celebre ‘’Carmela’’ portata al successo da Sergio Bruni. Conscio del fatto che il mio suono ha bisogno di una continua evoluzione, mi sono affidato alle mani magiche di Nino Pomidoro, che ha mixato e masterizzato il brano». L'inclusione di Attilio Apa, Giuseppe Toscano, Milena Setola, e Giusy Lo Sapio nel brano non è casuale, ma rispecchia la volontà di Mormile di celebrare il legame indissolubile che la musica sa creare tra le persone, unendo le loro voci in un'unica, vibrante espressione artistica. La partecipazione di Luca Guida, con il suo shaker, impreziosisce ulteriormente la traccia, confermando l'idea che ogni dettaglio, ogni suono, contribuisca a dar vita ad un'opera complessa e stratificata. Nel testo di “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, questa visione viene analizzata, espressa ed enfatizzata in maniera sorprendente: «Dimme si esiste na cosa cchiù fforte ca aunisce tutte ‘e perzone, nun è ll’odio, nun è ll’ammore, nun è religione. Uommene e femmene simme tutte quante figli d’ ‘a fonte d’ ‘e suone...». Queste parole, incise con maestria, riflettono una visione del mondo dove la musica trascende le barriere, diventando un linguaggio universale che parla direttamente all'anima, al di là delle differenze che ancora troppo spesso ci dividono. Tra le discrepanze e i conflitti che continuano a frammentare la nostra contemporaneità, Eric Mormile ci ricorda il potere salvifico dell'arte sonora, capace di creare un senso di appartenenza universale, un luogo giudizio e senza confini in cui ciascun individuo può ritrovare se stesso e gli altri; un ponte indistruttibile che collega tutti noi al di là di qualsiasi spartizione. Questo brano, però, non è solo una riflessione astratta sul potere unificante della musica; è anche la celebrazione tangibile di legami reali, forgiati nel corso degli anni, tra palchi condivisi e momenti di vita vissuta insieme. Mormile, con la sua scelta di includere voci amiche nel pezzo, trasforma il concetto di famiglia musicale in una realtà palpabile, un esempio concreto di come l'arte possa diventare il terreno comune su cui costruire relazioni durature e significative. La musica, quindi, diventa un dialogo continuo, un flusso ininterrotto di comunicazione tra esseri umani che, pur nelle loro peculiarità e differenze, si scoprono uniti da un filo invisibile ma inestricabilmente forte. È in questo spazio sacro, tra le melodie e i ritmi di “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, che Eric e i suoi compagni di viaggio, Attilio, Giuseppe, Milena, Salvatore, Nino e Giusy, tessono insieme un tessuto armonico che avvolge l'ascoltatore, invitandolo a diventare parte di questa grande famiglia musicale. «Questo brano – conclude Mormile - rappresenta l'unione musicale con tutte quelle persone con cui ho condiviso il dono della musica. Attraverso “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” ho voluto rendere omaggio a quei legami che vanno oltre la semplice collaborazione artistica, diventando parte integrante della nostra vita quotidiana. Con Attilio, Giuseppe, Milena, Salvatore, Nino e Giusy, il concetto di famiglia musicale assume una dimensione reale e tangibile, dove ogni nota suonata insieme diventa testimonianza di un'affinità profonda e sincera». La decisione di aprire il suo cuore e la sua arte a questi talenti, non è solo un atto di fiducia e amicizia, ma è anche una dichiarazione importante del valore che il cantautore partenopeo attribuisce alla collaborazione e al condividere esperienze creative. Attraverso questa unione di voci, “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” diventa testimone di come la musica possa essere un veicolo di amore e comprensione reciproca. Questo messaggio si fa portavoce di una visione inclusiva e profondamente umana, dove la musica diventa metafora di vita, un viaggio comune all'insegna dell'emozione e della condivisione. “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” è accompagnato dal videoclip ufficiale curato da Midea di Michele De Angelis e girato nella suggestiva cornice della Music & Art Academy di Milena Setola e Giuseppe Mellone, aggiunge un ulteriore tassello narrativo al progetto. Sotto l'occhio attento dell’ormai irrinunciabile Diana De Luca, la dimensione visiva si fonde con quella musicale, catturando momenti di spontaneità, gioia e complicità che trasudano da ogni inquadratura; un video che racconta storie di vita, le storie di coloro che, proprio come Eric, trovano nella musica la guida, il riparo, lo scudo e l’energia per affrontare e vivere ogni giornata. “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” non è semplicemente un assemblaggio di note e parole, ma un appello sentito ad immergerci nelle profondità delle nostre relazioni, nell'arte e nella stessa essenza della vita, esplorando e valorizzando le connessioni autentiche e sincere che la impreziosiscono con il loro valore. In una società sempre più connessa nel virtuale ma distante nel quotidiano, “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” si pone come una luce di speranza e unità, sottolineando il ruolo della musica come forza unificatrice capace di abbattere ogni barriera, come catalizzatore di emozioni condivise e comprensione reciproca. Eric Mormile, attraverso questo progetto, non solo conferma il suo ruolo di artista innovativo e sperimentatore, ma si propone come un vero unificatore, in un momento storico in cui il mondo ne ha disperatamente bisogno.

Dopo il brillante esordio con l’EP “FREE FALL”, l’eclettico cantautore milanese MADMATT torna nei digital store con "Generazione XXX", il suo nuovo progetto triple track in grado di scavare nelle profondità di una generazione contraddistinta da estremi che oscillano tra luce e ombra, esplorando le dinamiche sociali contemporanee con una sincerità disarmante. Una storia moderna tradotta in musica, una vetrina rossa che mostra l'eccesso di un'era dominata dall’antitetico, dove l'amore si confonde con il desiderio, e i sogni sembrano sempre più un’utopia, un miraggio, un lusso irraggiungibile. Ma questo EP è anche un inno alla ribellione contro le convenzioni, un grido per l'individualità in un mondo che spesso cerca di sopire le voci fuori dal coro. Le tre tracce che lo compongono - "Stai Zitto", "Onlyfans" e "Mondo Matto" - fungono da capitoli di questa narrazione intensa, ciascuna con il suo messaggio unico e provocatorio, ciascuna con la sua accezione anticonformista ed il suo invito a danzare contro l’omologazione. «Oggi ogni cosa è bianca o nera, popolare o emarginata, un capolavoro o un flop, senza mezze misure – dichiara l’artista -. Il futuro dei giovani non è mai stato così lontano; i sogni sono un lusso, l'amore si chiama sesso, i rapporti sono fugaci». "Generazione XXX" è tutto questo e molto di più, un viaggio intimo negli abusi di una società che professa il cambiamento ma lo occulta dietro la maschera dell’apparenza, della convezione e della velleità. "Stai Zitto" rappresenta la traccia inaugurale del concept, emersa spontaneamente in un momento di transizione significativa nella vita di MADMATT. Questo pezzo si manifesta come un'esigenza vitale di espressione, fungendo da potente grido di rivalsa. Tale dinamica, resa ironicamente significativa dal titolo e dal verso «Stai zitto, non parlare, che te ne penti... Saremo il silenzio degli innocenti», evoca l'importanza di far sentire la propria voce in un mondo che spesso impone il silenzio. Un inno alla libertà di espressione e all'affermazione di sé contro ogni tentativo di soppressione, che evidenzia un momento di sincera riflessione. Il progetto prosegue con "Onlyfans", brano-manifesto dell’EP che getta luce sul controverso mondo del celebre social londinese, simbolo della mercificazione del corpo e dell'identità nell'era digitale. Senza cedere a cliché e volgarità, MADMATT racconta una storia di ambizione e perdita di sé, riflettendo sul sottile confine tra la realizzazione personale e la disumanizzazione. Con versi come «Credeva nei diritti d’ogni uomo e nazione... Per questo adesso vende le sue foto OnlyFans», l’artista esplora la divergenza tra ideali giovanili e le scelte adulte, spesso forzate dalla bolla del web. "Mondo Matto", infine, introduce una nota di romanticismo e speranza, nonostante le sfide del vivere contemporaneo. La traccia, con le sue radici jazz riarrangiate in chiave moderna, rappresenta una boccata d'aria fresca, un momento di pausa riflessiva sull'amore e sulla possibilità di trovare bellezza anche nel caos. «In questo mondo matto... Ho perso la ragione e la ragione sei tu», suggerisce che, nonostante l'alienazione generale, la salvezza può essere trovata nelle relazioni personali profonde. Un brano inaspettato, soprattutto dopo l’ascolto dei primi due, decisamente più spinti e crudi nelle sonorità come nei testi. In “Mondo Matto”, MADMATT ha voluto mantenere uno spirito poetico e dolce anche nelle parole, nelle metafore e nelle allegorie, senza rinunciare al suo inconfondibile timbro rock. Il messaggio di "Generazione XXX" è duplice: da una parte, la critica verso un mondo iperconnesso che rischia di annullare l'individualità, dall'altra, un invito a non perdere mai la speranza, a lottare per i propri sogni, i propri ideali, e a cercare, esplorare e far sentire la propria voce unica. MADMATT, con questo EP, emerge non solo come artista di grande talento, ma come narratore di una generazione, che con coraggio, autenticità ed eleganza dipinge tutte le sfumature dell’era moderna. «Ritengo che la mia generazione abbia tra le mani un'arma potente quanto pericolosa, ovvero Internet – conclude -. È uno strumento che può crescere la nostra conoscenza o annientarci come individui. In una sola notte, in un singolo istante, è possibile pubblicare qualcosa che, diventando virale, rende una persona o un messaggio popolare. Può manipolare una verità e condividere una bugia fino a distorcere la realtà. Può rendere vittima di una tempesta d'odio che sfocia nel cyberbullismo. Da una sola opinione, migliaia di persone possono sfogare la loro repressione sociale esprimendo ogni forma d'odio che conoscono. Internet è uno strumento estremo che può darti e toglierti ogni cosa e rappresenta perfettamente la mia generazione, nata schiava dei pregi quanto dei difetti della rete. Credo che non ci sia ancora una vera consapevolezza del suo potenziale, nel bene e nel male, e che a causa di questa grave sottovalutazione, le persone, i giovani, non siano adeguatamente istruiti su vantaggi e pericoli che ne derivano». Sottolineando come la rete possa amplificare la conoscenza o distruggere l'individuo, l'artista riflette sulle conseguenze immediate e a lungo termine della sua viralità. L’osservazione sulla mancanza di consapevolezza e istruzione riguardo i vantaggi e i pericoli di Internet evidenzia una critica profonda verso la società di oggi, svelando una preoccupazione per l'impatto che tali strumenti hanno sulla vita reale e sull'identità delle persone. Questa riflessione offre uno spunto di meditazione sull'uso responsabile della tecnologia e sulla necessità di un'educazione digitale più approfondita. “Generazione XXX” riflette l'evoluzione di MADMATT come artista e come individuo, testimoniando la sua crescita e la sua volontà di affrontare temi rilevanti e spesso scomodi, dando voce a chi si trova a navigare la complessità, la frenesia e la dicotomia del mare magnum contemporaneo. "Generazione XXX" si preannuncia come una pietra miliare nel percorso di MADMATT, un cantautore che non ha paura di guardare in faccia la realtà e di trasformarla in arte. Con questo EP, MADMATT esorta gli ascoltatori a riflettere, a sentire, a vivere pienamente - anche nei momenti di contrasto e difficoltà - celebrando la potenza trasformativa della musica.... Continua a leggere

A poco meno di un decennio dalla loro formazione ad Arcole e a due anni dal rilascio del secondo EP "Golden House" e dall’apertura agli Zen Circus allo Sherwood Festival, il duo veronese Attack the Sun, gioiello dell'alternative italiano, torna a fondere rock, hip hop, elettronica e introspezione in "Paranoia" (Virgin Music LAS Release/Newphonix/distr. Universal Music Italia). Con questo nuovo singolo, Alessandro Stevani e Giacomo Feltre si riconfermano ambasciatori di un sound che sfida i confini tra i generi, dando vita ad un connubio esplosivo che diventa un manifesto di libertà dalle trappole dell’essere, una confessione musicale che affronta la lotta quotidiana contro le paure che ci assediano, ergendo muri impenetrabili nella nostra mente. Il testo racchiude l’essenza del combattimento tra la paura di perdere il controllo di sé e il desiderio di emancipazione: «Paranoia is my only fear» («La paranoia è la mia unica paura»), ammette il duo, ponendo le fondamenta di una narrazione che non solo si addentra nelle ombre dell'animo umano, ma illumina anche la via d'uscita attraverso l'accettazione e la resilienza. Un viaggio catartico nelle profondità della psiche che si fa portavoce di un messaggio potente, e che nel suggestivo passaggio «Don’t be afraid, I’d like to save you from my mistakes» («Non avere paura, vorrei salvarti dai miei errori»), si pone come un invito a superare le barriere autoimposte, riconoscendo negli errori non un limite, ma un trampolino di lancio verso la comprensione e il controllo delle proprie emozioni. Questo nuovo capitolo della loro carriera, non è solo un’esortazione alla resilienza, ma anche un'ammissione di vulnerabilità che umanizza l'esperienza di ascolto. L’accezione del pezzo e l’importante messaggio che racchiude, si trasformano in una promessa di redenzione, un ponte gettato sulle acque tumultuose dell'auto-riflessione, incoraggiando il pubblico ad abbracciare i propri errori come step necessari verso la crescita personale e la libertà emotiva. La musica degli Attack the Sun diventa così non solo la perfetta colonna sonora per riflettere sul prezioso valore delle fragilità, ma la chiave di volta per il superamento di quei confini mentali che troppo spesso ci relegano in una "cella oscura ed isolata". In attesa del terzo omonimo EP "Paranoia" - che promette di esplorare ulteriormente le dinamiche dell'animo umano e la cui uscita è prevista per il prossimo 24 Maggio -, questo nuovo singolo consolida gli Attack the Sun come una delle band più autentiche e innovative del panorama musicale alternativo italiano. Con "Paranoia", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Tommy Antonini e girato all'Effugio Escape Room di Verona, gli Attack the Sun non solo segnano il loro dinamico ritorno sulla scena musicale, ma offrono anche un invito a riflettere sulla capacità trasformativa della musica. “Paranoia” anticipa un'era di riflessione profonda, non solo per la band, ma per chiunque ascolti, invitando a un viaggio di scoperta personale in cui la musica diventa guida, conforto e, soprattutto, speranza.

Il duo musicale Ferrinis, composto dai fratelli Maicol e Mattia Ferrini, celebra la primavera arricchendo la scena musicale italiana di nuova energia: dopo l'acclamato successo del primo omonimo album “Ferrinis”, che ha collezionato oltre 300.000 streams, il duo romagnolo torna a far parlare di sé con “La Voglia Che Mi Fai”, vibrante anteprima della versione deluxe del disco che promette di diventare un nuovo inno all'amore in chiave pop-dance. Il singolo, una preziosa svolta nella loro già brillante carriera, esplora le sfumature del cuore con una profondità e un'intensità di raro riscontro, delineando il percorso dell’innamoramento da un'attrazione iniziale, quasi timida, fino ad un desiderio ardente e condiviso. Un sentimento acceso da un segreto gelosamente custodito, che cresce e si evolve in una confessione di attrazione totalizzante, partita dal corpo e giunta a sfiorare e ad abbracciare mente, anima e sensi. «Se ti racconto un segreto cosa fai, tienilo solo per te», cantano i due fratelli in apertura, utilizzando la loro arte per tessere una narrazione che celebra l'amore in tutte le sue forme, dalla gioia pura di un ballo a piedi nudi nella propria casa fino alla complessità delle dinamiche di coppia. La sincerità con cui i Ferrinis esprimono il desiderio e l'amore è palpabile in ogni nota, rendendo "La Voglia Che Mi Fai" una canzone universalmente riconoscibile e profondamente umana. Avvolta da sonorità dance ballabili e frizzanti, perfette per la stagione appena sbocciata, ed un testo che esprime emozioni autentiche e viscerali, questa traccia si configura come un inno alla primavera dell'anima, quando i sentimenti fioriscono con nuovo vigore e il cuore si apre a possibilità inesplorate. Il ritornello del brano cattura l'essenza di un'attrazione irresistibile, una forza che trascende la razionalità e si annida nel profondo, diventando un richiamo che non ammette indugi. I Ferrinis, con questa release, sottolineano come l'amore, in tutte le sue manifestazioni, sia un'esperienza sensoriale completa che coinvolge ogni aspetto dell'essere, rendendo ogni momento di condivisione unico e irripetibile. Nati e cresciuti a Forlì a distanza di un anno l’uno dall’altro, Maicol e Mattia hanno coltivato fin da piccoli una passione per la musica dance, passione che li ha accompagnati attraverso l'adolescenza e che, nonostante una breve pausa, è riesplosa durante la quarantena. Con "La Voglia Che Mi Fai", il duo non solo torna alle proprie radici musicali ma le reinventa, infondendo nel genere dance una freschezza e una profondità emotiva che sono, sin dagli esordi, il loro marchio di fabbrica. Questo brano, afferma i Ferrinis come narratori di storie che sanno di vita vissuta, di emozioni palpabili, avvolgendo l'ascoltatore in un'atmosfera che è al contempo energetica e intima, grazie ad una produzione minuziosamente curata che riflette l'abilità del duo di giocare con i contrasti per creare un'opera complessa e stratificata. “La Voglia Che Mi Fai” è una porta verso la comprensione più profonda del nostro sentire, un viaggio che inizia con un "segreto" e si apre a un universo di possibilità. È un encomio della bellezza dell'amore nella sua interezza, che incoraggia gli ascoltatori a vivere ogni sfumatura di questo sentimento con coraggio e passione, invitando anche ad un dialogo aperto sulle infinite opportunità che l'amore offre e rendendo la musica un ponte verso la scoperta di noi stessi e degli altri.... Continua a leggere

Tarci, cantautore siciliano d’adozione toscana, debutta nei digital store con "Tu...";, un singolo che parla direttamente al cuore. Frutto della collaborazione con il produttore Massimiliano Cenatiempo e distribuito da Greys Company, "Tu..."; rappresenta il primo capitolo di un ambizioso progetto discografico che l’artista intende sviluppare nei prossimi anni. Interamente scritto dallo stesso Tarci, "Tu..."; invita gli ascoltatori ad un'introspezione profonda, inaugurando così il suo percorso nel mercato con una promessa: rinnovare il linguaggio dell'amore nella musica contemporanea. "Tu..."; è una delicata esplorazione dell'amore nelle sue molteplici forme e sfumature - l'amore per una moglie, un figlio, una madre, un amico. Tarci, con la sua scrittura emblematica e riflessiva, si avventura nel territorio vasto e complesso dei sentimenti, rivelando che, a volte, le parole più semplici possono essere le più difficili da pronunciare. «Non so dirti che ti amo, troppo forte per un uomo», canta, esprimendo la vulnerabilità e l'intensità a cui un singolo "ti amo” può portare. Il brano si apre con un’emozionante constatazione: «Quante cose vorrei dirti, ma non son bravo io con le parole»; un verso che, sin da subito, immerge l'ascoltatore nella sincerità e nella fragilità dell'artista. È una confessione, un'ammissione che, nonostante la difficoltà di esprimere verbalmente i propri sentimenti, l'amore trova sempre un modo per manifestarsi - un semplice abbraccio, uno sguardo, una canzone. La collaborazione con Massimiliano Cenatiempo, noto per la sua abilità nel creare arrangiamenti emozionali, aggiunge una dimensione sonora ricca e avvolgente al brano. La produzione di "Tu...";, concepita per amplificare l'intimità delle parole di Tarci, crea un'atmosfera in cui l'ascoltatore può perdersi, ritrovandosi. La Greys Company, con la sua visione all'avanguardia, ha riconosciuto il potenziale trasformativo del singolo, sostenendo Tarci nella sua missione di portare al mondo una nuova consapevolezza dei sentimenti attraverso la musica. La forza di "Tu..."; risiede nella sua capacità di parlare direttamente all’anima di chi ascolta, conducendo ad un’importante riflessione su come l’amore possa essere espresso e vissuto in modi differenti, anche quando le parole faticano ad uscire. Tarci racconta questa dinamica con delicatezza e poesia, accompagnato da un arrangiamento che esalta la purezza del messaggio. Ma in quest’opera, l’artista non si limita a narrare la purezza di un sentimento in termini convenzionali; attraversa invece le barriere del visibile per sfiorare e penetrare quelle dell'invisibile, dove i battiti prendono vita in gesti e si dichiarano in momenti di silenzio carichi di significato, in sguardi che comunicano più di mille parole. È qui che il pezzo assume una dimensione universale, giungendo con autenticità e immediatezza a chiunque abbia mai sperimentato la complessità di amare e di essere amati. «Tu mi fai sentire grande e per me tu sei importante» canta Tarci, ricordandoci che l'amore, nella sua essenza più pura, ha il potere di elevare, di guarire e di trasformare. La carriera di Tarci, sebbene abbia preso il via ufficiale solo nel 2024, è costellata di anni di dedizione e passione per la musica. La sua scelta di aprire finalmente il proprio cuore al mondo, superando incertezze e paure, si riflette nella sincerità e nell'istantaneità delle sue parole. "Tu..."; è solo l'inizio di un viaggio che lo vedrà esplorare ulteriori profondità dell'esistenza umana attraverso le sue release, promettendo di essere una voce guida per le nuove generazioni, un bagliore di speranza per chi cerca comprensione nei meandri dei propri sentimenti. Con "Tu...";, Tarci non offre solo una canzone, ma un manifesto emotivo che ridefinisce l'essenza stessa della Canzone d’Amore. Questa piccola gemma indie-pop diventa un ponte tra le anime, un invito a condividere e a vivere i sentimenti in ogni loro forma, ricordandoci che la vera forza risiede nell'essere capaci di amare se stessi per poter poi donare incondizionatamente agli altri.

Nel firmamento musicale italiano, la fortuna non arriva mai per caso. È frutto di talento, passione e di una continua ricerca dell'eccellenza. I LUMIED, vibrante trio apulo-romano composto da Luana Montone, Edoardo Schiaffi e Michele Penisola, sono l’emblema di questa verità. Dopo aver incantato l'audience nazionale con la loro hit "Dea Fortuna", dimostrano ancora una volta di essere favoriti non solo dalla dea del caso, ma anche da quella del duro lavoro e dell'ingegno, tornando sui digital store con “Samurai”, il loro nuovo singolo. Un viaggio attraverso le sfide e le battaglie quotidiane che ognuno di noi affronta nella propria vita, che con l'energia e la dinamicità che contraddistinguono la band, si muove attraverso ritmi incalzanti che fanno da sfondo a parole profonde, evocative di un'antica saggezza applicata al mondo contemporaneo. «Io ci penso a ciò che devo fare adesso, non mi dire che cosa resterà nel mezzo», canta Luana, voce del gruppo, invocando l'immagine del guerriero che, consapevole delle proprie responsabilità, si prepara a fronteggiare il destino senza esitazione. Nei versi di "Samurai", i LUMIED non solo raccontano, ma vivono la lealtà e i principi dei guerrieri giapponesi, traslandoli alla frenesia di tutti i giorni. Il brano si sviluppa come un dialogo intimo, che svela l'importanza di essere presenti per chi ci circonda, senza tuttavia cadere nell'eccesso della totale disponibilità, poiché, come ben espresso nel testo, «nella folla dei mille serpenti» vi è sempre chi si approfitterebbe di questa generosità. Con un messaggio chiaro e potente, "Samurai" indaga il tema dell'autodeterminazione e della resilienza. «Non bisogna mai fare tanti salti come i samurai», ci ricordano i LUMIED, sottolineando la necessità di rimanere fermi nei propri principi, anche quando tutto intorno a noi sembra richiedere continue concessioni. Questa canzone rappresenta l'essenza stessa della band: lottatori instancabili, pronti a superare ogni sfida con grazia e tenacia, senza mai perdere di vista chi sono e da dove vengono. Dalla loro formazione nel 2020, i tre eclettici artisti hanno sempre portato avanti una missione: regalare agli ascoltatori momenti di allegria e spensieratezza attraverso la loro musica. "Samurai" non fa eccezione, ma va oltre, invitando il pubblico a riflettere sul significato più profondo delle proprie battaglie quotidiane. È un inno alla forza interiore che risiede in ciascuno di noi, una forza che ci permette di affrontare il nostro percorso con coraggio, proprio come gli antichi guerrieri giapponesi. Con questo singolo, i LUMIED non solo confermano il loro talento eccezionale e la loro capacità di toccare il cuore delle persone con sensibilità e carisma, ma offrono anche una nuova prospettiva su come affrontare la vita, ispirata dall'antica saggezza dei samurai. "Samurai" è destinato a diventare un punto di riferimento nella discografia della band, un brano che ci ricorda che infondo, nel viaggio della vita, siamo tutti dei guerrieri.... Continua a leggere

Con un debutto che segna immediatamente la sua presenza nel panorama musicale italiano, Andrea Bosio, in arte BOSIO, lancia il suo primo singolo ufficiale, "Prima di Dirsi Addio" (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia). Questa traccia, presentata in anteprima a Casa Sanremo 2024, ha istantaneamente catturato l'attenzione di pubblico e critica, configurandosi come un diario di note che trae origine da reali momenti di vita, trasformando il vissuto in una piccola gemma che dalle orecchie arriva dritta al cuore. Nato dagli incontri e dalle esperienze dirette dell’artista durante i suoi spostamenti in treno tra eventi e contest musicali, "Prima di Dirsi Addio" rappresenta non solo un inizio promettente ma anche un punto di svolta nell'espressione stilistica di BOSIO. Il brano, infatti, oltre ad aprire un respiro discografico più ampio e strutturato, rappresenta un viaggio emotivo che trascende il comune sentire, frutto di intrecci, storie e volti raccolti nel quotidiano. Uno sguardo intimo sulle dinamiche dell'amore e della perdita, una finestra sul mondo di BOSIO, una confessione profondamente personale che risuona con la sincerità di chi vive la musica come diretta estensione di sé, rivelando le sfumature di un talento che non teme di esplorare le complessità dell'amore e della sofferenza causata dalla sua assenza. Il singolo narra la delicata fase di una relazione giunta al capolinea, catturandone l'ultimo anelito, il tenue istante prima dell'inevitabile addio. Il ritornello, in particolare, offre uno scorcio emotivamente carico, evocando l'immagine di due anime sul punto di separarsi, con una canzone alla radio a fare da sfondo; forse, quella stessa melodia che un tempo li aveva fatti innamorare. Questo momento di realizzazione, in cui emerge la consapevolezza di un rapporto non più puro ma ridotto a "polvere", viene descritto con toccante lucidità, evidenziando la profondità della riflessione di BOSIO sui sentimenti autentici e la sua destrezza nel trasformare il dolore e la consapevolezza in arte. Attraverso versi come «A volte penso vada tutto bene, lascio la testa fra le nuvole. Sono un ingenuo che non sa volare, ora cado se cammino senza te», il cantautore piemontese esprime la vulnerabilità dell'essere umano di fronte all'amore e alla perdita, delineando con delicatezza la condizione di chi si trova a dover accettare la fine di un capitolo importante della propria vita. E nel passaggio «Abbiamo avuto una casa con pareti di carta pensando durasse per sempre, ma è bastata una pioggia», BOSIO utilizza la potente metafora della fragilità delle fondamenta su cui spesso costruiamo le nostre relazioni. Le "pareti di carta" simboleggiano l’instabilità di un legame che, nonostante le speranze e i sogni condivisi, si rivela incapace di resistere alle prime avversità, rappresentate da una “pioggia” che ha il potere di dissolvere ogni illusione. Questa immagine cattura l'essenza della transitorietà e dell'apparente solidità delle relazioni umane, sottolineando come, talvolta, basti un cambiamento impalpabile per rivelare la vera natura di ciò che credevamo eterno. Un’analogia che non è solo un commento sulla natura effimera di alcune storie d’amore, ma diventa un promemoria sulla necessità di affrontare le relazioni con onestà, consapevolezza e una maggiore attenzione alla realtà delle cose, per evitare che i sogni condivisi sfumino al primo ostacolo. Un delicato richiamo all'attenzione e alla cura necessarie per nutrire legami autentici, capaci di resistere non solo alle tempeste ma anche alla più lieve perturbazione, convertendo ogni sfida in un'opportunità per rinforzare anziché erodere i legami che ci uniscono. La suggestiva lirica di chiusura «tra milioni di scuse abbiamo perso la strada e non ci incrociamo più», riflette sull'accumularsi di piccoli errori, omissioni e incomprensioni che, nel tempo, possono allontanare irrimediabilmente due persone. La perdita di visioni, prospettive e obiettivi comuni, delinea il punto di disconnessione che si insinua lentamente tra i partner, fino a rendere impossibile persino incrociarsi. Nato a Torino il 17 marzo 2003 e cresciuto a Piscina, un tranquillo paese ai bordi del capoluogo, BOSIO ha iniziato a esplorare il mondo dello spettacolo già all'età di 8 anni, innamorandosi dell’arte attraverso il teatro musicale durante la scuola media. Il suo talento e la sua passione lo hanno portato a studiare canto e pianoforte, quest'ultimo diventato presto il suo "grande amore", e a partecipare sin da adolescente a concorsi nel nord Italia. Dopo il diploma, l'ingresso all'accademia "Art Village" di Roma ha segnato l'inizio di un nuovo capitolo della sua vita, dedicato interamente alla musica. "Prima di Dirsi Addio", accompagnato dal videoclip ufficiale, rappresenta l'apice di questo viaggio artistico e personale, offrendo al pubblico non solo un brano di straordinaria bellezza, ma anche un messaggio universale sulla fragilità delle relazioni e sulla forza necessaria per affrontare i cambiamenti. Con questo singolo, BOSIO non solo conferma il suo indiscutibile talento, ma si afferma come una delle voci più autentiche e promettenti della nuova generazione musicale italiana, capace di toccare il cuore e l'anima degli ascoltatori.... Continua a leggere

In un'epoca in cui il mercato musicale sembra aver dimenticato l'essenza stessa del rap, concentrandosi più sul profitto che sull'integrità artistica, il casertano Masterman MC torna sulle scene per riaffermare i valori autentici della cultura Hip Hop con “Tutto ciò che ho” (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo prodotto da A Maronna Records. Una dichiarazione d'intenti, un manifesto che rivendica l'essenza del rap come strumento di denuncia e pura espressione, che attraverso barre taglienti e punchlines disarmanti dà vita ad una narrazione cruda e senza filtri, in cui Masterman MC condivide la propria storia, le battaglie affrontate, i sacrifici e le conquiste che hanno segnato il suo cammino professionale. Nato ad Aversa (CE) il 13 agosto 1990 e cresciuto tra battle freestyle in tutta la nazione, l’artista ha saputo trasformare ogni ostacolo in un trampolino di lancio che gli ha consentito di ottenere attenzione, visibilità e rispetto da parte della scena. Trasferitosi ad Avellino, ha coltivato la sua passione e le sue artistry, diventando un punto di riferimento nel panorama musicale grazie a una serie di successi che lo hanno visto protagonista sui più prestigiosi palchi del rap-game italiano. «Ho dato tutto per sta musica che ora mi butta giù»: il brano si apre con questa affermazione potentissima, svelando immediatamente la dualità di una passione che è sì fonte di ispirazione, ma anche un costante campo di battaglia, sempre più minato da dinamiche molto lontane dall’essenza del genere. Questa frase, simbolo di dedizione assoluta, fa da ponte tra l'anima dell'artista e l'ascoltatore, invitandolo a riflettere sulla sincerità e sull'impegno che si celano dietro ad ogni nota e ad ogni singola rima. Una critica aperta all’industria musicale contemporanea, accusata di essersi allontanata dai principi fondamentali della cultura rap. «Vedo sti MC tracotanti e traggo tanti abbondanti spunti su come fermarmi»: con un flow impeccabile ed un’urgenza espressiva che trasuda in ogni incastro, Masterman MC si pone in netto contrasto con chi, nel settore, privilegia l'apparire sull'essere, il profitto sull'arte. In un’era in cui troppo spesso prevalgono le apparenze, la voce di Masterman MC si distingue per il suo coraggio nel difendere l'identità e l'autenticità del rap come espressione culturale. Ed è nel cuore del singolo che l’artista intreccia la propria esistenza con l'essenza del rap, delineando un legame indissolubile con la musica che va oltre la semplice professione; è un'identità, una missione. Il ritornello, con quell’«Ho dato tutto per sta musica, è tutto ciò che ho» che risuona come un mantra, una promessa incisa a fuoco nell’anima che dà senso al quotidiano, non è solo una dichiarazione d'amore verso il rap, ma una testimonianza di vita, in cui la musica diventa l'unico vero patrimonio, l’unica eredità che permane oltre al tempo, la somma di tutte le esperienze, di tutti i sacrifici, di tutte le cadute e di tutti i successi. Il passaggio immediatamente successivo - «Vivo di sto suono di sto flow, di sta cultura di ogni Bro. Tu grida Hip Hop, Hip Hop, questo è il suono che rappresenta tutto ciò che ho» -, rafforza questa visione, enfatizzando l'importanza della comunità hip hop come famiglia scelta, sorgente di ispirazione e di sostegno. Un invito aperto a riconoscere e celebrare l'hip hop non solo come genere musicale, ma come cultura, come movimento, come voce di tante generazioni che, proprio in quella cultura e in quel senso di appartenenza, si riconoscono, si uniscono, si rispettano e si supportano. Masterman MC si distanzia con fermezza dalle logiche mercantili che troppo spesso dominano il panorama musicale contemporaneo e nel verso «A vendermi per quattro spicci io non mi ci vedo, credo nei valori di sta roba non per i suoni per la moda», presenta una critica pungente ad un sistema che sembra valorizzare più l'immagine e il guadagno economico rispetto all'autenticità artistica e ai principi fondanti dell’hip hop. Queste parole riflettono un impegno verso l'integrità, una scelta di campo in difesa dei veri valori del rap, che per Masterman MC sono inalienabili e non negoziabili. "Tutto ciò che ho" è un inno alla resistenza, un grido di protesta contro un sistema che sembra aver perso la bussola, ma anche un messaggio di speranza per chi crede ancora nel potere salvifico della musica. Con questo pezzo, Masterman MC non solo si conferma artista di straordinario talento e profondità, ma si propone anche come custode dei valori autentici del rap, in un momento storico in cui la loro difesa diventa sempre più cruciale. "Tutto ciò che ho" è una vera e propria presa di posizione, un grido che risuona forte contro le dinamiche che minacciano di soffocare l'arte pura. Masterman MC, con la sua storia di resilienza e di successo, incarna l'essenza di ciò che significa essere un vero artista nel panorama rap: qualcuno che, nonostante le sfide, rimane fedele alla sua arte, ai suoi valori, e soprattutto, alla sua comunità.... Continua a leggere

Ci sono voci capaci di incarnare la quintessenza dell’emozione e dei sentimenti, voci in grado di accarezzare l’anima alleviandola dalla sofferenza, dalla fatica, dal rimorso e da qualsiasi tipo di fardello interiore, rigenerandola e corroborandola di nuova linfa. Tra queste, vi è senza dubbio quella di Kimele, il cantautore partenopeo che dopo aver incantato pubblico e critica con la profonda sensibilità della sua penna e l’eleganza di ogni sua interpretazione, torna in radio e nei digital store con "Rimarrò tua", una delle sue opere più potenti e commoventi nata come catarsi dal dolore generato dalla perdita di una persona cara. Con un calore e una profondità senza pari, l’artista offre una mano tesa a chiunque abbia perso un pezzo del proprio cuore, conducendolo in un viaggio attraverso la malinconia e il coraggio che ci ricorda che, nonostante la scomparsa fisica, l'amore vero non ci abbandona mai. Un intenso spiraglio di luce nell'oscurità del lutto, una tela di ricordi e sensazioni che, pur nell'angoscia della perdita, si tinge di speranza e di un sentimento puro, incondizionato e più vivo che mai che supera i confini della permanenza terrena. Con una delicatezza e un'empatia che solo un artista del suo calibro può offrire, Kimele ci invita a riflettere sulla perpetuità del legame che unisce le anime, ben oltre il dolore della separazione. “Rimarrò tua” è un mosaico emotivo, un insieme di sofferenze condivise che trovano espressione non solo attraverso le liriche del cantautore, ma risuonano nelle pieghe interiori di chiunque abbia vissuto un vuoto incolmabile. In versi struggenti e commoventi, ma al tempo stesso intrisi di luce, di vita, come «Tu che splendi come sempre nelle rughe della mente, anche se non puoi parlare io che ti sento respirare», Kimele riesce a dare voce ai battiti spezzati dalla sofferenza, al silenzio di chi, nell’osservare inerme e incredulo il tormento di chi ama, rimane senza parole, privato d’un tratto di un’importante parte di sé. Ma nel grido composto di chi attraversa il tunnel di un addio e di un’assenza non scelti e nell’eco di una dolce malinconia, trova spazio la risonanza di affetto, di amore eterno, la convinzione che, nonostante l’inevitabilità della morte, il filo invisibile che unisce due esseri non si dissolverà mai, continuando a brillare oltre il velo del tempo e dello spazio. Un addio che si tramuta in promessa eterna, una confessione, un manifesto di resilienza che ci ricorda come, anche nei momenti di maggiore disperazione, si può trovare la forza di guardare avanti, sostenuti dall'amore di chi, sebbene non più fisicamente presente, rimane per sempre con noi, nei nostri ricordi, nei nostri sogni, nel profondo del nostro cuore. «Questo brano – dichiara Kimele -, a differenza degli altri, è stato scritto in diversi momenti. La paura di poter dare un messaggio sbagliato, mi ha spinto a scrivere un testo che potesse essere immediato e soprattutto emotivamente toccante. Credo che nella musica ci sia bisogno di tanta SINCERITÀ. Scrivere una canzone è una responsabilità non indifferente». Una responsabilità e un impegno che l’artista cristallizza in questa release, esplorando la vulnerabilità umana come un profondissimo atto d’amore. "Rimarrò tua" è un abbraccio, un conforto per coloro che affrontano il vuoto lasciato dalla perdita, un messaggio che nel cuore del dolore più profondo, vi è ancora spazio per la speranza, perché infondo, sono sempre e solo i sentimenti a renderci veramente vivi.... Continua a leggere

A poco più di 5 mesi dal suggestivo esordio con “Notte stellata”, brano con cui ha magistralmente dipinto la serenità, la familiarità e il calore generati dal primo amore, la cantautrice pugliese Yume torna ad affondare la sua penna vivida e sensibile nel complesso calamaio dei sentimenti umani in “Corno Blu”, un'ode emozionante e malinconica all’amore non corrisposto che affonda le radici nell'anima sin dal primo ascolto. Un viaggio emotivo che esplora le profondità dell'amore a senso unico, delle attese inappagate e dei rimpianti. Attraverso questo pezzo, Yume riesce ancora una volta a catturare l'essenza dei rapporti interpersonali, tessendo il delicato intreccio delle sue riflessioni e della sua musica. Questo progetto musicale, imbevuto di battiti sospesi sul filo del ricordo, narra con una sincerità e una delicatezza disarmanti una confessione intima, un dialogo aperto con il proprio cuore. Con un testo intensissimo, corroborato di un liricismo che sa essere al contempo soggettivo e universale, il brano si tinge di speranze inespresse e di una felicità mancata nelle sfide del quotidiano, aprendosi con una serie di interrogativi che rimandano direttamente alla ricerca di dolcezza in un mondo troppo spesso amaro, in cui il bisogno di conforto si scontra con la realtà dei sentimenti non corrisposti. «Vorrei sapere perché non metti mai, proprio mai, lo zucchero nel caffè», canta Yume, in una metafora d’impatto che simboleggia egregiamente l’accezione melanconica del pezzo. Le strofe si susseguono sviluppando e dando vita ad una narrazione intima e poetica, in cui la memoria dei momenti condivisi si mescola alla consapevolezza di un desiderio destinato a rimanere inascoltato. «Il mio nome detto da te ha un altro sapore»; parole che evocano la trasformazione personale attraverso l'amore. Perché non è solo una questione di identità, ma di come la purezza di un sentimento possa alterare la percezione che abbiamo di noi stessi, del mondo e del posto che occupiamo al suo interno. Questa frase, potentissima nella sua semplicità, racchiude l’energia salvifica dell'essere amati, il modo in cui l'amore di qualcuno può cambiare il nostro stato interiore e la nostra visione sul mondo, conferendo alle cose più comuni – come il nostro nome – un significato ed una bellezza nuovi e inaspettati. E nel verso «Ed è successo anche a me di non trovare facilmente il senso delle cose», Yume riflette sull’esperienza di smarrimento e ricerca di significato. Parole che simboleggiano l'empatia e la condivisione di vulnerabilità; il riconoscimento che, in qualche momento della vita, tutti noi ci troviamo disorientati, cercando di comprendere il nostro posto nel mondo e le ragioni dei nostri sentimenti. Con le sue melodie avvolgenti ed un testo di rara levatura, “Corno Blu” è uno specchio in musica delle complessità dell'amore e delle relazioni che dimostra come la diversità possa attrarci e quanto, nel desiderio dell'altro, cerchiamo di trovare un rifugio dalle tempeste emotive che ci abitano. Ma questo brano non si limita a raccontare un sentimento non corrisposto, bensì, invita gli ascoltatori all'introspezione, offrendo uno sguardo sulle proprie fragilità e sul coraggio di accettarle ed affrontarle, diventando un inno alla resilienza, un messaggio di speranza per chiunque si trovi a navigare le acque tumultuose dell'innamoramento a senso unico. «"Corno Blu" – dichiara l’artista - è nata da una serie di riflessioni e momenti di ispirazione che ho vissuto durante un periodo di grande introspezione. Ho scritto questa canzone perché in quel periodo sentivo una profonda divisione tra la gioia che si prova nell’essere innamorati e la tristezza nel sapere di non essere ricambiati. È stata una sorta di catarsi, un modo per esplorare le sfumature delle mie emozioni attraverso la musica e le parole. Per me, "Corno Blu" rappresenta un viaggio emotivo. È una parte di me, un riflesso delle mie esperienze e delle mie emozioni, e spero che possa toccare il cuore di chiunque l’ascolti». La storia di Yume è quella di un’artista che ha trovato nella musica non solo un mezzo di espressione, ma una necessità vitale. Cresciuta nel cuore della Valle d'Itria, a Martina Franca, Yume (che significa "sogno" in giapponese) ha saputo catturare l'essenza dei sogni nelle sue canzoni, spaziando dall'effimero a quel profondamente personale che sa sfiorare, accarezzare e parlare ai cuori di tutto il mondo. "Corno Blu" è la sintesi, l'epitome di questo viaggio: un'esplorazione delle emozioni che ci esorta ad affrontare senza timori, dubbi o vergone le nostre vulnerabilità. La musica di Yume, come sempre, trascende le parole, creando un ponte tra l’onirico e il reale, tra il desiderio e l'accettazione. "Corno Blu" è una catarsi, un’esortazione a riflettere sulla bellezza intrinseca di ogni forma di amore, anche quella più dolorosa. Con "Corno Blu", Yume non solo condivide una parte di sé, ma tende una mano a chiunque si senta solo con i propri frammenti di cuore, offrendo una colonna sonora che accompagna, consola e ispira. Questo progetto è un invito a immergersi nelle profondità delle emozioni, trovando forza nella vulnerabilità e bellezza nella complessità di ogni singola forma d’amore.... Continua a leggere

Giuseppe D'Alonzo, il cantautore e chitarrista pescarese noto per la sua attitude rock/blues e per aver fondato i Crabby's, torna sulle scene musicali con un nuovo singolo che promette di scuotere l'anima e muovere i corpi: "Mattinieri del Tempo". Dopo aver esplorato il panorama acustico con delicatezza e introspezione, D'Alonzo abbraccia nuovamente le sonorità che lo hanno consacrato e contraddistinto, presentandoci un brano dal sapore indiscutibilmente rock e irresistibilmente disco. Un vero e proprio inno alla resilienza dell'essere umano, incapsulato in melodie capaci di fondere magistralmente ritmo e riflessione. Già noto a pubblico e critica per opere che flirtavano con il dancefloor come "Non imitare mai" e "Tipico", l’artista questa volta spinge il pedale dell'acceleratore sull'energia ballabile, consegnandoci un pezzo che si sposa perfettamente con ogni pista da ballo italiana. Il testo di "Mattinieri del Tempo" affronta con acutezza e una punta di amara ironia la tematica della cosiddetta "guerra dei poveri", un fenomeno sempre più palpabile nella società contemporanea, in cui la classe media si trova schiacciata e l'inflazione erode il potere d'acquisto. D'Alonzo, con la sua penna fulgida e affilata, dipinge vividi ritratti di quegli "arrampicatori sociali" pronti a tutto pur di emergere, definendoli "mattinieri del tempo" che «si dispongono a corte come fanti che indossano sai». Mediante versi come «Cosa parli del vento se non hai neanche un po' corteggiato il deserto quando il sole diceva di no», il cantautore e chitarrista pescarese invita l'ascoltatore a meditare sulla genuinità dell'esperienza e sull'importanza di affrontare le proprie battaglie con coraggio e integrità. La critica attenta e pungente su cui si articola la traccia, non risparmia nemmeno la classe dirigente, colpevole, secondo D'Alonzo, di aver condotto il Paese in uno stato di crisi perpetua, senza mai assumersi le proprie responsabilità. Al di là della sua indiscutibile qualità musicale, "Mattinieri del Tempo" è un'opera intrisa di significati profondi e attuali, un invito a riflettere su questi temi, un richiamo a non restare indifferenti di fronte alle ingiustizie che ci circondano. Un brano-manifesto, un grido di battaglia contro la conformità e l'apatia che troppo spesso caratterizzano la nostra società. L’artista, con la sua proverbiale maestria, ci guida in un cammino sulle complessità della vita moderna, esplorando temi di lotta, resilienza, perseveranza e la costante ricerca dell'autenticità in una contemporaneità che premia l'omologazione. L'originalità del videoclip ufficiale che supporta il singolo, realizzato con la collaborazione della talentuosa Boogie Bombs Crew - una crew tutta al femminile nata a Roma nel 2018 dall'incontro di sei ballerine provenienti da diverse parti d'Italia che unisce sei linguaggi e personalità artistiche con l'esigenza e il desiderio di emanciparsi sotto lo stesso nome - per la regia del visionario Michele Macaluso, aggiunge ulteriore fascino al progetto, dimostrando un'attenzione particolare alla sinergia tra musica e immagine che impreziosisce l'esperienza d'ascolto. Una celebrazione della forza espressiva della danza, che nell’energia delle ballerine professioniste e nella loro capacità di comunicare attraverso il movimento, incarna perfettamente lo spirito del pezzo, rendendo il video non solo un accompagnamento visivo al brano, ma una componente essenziale del messaggio che D'Alonzo desidera trasmettere. "Mattinieri del Tempo" non è solo un brano che invita a ballare, ma è anche un monito, un’esortazione a non perdere di vista l'essenza dell'umanità e della solidarietà anche nei momenti più bui. L’artista ci ricorda che, nonostante tutto, la musica rimane uno strumento potentissimo di espressione e cambiamento, capace di unire le persone e di ispirare alla resistenza e alla speranza. Con una carriera costellata di successi e collaborazioni significative, sia a livello nazionale che internazionale, Giuseppe D'Alonzo conferma con questo suo come back rock-dance il suo talento ineguagliabile e la sua capacità di rinnovarsi, rimanendo al contempo fedele alla sua visione artistica e ad una cifra stilistica unica e riconoscibile. Questo brano si pone come un nuovo capitolo entusiasmante della sua discografia, segnando l'inizio di un anno che promette di essere ricco di sorprese e di nuova musica che, senza dubbio, continuerà a parlare al cuore e all'anima degli ascoltatori.... Continua a leggere

Hanno affascinato pubblico e critica con l’intenso inno d’esordio pop-rock "Ruggine" e con il debut album intriso di suggestioni "Lì dove ci sono le stelle", ed ora, a distanza di quasi 4 anni dal sognante “ll mondo che vorrei”, i Boavista, band bolognese che ha fatto della fusione tra sonorità incisive e tematiche sociali la sua cifra stilistica, torna in radio e nei digital store con "Prima di Dormire", brano che segna l'inizio di un nuovo emozionante capitolo nella loro carriera, riconfermando un’ineccepibile abilità nel fondere la ribellione tipica del rock all’attualità del nostro tempo. Scritto, composto e arrangiato dagli stessi Boavista e prodotto presso l’LB Studio, “Prima di Dormire” si avventura oltre i confini della musica per trasformarsi in un viaggio emotivo ed esistenziale, distinguendosi per la sua profonda riflessione sulla responsabilità ed il rispetto individuale e affrontando la complessità della vita contemporanea, puntando i riflettori sul ruolo personale all'interno della società. Una finestra sull'anima della band, un ponte che collega il cuore degli artisti a quello degli ascoltatori: con una delicatezza che tocca l'intimo, ma che riecheggia nell'universale, la traccia è un invito a navigare in se stessi, a scoprire e meditare sull'impronta che lasciamo nel tessuto sociale, esortandoci ad una nuova consapevolezza del nostro impatto sul mondo ed esplorando la disconnessione tra i detentori del potere e la gente comune. Questa esplorazione sonora, matura e ricca di metafore avvincenti, sollecita a comprendere come i nostri atti e le nostre scelte influenzino il delicato equilibrio tra l'individuo e la collettività. In un contesto sociale in cui discrepanze e disparità sembrano prevalere, "Prima di Dormire" diventa una bussola emotiva che guida gli ascoltatori attraverso la tempesta verso una riva di comprensione e connessione. Un richiamo all'azione per riscoprire l’umanità condivisa, nel silenzio rivelatore che si fa spazio in ciascuno di noi prima di chiudere gli occhi alla fine di un quotidiano sempre più frenetico. Sin dall’apertura evocativa - «Sei un povero diavolo con in mano un miracolo, fermo solo al semaforo pensi al prossimo ostacolo» -, i Boavista dipingono un’esistenza in bilico tra disperazione e speranza, una realtà in cui gli individui cercano il proprio posto in un mondo che spesso li ignora. Questa immagine funge da preludio ad un cammino interiore, diventando il riflesso di chiunque abbia mai sentito il peso dell'alienazione e dell'ansia per il futuro. La critica ai detentori del potere, ritratti dalla band come distanti e avvolti in un'aura di presunzione, si infittisce di sfumature, dipingendo un quadro a mezz’aria tra realismo e distopia in cui il concetto di "pensiero unico" diventa simbolo di una chiusura mentale che minaccia l'individualità, soffocando le voci e i pensieri divergenti. Questo passaggio del testo non è soltanto un'accusa, ma un appello vibrante alla consapevolezza e al cambiamento, un invito a scuotere le catene dell'indifferenza per ricercare un dialogo autentico e costruttivo all'interno della comunità. Attraverso queste linee, i Boavista riescono a toccare corde profonde, avviando una conversazione che va ben oltre la musica, indagando le dinamiche di potere e la ricerca di un senso in un'epoca di incertezza e ricordandoci l'importanza di trovare il nostro posto e di lottare per le nostre convinzioni in un’era che troppo spesso ci relega a semplici osservatori. Il ritornello, con la frase-mantra "Prima di dormire", si tramuta in una cattedrale di riflessione dove ognuno è chiamato a valutare la propria esistenza sotto la luce cruda della verità, un momento di introspezione e autovalutazione che ci ricorda il potere salvifico e catartico della redenzione personale. Questo momento musicale non è solo un ponte tra le strofe, ma un invito a fermarsi, a considerare l'impatto delle nostre azioni sul tessuto sociale che ci circonda, enfatizzando la necessità, non soltanto per la classe dirigente, ma per ciascun essere umano, di riflettere sulle proprie azioni e responsabilità, nel tentativo di riconciliare i propri doveri verso se stessi e il prossimo. Un richiamo a riscoprire i valori più alti dell’esistenza nelle ore silenziose che precedono il sonno, un tempo sacro per meditare sui nostri doveri verso gli altri e verso il mondo. I Boavista, formati nel 2019 da Simone Tancredi e Luigi Bellanova, hanno da subito dimostrato la loro maturità artistica e la capacità di coinvolgere il pubblico. Con esperienze provenienti da numerosi palchi e ore di studio, la band ha sviluppato un sound unico, influenzato dal rock americano, dal pop inglese e dal cantautorato italiano. "Prima di Dormire" non fa eccezione, offrendo un'analisi acuta della contemporaneità attraverso la musica. Con l'aggiunta di Nazario Laurito alla batteria nel 2024, i Boavista promettono di continuare a sorprendere e ispirare il loro pubblico. "Prima di Dormire" è solo l'inizio di un nuovo capitolo emozionante per la band, che si preannuncia ricco di spessore e significato. "Prima di Dormire" non solo mette in luce le abilità narrative e compositive dei Boavista, riconfermando la loro posizione come una delle band più promettenti e originali del panorama musicale italiano, ma rappresenta un manifesto del loro impegno verso tematiche sociali profonde e attuali. Questo singolo ci prende per mano accompagnandoci in un viaggio in cui ritmo, speranza, resilienza, parole e valori si intrecciano per esplorare orizzonti sonori ancora inesplorati. Con “Prima di Dormire”, i Boavista promettono di continuare a sorprendere, a emozionare e ad ispirare, segnando il passo di una nuova era nella musica italiana.... Continua a leggere

In occasione della Giornata Mondiale dei Disturbi del Comportamento Alimentare, il cantautore romano Giordano Amici, dopo aver raccontato il disagio causato dalle dipendenze in "Lara", torna ad emozionare pubblico e critica con "Fiocco Viola" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che si fa portavoce di una battaglia troppo spesso celata nell'ombra, quella con l’Anoressia maschile, trasformando il dolore e la lotta in una melodia che tocca l'anima. Con un’interpretazione commovente e una poetica e un liricismo propri dei più grandi cantautori italiani, Giordano Amici tende la mano a tutti coloro che, ogni giorno, combattono contro mostri invisibili quali l'anoressia e la bulimia, patologie infide che ancora troppo spesso si propagano tra l’indifferenza e la superficiale convinzione che siano frutto di un capriccio, un mantello di vanità e perfezionismo che avvolge il desiderio di giungere a determinati stereotipi o modelli. Queste malattie, un pesantissimo fardello animico e mentale inversamente proporzionale alla leggerezza fisica di chi ne soffre, sono indifferenti al sesso, all'età, alla provenienza sociale e culturale di chi ne è afflitto, e si forgiano nella solitudine, fortificandosi nel silenzio, nella vergogna e nel timore di chiedere aiuto. Attraverso la narrazione della lotta di un giovane ragazzo contro l'anoressia, Giordano Amici offre una testimonianza diretta che risuona con un’emotività impattante non solo con chiunque abbia avuto od abbia a che fare con queste sfide, ma anche con tutti coloro che, per mancanza di conoscenza o esperienza diretta, abbiano sempre rivolto ai DCA uno sguardo giudicante. Le parole del cantautore romano, cariche di un'intensa personalità e di una vulnerabilità cruda, si fanno portavoce di un messaggio universale di resilienza, rendendo "Fiocco Viola" non solo un inno di lotta e speranza ma anche una profonda riflessione sulle cicatrici invisibili che segnano l'anima ancor prima di manifestarsi sul corpo. Giordano, con la sua musica, apre una finestra sulle realtà nascoste, invitando ad un dialogo aperto e sincero sull'importanza della consapevolezza, del supporto e della comprensione in un percorso di guarigione che è tanto individuale quanto collettivo. «In “Fiocco Viola” – dichiara l’artista -, ho voluto affrontare un tema troppo spesso relegato all'ombra, circondato da misconcezioni e silenzi: l'anoressia e la bulimia negli uomini. Si tende a credere che questi disturbi riguardino esclusivamente le donne, ma la realtà è ben diversa. Il 10% degli affetti da anoressia sono uomini, un dato che molto probabilmente sottostima la reale diffusione del problema. La reticenza degli uomini a riconoscere e chiedere aiuto per un disturbo alimentare è fortemente influenzata da pressioni sociali e stereotipi di genere che impediscono una piena consapevolezza della questione. Con il mio brano, desidero illuminare questa realtà nascosta, invitando ad un dialogo aperto e senza pregiudizi. È essenziale comprendere che i disturbi alimentari non conoscono distinzioni di genere e che il supporto deve essere incondizionato. Questo singolo è una dichiarazione d'amore e di lotta, una testimonianza diretta di chi ha affrontato questi mostri e ha trovato la forza di combattere, simboleggiata dal fiocco viola, emblema di consapevolezza e impegno. Vorrei che gli ascoltatori sentissero la forza di non arrendersi, di combattere la più grande delle battaglie: quella con se stessi». Nell’armoniosa fusione di pop e rock che trasla l’equilibrio come meta da raggiungere in un cammino in un cui disequilibrio, disformismo e mancata accettazione di sé, delle proprie peculiarità e della propria unicità fanno da padroni, ogni nota, ogni parola, ogni silenzio tra i versi, diventa un simbolo di lotta, di forza, di speranza. «Hai smesso di dormire e mangiare e quelle dita in gola sempre più giù, vanno sempre più giù», canta Amici; linee suggestive e sature di una verità amarissima, capaci di evocare non solo l'immagine struggente della lotta interiore, ma anche la riflessione sull'importanza della consapevolezza e del supporto. Queste parole, intrise di dolore e determinazione, risuonano come un richiamo alla solidarietà, spingendo ad ascoltare, comprendere e sostenere chi si trova in questa dolorosa condizione. La voce di Giordano diventa così un ponte tra il silenzio assordante che circonda i disturbi alimentari e il bisogno vitale di dialogo e accettazione, offrendo uno spiraglio di luce a chi vive nell’ombra di se stesso, a chi cerca la forza di affrontare e vincere i propri demoni. Ma è nel passaggio «Ricordo, ricordo il dolore nelle ossa, quando mi alzavo dal letto le mie giornate erano un riflesso. Me stesso nello specchio per vedermi diverso e no, non mi piacevo, ma mi compiacevo» che si evince la spietata autocritica e la ricerca di un'accettazione che spesso sembra inarrivabile. Questi versi, intrisi di una vulnerabilità cruda e disarmante, toccano il cuore di chiunque ascolti, disegnando un ritratto intimo del conflitto contro i propri fantasmi interiori, presenze invisibili eppur così tangibili da chi ogni giorno, guardandosi allo specchio, cerca un appiglio a cui aggrapparsi, per identificarsi, per riconoscersi, per accettarsi. La copertina del singolo, con il fiocco viola al centro, rappresenta l'impegno nella lotta contro i disturbi del comportamento alimentare, invitando tutti coloro che ne soffrono a non arrendersi, a combattere contro i pregiudizi e le difficoltà, offrendo al contempo sostegno e comprensione per chi si trova nel mezzo di questa battaglia, tra le famiglie spesso inermi e prive dei corretti strumenti per affrontare tali disturbi ed una società che continua a chiudere gli occhi di fronte alla pressione che esercita sui suoi componenti, non deboli, ma semplicemente e meravigliosamente, più fragili. Giordano Amici, con la sua sincerità artistica, trasforma "Fiocco Viola" in un'opera di rara bellezza e significato, dimostrando ancora una volta il potere della musica di parlare direttamente all'animo umano e la sua capacità di trattare temi delicati con sensibilità ed empatia, conducendo l'ascoltatore in un viaggio emozionale che va ben oltre il concetto canzone. La narrazione di Amici si fa veicolo di una verità spesso ignorata: l'anoressia negli uomini è una realtà, una guerra silenziosa che richiede attenzione, comprensione e azioni concrete. Con la sensibilità e l'impegno che lo contraddistinguono, Giordano Amici invita alla riflessione, al dialogo e all'azione. "Fiocco Viola" è più di una canzone; è un passo avanti nella lotta contro i disturbi alimentari, un invito a riconoscere, sostenere e amare ogni parte di noi stessi, oltre il pregiudizio e la pressione sociale.

In un panorama musicale in continua evoluzione, dove l'espressione personale sfida i confini dei generi, si fa strada un talento destinato a lasciare il segno: Ladrone00, con il suo nuovo singolo "Fragile". Dopo aver catturato l'attenzione e il cuore del pubblico con "Lady", brano che intreccia sapientemente la nostalgia delle serate estive al desiderio di danzare a lungo, desiderio per troppo tempo represso, ingabbiato nelle maglie del lockdown, Ladrone00, al secolo Simone Cicconi, ci invita nuovamente nel suo universo musicale con una vibrante testimonianza del suo inconfondibile stile e della sua innata freschezza artistica. Amalgamando con maestria irresistibili ritmi da dancefloor ad incisivi incastri rap, il talento marchigiano dà vita ad un'opera intrisa di energia, in grado di fondere l’anima dance al cuore pulsante del rap. "Fragile" si distingue infatti non solo per la sua composizione musicale innovativa, ma anche per il modo in cui il suo autore riesce a tessere elementi sonori diversificati, in una simbiosi armoniosa e fluida che incanta e invita all'ascolto ripetuto. Nato a San Severino Marche e cresciuto Poggio San Vicino (MC) nel 2004, Ladrone00 si avvicina alla musica ispirato da Emis Killa, nutrendo sin dalla tenera età la convinzione che il suo futuro sarebbe stato intimamente legato all’underground italiano e che il suo luogo d’elezione, altro non avrebbe potuto essere che la fulgida scena tricolore. Questo precoce desiderio di emergere e di affermarsi come punto di riferimento nel panorama rap del suo Paese, non è mai stato un semplice sogno da bambino, ma la chiara visione del percorso che avrebbe intrapreso con impegno e dedizione. La sua ascesa, alimentata da una continua evoluzione autorale e personale e dall'ispirazione tratta dalle icone del genere, testimonia una maturazione espressiva precoce e un impegno costante nel perfezionare le sue artistry. Il suo pseudonimo, un'affermazione audace della sua abilità di "rubare" la scena nel rap-game e di conquistare i cuori, riflette il suo spirito competitivo e la sua determinazione. Ladrone00, infatti, non è solo un rapper; è una forza della natura che sfida le convenzioni, portando alla luce le emozioni più profonde mediante i suoi brani. In "Fragile", l’incisività della sua penna esplora temi di vulnerabilità, forza interiore e la continua ricerca di autenticità in un mondo che troppo spesso valuta gli individui basandosi su giudizi superficiali, anteponendo i preconcetti all’essenza stessa di ogni essere umano. Una dichiarazione potente che si apre con una riflessione toccante sulla difficoltà di trovare la propria identità in un contesto che sembra negare spazio alle verità personali - «Viviamo in un mondo dove ci si preoccupa più del giudizio altrui che di sé stessi. Non è presente individualità ma paura!» -, e che nel passaggio «Di paure, giuro ne ho tante, ma con le sconfitte, son diventato grande», diventa un manifesto di resilienza, un messaggio importante per chiunque si trovi ad affrontare le tempeste della vita, rivelando che la vera grandezza si nasconde nella capacità di superare le proprie sconfitte. L'arte di Ladrone00 si evince in questa traccia in tutta la sua complessità, amalgamando l'ossigeno vitale della musica alla liberazione dalla fatica quotidiana. Con linee come «Bambino, brivido, Angelo, lucifero! Musica, ossigeno, fatica, libero!», il rapper sottolinea la dualità dell'esistenza, la battaglia tra luce e oscurità, e il potere catartico di un paio di una canzone. Ma in "Fragile", Ladrone00 affronta con coraggio anche la tematica dell'esposizione costante ai social, un sentimento universale che risuona profondamente nell'era digitale: «Eh ti senti stufo, mille problemi intorno, usi quello scudo, ormai stai in fondo. Ti senti nudo, giudicato dal mondo, ascolta tutto, fai finta che sei sordo». Queste liriche articolano la complessità e l'ambivalenza dell'essere costantemente sotto il microscopio del giudizio pubblico, sottolineando l'isolamento e l’ansia sociale che spesso accompagnano il vivere nell'occhio del ciclone mediatico. Con acuta sensibilità, l’artista mette in luce la pressione insostenibile di dover mantenere una facciata di indifferenza di fronte alle critiche e ai commenti incessanti. Il "sentirsi nudo" simboleggia una trasparenza forzata, una condizione nella quale ogni difesa sembra crollare sotto il peso di aspettative e pregiudizi. Allo stesso tempo, il consiglio di "fare finta di essere sordo", rivela una strategia di sopravvivenza, un modo per preservare la propria serenità interiore di fronte all'assordante rumore esterno. Attraverso il suo viaggio musicale appena iniziato, Ladrone00 ha già dimostrato una straordinaria capacità di catturare l'essenza del rap, fondendo con naturalezza l'influenza dei grandi maestri con un tocco personale e innovativo. La sua decisione di dedicarsi alla musica non è stata solo la scelta di una carriera, ma l'abbraccio di una vocazione, un impegno a esplorare e narrare la realtà attraverso le parole, con l'obiettivo di lasciare un segno indelebile nella scena musicale italiana e di ispirare le nuove generazioni a seguire le proprie passioni con coraggio e autenticità. La musica di Ladrone00 è veicolo di messaggi profondi, uno strumento immediato e diretto che offre agli ascoltatori non solo momenti di evasione ma anche innumerevoli spunti di riflessione. "Fragile" non è solo un'aggiunta al panorama musicale; è un invito a danzare sui ritmi della vita, ad apprezzare le proprie fragilità e a trovare la forza nella propria unicità. Ladrone00, con questa nuova release che trasforma la vulnerabilità in virtù, ci ricorda che la musica è un linguaggio universale, capace di toccare le corde più intime del cuore umano e di unire le persone al di là delle loro apparenti differenze.... Continua a leggere

Dopo aver emozionato pubblico e critica con la toccante dedica in ricordo del padre "Malattia", il rapper capitolino Blutarsky torna nei digital store con "Tè Caffè", il suo nuovo singolo che segna un’ulteriore svolta nella sua carriera artistica. In “Tè Caffè”, Blutarsky si distacca dalle convenzioni, aprendo una finestra sulla società contemporanea e sul ruolo dell'individuo al suo interno, miscelando sapientemente tematiche sociali e personali in una narrazione che ondeggia tra introspezione e critica. Il brano affronta con coraggio le dinamiche di un mondo dominato da apparenze e incoerenze, in cui l’estenuante corsa alla fama sembra soffocare i valori e l'unicità di ciascuno. Il testo, ricco di incastri che si muovono tra la dimensione conscious e la provocazione, esplora il contrasto tra l'individualità e le pressioni omologanti, sottolineando l'importanza di mantenere la propria unicità. L’impattante dichiarazione in apertura sulla vacuità dei successi materiali, in un contesto sociale che premia e incoraggia la conformità, «Non resisto alle tentazioni, non resisto alle delusioni», introduce l'ascoltatore in un viaggio emotivo attraverso le sfide e le frustrazioni che accompagnano la vita di chi decide di percorrere strade meno battute. Con un liricismo che per sua natura si articola ed esprime l’essenza dell’autore, ma al contempo abbraccia e libera riflessioni universali, Blutarsky affonda la penna nel calamaio della contemporaneità e nel verso «In un mondo che cresce bastardi, dimmi che semi saremo» fa centro interrogandosi sul futuro dell'umanità e ponendo l'accento sulla responsabilità individuale nel decidere e determinare il tipo di impatto che si vuole avere sul mondo. Con un flow ed un’eloquenza disarmanti, l’artista esorta gli ascoltatori a riflettere sui pregiudizi, sulla brutalità, sulla discordia e sul panico seminati quotidianamente, suggerendo che sì, potrebbe essere tardi per un ritorno ai valori più autentici, ma non per cercare di fare la differenza, senza nascondersi dietro a superflue giustificazioni, scuse o cliché. Il passaggio chiave del ritornello «Tutti chiedono il caffè, io prendo il tè» riassume perfettamente la profonda accezione dell’intero pezzo, diventando un manifesto di individualità, autenticità e originalità, in cui Blutarsky si distacca dalle imposizioni, dalle regole non scritte ma incise nelle menti e nelle anime delle masse, per seguire la propria strada, simboleggiando la consapevolezza, l’autodeterminazione e la scelta di un percorso meno convenzionale. Questa decisione, espressa in vivide metafore, rappresenta la libertà di essere se stessi in un’epoca che spesso impone modelli e aspettative uniformi, evidenziando non soltanto la notevole maturità dell’artista, ma anche e soprattutto un’impronta stilistica che mira a distaccarsi da dinamiche di mercato, per giungere dritta al cuore di chi ascolta. Il testo si sviluppa ulteriormente attorno al concetto di amore come forza liberatrice e redentrice. Nel bel mezzo del caos e della confusione generata dalla rincorsa di fama, successo e dalle pressioni esterne, emerge la figura della persona amata come un punto fermo, un faro che ci guida verso la verità e il valore delle relazioni autentiche: «In "Tè Caffè" – dichiara Blutarsky -, esprimo il mio dissenso verso una società sempre più focalizzata sull'apparenza, sull'incoerenza e sulla disperata ricerca di notorietà. Ho fatto emergere critiche a comportamenti e tendenze che, a mio avviso, stanno erodendo l'umanità e l'autenticità delle relazioni personali. Tuttavia, nel cuore di questa riflessione, s'innalza la figura di una persona speciale, capace di riconoscere e valorizzare l'unicità di ognuno, offrendo una via di fuga dalle costrizioni sociali». Il brano si configura quindi come un invito a riscoprire la nostra originalità e a guardare dentro e fuori di noi da una prospettiva diversa, senza farci condizionare dagli schemi. La copertina del singolo, che raffigura una coppia di innamorati felici, con il resto del mondo lontano, sull’altra riva del mare, simboleggia questa distanza, sottolineando l'importanza di trovare libertà e verità nella complicità di un rapporto basato sull'amore e sulla comprensione reciproca. In questo contesto, la scelta tra "tè" e "caffè" trascende la semplice preferenza personale, diventando simbolo di una libertà universale. Con un testo che naviga tra critica sociale e introspezione personale, “Tè Caffè” dimostra ancora una volta l’abilità narrativa di Blutarsky e la sua capacità di toccare tematiche profonde con sensibilità e intelligenza, facendo della sua musica uno strumento di riflessione e cambiamento.

Dopo aver emozionato pubblico e critica con la toccante dedica in ricordo del padre "Malattia", il rapper capitolino Blutarsky torna nei digital store con "Tè Caffè", il suo nuovo singolo che segna un’ulteriore svolta nella sua carriera artistica. In “Tè Caffè”, Blutarsky si distacca dalle convenzioni, aprendo una finestra sulla società contemporanea e sul ruolo dell'individuo al suo interno, miscelando sapientemente tematiche sociali e personali in una narrazione che ondeggia tra introspezione e critica. Il brano affronta con coraggio le dinamiche di un mondo dominato da apparenze e incoerenze, in cui l’estenuante corsa alla fama sembra soffocare i valori e l'unicità di ciascuno. Il testo, ricco di incastri che si muovono tra la dimensione conscious e la provocazione, esplora il contrasto tra l'individualità e le pressioni omologanti, sottolineando l'importanza di mantenere la propria unicità. L’impattante dichiarazione in apertura sulla vacuità dei successi materiali, in un contesto sociale che premia e incoraggia la conformità, «Non resisto alle tentazioni, non resisto alle delusioni», introduce l'ascoltatore in un viaggio emotivo attraverso le sfide e le frustrazioni che accompagnano la vita di chi decide di percorrere strade meno battute. Con un liricismo che per sua natura si articola ed esprime l’essenza dell’autore, ma al contempo abbraccia e libera riflessioni universali, Blutarsky affonda la penna nel calamaio della contemporaneità e nel verso «In un mondo che cresce bastardi, dimmi che semi saremo» fa centro interrogandosi sul futuro dell'umanità e ponendo l'accento sulla responsabilità individuale nel decidere e determinare il tipo di impatto che si vuole avere sul mondo. Con un flow ed un’eloquenza disarmanti, l’artista esorta gli ascoltatori a riflettere sui pregiudizi, sulla brutalità, sulla discordia e sul panico seminati quotidianamente, suggerendo che sì, potrebbe essere tardi per un ritorno ai valori più autentici, ma non per cercare di fare la differenza, senza nascondersi dietro a superflue giustificazioni, scuse o cliché. Il passaggio chiave del ritornello «Tutti chiedono il caffè, io prendo il tè» riassume perfettamente la profonda accezione dell’intero pezzo, diventando un manifesto di individualità, autenticità e originalità, in cui Blutarsky si distacca dalle imposizioni, dalle regole non scritte ma incise nelle menti e nelle anime delle masse, per seguire la propria strada, simboleggiando la consapevolezza, l’autodeterminazione e la scelta di un percorso meno convenzionale. Questa decisione, espressa in vivide metafore, rappresenta la libertà di essere se stessi in un’epoca che spesso impone modelli e aspettative uniformi, evidenziando non soltanto la notevole maturità dell’artista, ma anche e soprattutto un’impronta stilistica che mira a distaccarsi da dinamiche di mercato, per giungere dritta al cuore di chi ascolta. Il testo si sviluppa ulteriormente attorno al concetto di amore come forza liberatrice e redentrice. Nel bel mezzo del caos e della confusione generata dalla rincorsa di fama, successo e dalle pressioni esterne, emerge la figura della persona amata come un punto fermo, un faro che ci guida verso la verità e il valore delle relazioni autentiche: «In "Tè Caffè" – dichiara Blutarsky -, esprimo il mio dissenso verso una società sempre più focalizzata sull'apparenza, sull'incoerenza e sulla disperata ricerca di notorietà. Ho fatto emergere critiche a comportamenti e tendenze che, a mio avviso, stanno erodendo l'umanità e l'autenticità delle relazioni personali. Tuttavia, nel cuore di questa riflessione, s'innalza la figura di una persona speciale, capace di riconoscere e valorizzare l'unicità di ognuno, offrendo una via di fuga dalle costrizioni sociali». Il brano si configura quindi come un invito a riscoprire la nostra originalità e a guardare dentro e fuori di noi da una prospettiva diversa, senza farci condizionare dagli schemi. La copertina del singolo, che raffigura una coppia di innamorati felici, con il resto del mondo lontano, sull’altra riva del mare, simboleggia questa distanza, sottolineando l'importanza di trovare libertà e verità nella complicità di un rapporto basato sull'amore e sulla comprensione reciproca. In questo contesto, la scelta tra "tè" e "caffè" trascende la semplice preferenza personale, diventando simbolo di una libertà universale. Con un testo che naviga tra critica sociale e introspezione personale, “Tè Caffè” dimostra ancora una volta l’abilità narrativa di Blutarsky e la sua capacità di toccare tematiche profonde con sensibilità e intelligenza, facendo della sua musica uno strumento di riflessione e cambiamento.

In occasione della Festa della Donna, Giorgia Giacometti, la nuova stella della musica italiana, torna in radio e nei digital store con "Povero Re", un inno all'empowerment femminile che sfida coraggiosamente gli stereotipi e i cliché, sovvertendo le convenzioni di un mondo dominato da limiti e aspettative e proponendo una nuova visione di forza e indipendenza per tutte le donne. Con una carriera che attraversa i confini internazionali, da Miami a Singapore, Giorgia Giacometti si è distinta non solo come cantante e cantautrice di talento, ma anche come manager finanziaria, navigando con competenza, audacia e determinazione in un gaming tradizionalmente maschile. La sua storia è quella di tante donne, infusa da una costante lotta contro etichette e pregiudizi, in cui ha saputo farsi strada portando in alto il suo valore, affermandosi quotidianamente attraverso la sua tenacia e il suo carisma, diventando un modello ispiratore. Prodotto dal tocco impeccabile del visionario Jason Rooney, con la collaborazione di Giuseppe D’Albenzio e Romina Falconi, "Povero Re" si corrobora di una narrazione di potere e seduzione, dove la figura femminile, lontana dall'essere vittima, assume un ruolo di forza e controllo, rovesciando le consuete dinamiche di potere di un immaginario ancora troppo maschile e patriarcale. Nella fusione magistrale di sonorità elettropop a sfumature rock, il brano è avvolto da un’atmosfera tanto provocatoria quanto seducente, in cui la voce di Giorgia, carica di energia punk, guida gli ascoltatori in un viaggio di ribellione contro le aspettative sociali, proponendo un nuovo modello di femminilità, forte e indipendente. Il testo del brano, pungente e ricco di provocazioni, è un cammino attraverso la liberazione dalla figura dell'uomo manipolatore, rappresentato come un re deprivato del suo potere di fronte alla donna che, con intelligenza ed erotismo, sa leggere oltre le apparenze e dominare il gioco. I passaggi chiave «Povero te, tutto pieno di sé, le fai piangere tutte quante e poi piangi per me» e «Povero Re, dopo di me non resterà più niente di te», sottolineano l'ironia di un destino capovolto, dove il manipolatore diventa vittima della propria vanità. Le liriche incisive e sature di energia, dipingono il quadro di una donna che non solo rompe le catene della sottomissione e della prevaricazione, ma assume il comando, con un mix di eleganza, fascino, seduzione ed erotismo che dietro la coltre dell’apparire, dietro le luci rosse soffuse di maschere indossate per piacere agli altri e a se stessi, rivela l’intelligenza e l’astuzia di una stratega che non teme di mostrare la propria essenza e la propria forza. Queste lyrics non sono solo parole in musica, ma l'espressione di una rivoluzione personale e collettiva, che scuote le fondamenta di un sistema obsoleto, invitando le donne a prendere in mano le redini della propria vita. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, diretto dalla stessa Giacometti in collaborazione con Claudio Zagarini e Valeria Ungaro e disponibile su YouTube dal 15 Marzo – con il “Povero Re” rappresentato dal modello e attore fiorentino Riccardo Stellini -, è una rappresentazione visiva dell'empowerment che trascende il testo per diventare un'esperienza sensoriale, una metafora del sottile ma potentissimo equilibrio tra ingegno e sensualità, dove la battaglia per la conquista si conclude con un'inversione di ruoli definitiva. La seduzione di una partita a poker evoca e trasla perfettamente il gioco mentale tra i generi, in cui la posta è molto più alta del semplice erotismo: è il riconoscimento dell'uguaglianza e del reciproco rispetto. "Povero Re" non è solo una canzone, ma una dichiarazione d'intenti che pone Giorgia Giacometti come simbolo di un nuovo femminismo, capace di sfidare e sovvertire l'ordine stabilito. Con questo brano, la cantautrice pistoiese di stanza a Miami, invita le donne a riconoscere il proprio valore e a prendere in mano le redini della propria vita, ispirando così una generazione pronta a riscrivere le regole del gioco.... Continua a leggere

Il suo debutto ha condotto tutti in “Un altro Mondo”, con la “Luna Piena” a fare da sfondo a sentimenti ed emozioni ed ora, Jimmy, torna nei digital store con "Schegge di 66" (Orangle Records), l’atteso album d’esordio che trae il suo titolo dell’omonimo singolo pubblicato a fine 2022 e lo riconferma come una delle voci più autentiche e innovative del panorama musicale italiano. Nato a Voghera il 16 Aprile 1998, Jimmy ha sempre avuto la musica nel sangue, un’inclinazione ereditata e alimentata dalla sua famiglia e dalla sua storia personale, intrisa di passione per i suoni e le composizioni che toccano l’anima, diventando messaggeri di emozioni profonde e universali.  Le sue release sono un ponte tra generazioni, un dialogo che va oltre le parole, invitando ad un'esperienza sensoriale che sfida i confini dei generi e delle classificazioni musicali, con l'obiettivo di unire le persone attraverso il potere trasformativo dell'arte. Questo primo progetto full length, prodotto negli illustri Phaser Studios di Seveso (MB) da Lorenzo “Lor3n” Iavagnilio, è un viaggio emotivo attraverso i sentimenti nelle loro molteplici sfaccettature, dalle relazioni romantiche a quelle interpersonali, fino all’amore incondizionato che ci donano gli animali domestici; un album concettuale composto da 8 tracce che narrano altrettante storie di connessioni, desiderio, dolore e rinascita. Ogni brano è un capitolo di un racconto più ampio, la narrazione di un rapporto che si dipana dalla sua nascita al suo epilogo, offrendo al contempo una finestra sul futuro e sulle infinite possibilità che un cuore aperto ad amare ed essere amato sa offrire. Dalla traccia iniziale "Solo Io", un inno alla bellezza e all'unicità scritta da Corrado Catenacci, fino alla conclusiva "Via Amore Lasciati Emozionare", un invito a non temere il rinnovarsi dei sentimenti, Jimmy si serve della sua arte per esplorare il cuore umano con una sincerità e una profondità disarmanti. Dall’amore quasi mitologico narrato in “Luna Piena” a quello non corrisposto della title track, passando per le sue dinamiche più giocose e spensierate di “Gioco” e “Bimba”, fino a quello totalizzante e disinteressato che ci regalano i nostri amici a quattro zampe, l’artista trasforma i battiti in note e il dolore in poesia, donando al pubblico una visione a tuttotondo sull’unicità e l’irripetibilità dei rapporti. «Quest’opera – dichiara Jimmy – per me rappresenta un punto di arrivo e un punto di partenza: la soddisfazione di aver realizzato un disco è immensa, come è straordinaria l’emozione che ho provato quando ho avuto per la prima volta in mano la copia in formato CD. Si tratta di una storia e, come tutte le storie, ha un inizio e una fine, la quale però…apre le porte a nuove esperienze e…ad un nuovo progetto discografico già in lavorazione!» Con "Schegge di 66", Jimmy però non si limita a raccontare una storia ma infonde un messaggio di speranza e di coraggio. L'album è un monito, un promemoria che, nonostante le ferite che l'amore può causare, la capacità di emozionarsi e di amare di nuovo è una forza che tutti possediamo. Il titolo dell'album, "Schegge di 66", cela e racchiude una storia personale intensa e toccante, che l'artista ha scelto di condividere attraverso la sua musica. La traccia che dà il nome all'intero progetto, accompagnata dal videoclip ufficiale diretto da Fabrizio Vinci, si ispira infatti ad un episodio significativo vissuto dallo stesso Jimmy, una notte di eccessi che lo ha portato ad un risveglio in ospedale, un momento di svolta segnato da una profonda riflessione interiore. "Schegge di 66" fa riferimento alla sensazione lasciata dal miscuglio di alcol consumato quella sera dopo una delusione amorosa, simboleggiando non solo i 66cl delle bottiglie di birra, ma soprattutto le frammentazioni, le schegge emotive impresse nell’anima da un amore non corrisposto. Questo episodio, diventato catalizzatore creativo per Jimmy, riflette senza dubbio la vulnerabilità umana di fronte alle sfide emotive, ma anche e soprattutto il potere trasformativo della musica e dell’arte, capaci di convertire il dolore in espressione universale. Con la collaborazione di Duilio Maria Di Meglio, "Schegge di 66" diventa così un emblema dell'album, conducendo gli ascoltatori ad un viaggio nelle proprie profondità interiori, dove ogni canzone è un frammento di vita che, insieme, compone un mosaico di emozioni, speranze e rinascite. In un mondo che spesso ci chiede di essere perfetti, Jimmy ci esorta ad accogliere, accettare e abbracciare le nostre imperfezioni, a trovare bellezza nel caos e a lasciarci guidare dal cuore senza paura. "Schegge di 66", con grafiche e immagini curate dall'estro creativo di Antonella Verdino, è un manifesto di vita, un inno ai sentimenti puri e autentici in tutte le loro forme. In questa suggestiva opera di 8 atti, Jimmy dimostra che la musica può ancora essere un potente veicolo di emozioni e riflessioni, un ponte tra le anime che unisce, anziché dividere. Con “Schegge di 66”, il cantautore pavese si afferma non solo come artista di talento ma come un abile narratore dell'anima e dei suoi motti più alti, che invita ciascuno di noi a scoprire e riscoprire la bellezza di amare ed essere amati. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Schegge di 66” – Tracklist: 1. Solo Io 2. Un Altro Mondo 3. Luna Piena 4. Schegge di 66 5. Saltami Addosso 6. Gioco 7. Bimba 8. Via Amore Lasciati Emozionare “Schegge di 66” – Il disco raccontato dall’artista: “Solo Io” è un elogio alla bellezza e all’importanza della persona che si ama; racconta come ci si possa innamorare di qualcuno partendo dai piccoli gesti, da quelle piccole cose che poi, così piccole non sono. Spesso, non riusciamo a spiegare cosa troviamo di speciale in chi ci innamoriamo, ma dentro di noi, pur non riuscendo ad esprimerlo a parole, sappiamo che c’è qualcosa che ci “spinge” verso di lei/lui. Ci tengo particolarmente a ringraziare l’autore di questa canzone, Corrado Catenacci, e il regista del videoclip ufficiale, Fabrizi Vinci. “Un Altro Mondo” è un brano in cui l’amore si trasforma in una sorta di film mentale, diventando un sentimento che viaggia attraverso i sogni, capace di portarci letteralmente, appunto, in un altro mondo. Con questa canzone invito a lasciare indietro tutto ciò che è stato e a concentrarsi su tutto ciò che potrebbe essere. In “Luna Piena” l’amore viene dipinto come un forte desiderio, a tratti animalesco. In questo brano ho utilizzato la metafora dell’uomo lupo per descrivere il vincolo che si viene a creare con la persona amata, un vincolo indistruttibile come quello che c’è tra la luna piena e un licantropo. Ci sono molti riferimenti ai film a me più cari sull’argomento, perché sono da sempre affascinato da questa figura mitologica. I film che cito, e che vi consiglio di guardare, sono: “L’uomo Lupo” (1941), “Un lupo mannaro americano a Londra” (1981), “Wolf - la belva è fuori” (1981) e “The Wolfman” (2010). “Schegge di 66”, la traccia che dà il titolo all’album, racconta un episodio particolare della mia vita che ho deciso di tradurre in musica: tra il 2016 e il 2017, ad una festa di compleanno di alcuni amici del liceo, per via di una delusione in amore, ho esagerato con l’alcool e mi sono risvegliato in ospedale. Non ho quasi alcun ricordo di quella sera, solo quello che riguarda l’inizio della serata. In quel momento, i miei genitori erano in Germania dalle mie sorelle che lavoravano lì e hanno saputo ciò che era successo da una telefonata proveniente dall’ospedale. Quest’esperienza è stata parecchio significativa, perché mi ha segnato particolarmente e mi ha anche spaventato. Ho voluto usare questo episodio per raccontare l’amore non corrisposto e la sofferenza che questo può causare. Perché “Schegge di 66”? Beh, quella sera ho fatto un miscuglio di cose, tra Gin Vodka e birra, quindi ho voluto usare questo termine per descrivere lo strascico di quelle birre da 66cl che mi scorrevano in corpo. Ringrazio Duilio Maria Di Meglio (Dimeglio), co-autore del brano. "Saltami Addosso" è l’espressione dell'amore per il proprio animale da compagnia, quel membro della nostra famiglia da cui vogliamo tornare dopo aver sofferto o dopo una delusione. L'amore che racconto in questo brano è anche una presa di posizione contro tutti coloro che abbandonano e/o maltrattano gli animali. In "Gioco" narro l'amore visto e vissuto come un gioco. Una ripresa e una reazione dopo essere stati "giocati" dalla persona amata. Questa consapevolezza non vuole mettere in luce un vincitore, ma far riflettere su quanto, nonostante a volte si venga “usati”, sia fondamentale mantenere il proprio cuore aperto all’amore. “Bimba” racconta di un amore nato d’estate, un amore tra le onde del mare, e di una notte rosa sopra una barca a vela. Questo tipo di amore può nascere e morire in una sola stagione, o durare per sempre. Ci sono alti e bassi, dei “prendi, lascia e prendi”, come l’Amore di Danny e Sandy in Greese. La traccia conclusiva del disco, "Via Amore Lasciati Emozionare", come suggerisce il titolo, è un invito ad amare e a lasciarsi amare. Anche se si incontrano ostacoli lungo il cammino, non è mai un errore amare o tornare ad amare. L'amore si cela nelle piccole cose, anche in un bacio, un segreto detto alla bocca e non all'orecchio che arriva dritto al cuore regalando nuova essenza ai suoi battiti.... Continua a leggere

Con la forza e la sensibilità che la contraddistinguono, Vi Skin torna in radio e nei digital store con "Calamita", il suo nuovo singolo che emerge come un manifesto emotivo di rara intensità. Seguendo il successo di “E Tu?”, la cantautrice ciociara non si limita a sfidare i preconcetti, ma inverte la narrativa tradizionale sull'accettazione: "Non serve sentirsi vittime dei pregiudizi e non sono le persone definite diverse a dover essere accettate dagli altri, ma sono i cosiddetti altri a dover essere accettati da chi viene definito diverso”. In "Calamita", Vi Skin si avventura oltre i confini della musica, esplorando la tematica dell’ignoranza umana come fonte principale del pregiudizio e del suo impatto sulle vite di chi lo subisce, puntando i riflettori sull’importanza delle reazioni a determinati attacchi. Lontana da armature vittimistiche, l’artista introduce il concetto di "ignoranza consapevole", una condizione che definisce con queste parole: «Il pregiudizio è frutto dell'ignoranza. Nessuno di noi può sapere tutto di tutti, ed è qui che risiede la nostra libertà di apprendere, di andare verso gli altri. Personalmente, mi definisco un'ignorante consapevole di esserlo, ma è proprio grazie a questa consapevolezza che permetto a me stessa di imparare e di apprendere sempre di più. È attraverso un atteggiamento umile nei riguardi della mia ignoranza che riesco a compiere dei passi verso la mia persona e verso gli altri...Passi che, purtroppo, non tutti sono disposti a fare. Ed ecco che l'ignoranza diventa una scelta, decretando così la morte della coscienza umana. Non c'è nulla di più terribile dell'ignoranza in azione, la peggior arma di distruzione di massa. Senza la consapevolezza di non conoscere, di essere ignoranti su determinati aspetti, non potremmo mai progredire, né tantomeno fare un passo verso l'altro, ma continueremo solo a distruggerci a vicenda». Una riflessione profonda che suggerisce quanto, riconoscere la propria ignoranza, non sia una debolezza, bensì l'inizio del vero apprendimento, della comprensione e dell’accettazione di sé e degli altri e quanto, ancora troppo spesso, nascondersi dietro pregiudizi e convinzioni infondate possa limitare non solo il nostro sviluppo personale, ma anche la capacità di costruire relazioni autentiche e significative con gli altri. «La diversità è un concetto così naturale, ma la società non accetta ciò che non è uguale» - canta l’artista in una delle liriche più incisive ed emozionanti del brano, regalando anima, cuore e voce ad un messaggio che colpisce per la sua attualità e universalità. Parole che sottolineano la capacità di Vi Skin di catturare, in pochi tratti, un'immagine vivida della realtà contemporanea, dove il diverso spesso si scontra con muri di incomprensione e pregiudizio. Un grido che nella sua perseverante delicatezza risuona nelle profondità dell'essere, esortandoci a guardare oltre il velo delle apparenze, al di là dei preconcetti, per riconoscere e abbracciare la nostra essenza più vera. Vi Skin, attraverso la sua abilità narrativa, ci prende per mano in un percorso di riflessione e introspezione, in cui ogni verso diventa un passo verso la comprensione di sé e dell'altro, in un mondo che troppo spesso sembra dimenticare il valore delle peculiarità individuali. La musicalità del singolo accompagna il testo con un'armonia che esalta le parole, creando un connubio perfetto tra suono e significato. La produzione, curata nei minimi dettagli da Matteo “Orph3us” Passarelli, avvolge l'ascoltatore in un abbraccio sonoro, rendendo "Calamita" il simbolo di un’accettazione senza compromessi e di un dialogo, con se stessi e con gli altri, capace di unire anziché dividere. In un’epoca in cui le parole spesso sfumano in echi di melodie dimenticate, l'artista di Esperia si riconferma una voce autentica ed una penna sincera, priva di artefatti e costruzioni, in grado di scolpire nel tempo messaggi indelebili. Sin dall’apertura del brano - «Non so se ci so stare, e non so se voglio imparare, è segno di salute mentale rifiutare» -, Vi Skin conduce l’ascoltatore in un viaggio attraverso la consapevolezza, la consapevolezza della bellezza insita nell'essere unici, che non chiede il permesso di esistere, ma vive nonostante ed oltre etichette e cliché. Il titolo del brano, trae la sua genesi dalla metafora del pregiudizio, che, proprio come una “Calamita”, si attacca alla mente e all’anima, cercando di distruggere non soltanto chi lo riceve, ma anche chi lo genera e lo diffonde: «A me dispiace per tutti coloro che sono prigionieri delle loro convinzioni, incapaci di vedere oltre – conclude Vi Skin -. La calamita del pregiudizio si attacca inesorabilmente a noi, ma lo fa solo se glielo permettiamo». Un invito a non porsi come vittime, ma piuttosto come chi reagisce, chi si apre al dialogo e alla comprensione reciproca; un invito a riflettere, a liberarsi dalle catene dell'ignoranza volontaria, per fare spazio al nuovo, all'altro, all'inaspettato. Un invito a costruire un mondo dove la diversità sia finalmente vista non come una minaccia, ma come una ricchezza inestimabile da esplorare e valorizzare. Definendosi un'ignorante consapevole, Vi Skin apre una finestra sul mondo, mostrando come la vera forza risieda nella capacità di riconoscere i propri limiti e di trasformarli in opportunità di crescita. La sua musica diventa così non solo intrattenimento, ma anche uno strumento di cambiamento, capace di smuovere le coscienze e di stimolare un dialogo costruttivo, basato sul rispetto e sull'interesse genuino verso l'altro. Perché è una scelta quella di aprire gli occhi e il cuore, di riconoscere la propria ignoranza e trasformarla in curiosità e desiderio di conoscenza; un percorso che non promette facili soluzioni, ma offre l'autentica libertà di essere se stessi, rispettando e valorizzando la diversità altrui. Con “Calamita”, Vi Skin si conferma non solo come un'artista di grande talento, ma anche come una voce importante nel dibattito culturale e sociale, una cantautrice che con la sua arte vuole fare la differenza, spingendo verso un futuro più inclusivo e consapevole. "Calamita" esorta a tutti noi a riflettere sulle nostre azioni e sui nostri pensieri, a riconoscere l'ignoranza come punto di partenza per un cammino di apprendimento e di avvicinamento verso l'altro, in un percorso che, passo dopo passo, può portarci a diventare la versione migliore di noi stessi.... Continua a leggere

Con oltre 1.500.000 streams dal solo Spotify, più di 12 milioni di ascolti e visualizzazioni su YouTube, Instagram e TikTok ed un seguito social che conta 2 milioni di followers, la cantautrice, attrice e modella Greta Ray continua a definire il paesaggio dell'urban pop italiano con la sua inconfondibile presenza artistica, e dopo il successo di “Heaters” e della cover di “Flowers” di Miley Cyrus, torna a far fluire la sua anima in musica con "Foto Mossa" (Beatfactory/Grey’s Production/Believe Digital), brano con cui affronta con coraggio e sensibilità uno dei temi più delicati e attuali: l'ansia e gli attacchi di panico, specchio di una contemporaneità che insegue la perfezione. Poliedrica e magnetica, Greta combina il suo talento innato con un’incredibile sensibilità sociale, offrendo release che vanno oltre la semplice esperienza d'ascolto per toccare temi profondi e universali. Con "Foto Mossa", invita il suo pubblico a percorrere con lei un cammino intimo di autenticità e vulnerabilità, esplorando le sfide individuali di una collettività dominata dai social. Questa traccia diventa un dialogo tra due anime: Greta Giussani, la persona, e Greta Ray, l'artista, esplorando la loro dualità in un mondo in cui l'autenticità è spesso sacrificata sull'altare dell'apparenza. Spogliandosi da maschere e cliché, la cantautrice canturina racconta senza filtri la sua esperienza diretta, rivolgendosi a tutti coloro che vivono la stessa lotta interiore, incoraggiandoli ad abbandonare la superficialità di una pseudo-perfezione per accogliere, accettare ed abbracciare, le proprie imperfezioni, trovando così conforto e forza nella meravigliosa unicità che contraddistingue tutti noi. Il testo del brano, scritto a quattro mani con Stefano Piavani, risuona con un’intensità di raro riscontro, immergendosi con delicatezza in momenti di introspezione e vulnerabilità. Frasi come «Non so se è mezzanotte o mezzogiorno» e «Ma tu lo sai com’è quando non riesco a respirare», evocano la confusione e la pressione che attanagliano la mente in stati di forte ansia e stress, illustrando come la percezione del tempo e della realtà possa distorcersi sotto la lente distopica del conformismo. Queste linee, insieme al ritornello che delinea una realtà sfocata, simboleggiano il conflitto per mantenere un senso di identità in una società che sempre più spesso esige conformità e perfezione. Greta Ray, attraverso queste parole, esprime il bisogno di un rifugio emotivo e la ricerca di un equilibrio interiore, incoraggiando l'ascoltatore a trovare pace e chiarezza nella propria "foto mossa", un simbolo potente della bellezza insita nell’imperfezione umana. «Scappo da me stessa... E se mi guardo dentro è tipo foto mossa»: una ricerca di sé capace di andare oltre la nebbia degli standard irrealistici imposti da social e media, una ricerca di sé che parte sempre e solo dalla conoscenza onesta e approfondita di chi siamo quando ci troviamo da soli, faccia a faccia con le nostre fragilità e le nostre qualità. Con una carriera costellata di successi, Greta Ray ha sempre mostrato una versione di sé sicura e radiosa. Tuttavia, con questo nuovo e intensissimo tassello del suo mosaico artistico, decide di aprire il suo cuore al mondo, condividendo le sfaccettature più intime e vulnerabili della sua personalità. “Foto Mossa” è un messaggio di speranza, un invito a non sentirsi soli nella lotta contro l'ansia e a cercare supporto e felicità nelle piccole cose che rendono la vita degna di essere vissuta. «Passiamo ore ed ore a cercare di realizzare la foto giusta per i nostri profili social – spiega l’artista -, una foto ogni giorno, una foto sempre a fuoco; la continua ricerca della perfezione, della frase giusta, dello scatto impeccabile, a me personalmente provoca un forte stress, una sensazione d’ansia e impegno costante, sia fisico che mentale. Ho capito che è essenziale fare quello che ci fa stare bene e che ci rende felici e, con questo singolo, voglio sottolineare l'importanza di seguire il proprio cuore e i propri sogni, nonostante le difficoltà». "Foto Mossa", prodotta e arrangiata da Filadelfo Castro e Massimiliano Cenatiempo e sponsorizzato da GD Agency Milano, AZ Assicurazioni e The Solutionist Escape Room, è un’ancora di salvezza per chiunque si ritrovi a navigare le acque tempestose dell'ansia e della pressione sociale. Con questo nuovo capitolo, Greta Ray non solo dimostra la sua eccezionale versatilità artistica ma si erge anche come voce di un movimento che celebra l'autenticità in un'epoca di facili finzioni. "Foto Mossa" è una promessa di presenza, un abbraccio musicale a chi cerca conforto nelle proprie battaglie quotidiane, ricordandoci che la bellezza risiede nella nostra unicità, anche quando il mondo ci sfoca. «Con questo brano – conclude Greta – voglio dire a tutti coloro che, come me, soffrono di ansia e attacchi di panico, che non sono soli. Chiedete aiuto alle persone a cui volete bene, un percorso di psicoterapia facilita tantissimo a scoprire e comprende le proprie paure e la loro causa e ci aiuta ad affrontarle e gestirle al meglio». In "Foto Mossa", l’artista offre una prospettiva autentica, sincera e personale sulle sfide emotive che molti affrontano ma di cui si parla ancora troppo poco, dimostrando la forza che deriva dal condividere le proprie esperienze e dal supporto reciproco. Questo singolo promette di toccare i cuori e di aprire un dialogo importante sull'essere veramente se stessi in una società che, troppo spesso, premia solo l'apparenza.... Continua a leggere

A due settimane esatte da "San Valentino", release che ha debuttato nella playlist editoriale "Novità Rap Italiano" di Spotify, l'artista milanese d'adozione cremasca Blade torna in radio e nei digital store con "Moncler", il suo nuovo singolo che incarna un vero e proprio viaggio emotivo attraverso le sfumature dell'amore, il peso del successo e la lotta per mantenere intatta la propria identità in mezzo alle luci, il clamore e il tumulto della fama. Per il giovane artista che dal suo debut EP “Sopra le nuvole” ha dimostrato versatilità, estro creativo, profondità lirica ed una continua evoluzione espressiva pur mantenendo sempre intatta la sua cifra stilistica, "Moncler" non è solo uno status symbol, ma la metafora perfetta di un percorso intrapreso con determinazione, un indumento che, racchiuso nella borsa, nel bagaglio interiore delle proprie esperienze personali e professionali, testimonia i sacrifici, le corse contro il tempo e le battaglie affrontate per dimostrare agli altri, ma prima di tutto a se stesso, la propria veridicità in un mondo sempre più spesso costruito su artefatti e apparenze. Il singolo si apre con una riflessione amara sulla vacuità dei successi materiali rispetto alle perdite affettive: «A conti fatti valgono zero tutti quei contratti e tutti sti sbatti ci inseguono dai primi passi», parole che introducono l'ascoltatore nel mondo interiore di Blade, dove i contratti proposti e la notorietà ottenuta non riescono a compensare ciò che è stato sacrificato lungo il cammino, in particolare nelle relazioni interpersonali. La narrazione prosegue disegnando i tratti di un'intensa storia d'amore che sopravvive come un faro nella tempesta della vita dell'artista e che nel passaggio «Tra tutta sta gente, tu mi vieni in mente», esprime il desiderio di connessione e il ricordo costante della persona amata, capace di illuminare la meta prefissata nonostante le distrazioni e il caos del successo. Il cuore del brano, tuttavia, si trova nel simbolismo della pioggia, che Blade affronta nel luogo preferito dalla sua amata. Questo gesto rappresenta i sacrifici fatti per amore, la volontà di attraversare anche le tempeste più forti pur di conservare un legame speciale. La pioggia, così come il Moncler, diventano espressioni di un sentimento che resiste nonostante le avversità, un rapporto che persiste e continua a brillare anche quando i riflettori si spengono. "Moncler", accompagnato dal videoclip ufficiale girato ai Piani di Bobbio (LC) e diretto da Olucasp, con grafiche e immagini curate da Darius Vior, si configura quindi come un inno alla determinazione, alla resilienza e al potere salvifico dell'amore, un racconto che si snoda tra la dolcezza dei ricordi e la cruda realtà delle sfide quotidiane. Blade, con questo brano, dimostra di essere non solo un abile narratore del proprio vissuto, ma un vero artista dell’espressione contemporanea, capace di trasformare le proprie esperienze in canzoni che toccano l'anima, invitando gli ascoltatori a riflettere sulle proprie vite, sulle proprie relazioni e sui valori che meritano di essere perseguiti. In "Moncler", Blade offre un'opera che supera i confini della trap e di ogni categorizzazione musicale per toccare corde universali, dimostrando che dietro al successo e alla fama, ci sono storie di cuore, di lotta e di autentica passione. Con questo singolo, l'artista milanese si conferma come una delle voci più promettenti della scena musicale italiana, pronta a narrare la complessità di una generazione, la sua, sempre più spesso ammaliata dall'illusione di fama e successo, ma inconsapevole del vero prezzo da pagare, ponendo le fondamenta per un dialogo più ampio su cosa significhi realmente vivere in un mondo costantemente alla ricerca di conferme esterne.

Max De Lorenzis, la voce che ha incantato il panorama musicale internazionale conquistando oltre 400.000 streams grazie ai suoi tre capolavori in lingua inglese - "Something Beautiful", "River in the Sky" e "Whole Lot of Love" -, torna ad emozionare il pubblico con il suo esordio in italiano, "Ci Sarò", primo estratto dell'attesissimo debut album "La 5° Casa", in uscita il prossimo 15 Marzo. Questo brano, scritto inizialmente in inglese e adattato all’italiano per avvalorarne la profondità lirica e interpretativa, segna un momento di svolta nella carriera del cantautore, che si immerge completamente nella dimensione espressiva che meglio racchiude le sfumature del suo messaggio: una celebrazione della forza interiore generata dai momenti di disperazione e ribellione. Nato a Brindisi il 23 Maggio 1995, Max De Lorenzis si è subito distinto per la sua capacità di toccare le corde dell'anima con una vocalità intensa e suggestiva ed un’abilità strabiliante di giungere, grazie ad una timbrica istantaneamente riconoscibile, ai cuori degli ascoltatori di tutto il mondo. La sua storia è quella di un artista che, attraverso la musica, ha sempre cercato di trasmettere speranza, emozione e rinascita. "Ci Sarò" non fa eccezione, rappresentando un dialogo intimo e profondo con se stessi, una promessa di presenza e sostegno nei confronti della propria essenza più autentica, di quella persona che, più di tutte, dobbiamo imparare ad apprezzare, amare ed ascoltare. La traccia si apre con una delicatezza quasi sussurrata, ricordando una ninna nanna che accarezza i sensi, prima di evolversi in un potente grido di ribellione. La metamorfosi musicale e lirica che avvolge l’intero brano, simboleggia la transizione dalla vulnerabilità alla forza, invitando ciascuno di noi a riscoprire la grinta, l’energia e la bellezza che troppo spesso dimentichiamo di avere. «La gente critica e ti massacra, strappando via il tuo cuore e distruggerlo»; parole che risuonano come un’eco della lotta interiore contro i giudizi e le aspettative esterne, culminando in quel «non so come potrai a fare a meno di me, con quella forza e quel coraggio che ho solo per te» del ritornello che ci esorta a prenderci cura dei nostri stati d’animo, senza voltarci le spalle per il timore di guardarci negli occhi, per il timore di non essere all’altezza di un «mondo che non ascolta, ma che si limita soltanto a sentire»; un mondo che, «nella sua fragilità», strappa «via il tuo cuore» per distruggerlo, ma al tempo stesso, saprà dire alla parte più sensibile che abita in noi «che tu non rimpiangerai, tu non mi negherai». "Ci Sarò", accompagnato dal videoclip ufficiale che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane, è un manifesto per chiunque si sia mai sentito perso, un cammino di auto-scoperta e liberazione dalle catene imposte dalla società, uno specchio che riflette la tendenza degli individui a nascondere la propria essenza, sia a se stessi che agli altri, per paura di rivelare la vera identità che li contraddistingue. È un monito a sfidare tali paure, abbracciando con coraggio chi siamo veramente. Con "Ci Sarò", Max De Lorenzis si conferma come uno degli artisti più autentici e toccanti del nostro tempo, un alchimista moderno capace di trasformare il dolore in forza, utilizzando le note come un ponte universale. Questa nuova release, non solo segna un capitolo evolutivo nella sua carriera, ma offre anche una bussola emotiva per chi cerca la luce nei momenti di oscurità. Max, attraverso le sue parole, ci invita ad ascoltare la voce del cuore, a sfidare le tempeste interiori e a diventare, ogni giorno, la versione migliore di noi stessi, dimostrando che la musica non è solo un mezzo di espressione, ma una potente chiave di trasformazione personale.

Con "Lacrime Cobalto" ha incantato pubblico e critica riconfermando la sua profondità emotiva e lirica ed ora, Ruggero Ricci, torna ad illuminare il panorama musicale italiano con "Esplodere" (Orangle Records/Ada Music Italy/ Warner Music Italy), un inno all'audacia di vivere a pieno che sfida le gabbie imposte da preconcetti e stereotipi sociali. Prodotta dall’immancabile tocco del visionario Massimiliano Giorgetti e dall’estro creativo di Tia Snow, questa traccia rappresenta un viaggio nell'essenza dell'essere umano e nelle sue contraddizioni più intime: un vero e proprio capolavoro di poesia in musica, moderno e al contempo fuori da ogni epoca, che risuona con un immaginario emotivo ineccepibile, sfiorando e facendo breccia nel cuore degli ascoltatori nella costante lotta per l'autenticità che attanaglia la società dei nostri giorni. Un grido di libertà contro i vincoli autoimposti, l’autocensura, i pregiudizi, le etichette e tutte quelle barriere che ci privano di noi stessi, in un mondo sempre più orientato ad offuscare e spegnere il carattere e l’identità di ciascun individuo. L'arrangiamento pop-elettronico, impeccabile ed incredibilmente suggestivo, si fonde con un testo dalla levatura straordinaria, che invita ad una riflessione sulle scelte personali, sul coraggio di vivere perseguendo i propri ideali, i propri desideri, affrontando le complessità di agire liberamente in un contesto sociale pieno di limitazioni e aspettative. Ruggero Ricci, con l’eleganza e la sensibilità che corroborano la sua cifra stilistica, ci esorta a rompere le catene dell'autoinganno, come suggerito sin dall’apertura del brano. «Nel buio riconoscersi, esplodere», un’introduzione potentissima, che racchiude in sé la presa di coscienza, il punto di rottura che ci consente di prendere in mano la nostra vita, decidendo di essere finalmente noi stessi, a dispetto delle convenzioni. Una rivelazione animica, un prezioso momento di confronto che ci pone dinanzi ad un bivio: implodere nel conformismo, oppure esplodere in uno slancio di autenticità, cessando di incatenarsi alle proprie insicurezze, alle proprie paure, prigionieri in gabbie di cristallo, tra desideri e aspettative, che ci impediscono di spiccare il volo. «Resti vuoto a perdere ogni volta che provi a vestirti di ciò che non sei» canta Ricci, evidenziando la battaglia interna tra l'essere veri e le maschere che indossiamo per piacere agli altri, nell’illusione di piacere maggiormente a noi stessi. Un’infida trappola a cui andiamo incontro per vestirci di un'identità che non ci appartiene, da cui poi scaturiscono dolore e vacuità; una lotta che spesso, troppo spesso, sfocia in un vuoto esistenziale. L’artista romagnolo, non si limita a delineare un viaggio emotivo nelle relazioni, personali ed interpersonali, ma crea un parallelo con questa battaglia, con questa lotta contro la depressione, offrendo una prospettiva intima sulle sfide della vita moderna. E nella riuscitissima metafora con le slot machines del passaggio «Siamo impossibili da spiegare in un punto di vista, giocare alle slot machines credendoci», Ruggero Ricci punta i riflettori sulla complessità e l'aleatorietà dei rapporti, suggerendo come siano spesso imprevedibili e soggetti al caso, simili al gioco d'azzardo. La frase evoca l'idea che, nonostante le incertezze, ci sia una speranza e una fede nel potenziale positivo delle relazioni, proprio come quando si gioca sperando nella fortuna. Questo verso mette in luce la volontà di credere in noi stessi e negli altri, nonostante la nostra natura imprevedibile e talvolta difficile da comprendere. Perché «soffriamo di calma apparente» e «abbiamo ali di vetro» che rivelano una condizione di tranquillità di facciata celando un tumulto interiore di emozioni contrastanti, ma nella nostra la fragilità umana e nel costante equilibrio tra la necessità di proteggerci e il desiderio di liberarci, quelle stesse ali diventano l’emblema della bellezza unica e pura che vive in ciascuno di noi e della nostra capacità di trasformare i sogni in obiettivi prima e in realtà poi, quella stessa capacità che ci permette di aspirare, ambire e giungere ad altezze inesplorate, pur e proprio grazie alla vulnerabilità che ci contraddistingue. Con "Esplodere", accompagnato dal videoclip ufficiale girato a Ferrara, diretto da Andrea Artioli e impreziosito dalla presenza della modella Jasmine Costa - che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e rilasciato su YouTube nel corso delle prossime settimane -, Ruggero Ricci dimostra ancora una volta la sua abilità di navigare tra i sentimenti più profondi dell'animo umano, con una finezza espressiva che tocca l'anima e un’abilità autorale che ispira e infonde coraggio e resilienza. Questo brano è un richiamo all’autenticità, all’accettazione di sé, al coraggio di mostrarsi vulnerabili perché è proprio dalle fragilità che sbocciano forza ed audacia, celebrando il coraggio di esporsi, ma anche la bellezza e la libertà che risiedono nell'accettare la propria unicità.... Continua a leggere

In un'epoca in cui la scena musicale è spesso saturata di messaggi superficiali, il cantautore marchigiano Jamie, dopo il successo delle sue precedenti release sulla salute mentale, continua ad emergere come una voce autentica, capace di parlare direttamente al cuore e alla mente degli ascoltatori. Il suo nuovo singolo, "UN PEZZO DI ME" (ADA Music Italy), rappresenta non solo un punto di svolta nella sua carriera artistica, ma anche un contributo significativo sulle relazioni moderne, sul potere dell'autoconsapevolezza, dell'amore proprio e sulla prevenzione sessuale, arricchito dalla rivoluzionaria campagna promozionale che vede protagonista Punky, l'orsetto simbolo di resilienza, e da un'iniziativa audace: la distribuzione di profilattici durante i suoi live, enfatizzando un messaggio di amore responsabile. Il brano, un viaggio emotivo attraverso le complessità di un amore tossico, delinea un percorso di dolore, ironia, e infine, di riscoperta personale. La strumentale rock con sfumature punk incornicia magistralmente la narrazione, offrendo una colonna sonora potente alle liriche che esplorano la battaglia interiore tra dipendenza affettiva e il desiderio di autonomia. "UN PEZZO DI ME" è un grido di rinascita, un manifesto di resilienza che sfida i cliché dell'amore romantico per abbracciare una visione più matura e consapevole delle relazioni. Jamie, attraverso questo singolo, ci invita a riflettere sulla natura spesso corrosiva degli affetti disfunzionali e sulla forza necessaria per liberarsene. La sua voce, carica di passione e vulnerabilità, ci guida nel labirinto emotivo della dipendenza affettiva, offrendoci alla fine una chiave di lettura emancipatrice: la consapevolezza che, nonostante le ferite, si può sempre scegliere di rimettere insieme i pezzi di sé. Il contrasto tra dolore e liberazione, ripreso nelle parole stesse di Jamie, racconta di un amore che, pur essendo fonte di sofferenza, diventa occasione di profonda introspezione e crescita. Il testo riflette questa battaglia interna, dove il desiderio di appartenenza si scontra con la necessità di autenticità: «Non mi basta mai, non me ne volere, un minuto sto male, un altro poi sto bene». «“Un pezzo di me – dichiara Jamie -, è veramente un pezzo di me: l’ho scritto ad inizio 2023 e sono qui a rilasciarlo ad inizio 2024. Mi ha fatto urlare, stare bene, stare male. Insomma, mi ha reso di nuovo vivo, e spero sia ciò che possa trasmettere a chi lo ascolti». Ma la vera innovazione di "UN PEZZO DI ME" va oltre la musica. La traccia è un progetto globale che include una campagna di marketing unica nel suo genere. Centrale in questa strategia è Punky, l'orsetto di peluche che diventa simbolo di resilienza e purezza, evocando il concetto pascoliano del "fanciullino". Attraverso storie dedicate su Instagram, post che sembrano scritti da Punky stesso e un'interazione diretta tramite WhatsApp e chiamate che offrono spoiler del brano, Jamie ha creato un ponte emotivo tra il suo pubblico e il mondo narrativo del singolo, dimostrando come l'innovazione possa amplificare il messaggio di un'opera artistica. Al pubblico, infatti, è stato reso disponibile un numero di telefono reperibile per chat WhatsApp direttamente con Punky nei giorni che precedono la release, mentre il 14 e 15 Febbraio è stato possibile anche chiamare Punky e avere uno spoiler del brano (con la voce dell’orsetto generata tramite Intelligenza Artificiale). L'apice di questa innovativa strategia di marketing si è manifestato durante l'esibizione live di Jamie all'Azure Club di Casette Verdini (MC), dove l'artista ha sorpreso il pubblico non solo con la sua musica ma anche con un gesto simbolico di grande impatto: la distribuzione di profilattici brandizzati con il messaggio "Non fate la guerra, ma l'amore". Questa performance non solo ha rafforzato il legame con i fan, ma ha anche trasmesso un messaggio positivo sull'amore responsabile e sulla prevenzione sessuale. «Punky – conclude l’artista - è un orsetto che immedesima il concetto del “fanciullino” di Pascoli, secondo il quale maturare non deve necessariamente negare la presenza di una parte più infantile e pura dentro di noi. Punky perde un pezzo di sé tramite la storia generata e raccontata sui social con screenshots di chats con lui, ma non smette e non smetterà mai di essere il docile cucciolo che è. Il brano tratta di un amore tossico e ritrae Punky nella copertina in assenza di un pezzo di se stesso, proprio al posto del cuore». Jamie, con "UN PEZZO DI ME", si conferma non solo come uno dei talenti più sensibili ed empatici del panorama discografico indipendente italiano, ma come un innovatore capace di rompere gli schemi tradizionali del marketing musicale. Questo singolo e la sua campagna promozionale rappresentano un modello di come musica, messaggio e marketing possano fondersi in un'unica, potente opera d'arte, pronta a lasciare un segno indelebile nella cultura pop contemporanea.... Continua a leggere

Dopo aver raggiunto risultati straordinari con "Discorsi a Metà", conquistando la #1 della Top 50 emergenti e la #10 dei 100 artisti più ascoltati di Dicembre 2023, il cantautore e rappresentante della comunità LGBTQ+ Jack Scarlett torna in radio e nei digital store con "Senza più perdermi" (Keyrecords), una struggente e potentissima poesia in musica contro il bullismo. In questa nuova attestazione del suo talento da fuoriclasse e della sua assoluta sensibilità artistica, Jack Scarlett si immerge in un tema profondamente personale e sociale. Il brano è un tributo alle vittime di bullismo, un inno di resilienza e speranza per chiunque abbia affrontato simili sfide. Attraverso la sua musica, Scarlett non si limita a creare un'opera d'arte, ma costruisce un’ancora di salvezza, un rifugio e un abbraccio di incoraggiamento per coloro che combattono silenziosamente contro le cicatrici fisiche e animiche lasciate da queste esperienze traumatiche, ancora troppo spesso rimaste impunite. Con “Senza più perdermi”, l'artista nato a Roma e cresciuto a Milano si pone come voce di sostegno e guida per chi è vittima di tali violenze, spesso sottovalutate dalla società, ma profondamente dannose per l'integrità emotiva e psicologica dell'individuo. Scarlett esplora con la delicatezza, l’empatia e l’eleganza che lo contraddistinguono sin dalla sua prima release la complessità dell'esperienza di chi subisce atti vessatori, dando voce alle loro storie, alle loro lacrime, ai loro silenzi e tutti i sentimenti nascosti in quei cuori spezzati da gesti e parole che sanno ferire più di mille lame. Le sue release diventano uno spazio di ascolto e comprensione, dove le emozioni relegate in ombra trovano luce, espressione, comprensione e accettazione. «Qualche settimana fa – dichiara - ho subito un’aggressione in stazione, dopo la quale sono tornato a casa estremamente terrorizzato. Per giorni non sono riuscito ad uscire, avevo paura anche ad avvicinarmi alle finestre ed essere visto da questa società bestiale. Per ogni minimo spostamento, mi facevo accompagnare in auto, con la fobia anche solo di avvicinarmi ad una stazione. Gli sguardi della gente erano come pugnalate; questa esperienza mi ha creato un trauma ed una fortissima ansia sociale, per questo motivo ho sentito la necessità di raccontare questo fenomeno che non è più tollerabile e mettermi in prima linea per combatterlo. Per me è un grido disperato, contro queste baby gang, un grido per farci sentire da politici e forze dell'ordine per sorvegliare maggiormente le strade, anche di giorno. Vogliamo essere tutelati, abbiamo il diritto di esserlo». Il tema del bullismo viene raccontato non solo come un problema individuale, ma come un fenomeno culturale e sociale che richiede maggiore attenzione e tempestivi interventi. L’arte autentica e poliedrica di Jack Scarlett si corrobora di un senso di missione, diventando un mezzo per stimolare il dialogo, la condivisione e la consapevolezza su un argomento tanto discusso quanto complesso. Con il suo tocco unico, la sua urgenza espressiva e la comunicazione profondamente empatica, diretta e intuitiva, Jack non solo canta per chi ha sofferto, ma lancia anche un appello alla comunità per una maggiore comprensione volta a promuovere un’efficace ed immediata azione collettiva. Il passaggio «Ho creduto di essere come un errore, sul foglio del mondo, come se l'amore non facesse per me», cattura la sofferenza interiore e la lotta per l'accettazione di sé che molte vittime di bullismo affrontano. Queste parole riflettono un senso di alienazione e disperazione, dipingendo l'immagine di un individuo che si sente escluso e incompreso dalla realtà che lo circonda. L’artista, con una sensibilità che tocca e accarezza il cuore, esprime la battaglia interna per superare il dolore e ritrovare la propria identità. «Sono cresciuto nell'ombra dell'insicurezza, in quell'angolo oscuro, a piangermi addosso gocce di futuro chiuse nelle lacrime» prosegue il testo, rivelando tra liriche che racchiudono frammenti d’anima un’intensissima riflessione personale. Scarlett descrive il processo di crescita e maturazione attraverso la sofferenza, sottolineando come le esperienze traumatiche abbiano influenzato la sua percezione del futuro. Tuttavia, c'è anche un senso di forza che emerge da queste parole, suggerendo che, nonostante le sfide, è possibile trovare la luce e la speranza. E nel messaggio liberatorio del ritornello - «Oltre la malinconia, oltre le notti feroci dei miei incubi, io volerò senza più limiti» si cela il cuore pulsante di questo inno anti-violenza. Qui, l’artista invita all'ascesa oltre le difficoltà, rammentando che oltre il buio della disperazione c'è la possibilità di volare liberamente, senza i limiti imposti dal giudizio altrui o dalle proprie paure. Una planata su orizzonti di serenità e riscatto, che nel verso-chiave «dolci pensieri e lievi brividi, lontano da qui, senza più perdermi» infonde pace e accettazione, in un cammino opposto alla confusione e all'angoscia che caratterizzano i passi quotidiani di chi subisce bullismo. La ricerca di un senso di appartenenza e di comprensione che va oltre il dolore per fluire nell’essenza più pura di ciò che siamo, con tutte le meravigliose peculiarità che ci contraddistinguono. In "Senza più perdermi", Jack Scarlett non solo condivide la propria esperienza personale, ma tende anche la mano a tutti coloro che si sentono persi, alienati e oppressi. Con una composizione che bilancia abilmente vulnerabilità e forza, l’artista dona al suo pubblico un vero e proprio manifesto per coloro che cercano di ritrovare la propria voce e il proprio posto in un mondo spesso ostile. Questo brano non solo parla al cuore, ma anima e ispira l'ascoltatore a cercare la propria liberazione e il proprio volo nella direzione dei sogni che, per troppo tempo, ha tenuto chiusi in un cassetto di sofferenza. «”Senza più perdermi” – continua l’artista - è un messaggio di forza e speranza a tutti quei ragazzi che subiscono questo crimine, ancora oggi troppo spesso rimasto impunito. Voglio essere per loro una spalla, che nel mio piccolo possa aiutarli e sostenerli. Questo brano è un omaggio a tutte quelle persone che proprio a causa di queste violenze si sono tolte la vita: nelle strofe racconto dettagliatamente la sofferenza che anch'io, in prima persona, ho provato e vissuto nel mio periodo scolastico, mentre nei ritornelli canto ciò che le persone che arrivano a fare gesti tanto estremi agognano, con la speranza che tutta questa cattiveria gratuita abbia fine». Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, diretto da Chiara Bettiga e girato al Multiset Studio di Milano Bicocca, include la partecipazione di influencer e attivisti come Eddie Bunny, celebre portavoce della comunità gay. Il video rappresenta varie realtà discriminate, creando un potentissimo messaggio audiovisivo di inclusione e comprensione. «Nel videoclip – conclude Scarlett - ho cercato di racchiudere più realtà discriminate possibile. C’è Eddy Bunny, tiktoker e attivista con centinaia di migliaia di followers che si erge come portavoce della comunità gay. Sono presenti anche una donna che canta contro la violenza sulle donne, e la molestia ed una persona genderfluid che ha scelto di metterci la faccia per sostenere tutta la comunità trans e gender neutral» "Senza più perdermi" si eleva quindi ben oltre il valore artistico, tecnico ed interpretativo, distinguendosi per l’importante impatto sociale e umanitario. Jack Scarlett, con questo piccolo capolavoro musicale, si riconferma come un musicista di eccezionale talento, ma anche e soprattutto come un interprete impegnato ad utilizzare le sue doti e la sua dedizione per far luce su questioni cruciali, portando speranza e cambiamento nella vita di chi lotta ogni giorno contro abusi e giudizi. La sua musica diventa un mezzo per esprimere e condividere esperienze difficili, fornendo conforto e ispirazione a coloro che combatte per trovare la propria voce. Questo singolo è un chiaro esempio del potere della musica di andare oltre l'intrattenimento, diventando un veicolo per il cambiamento sociale e la comprensione umana. Jack Scarlett canta per gli oppressi, ergendosi come un modello di forza e resilienza e incoraggiando chiunque si trovi in situazioni simili a non perdere la speranza e a lottare per i propri diritti. La sua passione e la sua autenticità, rendono il brano un'opera destinata a lasciare un'impronta duratura nel panorama discografico contemporaneo. “Senza più perdermi” riecheggia il grido di chi è stato silenziato, avvolgendo in un abbraccio d’amore tutti coloro che si sentono soli e fungendo da promemoria che ci ricorda che, nonostante le sfide, è sempre possibile trovare il proprio cammino e non perdersi più. In un mondo che ha disperatamente bisogno di empatia e comprensione, "Senza più perdermi" di Jack Scarlett è più di una canzone, è una missione, un messaggio di speranza e una guida verso un futuro più gentile e inclusivo per tutti.... Continua a leggere

Dopo aver stupito e affascinato pubblico e critica con "Parole di Vetro" (di cui vi abbiamo parlato qui), brano ispirato a Il ritratto di Dorian Gray di Oscar Wilde che riflette sull'artificio della società moderna, il duo pisano NEIM inaugura il 2024 con "Tanto vale perdersi nel vento", l’atteso debut album che promette di rivoluzionare il concetto di dark-elettro-pop all’italiana. Una fresca ondata di innovazione che, attraverso otto tracce – le 5 già rilasciate e gli inediti "Cadiamo giù", "Requiem" e "Verde Assenzio" -, dimostra l’incredibile versatilità e profondità artistica del gruppo. La focus track del disco, "Verde Assenzio", attualmente in rotazione radiofonica, racconta un loop emozionale causato dall'assunzione dell'omonima bevanda con una narrativa fortemente suggestiva, in perfetto stile NEIM. Poesia, eleganza e ricercatezza si intrecciano per dar vita alla storia di un uomo che, intrappolato in una sorta di autodemolizione emotiva, trova fuga e riparo dal dolore nella visione della "fatina verde" dell'assenzio, una presenza felice e positiva in netto contrasto con il suo stato d'animo. Questa visione, meravigliosamente sospesa tra realtà e fantasia, diventa un'ancora di salvezza in un oceano interiore agitato e turbolento. La figura della fatina, ricca di simbolismo, rende la traccia una giostra di emozioni e illusioni, e l’utilizzo della metafora dell’assenzio come emblema poetico della massima ispirazione, diventa lo sfondo ideale per trattare la tematica della frivolezza, di una vita completamente distaccata da ciò che la circonda. Una critica all’epoca contemporanea in cui molte persone, chi per noia, chi per comodo e chi per il timore di far fronte a se stesso, cercano rifugio in piaceri effimeri. La genesi di questo brano, come spiega il duo, deriva dal beat evocativo del produttore THEGEØMETRA, all’anagrafe Fabrizio Pagni, che ha istantaneamente richiamato alla mente dei NEIM un'atmosfera da circo, traslato della follia umana: «”Verde Assenzio” è nato da un beat del nostro produttore Fabrizio Pagni, in arte THEGEØMETRA, su cui abbiamo costruito tutto. Ci ha ricordato un ambiente da circo, e da questo è nata l’idea della follia, accompagnata dal simbolo per eccellenza dell'ispirazione massima dei poeti e degli scrittori, l’assenzio. Questo pezzo fa sicuramente riflettere sul vivere la vita in modo frivolo e totalmente distaccato da tutto ciò che ci circonda, cosa che oggi è sempre più frequente. Trovare rifugio in quel “Verde Assenzio” e in quel circo di cui ormai tutti facciamo parte, è un vero e proprio loop emozionale da cui è difficile uscire». Dal punto di vista musicale, il brano si sviluppa partendo con toni minimali per arrivare ad un climax di suoni elettro-pop, un’esplosione ritmica che sottolinea il dualismo tra il desiderio di evasione e la complessità della realtà circostante. Il secondo nuovo singolo racchiuso nell’album, "Requiem", è invece un inno struggente su una storia d'amore conclusa, una preghiera intima e potente per una relazione giunta al capolinea. Le liriche intensissime «guardami negli occhi come fai da sempre, son gli stessi occhi, sai, non cambia niente» e «il tempo che passa consuma la pelle» evocano un senso di perdita e di memoria, riflettendo sulla natura impermanente dell'amore e sulla sua persistente presenza nell'animo umano. Un requiem di nome e di fatto per un amore perduto che colpisce l'anima fin dal primo ascolto, rivelando l’eccezionale abilità dei NEIM nel trasmettere tutte le sfumature delle emozioni attraverso la musica. La terza ed ultima traccia inedita del disco, "Cadiamo giù", si distingue per la sua audace sperimentazione sonora, che intreccia sfumature hyperpop dal sapore internazionale, ad influenze di matrice elettronica. Questo brano rappresenta un grido di libertà, una celebrazione dell’essenza dell’esistenza e della gioia di vivere la vita nella sua pienezza. Nel passaggio chiave «Siamo polvere nell'universo, senza forza e gravità», i NEIM catturano il senso di liberazione e infinite possibilità, richiamando l'immagine di essere immersi nella vastità dell’universo, ma non vincolati dalle leggi della fisica; padroni di se stessi e di esplorare il proprio destino senza limiti. E nel verso riflessivo «Siamo come foto senza messa a fuoco, siamo come attori al circo, poi togliamo il trucco», il duo toscano descrive metaforicamente la vita come un teatro, dove tutti recitano la propria parte prima di rivelare la loro vera natura. L'intero album "Tanto vale perdersi nel vento", è un esempio brillante della capacità dei NEIM di navigare abilmente tra diversi generi musicali, mantenendo sempre una forte identità e coerenza artistica. Con questo progetto, il duo si conferma come una delle voci più innovative e avvincenti del panorama musicale attuale, offrendo un'esperienza di ascolto che è al contempo intima e universale. Il loro approccio riflessivo alla composizione e la loro capacità di coniugare innovazione e introspezione, rendono questo album un must per gli amanti della musica alla ricerca di qualcosa che sia veramente significativo e stimolante. "Tanto vale perdersi nel vento" non è solo un aggregato di canzoni, ma un viaggio di ritmo e poesia che ridefinisce il dark-elettro-pop italiano, un manifesto di ciò che la musica può e deve essere. Un cammino attraverso le complessità dell'animo umano, dove ogni verso e ogni variazione sonora rappresentano un tassello di un mosaico emotivo e sensoriale che rimarrà impresso nella memoria di chi ascolta. Questo album rappresenta l'inizio di un viaggio emozionante per i NEIM, un viaggio che promette di portare nuove prospettive ed esperienze nel mondo della discografia italiana. Una vera e propria opera prima di un percorso esplorativo in cui ogni brano diventa un capitolo di una storia più ampia, un racconto di vita, amore, dolore e rinascita. “Tanto vale perdersi nel vento” – Tracklist: 1. Resta tutto uguale 2. Una canzone per odiarci ancora 3. Parole di vetro 4. Verde Assenzio 5. Solo un secondo (Rossofuoco) 6. Il mondo in una bolla 7. Cadiamo giù 8. Requiem... Continua a leggere

Dalle sfumature noir di “Sunset Boulevard” a quelle avvolgenti e dreamy di “Audemar” (feat. BadLarry), Cheez conferma il suo eclettismo stilistico in "Tenero", una fusione armonica e rivoluzionaria di rap, trap-soul e ritmi accattivanti che si distingue per l'approccio emotivo e lirico. Primo estratto di un progetto più ampio previsto per fine anno, questo brano rappresenta una vera e propria espressione del talento unico e versatile di Cheez, una perfetta sintesi tra urban-dark e delicate sfumature R’n’B che esplora con incisiva sensibilità i complessi percorsi dell'amore e della depressione. Con “Tenero”, Cheez non si limita a tracciare un itinerario emotivo sulle relazioni, ma crea un suggestivo parallelismo con la coltre interiore di chi affronta la depressione, offrendo un insight profondo e intimamente personale del suo universo artistico. Scritto dallo stesso Cheez in un periodo di riflessione in cui l'evitamento di legami affettivi si è fatto scudo, barriera difensiva nei confronti del dolore emotivo, “Tenero” si corrobora di traslati e punchlines che lasciano il segno, intrecciando immagini fortemente evocative che si ancorano al cuore del pubblico e creando un legame profondo, un dialogo aperto con l'ascoltatore, dove ogni verso agisce da chiave per aprire i cassetti più nascosti del cuore. «In questo pezzo – dichiara l’artista – affronto la fase del rifiuto: il rifiuto nei confronti di una relazione, nei confronti della felicità, perché capita che nonostante il sentimento d’amore provato nei confronti di qualcuno, un sentimento vero e concreto, a volte preferiamo evitarlo, perché temiamo che, innamorandoci, prima o poi arriveremo a soffrire». “Tenero” rappresenta la fase due del progetto full length di Cheez, in cui il rifiuto si intreccia alla consapevolezza, spesso presunta, della sofferenza inevitabile che accompagna l'amore, evidenziata egregiamente nel verso «piango sotto la doccia, non so se è una lacrima o una goccia». Un’immagine potente, carica di emotività, che incarna un momento di vulnerabilità e introspezione profonda, dove la distinzione tra il dolore interiore, simboleggiato dalle lacrime, e l'ambiente esterno, le gocce d'acqua della doccia, diventa confusa, sfumata, soffusa. C'è un senso di disordine e sovrapposizione tra dolore personale e realtà circostante, che suggerisce quanto a volte, i sentimenti, siano tanto intensi da fondersi con il mondo fisico. Questa linea offre una finestra sullo stato d'animo del protagonista, in cui il dolore emotivo è così palpabile da diventare quasi tangibile, indistinguibile dalla realtà fisica. Nato artisticamente grazie all'influenza del padre chitarrista, Cheez ha saputo creare un percorso distintivo, arricchendo il panorama musicale con una serie di singoli introspettivi che esplorano temi sensibili, frutto dell’esperienza di vita diretta, ma al tempo stesso universali. Dal suo debutto nel 2018, il rapper mantovano è stato in grado di conquistare un posto unico nel cuore degli appassionati del genere, aggiungendo freschezza e originalità ad una scena che molto spesso ripete se stessa. “Tenero” è un'espressione di autenticità e stile che testimonia la capacità di Cheez di parlare all'anima. Con questo singolo, un assaggio emozionante di ciò che ci riserverà il suo imminente debut album, l'artista apre una finestra sul suo mondo interiore, invitando gli ascoltatori ad un cammino condiviso nell'introspezione e nell'empatia, esortandoli a non temere l’amore nonostante le cicatrici che può lasciare sul cuore.... Continua a leggere

Dall'eco delle "Voci" alla quiete di un "Silenzio" che ha conquistato tutti per la sua profondità lirica ed espressiva, ottenendo il riconoscimento tra i miglior testi a Sanremo News Talent, la nuova punta di diamante del rap italiano Loki torna nei digital store con "Loki Balboa", brano con cui non solo conferma la sua maestria autorale, ma si designa anche come un camaleonte ritmico, capace di muoversi agilmente tra i diversi toni espressivi del rap. In una fusione eccezionale di rap, sfumature dark e icone cinematografiche, il brano prende vita da un sample con un giro di sax indimenticabile e da una produzione, curata dal tocco impeccabile di NFL e Duck, che toglie il fiato sin dal primo ascolto. La creazione del pezzo è una storia di ispirazione spontanea, influenzata dalla visione del sequel di “Rocky Balboa”, che ha acceso in Loki una scintilla creativa irrefrenabile. Giocando con maestria sul filo dei contrasti, questa traccia affonda le sue lyrics in un concentrato di punchlines ed evocazioni cinematografiche, regalando ad orecchie e cuore un piccolo capolavoro di storytelling e ingegnosità musicale. Ogni verso è un colpo di scena, un gancio diretto all'immaginazione dell'ascoltatore, che viene guidato da un flow serratissimo e da un estro degni di nota in un mondo in cui il rap incontra il grande schermo. Le rime di Loki sono un tributo all'arte della narrazione, dove ciascuna parola è scolpita con assoluta precisione per creare un'esperienza auditiva, una delivery memorabile. In questo pezzo, l’artista non solo dimostra la sua abilità nel creare dei veri e propri street banger attraverso una metrica impeccabile e giochi di parole disarmanti, ma rivela anche la sua abilità di fondere il rap ad una narrativa cinematografica vivida e coinvolgente. Nel verso «Mastro, sangue freddo, ghiaccio, ti spiezzo in 2, Ivan Drago», Loki si confronta con il celebre antagonista di Rocky, esprimendo la determinazione e la forza interiore che contraddistinguono la sua cifra stilistica sin dagli esordi. E nella linea «Sono nato per combattere, Apollo Creed, corro sopra i tetti, Assassin's Creed», il rapper trentino mescola l'universo di Rocky con quello dei videogiochi, mostrando la sua capacità di navigare tra diversi mondi culturali senza intaccare minimamente il flusso d coscienza del brano. Queste immagini potenti, ricche di analogie e simbolismo, rendono "Loki Balboa" un mosaico di arti, un patchwork travolgente di suoni ed emblemi che supera i confini della musica. La produzione, meticolosamente curata da NFL e Duck, crea una simbiosi perfetta tra le parole di Loki e il beat su cui si posano, dando vita ad un pezzo che colpisce per il suo equilibrio tra genialità e sregolatezza. "Loki Balboa" rappresenta la rivincita artistica di Loki, evidenziando la sua padronanza nel rap e la sua originalità nel trattare temi come la resilienza e l'autoaffermazione. Il ritornello, saturo di ansia e adrenalina, le strofe, con i loro cambi di ritmo e flow, e le citazioni al sequel di Rocky, sono un omaggio all'immaginario collettivo, che il rapper mescola sapientemente senza mai eccedere o cadere nel banale. “Loki Balboa” segna un momento cruciale nella carriera di Loki, consolidandone il ruolo di innovatore poliedrico nel panorama musicale italiano. Con questo brano, Loki invita gli ascoltatori ad immergersi in un'avventura musicale ricca di energia e passione, valicando i confini del rap per abbracciare nuove sfere creative ed espressive.... Continua a leggere

Dopo il successo del “Resto a Casa Tour” e del “Torno a Casa Tour” - un viaggio tra bicicletta e musica in collaborazione con lo IOR – Istituto Oncologico Romagnolo che ha attraversato l’Italia e attraverso l’Italia ha sostenuto la ricerca sul cancro (tutte le info disponibili a questo link: tornoacasatour.it/) -, i No Longer Player fanno il loro come back sulle scene con "Almond Tumblr Man" (Watt Musik Rock/Benvenuto Edizioni), un'incursione profonda e simbolica nel tema della vanità e della cultura dell'apparenza, esplorato mediante la metafora dei piccioni tombolieri. Attivo sulle scene dal 2014, il trio composto da Cristian D’Emilio, Luca Staccoli e Federico Bertuccioli – a cui subentra, successivamente, Eugenio Borgia -, ha saputo lasciare il segno nel panorama musicale nazionale, non soltanto per l’impegno filantropico e sociale, ma anche per una versatilità degna di nota. Dal primo mini EP “Now Here, Nowhere” al debutto in lingua italiana "Buonanotte alle aspettative", fino al ritorno all’inglese con "Sleeping with Ghost", i No Longer Player si sono sempre distinti per la loro attitude cosmopolita ed il loro approccio pluridimensionale alla musica, mantenendo al contempo un’identità artistica forte e riconoscibile. Questa nuova release, che promette di rivoluzionare l'indie rock italiano ed il modo in cui lo percepiamo, nasce da un'ispirazione tanto originale quanto affascinante: i piccioni tombolieri e la loro lotta estrema per l'amore, un parallelo con la vanità umana che trova eco nelle parole e nei ritmi incalzanti del gruppo. La genesi di "Almond Tumblr Man", infatti, si ispira alla storia di questa particolare specie, gli Almond Tumbler, simboli di una passione così ardentemente folle da sfociare in autolesionismo, riflettendo sulla natura umana e sulla sua inclinazione a superare i limiti, spesso a discapito di se stessa. Nel tentativo di conquistare il partner, i tombolieri si esibiscono in capriole mortali, rischiando tutto per un solo momento di gloria; un’analogia intensa e profonda con l'essere umano moderno, che spesso si smarrisce nel desiderio di piacere e piacersi, perdendo la propria identità morale ed ideologica. “Quanti di noi muoiono per mano della propria vanità?”, si chiede Cristian D’Emilio, mente creativa della band, riflettendo su come ci si annienti nel tentativo di accettarsi ed essere accettati, compresi, amati. Con il sound unico e potente che li contraddistingue, frutto della fusione di grinta e poesia, rock e introspezione, i No Longer Player fanno centro con un pezzo il cui arrangiamento evoca i ritmi incalzanti dei Kasabian. "Almond Tumblr Man" colpisce al primo ascolto per la sua energia bruciante e la sua attitudine punk: la batteria di Eugenio Borgia e l'estro creativo di Alberto Melloni alla produzione, aggiungono ulteriore grinta, dando vita ad un suono che è allo stesso tempo fresco e nostalgico. "Almond Tumblr Man" non è solo un brano rock, è una metafora della vanità umana, un viaggio emotivo che esplora i confini di quell’autodistruzione generata dal sempre più frequente desiderio di piacere a chiunque incroci il nostro sguardo, la nostra strada, i nostri orizzonti. Proprio come i piccioni tombolieri, anche l'uomo talvolta si confonde e si fonde nel proprio ego, sacrificando la propria essenza per un'apparenza fugace. La band, con il suo stile caratteristico, cattura questa battaglia interiore, coniugando la potenza del rock a liriche profondamente riflessive. Il testo del singolo, con le sue immagini vivide di circhi bizzarri, treni supersonici e paesaggi post nucleari, racconta «stories are between a freaky circus and a magic zoo» («storie tra uno strano circo e uno zoo magico»), guidando l'ascoltatore in un viaggio immaginifico. E nel passaggio «His secret bloody weapon is what you’ll never know» («La sua dannata arma segreta è ciò che non saprai mai»), il trio esplora il tema dell’occultamento e della rivelazione, riflettendo su come spesso nascondiamo le nostre vere intenzioni dietro maschere di superficialità. Verità inesplorate e intenzioni celate dietro facciate ingannevoli; il riflesso di un’umanità schiava dei suoi enigmi e delle sue apparenze, travestimenti in cui ci infiliamo nel tentativo di non sprofondare negli abissi delle relazioni e della società. Un invito a ballare sulla superficie ma anche a riflettere in profondità, con cui i No Longer Player dimostrano ancora una volta la loro capacità di fondere versi poetici a melodie coinvolgenti, creando un'opera che non è solo una traccia da ascoltare, ma un'esperienza da vivere e da cui trarre ispirazione. Un’esperienza auditiva immersiva nata dallo spirito creativo del gruppo, caratterizzato dalla fusione di contaminazioni che spaziano dalle metropoli europee di Berlino e Dublino fino alle galassie acide di un universo post-apocalittico dove l'immaginario si fonde con il reale. Questa miscela unica di suoni e stili non solo cattura l'orecchio, ma stimola mente ed anima, esortando l'ascoltatore a riflettere sulle estremità a cui può portare la vanità, su come questa possa influenzare le nostre azioni e le nostre interazioni in un mondo sempre più focalizzato sull'immagine e sull'apparenza. Un inno alla vitalità del rock n' roll, un richiamo alla semplicità disarmante, allo stile e all'energia del genere, che i No Longer Player abbracciano pienamente. Un invito ad ascoltare non solo con le orecchie ma con l'intero essere, meditando su quanto possiamo andare lontano per il desiderio di essere amati e accettati. Con "Almond Tumblr Man", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Pietro Angelini, i No Longer Player dimostrano che il rock n' roll rimane una forza potente, capace di trasmettere semplicità, stile ed energia pura. Una sintesi perfetta di grinta bruciante, eleganza stilistica e vitalità, con cui il trio non solo celebra un genere, ma lo eleva ad un nuovo livello di espressione artistica, confermando come possa ancora essere uno strumento potente per comunicare messaggi profondi e stimolare la riflessione.... Continua a leggere

In una fusione unica di ritmi urban e narrazioni emotive, Blade torna nei digital store con "San Valentino", un brano che esplora la complessità delle relazioni umane, il valore oltre il materiale e l'incessante ricerca di autenticità nel contesto della celebrazione dell'amore. Attraverso una lente personale e riflessiva, l’artista cernuschese d’adozione cremasca condivide un viaggio intimo nelle profondità della sua anima, offrendo agli ascoltatori un'esperienza musicale ricca di sentimenti e resilienza di fronte alle sfide della vita. "San Valentino" non è solo un titolo, ma un simbolo potente della trasformazione personale di Blade, che si muove da una percezione esterna carica di pregiudizi ad una rinnovata considerazione, meditando sul cambiamento e sulle sue esperienze, dalle difficoltà finanziarie all'abbondanza, ma mantenendo sempre al centro l'importanza dei legami affettivi autentici e sinceri. Menzionando regali di lusso e brand di alta moda come Valentino, Gucci e Louis Vuitton, questo brano non si pone come l’ennesimo elogio al materialismo, bensì come un’istantanea musicale che immortala l’evoluzione del suo autore, non solo sotto l’aspetto finanziario, ma anche e soprattutto dal punto di vista della percezione emotiva. Tra le righe del pezzo, Blade esplora la dinamica tra ricchezza economica e ricchezza interiore, puntando i riflettori su quanto, troppo spesso, la prosperità finanziaria distolga il nostro sguardo da quella spirituale. Lontano da moralismi e artefatti, Blade racconta la volontà di liberarsi da vincoli indesiderati, riflettendo sulla perdita del sorriso che attribuisce ad un patto con il destino, alludendo ad una connessione con una persona specifica, e rivelando una lotta interiore tra sicurezza e vulnerabilità, un conflitto che sottolinea il complesso equilibrio tra fama e successo, tra notorietà e affermazione. La narrazione stessa del brano, è infusa da un tono ambivalente, un suggestivo mix di sicurezza e fragilità: la determinazione a raggiungere il benessere finanziario, si scontra infatti con la consapevolezza di poter perdere quello animico, tracciando un percorso contraddistinto da ambizioni, relazioni ed una costante ricerca di guida interiore, un faro capace di illuminare le proprie scelte ed i propri reali obbiettivi. Il «non sono più fragile» ripetuto nel testo, diventa un mantra di coraggio e autorealizzazione che consente all’artista di condividere quanto, le esperienze negative, abbiano contribuito alla sua crescita, trasformandolo in un giovane uomo che ora comprende meglio se stesso e i suoi desideri. Con "San Valentino", Blade invita gli ascoltatori a non dimenticare le vere basi dell'amore e dei legami affettivi, andando oltre il materiale per toccare l'autenticità e la profondità delle relazioni umane. Il suo messaggio è chiaro: la vera crescita e comprensione di sé emergono attraverso le prove e le sfide della vita, conducendo ad una rinascita autentica e tangibile. "San Valentino" è una testimonianza di vita, un racconto moderno di come le esperienze, sia positive che negative, modellino il nostro essere e il nostro percorso.... Continua a leggere

Udi, l'artista rivelazione dell’indie-pop italiano, dopo aver emozionato pubblico e critica con l’incisività della sua penna e la delicatezza della sua voce in "Eschimesi", torna in radio e nei digital store con “Sushi misto” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che parla direttamente ai cuori – e alle pance - degli ascoltatori. Nell'atmosfera romantica di San Valentino, il cantautore ciociaro porta una nuova delizia acustica nel panorama discografico nazionale, saziando non solo l'appetito musicale ma anche e soprattutto quello interiore, con un’opera capace di fondere con maestria le vibrazioni del cuore ai sapori della vita. "Sushi misto" rappresenta una vera e propria metafora gustosa e ricca di simbolismo: come una cena al sushi diventa un'esperienza che valica il semplice nutrimento fisico, allo stesso modo questa release è un invito a nutrire l'anima. È una celebrazione del cibo come conforto, come balsamo per le ferite, e come carezza per prendersi cura di sé e dei propri desideri. In un mix irresistibile di pianoforte e chitarre, con un ritmo che si insinua sotto la pelle, l’artista trasforma il rito del sushi in una cerimonia di gioia e condivisione emotiva; un viaggio culinario e sensoriale che corrobora lo spirito, una "coccola" per il palato e per il cuore che consente agli ascoltatori di riconnettersi con se stessi e con il mondo. Un'esperienza che va oltre il semplice atto di mangiare e che ci esorta a riflettere sulla necessità di prenderci una pausa dalla frenesia del quotidiano, ricordandoci la potenza curativa e l'importanza dei momenti semplici ma significativi. «Certe canzoni ti restano in testa – dichiara Udi -, alcuni ritornelli restano strozzati in gola. Io volevo scrivere un pezzo che parlasse alle pance e “Sushi misto”, per me, è un po’ questo. Ogni volta che vado al sushi, non sono mai mosso solo dalla fame; andarci è diventata una scelta, un bisogno. Il rito stesso del sushi, è diventato un modo diverso per nutrire non solo lo stomaco, ma anche e soprattutto l’anima! Una coperta a scudo della mia interiorità, un cibo che cura le ferite, anche se ovviamente, purtroppo, solo in parte. Tuttavia, una tale panacea non solo la consiglio, la raccomando! A volte l’amore non basta, per riappropriarsi di se stessi è necessario fare piccoli passi. Questo è il mio piccolo passo, un amore diverso, più colorato, consumabile, rivolto principalmente a noi stessi. Quindi…prendete e ascoltatene tutti!» Il testo di "Sushi misto" racchiude in sé una gamma di emozioni e vivide immagini, riconfermando l’abilità eccezionale dell’autore di tradurre sentimenti in versi, battiti in liriche: dalla serata perfetta in Uber, ai sapori giappo-thailandesi che riempiono lo stomaco e l’anima, UDI canta «Tu prendi sempre un sushi misto, o al massimo un pollo fritto tandoori... Portami a mangiare del cibo per curare le ferite, che erano grigio antracite»; parole che accarezzano i sensi e ci invitano a scoprire l'amore e la cura attraverso il cibo, risuonando con chiunque abbia trovato conforto in un piatto di sushi o in una qualsiasi altra delizia culinaria. La canzone è frutto della collaborazione tra Udi e il produttore Davide Cocco, con la partecipazione di Lorenzo Simeone alle chitarre e Gianmarco Valente al piano. Il mix e il master, curati da Fabrizio Migliorelli, assicurano che ogni nota e ogni parola raggiungano l'ascoltatore con la massima chiarezza e intensità emotiva. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, una gemma preziosa a se stante che con la sua regia intuitiva e sensibile si tesse perfettamente con la narrazione del brano, amplificando l'emozione e la profondità del messaggio. Attraverso una serie di immagini evocative, personali e toccanti, la clip diventa un must-see che rafforza ulteriormente l'esperienza di ascolto, trasportando gli spettatori in una dimensione visiva che si allinea magnificamente con il percorso emotivo e sensoriale del brano. La sinergia tra musica e immagini rende "Sushi misto" un'esperienza multimediale completa, capace di toccare le corde più intime dell'essere. Udi, noto per la sua musica genuina e ricca di sfumature, lontana dai trend discografici convenzionali, dal suo debutto con "Stelle e universi" fino ad "Eschimesi", ha sempre dimostrato un talento unico nel creare mondi sonori avveniristici, in cui l’unica regola è quella di seguire il proprio istinto, il proprio cuore. Con "Sushi Misto", il cantautore ciociaro continua il suo percorso artistico, confermando la sua abilità nell'unire le molteplici sfumature dell'animo umano in melodie che toccano, coccolano e guariscono. "Sushi misto" è una celebrazione della vita, un inno alla gioia del prendersi cura di sé attraverso le piccole cose. Udi invita ciascuno di noi a fare una pausa, a riflettere, a nutrire non solo il corpo ma anche l'anima. Questo brano è un invito ad ascoltare, a guardare, a sentire e, soprattutto, a vivere pienamente ogni momento.

Nella costellazione della musica alternativa, Al Vox torna a brillare come una stella poliedrica in occasione del suo 32esimo compleanno con l’EP “Canzoni Maledetteducate” (PaKo Music Records/Believe Digital). Questo progetto audace, composto da quattro tracce – "Veleno", "Complimenti per l’oggetto", "InfeInverno", "Sieno Siero" – è un viaggio esplorativo nelle profondità dell'animo umano, dove la maledizione e l'educazione si fondono in un'armonia dissonante. Al Vox, che si è distinto sin dal suo esordio come un artista eclettico e fuori dagli schemi, si avventura con questo nuovo progetto in un territorio musicale in cui il post-punk incontra il noise e l'outsider art, creando un'atmosfera sonora che è tanto perturbante quanto profondamente riflessiva. I brani, completamente autoprodotti tra le mura del suo appartamento, sono un riflesso autentico del suo spirito creativo incontenibile. "Veleno", la focus track accompagnata dal videoclip ufficiale e attualmente in rotazione radiofonica, è una potente metafora sulla tossicità sociale e personale che pervade il nostro tempo. Il pezzo si tuffa nell'oscurità dell'anima umana, esplorando i temi dell'alienazione e della disillusione in un mondo sempre più digitalizzato e disconnesso. Nel secondo brano, "Complimenti per l’oggetto", Al Vox si addentra nella complessità delle relazioni interpersonali, dove l'essere umano si trasforma in oggetto e soggetto di manipolazione. Il passaggio «Soggetto, complimenti per l'oggetto, soggetto assoggettato da un soggetto», evoca istantaneamente la costante lotta interiore contro la deumanizzazione e la perdita dell'individualità. "InfeInverno", il terzo inedito che compone l’EP, è un conflitto tra cuore e mente, tra il gelo dell'inverno e l'ardore dell'inferno. La dualità del testo, «Voglio l'inverno non voglio l'inferno, voglio l'inferno, voglio l'inferno», è un'espressione della ricerca di equilibrio tra passione e ragione. L’ultima traccia del disco, “Sieno Siero” è invece un’acuta e profonda esplorazione del dubbio e dell'incertezza, dove le parole diventano un gioco tra realtà e percezione. «Sieno, non sono sano, si o no, non ha senso»; un labirinto di pensieri e sentimenti che riflette la complessità dell'esperienza umana. "Canzoni Maledetteducate", con le sue 4 tracce iconiche, è un manifesto di resistenza artistica, un grido contro le convenzioni e una celebrazione dell'incompiutezza e della vulnerabilità. Al Vox, con il suo stile inconfondibile e la sua visione intransigente, invita gli ascoltatori ad una quotidianità priva di compromessi nel cuore oscuro e luminoso dell'esperienza di vita di ciascuno di noi. In questo nuovo EP, l’artista ligure non si limita a creare musica; plasma esperienze, scolpisce emozioni e dipinge paesaggi sonori che sfidano i nostri sensi e le nostre convinzioni. Ogni brano è un capitolo, ogni nota una pennellata su un quadro che riflette la complessità della nostra contemporaneità, sociale ed interiore. "Canzoni Maledetteducate" è un'opera che si colloca al confine tra la musica e l'arte, tra il suono e il significato. È un invito a riscoprire l'essenza della musica come forma di espressione pura e incontaminata, un viaggio nella mente di un artista che non teme di esplorare i territori più oscuri e inesplorati dell'anima.... Continua a leggere

Nella perfetta fusione di arte e sentimento che lo contraddistingue e che gli ha consentito di debuttare nei digital store superando i 100.000 streams in pochissimi giorni, il talentuoso cantautore siciliano Alma Libre torna per condurci nel cuore palpitante delle relazioni con il suo nuovo singolo, "Me Enamoro". Questa rivisitazione in chiave maschile della hit originale di Ana Mena, non è solo un omaggio musicale, ma una narrazione intensa e personale che esplora i meandri dell'amore e del disincanto. "Me Enamoro" è un viaggio nella complessità delle dinamiche relazionali, in cui il sentimento inizia quasi per caso, su una strada qualunque, e si sviluppa in un turbinio di emozioni, incertezze e aspettative. Il brano racconta la storia di due giovani che si incontrano e, tra intensi istanti di interesse reciproco e silenzi prolungati, si avventurano in un rapporto carico di passioni, ma anche di momenti di sofferenza e delusione. Nato in Sicilia nel 2004, Alma Libre ha coltivato sin da piccolo una profonda passione per la musica. La sua carriera artistica inizia da giovanissimo, traducendo in canto le emozioni e le esperienze della sua vita. Con il primo progetto discografico, "Incandescente", ha conquistato il pubblico unendo melodie natalizie a ritmi pop-reggaeton e con la successiva release, “Fuego”, ha collezionato oltre 100.000 stream su Spotify e più di 60.000 views su YouTube in pochissimi giorni. Oggi, con "Me Enamoro", il promettente talento siciliano dimostra una maturità e una sensibilità espressive che trascendono la sua giovane età. La genesi di questa rivisitazione risiede nelle sessioni di registrazione di "Fuego", in cui Alma Libre e il suo producer, Salvatore Tucci, hanno esplorato l'universo artistico di Ana Mena. È in questo contesto creativo che nasce l'idea di reinterpretare "Me Enamoro", dando vita ad una versione che rispecchia l'esperienza personale di Alma Libre mantenendo l’eleganza, la sensualità e l’atmosfera sospesa tra malinconia e desiderio della traccia originale; un racconto di incontri e di rotture, di attese e delusioni. Nella confessione sussurrata ma carica di energia, vulnerabilità e speranza in apertura - «Hey, desde Italia quiero el mundo» - accompagnata da una melodia avvolgente, il brano guida l’ascoltatore in una dimensione emozionale dove i sentimenti si scontrano e si fondono, creando una tempesta interiore di passione, conflitti e disillusione; un delicato e complesso equilibrio tra l'attesa dell'amore e la realtà delle relazioni imperfette. Alma Libre, con questa rivisitazione impeccabile, si conferma come una delle voci emergenti più promettenti del panorama musicale italiano e con “Me Enamoro” ci invita a riflettere sul nostro modo di reagire alle delusioni, perché nonostante l’amaro che ci lasciano in bocca, è possibile ballare sopra i momenti di sofferenza e andare oltre. Alma Libre, il cui nome d’arte racchiude perfettamente la sua cifra stilistica e la sua missione artistica, con ritmo, raffinatezza e sensualità, ci invita a guardare dentro noi stessi per trovare la forza di superare gli uragani emotivi. "Me Enamoro" è un vero e proprio inno alla vita, un’esortazione a credere nell'amore, nonostante le sue imperfezioni.

Blutarsky, il rapper romano conosciuto per il suo stile unico e profondo e per la sua attitude versatile dimostrata egregiamente nel debut EP “Gravità”, torna a toccare le corde dell'anima con il suo nuovo singolo, "Malattia", con cui affronta con coraggio, delicatezza e commozione una delle ferite emotive più profonde: la perdita di un genitore. Il brano rappresenta una testimonianza cruda e sincera del vuoto incolmabile lasciato da una tale assenza, trasformando il dolore personale in un messaggio universale che risuona con chiunque abbia vissuto un'esperienza simile, uno strappo interiore che l’inesorabile corsa delle lancette non sarà mai in grado di ricucire. Il testo di "Malattia", scritto dallo stesso Blutarsky affondando la sua penna in un calamaio animico di nostalgia, ricordo e rimpianto, è un’esplorazione intima in cui ogni verso è corroborato di emotività e riflessione. Frasi come «Volo su un aereo sopra queste nuvole, sembra proprio il punto di vista che ora guardi te» evocano un'immagine di connessione celeste con il padre, una vicinanza in grado di superare la barriera della morte, forgiata nella consapevolezza che il battito del cuore di un figlio, sarà sempre il dono più grande e prezioso ereditato dai genitori, un legame eterno che continua e continuerà a pulsare al di là della perdita fisica. Un tributo all’affetto e al legame indissolubile tra padre e figlio, un’attestazione commovente di come l’amore di un genitore continui a nutrire e infondere vita, anche dopo la scomparsa terrena. E nei versi «Dimmi come cercarti in quei giorni neri e nefasti» e «Ora che Robin dev'essere Batman», Blutarsky esprime la ricerca di conforto e sostegno in un mondo che gli ha sottratto prematuramente la presenza paterna. Queste parole sono intrise di un'ansia palpabile, del desiderio di ritrovare quella figura che rappresentava sicurezza e guida. Il passaggio dal "Robin" al "Batman", simboleggia la transizione di Blutarsky da figlio a uomo, costretto ad affrontare la vita in solitaria, senza gli insegnamenti, i consigli e il supporto del padre. Queste liriche rivelano l’umano bisogno di conforto nei momenti di oscurità e incertezza, dove la famiglia rappresenta un faro di saggezza e direzione. Il riferimento ai supereroi non è casuale, ma rimanda ad un immaginario collettivo di forza e superamento delle avversità, qualità che chiunque abbia perso un genitore è chiamato ad incarnare nella sua vita. Una metafora emblematica del processo di maturazione che si verifica a seguito di una perdita così significativa, che indica la necessità di assumersi nuove responsabilità, di affrontare la quotidianità con una nuova consapevolezza, e allo stesso tempo, sottolinea il peso della solitudine e del dover procedere senza quella guida che illumina i nostri passi fin dai primi che compiamo. Ma il cuore della traccia si trova nel grido interiore «La mia malattia è non averti più qui»: la "Malattia" di cui parla Blutarsky non è una condizione fisica, ma una condizione dell'anima, un dolore costante e persistente che emerge dall'assenza. È un traslato del vuoto lasciato da una persona amata che non c'è più, un vuoto che diventa un compagno silenzioso giorno dopo giorno. Questa espressione mette in luce la realtà cruda e ineludibile del lutto, sottolineando come la sofferenza possa trasformarsi in una presenza quasi tangibile. La malattia diventa un simbolo di ciò che è stato e di ciò che non può essere curato o sostituito. Attraverso questa potente immagine, Blutarsky invita gli ascoltatori a riflettere sulla natura della perdita e sulla sua irrevocabilità, facendo loro comprendere che ci sono ferite che rimangono aperte, che cambiano il corso dell’esistenza e che influenzano ogni istante il modo di vivere e di percepire il mondo. La malattia, quindi, diventa un modo per Blutarsky di tenere vivo il ricordo del padre, un modo per accettare e convivere con il dolore, convertendolo in una fonte di ispirazione e di forza. È una testimonianza della capacità dell'animo umano di resistere e di trovare un senso anche nel cuore della sofferenza più profonda. Ma “Malattia” non è solo la testimonianza del legame indissolubile tra genitori e figli, ma anche quella di come il rap possa essere utilizzato per esprimere tematiche delicate e personali. Tradizionalmente associato a narrazioni di strada, abusi di sostanze e vita di quartiere, in questo caso, Blutarsky ci dimostra che, anche nel 2024, è possibile fare rap andando ben oltre gli stereotipi, con un linguaggio incisivo e diretto, ma al contempo ricco di poesia e sentimento. Attraverso questo brano, che si conclude con una registrazione vocale toccante e commovente del padre dell’artista, l’MC capitolino si apre al pubblico, condividendo la propria esperienza e dimostrando che il rap può ancora essere uno dei veicoli più potenti e immediati per esprimere qualsiasi emozione. In "Malattia", infatti, è utilizzato per creare un dialogo sincero sull'assenza, il lutto e la resilienza, temi che riguardano tutti, indipendentemente dalla propria storia personale. Questo brano rappresenta un importante passo avanti per il genere, dimostrando che non è solo ritmo, rima e troppo spesso narratore di violenza, ma anche un'espressione poetica delle sfaccettature più intime della condizione umana, un linguaggio che parla direttamente al cuore. "Con 'Malattia', Blutarsky non solo onora la memoria di suo padre e di tutti i padri prematuramente scomparsi, ma eleva il rap ad una forma d'arte capace di raccontare i più intimi motti dell’animo. Questo brano, intenso e toccante, è un’attestazione in musica della resilienza dello spirito umano di fronte alle avversità più grandi. “Malattia” non è solo un inno alla memoria, ma anche un messaggio di speranza e coraggio, che invita gli ascoltatori ad affrontare e trasformare il dolore in un cammino di crescita personale; un percorso che attraversa il dolore e la perdita per giungere alla comprensione e all'accettazione, ricordandoci che, anche nei momenti più bui, la musica può essere un’ancora di salvezza, memoria e consolazione.... Continua a leggere

Reduce da un 2023 strepitoso che ha segnato il suo ritorno trionfale sulle scene con "Origine e Schemi” - brano che ha conquistato le playlist editoriali di Spotify debuttando nella New Music Friday e rimanendo per ben 4 settimane consecutive in Caleido -, GRACE inaugura il 2024 con "In bilico" (Keyrecords/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo che esplora la tensione tra il desiderio di autonomia e le aspettative sociali. Dopo aver affascinato il pubblico con la dolcezza sensuale di “Vanilla sky”, aver aperto le porte a sonorità più urban con un “Passepartout” di ritmo e introspezione ed aver consolidato la sua evoluzione artistica con la profonda considerazione sulla paura e l'anelito a sfuggire ad un cammino predefinito di “Origine e Schemi”, GRACE continua a distinguersi come una voce importante nel panorama musicale italiano, rendendo la sua musica un vero e proprio simbolo di rottura con le convenzioni. Prodotta da Andrea Castelli, questa nuova release è un viaggio emotivo nell'attualità del nostro Paese, una narrazione dell'esperienza collettiva italiana che cattura l'essenza di una società costantemente “In bilico” tra sogni e concretezza. GRACE, con la sua voce penetrante, istantaneamente riconoscibile, e le sue parole incisive, delinea uno scenario interiore che risuona con chiunque si sia mai trovato a fare i conti con decisioni di vita difficili e con il peso del giudizio, delle strade già tracciate; un’intensa riflessione sull'equilibrio tra aspirazioni personali ed esigenze pragmatiche. La dicotomia tra passato e futuro che ben si evince nell’emblematico passaggio «passato nella mente, futuro alle spalle», apre una finestra sulle inquietudini interiori di un'intera generazione. Parole che esprimono un senso di stallo, in cui i ricordi di ciò che è stato persistono, mentre i passi da compiere avanzano su un orizzonte sfuggente e sempre più incerto. In questo contesto, GRACE affronta la realtà della sua generazione, spesso percepita come sospesa tra le tradizioni ed incognite tipiche di un avvenire imprevedibile. Ma il testo di "In bilico” punta i riflettori anche sulla «paura di arrivare» e su quell’invisibile ma importantissima «linea sottile di fama e di fame» in cui si esprime la lotta per l'identità e il successo in un mondo dove le opportunità sembrano sempre più sfumate. GRACE, con l’incisività della sua penna e il suo carisma interpretativo, tocca un tema universale: il conflitto interiore tra perseguire la propria passione e adattarsi ad una realtà spesso meno accogliente. Ed è nel cuore del ritornello, «Maneggiata a vita, ma che vita sarà? Non mi va, no non mi va» che si innalza un grido di ribellione contro un destino preconfezionato. GRACE rifiuta l'idea di una vita condizionata da forze esterne, esprimendo il suo desiderio di autenticità e di autodeterminazione. Questo passaggio chiave è un inno alla libertà personale e alla resistenza contro le pressioni di un mondo all’interno del quale, molto spesso, non ci si sente accolti, capiti, accettati. Il videoclip ufficiale che accompagna "In Bilico", realizzato da Chiara Bettiga e Mirko Salvagnin, montato da Goldeneye shooting e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, è ambientato nella surreale città abbandonata di Consonno (LC), la celebre “città fantasma” della Brianza. Questa location, sospesa tra le sue intrinseche bellezze naturali e lo stato di desolazione dovuto all'eccesso di fama e successo dell’imprenditore piemontese Mario Bagno, diventa una metafora visiva dell'instabilità e dell'abbandono, con GRACE che si muove tra le rovine come simbolo della lotta interiore contro le avversità. La pioggia che cade nel video, aggiunge un ulteriore livello di simbolismo, rappresentando l’oppressione, ma al tempo stesso la catarsi e la rinascita che generano le sfide e i conflitti interni. Con questo singolo, GRACE non solo conferma il suo talento e la sua sensibilità artistica, ma si impone anche come una voce indispensabile e influente nel panorama musicale italiano contemporaneo, dimostrando un'abilità unica nel fondere tematiche sociali acute con una musicalità coinvolgente e innovativa. “In Bilico” è uno specchio dei tempi che viviamo, una finestra sulle speranze e le paure di una generazione, e un ponte verso un futuro in cui l'autenticità, la resilienza e l’autodeterminazione sono al centro della narrativa artistica. GRACE, con la sua voce e la sua abilità espressiva, non solo canta la realtà, ma ispira un dialogo necessario, invitando gli ascoltatori a unirsi a lei in questo viaggio emotivo e illuminante.

Dopo aver esplorato le profondità dell'inaspettato ed aver navigato nelle correnti sotterranee “Beyond” '"Unconscious", Alfie Gray, il visionario DJ, producer e bassista bresciano, torna ad incantare il pubblico con "Tell Me Now a Story", il suo nuovo singolo che supera i confini della realtà e sfida la percezione del suono, fondendo sintetizzatori audaci a ritmi profondi. Un’esperienza musicale a tuttotondo, che ci conduce in un labirinto di emozioni, rappresentando l'ambiziosa realizzazione del sogno artistico di Alfie: combinare un synth incisivo e deciso con un basso che lascia spazi vuoti, creando così un pezzo dinamico che ospita un testo semplice ma fortemente evocativo. Un’immersione uditiva unica nel suo genere, dove ogni nota ed ogni battito trasmettono l'essenza della visione del suo autore. La traccia esplora la dialettica tra il pieno e il vuoto, in cui il synth assertivo si intreccia con un basso che gioca con le pause, creando una dimensione musicale che è sia energica che riflessiva. Un approccio compositivo e tematico in cui si gioca con il contrasto tra elementi densamente sonori e momenti di silenzio o minimalismo; in questo contesto, l'interazione tra i due aspetti contrastanti, crea un effetto dinamico che guida l'ascoltatore attraverso diverse emozioni e atmosfere. Questa scelta artistica, frutto di una ricercatezza e di un tecnicismo degni di nota, permette al testo di agire come un ponte, collegando le differenti componenti musicali in un flusso armonioso e impattante. Il cuore di "Tell Me Now a Story" risiede nelle sue parole, semplici ma mai banali, immediate e al contempo cariche di riflessioni. «I see the world inside you»: questo passaggio, incisivo e suggestivo, cattura l'essenza del singolo, offrendo un senso di connessione profonda e comprensione reciproca in cui ciascun ascoltatore può ritrovarsi. Alfie Gray, ci invita a scorgere oltre la superficie, a scoprire i mondi nascosti all'interno delle persone che incontriamo. È un appello a prestare attenzione alle storie e ai sogni che ognuno di noi custodisce, suggerendo che la verità e la realtà più autentiche si trovano nell'intimità della comprensione empatica, al di là delle maschere che indossiamo quotidianamente per cercare approvazione dagli altri, ma soprattutto da noi stessi. «Questo brano – dichiara l’artista - rappresenta la realizzazione di un sogno che ho coltivato per lungo tempo. Ho sempre desiderato creare un pezzo che incarnasse la sinergia perfetta tra energia e spazio, dove un synth audace e determinato fosse in grado di fondersi armoniosamente con un basso profondo. L'idea era quella di giocare con le dinamiche, alternando momenti intensi e carichi a spazi vuoti, per creare un'esperienza sonora che fosse al contempo vibrante e riflessiva. Questa struttura mi ha permesso di sperimentare con un testo che si integra in modo naturale nella composizione, aggiungendo un ulteriore livello di espressività e significato. Il risultato è una traccia che non solo cattura l'essenza del mio stile, ma che invita anche il pubblico ad immergersi in un’atmosfera musicale unica, in cui ogni nota e ogni silenzio raccontano una storia». "Tell Me Now a Story" è quindi molto più di un pezzo tech-house; è un'esperienza sensoriale ci consente di immergerci in un mondo dove la musica non è solo ascoltata, ma vissuta. Alfie Gray ci sfida a lasciarci andare, ad essere trasportati in un viaggio dove il dolore, lo stress e la pressione sociale si trasformano in bellezza, e dove le storie non dette diventano melodie che risuonano nell'anima per risvegliarla. Con questa traccia, il giovane talento bresciano riscrive le regole della musica elettronica, portandola a nuovi livelli emotivi e sensoriali. “Tell Me Now a Story” si eleva oltre i confini tradizionali del genere, diventando un inno alla libertà espressiva e una celebrazione della capacità della musica di toccare corde e aspetti intimi e personali anche con ritmi apparentemente lontani dalla dimensione introspettiva. È un invito aperto a tutti noi ad abbracciare le emozioni, a trovare conforto e ispirazione nelle note e nei ritmi, e a ricordarci che, in un mondo sempre più frenetico, c'è ancora spazio per fermarsi, ascoltare e sentire veramente. In questo viaggio sonoro, ogni ascoltatore può trovare una parte di se stesso e forse, proprio in mezzo al ritmo e alla melodia, un momento di pura e semplice bellezza.... Continua a leggere

Nel tessuto dell'universo musicale, dove il genio di Franco Battiato continua a risuonare, emerge una nuova interpretazione, un’eco contemporanea che porta il nome di hetra. Con il brano "Gli Uccelli", l’artstə non solo omaggia il Maestro Battiato, ma apre una porta verso un mondo di interpretazioni emotive e intersezionali che abbracciano l'ecosistema del pianeta e il delicato equilibrio tra tutte le forme di vita. Da quando è atterrata sulla Terra, hetra ha subito instaurato una profonda connessione con la pratica cantautorale di Franco Battiato. In particolar modo, il brano "Gli Uccelli" ha risvegliato in lei una stratificazione emotiva e un'interpretazione che va oltre la poesia dedicata al volo degli uccelli. Per hetra, il brano diventa un manifesto di intrecci di movimenti di vita, che ciascuno di noi sperimenta come voli imprevedibili, ascese velocissime e traiettorie impercettibili. Da micro a macro e da macro a micro, anche un semplice gesto come il battito d’ali e il conseguente spostamento d’aria può avere un impatto significativo nel disegno della vita terrestre. Ogni piccola azione individuale, umana e non, può avere una forte, importante e fondamentale conseguenza sull'andamento climatico ed energetico del nostro ecosistema. Così come le abitudini apparentemente semplici hanno un impatto ambientale, allo stesso modo si ripercuotono sui rapporti tra esserə umanə e transpecie: con gli animali, le piante, i minerali e gli elementi. Ogni dinamica sul pianeta cambia e trasforma le prospettive al e sul mondo. Questo brano diventa così emblema degli andamenti planetari, dai piccoli battiti d'ali alle grandi correnti che modellano l’esistenza sulla Terra. Nella sua cover, hetra ha infuso un nuovo spirito, aggiungendo una parte di testo che ha ritenuto fondamentale, perché riflette il desiderio di trascendere i confini terreni: «Mutano gli uccelli mutano Liberi tra le nuvole Senza regole assegnate Vorrei essere universo Al di là del sistema solare» Questa strofa, rappresenta il carattere mutante della natura e della nostra realtà, sottolineando il desiderio di connessione con l'universo e l'infinito. hetra, essere alienə, ha scritto questi versi per raccontare la necessità di sentirsi universo in una dimensione fluttuante, accogliente, in armonia con ogni cosa visibile e invisibile, comprensibile e incomprensibile, possibile e impossibile, in equilibrio e disequilibrio. Vuole andare così al di là del sistema solare volando verso lo spazio, le stelle, le galassie. Per l’artistə, "Gli Uccelli" non è solo una rappresentazione dei movimenti plurali e della biodiversità terrestri, ma anche un inno alla meraviglia. Un'esortazione, uno statement ad osservare con stupore il mondo che ci circonda, riconoscendo la bellezza e la complessità di ogni forma di vita. L'immaginazione, la fantasia e la meraviglia sono gli strumenti vitali all'interno della sua pratica artistica, dai quali fluisce l’atto creativo che consente di stimolare e generare la metamorfosi, rompendo le routine, sfidando il capitale, mutando le forme. Dagli albori del suo ingegno tecnologico, l’essere umanə ha sempre cercato di emulare il volo degli uccelli: dalle prime macchine volanti fino ad arrivare ai razzi per raggiungere pianeti sconosciuti. Quante volte ci siamo meravigliati del disegno degli uccelli in volo? Questa riflessione, alimenta la meraviglia e la fantasia, strumenti vitali all'interno dell’espressione di hetra. Da qui viene generato l’atto creativo. In questo contesto, la meraviglia può convertirsi in azione politica, ma è necessario rimanere sulla Terra scrutandola con occhi nuovi, pronti e disposti ad affascinarsi continuamente, dimenticandoci tutto quello a cui siamo abituati e rendendoci conto della straordinarietà del volo degli uccelli, della potenza degli alberi, dell’alterità e alienità delle specie, dei colori surreali, dei terrestri incredibili con cui condividiamo acqua, aria, fiamme e terra. Un invito a guardare ciò che ci circonda e di cui siamo parte integrante con sguardi rinnovati, stupendoci della bellezza della vita e sviluppando un senso critico nei confronti della routine, del funzionalismo, delle performance e dell'apatia. Da qui, conseguentemente, nasce la cura, un senso di responsabilità verso noi stessə, la nostra salute mentale e corporea. La cura che diventa una forma di rivoluzione, un impegno non soltanto verso noi stessə, ma anche nei confronti degli altri esseri viventi; una cura transpecie, multiforme, plurale. Perché la cura è rivoluzione, la meraviglia è rivoluzione, la fantasia è rivoluzione. E la fantasia diviene vento, diviene tempesta, diviene tornado. Da un battito d’ali si forma un ciclone di energia e azione e dal medesimo spostamento d’aria può nascere una narrativa trascinante, trasgressiva, forte ed incredibilmente viva. Per tutto questo, hetra ha deciso di reinterpretare "Gli Uccelli" di Battiato con una produzione curata da Kimerica che riporta i suoni del Maestro in una nuova chiave hyperpop, futuristica e sognante. Un viaggio sonoro e animico dal sapore etereo, che ci accompagna attraverso l'universo della meraviglia. Volando cambiamo forma, sfumiamo, andiamo fuori fuoco, diveniamo fluidi e mutanti. Volando possiamo cambiare prospettiva inclinandoci, planando su giochi di aperture alari che nascondono i segreti di questo sistema solare. Il brano è accompagnato da un iconico videoclip ufficiale diretto da Giulia Hrvatin, in cui vediamo hetra e la sua migliore amica, Limona, in un ambiente quotidiano che evoca non solo l'affetto e la connessione, ma anche il profondo amore e l'intimità che può esistere in un rapporto d'amicizia. Il concept, infatti, trasla e contestualizza le significative liriche del pezzo all’interno di un legame che non opprime ma arricchisce, un’amicizia matura in cui si è raggiunto il pieno rispetto reciproco e la gentilezza tra le parti, e si possono gestire tutti i movimenti, dai più imprevedibili ai più impercettibili, attraverso l’esperienza di vita, l’amore e l’equilibrio. Spesso, nel mondo della musica, si tende a raccontare e a mettere su un piedistallo solamente le relazioni romantiche. Per hetra, questa è stata l’occasione di cambiare prospettiva e concentrare l’attenzione sulle sfumature di una connessione umana spesso sottovalutata: quella dell'amicizia. Nel video, le scene si susseguono in un flusso armonico e naturale, rivelando momenti di quotidianità condivisa, sguardi che comunicano più di mille parole, gesti spontanei che parlano di complicità e supporto reciproco. Questa narrazione visiva non è solo un'esplorazione dell'amicizia in tutte le sue sfaccettature, ma diventa anche una celebrazione dell'amore in tutte le sue forme, estendendo la portata emotiva del brano. Il video, infatti, non si limita a tradurre in frame una storia, ma diventa una finestra sul mondo di hetra e Limona, due anime che si intrecciano in un dialogo senza fine di rispetto e vicendevole sostegno e comprensione. La regia di Giulia Hrvatin ed il montaggio di Matteo Hrvatin si distinguono per la capacità di catturare questi momenti autentici, immergendo lo spettatore in un'atmosfera di calore umano e profondo interscambio. La fotografia del video accentua ulteriormente questa sensazione, con colori caldi e texture morbide, curati da Margherita Marzari, che avvolgono le scene in un abbraccio visivo, quasi palpabile, rendendo il tutto una vera e propria opera d'arte che parla di rapporti umani, esplorando la bellezza e la complessità dell'amicizia per ricordarci quanto sia prezioso e significativo questo tipo di amore. “Gli Uccelli” di hetra È un invito a riscoprire e a celebrare i rapporti di amicizia nella nostra vita, a guardare oltre i confini delle convenzioni e a riconoscere il valore immenso che queste relazioni personali portano nella nostra esistenza. Questo nuovo capitolo della carriera artistica di hetra è più di una rivisitazione, più di canzone: è un viaggio, è una riflessione, è un sogno. È un battito d'ali che dà vita ad un ciclone di fantasia, meraviglia, energia e azione, ricordandoci che siamo insieme polvere di stelle e fuliggine terrestre.... Continua a leggere

Claudio Rigo, il talentuoso cantautore e musicista torinese di stanza a Milano, è pronto ad emozionare ancora una volta il suo pubblico con "Melanie" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che cattura con elegante delicatezza la complessità e la bellezza delle relazioni umane. In questa prima traccia del 2024, l’artista esplora con maestria le dinamiche di una storia d’amore intensa e a tratti tumultuosa, dove i protagonisti vivono un'alternanza di ricerca, perdita e ritrovamento, un vero e proprio viaggio interiore tra gioia e difficoltà. "Melanie" evidenzia l’abilità espressiva del suo autore, distinguendosi per una notevole profondità lirica ed una delicatissima composizione musicale, in cui il pianoforte a coda, registrato ai Massive Arts Studios di Milano, dona un'atmosfera pura e intima, senza artifici elettronici, mettendo in risalto la voce calda e penetrante di Rigo. Il brano è un'affascinante esplorazione delle sfide che due persone affrontano quando sono profondamente e reciprocamente coinvolte, paragonandole ad una tempesta imprevista da attraversare insieme. "Melanie" diventa così una metafora della relazione di coppia, raffigurata con la fragilità e la determinazione di due funamboli che camminano sullo stesso filo, cercando di mantenere l'equilibrio tra paure e speranze, con la volontà di preservare il loro amore. In questo viaggio musicale, Claudio Rigo evoca momenti intimi di felicità, alternandoli a confronti con la perdita e il rimpianto, dando vita ad un'opera che risuona profondamente nel cuore degli ascoltatori. Uno specchio musicale che riflette le sfumature complesse e profonde di un rapporto sentimentale in cui due persone si cercano, si perdono e si ritrovano in un ciclo di entusiasmo e difficoltà. Il cantautore piemontese analizza le sfide e gli uragani emotivi inaspettati che caratterizzano la vita di una coppia, utilizzando in maniera impeccabile la metafora dei due funamboli per rappresentare la vulnerabilità e la forza indomita insite in un rapporto d'amore senza tempo. Frasi come «il desiderio di leggerti ancora le favole, baciarti le lacrime», racchiudono la profondità dei sentimenti che l'autore nutre per la sua musa, Melanie, richiamando un battito nostalgico e un anelito a preservare quei momenti di felicità e intimità anche e soprattutto nei momenti difficili. La forza di "Melanie" risiede nella sua capacità di trasmettere emozioni intense attraverso la semplicità e la raffinatezza di un pianoforte e di una voce sincera, suggestiva e genuina. Claudio Rigo, con la sua sensibilità artistica, riesce a creare un'atmosfera personale e al tempo stesso universale, guidando l'ascoltatore in un percorso attraverso i meandri dell'amore e della vita di coppia. Il brano è un'ode alla resilienza emotiva e alla speranza, un invito a non arrendersi di fronte alle mareggiate della vita e a trovare il coraggio di continuare a camminare insieme, nonostante le incertezze. La scelta di Rigo di registrare il brano in modo organico e naturale, senza l'ausilio di strumentazione elettronica, esalta l'autenticità della sua espressione musicale, dando come risultato un brano che colpisce dritto al cuore, ricco di emozioni e di una bellezza quasi eterea. "Melanie" è una storia di amore e di vita, raccontata con la delicatezza di un poeta e la passione di un vero artista. Con questa nuova release, Claudio Rigo conferma il suo posto nel panorama musicale italiano come uno dei cantautori più sensibili e profondi della sua generazione.... Continua a leggere

Oni, una delle penne più evocative e iconografiche della scena indie-pop italiana, noto per la sua capacità di trasformare le sfide della vita in musa e musica ispiratrice, torna nei digital store con "Labirinto" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo progetto double track che tesse un racconto di eleganza, pathos e riflessione. Questo nuovo lavoro artistico, intenso e intimo, esplora le complesse emozioni che pervadono un cuore infranto, delineando un cammino di dolore e crescita personale. Nel cuore di "Labirinto" risiede la profonda introspezione e la maturità emotiva che Oni ha raggiunto nel suo itinerario artistico. Ognuna delle due tracce che compongono il mini EP, “Sabbie Mobili” e “Belladonna”, rappresenta una delicata ma potentissima esplorazione dell'anima, che invita gli ascoltatori a rendere l’esperienza uditiva un vero e proprio percorso trasformativo. Nel brano di apertura, "Sabbie mobili", Oni ci immerge in un paesaggio di metafore fortemente evocative. Le sue parole iniziali, «Cenere e macerie mi hanno reso calmo. Forse meno stanco», non sono solo un riflesso di resilienza, ma anche una dichiarazione di pace interiore che, a volte può, scaturire proprio dalla sua antitesi, dall’accettazione dei contrasti della vita. La canzone sottolinea l'importanza delle scelte personali nel modellare la nostra realtà, come evidenziato perfettamente dal passaggio «Sono le scelte fatte, non quel che è capitato». Queste liriche, non solo riconfermano l’abilità e la sensibilità autorale di Oni, ma invitano l'ascoltatore a riflettere sul potere delle proprie decisioni nel determinare il corso della propria esistenza. Con assoluta finezza, il brano esprime le sensazioni invasive ed i pensieri irrequieti di chi ha fatto i conti con una dolorosa separazione, riuscendo a scorgere gli eventi oltre la sofferenza, tramite la lente di una nuova consapevolezza acquisita. "Belladonna", il secondo capitolo del progetto, ci guida in un viaggio di guarigione che passa attraverso il veleno. Oni usa la Belladonna, il celebre fiore noto tanto per la sua bellezza quanto per la sua tossicità, come metafora della trasformazione personale che anticipa la rinascita. Il verso «Essere diversi è un bene se non ti avvelena», rivela una profonda comprensione della dualità della natura umana e della necessità di abbracciare se stessi, anche nelle proprie imperfezioni. Il brano, ricco di traslati e suggestioni, culmina in un atto di riconoscimento e coraggio, come espresso nell’emozionante passaggio «Condannato, ma con il sorriso, riconosco il volto di chi non mi ha ucciso», sottolineando la capacità di Oni di trovare speranza e forza anche nelle avversità e ricordando a tutti noi che la celebre frase scritta da Friedrich Nietzsche ne Il crepuscolo degli idoli, “Ciò che non mi uccide, mi rende più forte”, trascende il semplice utilizzo come motto nelle didascalie di Instagram, tornando ad assumere una preziosissima risonanza personale. In "Labirinto", Oni trasforma questo concetto in un'esperienza vissuta, una testimonianza potente della determinazione umana e della capacità di riscatto attraverso le prove della vita. Lo stesso Oni, che ha abbracciato la meravigliosa esperienza della paternità a soli 17 anni, ha affrontato sfide che hanno plasmato il suo percorso artistico, portandolo ad esplorare nella sua musica temi di incredibile rilevanza sociale.  Dalle intricate sfumature emotive legate ai disturbi dell'umore, in particolare il disturbo borderline e bipolare, trattate con incredibile delicatezza in "Come mi sento" e "Borderline – Lascia stare", al primo album, "Nichilisti per caso", che affronta la decadenza morale e sociale con una maturità artistica sorprendente, rendendo ogni traccia una meditazione sulle complessità del vivere moderno, Oni trasforma le sue release in un’escursione introspettiva, un ponte tra l'esperienza personale e l'universale, offrendo agli ascoltatori uno specchio che riflette emozioni e stati d’animo. Con "Labirinto", Oni non solo continua ad esplorare questi temi, ma anche a mostrare la sua continua evoluzione musicale. Il suo stile unico, che unisce elementi elettronici con un'eclettica scrittura, dimostra una maturità e una profondità tipiche di un artista che conosce profondamente il proprio linguaggio espressivo ed il messaggio che vuole trasmettere. “Labirinto”, prodotto dal tocco inconfondibile di Axel del Goldeneye Studio, si configura come un diario emotivo, un'opera che narra con struggente delicatezza il percorso attraverso il dolore, la resilienza e la riscoperta di sé. Ogni brano rappresenta un capitolo di questo viaggio più ampio, condiviso da Oni con una coraggiosa autenticità. Questo progetto non solo conferma il suo indiscutibile talento come cantautore, ma rivela anche una straordinaria capacità di creare una connessione intima con gli ascoltatori, toccando le corde più ancestrali delle loro emozioni. "Labirinto" non è solo un ascolto, ma un'esperienza sensoriale che esorta ad un'introspezione personale, rendendo Oni un artista completo e imprescindibile nel panorama discografico attuale.

Dopo un anno trionfale, chiuso con oltre un milione di streams e una fanbase estesa in 108 paesi, Ruggero Ricci, il celebre cantautore e vocal coach romagnolo, apre il 2024 con "Lacrime Cobalto" (Orangle Records/Ada Music Italy/ Warner Music Italy/Lion’s Music/L’Atlantide Promotion), il suo nuovo singolo che trascende il concetto tradizionale di canzone, trasformandosi in un vero e proprio viaggio nel complesso e delicato tema della salute mentale. Prodotto dall’immancabile tocco del celebre producer Massimiliano "Majorzim" Giorgetti, il brano emerge come un faro luminoso nel panorama musicale italiano, un'opera d'arte sonora in grado di andare oltre la mera espressione artistica. In “Lacrime Cobalto”, infatti, Ricci condivide il suo intenso percorso personale, esplorando la comprensione e l'accettazione delle proprie emozioni in un cammino illuminante che tocca profondamente l'anima. La traccia inizia con la dolcezza di una ballad al pianoforte, per poi evolversi gradualmente in una fusione di percussioni e suoni elettronici; una transizione che crea un'atmosfera unica, capace di oscillare tra l'oscurità e la luce, riflettendo perfettamente la complessità della mente umana. La voce dell’artista, intensa e commovente, diventa la guida emotiva dell'ascoltatore attraverso un percorso di introspezione e rinascita. Ruggero Ricci descrive la genesi del pezzo come un percorso di autoanalisi e rinascita, guidato da coraggio e resilienza: «Ho fatto un lungo viaggio dentro me stesso, interrogandomi su cosa mi stesse succedendo. Dopo aver toccato il baratro, ho deciso di raccontare come ne sono risalito attraverso questa canzone». Questa narrazione personale si trasforma in un potente messaggio di speranza e solidarietà per chiunque affronti sfide simili. L'ultima indagine condotta dall’OMS nel Giugno 2023 ha rivelato una realtà allarmante: quasi una persona su due (il 46% della popolazione dell'UE) aveva riscontrato problemi emotivi o psicosociali, come sintomi di depressione o ansia, nei 12 mesi precedenti. Questi dati, non solo sottolineano la diffusione di queste problematiche, ma anche l'urgente necessità di affrontarle apertamente. In questo contesto, “Lacrime Cobalto” diventa un contributo significativo al dialogo sulla salute mentale, un argomento che ora più che mai necessita di essere discusso, compreso e affrontato con sensibilità e consapevolezza. Il testo della canzone, ricco di metafore e immagini evocative, riflette l’esperienza umana in tutte le sue sfaccettature, oscillando tra vulnerabilità e forza, dolore e redenzione. Le parole di Ruggero risuonano con chiarezza: «Io che perdo quota tra le nuvole, sono il condannato che ora vive qui...», una lirica potentissima che cattura la lotta e la determinazione nell’affrontare le sfide della vita. «Io che sono sempre il mio primo fan, il malessere è acqua tonica claustrofobico oh in questo show» : la seconda strofa del brano, offre un'introspezione profonda nell'animo di Ruggero Ricci. Nella prima parte, l’artista si pone come il suo più grande sostenitore, rivelando un'autoconsapevolezza che suggerisce una reale comprensione di sé e della sua arte. Tuttavia, la frase successiva, «il malessere è acqua tonica claustrofobico oh in questo show», introduce un contrasto stridente. Qui, il malessere viene descritto come "acqua tonica", un elemento apparentemente ordinario ma che, in questo contesto, assume una connotazione di sofferenza e oppressione, evidenziando la lotta interna spesso nascosta dietro le quinte della vita di uno showman. L'uso di "claustrofobico", inoltre, intensifica ulteriormente questo senso di intrappolamento e angoscia, suggerendo una battaglia interiore tra il sé pubblico e privato. Queste poche righe, poetiche e struggenti, catturano efficacemente il conflitto animico che molti artisti, ma più in generale molte persone, soprattutto in un’era improntata all’apparire come la nostra, affrontano, sottolineando la complessità delle sfide relative alla salute mentale nel mondo occidentale moderno. Ma è nella parte conclusiva del brano, «Io che sono niente in confronto a te, aggiro inutilmente le tue regole, la risposta sei…Ci sono ancora io» che si evince tutta la speranza, tutta la resilienza e tutto il desiderio di rivalsa da una situazione d’impasse. «Io che sono niente in confronto a te» si erge come un'espressione di umiltà, o di autosvalutazione, dove l'io lirico si percepisce come inferiore rispetto a un altro, suggerendo una dinamica relazionale molto complicata. E nel passaggio successivo, «aggiro inutilmente le tue regole», viene rappresentato il tentativo di sfidare o aggirare le restrizioni o le aspettative imposte da questa ombra opprimente, che per ogni ascoltatore può identificarsi in una persona, nella società, o persino in una parte di se stesso. Quel «ci sono ancora io» che chiude il brano, diventa la vera chiave di volta, un'affermazione di perseveranza e presenza: nonostante le difficoltà, l'io afferma la sua continua esistenza e resistenza. Questo indica che, al di là di ogni avversità, ogni individuo persiste e mantiene la sua presenza, la sua identità. Linee che esprimono la ricerca di comprensione e significato nella propria esistenza e che hanno il potenziale di fare la differenza nella vita di molti. Con questo singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale, presentato in anteprima nazionale e disponibile su YouTube nel corso delle prossime settimane, Ruggero Ricci non solo conferma il suo talento straordinario, ma si afferma anche come una voce empatica e necessaria nel dialogo sulla salute mentale. In un mondo dove la voce della musica diventa eco delle nostre anime, “Lacrime Cobalto” non è solo un inno alla resilienza, ma un raggio di sole nel dialogo su queste tematiche ancora troppo stigmatizzate nel nostro Paese. Con la sua voce inconfondibile, Ricci non soltanto canta dal cuore, ma parla all'anima, invitandoci all’accettazione e alla comprensione. Questo nuovo piccolo capolavoro di emozioni e sincerità, rompe il silenzio su un argomento spesso volutamente taciuto, offrendo un messaggio di speranza e forza in un periodo di incertezze e sfide. In “Lacrime Cobalto”, Ruggero Ricci apre un varco verso un futuro in cui parlare di salute mentale non è più un tabù e diventa un narratore di storie che risuonano profondamente nel tessuto sociale dell'Italia contemporanea. Ascoltare questo brano significa non solo godere di una melodia ricca e coinvolgente, ma anche partecipare ad una conversazione cruciale che può illuminare molte vite, portando luce là dove regna l'ombra.

Con una carriera musicale iniziata nell'infanzia e arricchita da esperienze internazionali, la cantautrice altoatesina Isa, una delle più belle voci del panorama pop-soul italiano, torna nei digital store con "Io&Te", il suo nuovo singolo che apre il 2024 con un tocco di eleganza e introspezione. Dopo aver dato prova di un’emozionalità autorale di raro riscontro con un debutto solista che si è rivelato una “Cura” per l’anima ed i suoi blocchi interiori, e della sua versatilità con l’EP d’esordio “MI PRESENTO”, un vero e proprio curriculum vitae musicale che ne riflette raffinatezza, talento ed evoluzione artistica e personale, la brillante cantautrice classe ’94 inaugura una nuova fase della sua carriera con una release che riflette una Isa più matura, capace di sondarsi ed immergersi con assoluta naturalezza nelle profondità del sentire umano. Prodotto da Arox, “Io&Te” emerge come una delicata confessione di una storia d'amore ormai conclusa, ma che continua a risuonare nelle corde del cuore. Isa, attraverso il suo inconfondibile timbro vocale, ci porta in un viaggio intimo e personale, offrendoci uno spaccato autentico e sincero della sua essenza artistica. Il brano, avvolto da un tessuto sonoro che vibra di sfumature ricche e variegate, è un caleidoscopio di sensazioni che si intrecciano in un'affascinante narrazione musicale. Sin dall’apertura, i versi si caricano di emotività: «A volte ripenso a te, ai tuoi occhi color blu intenso. Quante volte hai fatto piangere, mi allontani e lasci un vuoto immenso». Queste parole, dense di pathos, ci conducono in un'atmosfera di malinconica riflessione, evocando la complessità e la bellezza di un amore sfuggente. La voce di Isa, capace di abbracciare toni dolci e sussurrati ed esplosioni di pura passione, è il veicolo perfetto per questo racconto di desiderio e perdita. Il suo approccio alla composizione, che fonde elementi di blues e soul con il pop moderno, dimostra la sua abilità nel creare un suono distintivo e raffinato. «Colpisci dritto al cuore e togli il fiato alle parole»: liriche che rivelano un’effettiva esplorazione interiore ed una ricercatezza incredibile nell’utilizzo della simbologia. Il "colpire dritto al cuore", suggerisce istantaneamente un impatto diretto e deciso, una sorta di verità interna che non può essere ignorata o evitata, avvalorata da quel "togli il fiato alle parole" che implica un coinvolgimento talmente forte da superare la capacità di esprimersi. Un vero e proprio overwhelm di sentimenti, in cui le emozioni vanno oltre la capacità del linguaggio di catturarle e raccontarle pienamente. Ma è nel passaggio immediatamente successivo, «Questo amore sembra impossibile», che Isa ci introduce al tema del dubbio e dell'incertezza, nucleo pulsante dell’intera traccia. L'amore intenso e viscerale racchiuso nel primissimo verso, assume qui le connotazioni dell’irraggiungibile, dell’inafferrabile, prerogative causate da ostacoli esterni o da incompatibilità intrinseche in cui la memoria emotiva di qualsiasi ascoltatore può facilmente ritrovarsi. La penna fulgida e versatile dell’artista, dipinge il desiderio struggente per qualcosa che sembra fuori portata, un contrasto spesso riscontrabile in quel senso di idealismo che ci porta a mitizzare eccessivamente il partner. Un conflitto interiore che Isa esplora con maestria, tessendo le parole in un affresco animico che parla direttamente al cuore. E nella domanda chiave «Siamo solo un vuoto a perdere?», la cantautrice si interroga sul valore effettivo della relazione, sollevando il concetto di vanità e la mancanza di sostanza o significato nel rapporto di coppia. Con questa riflessione, si apre un dialogo intimo, quasi spirituale, un viaggio introspettivo la cui meta è una nuova consapevolezza, quella che, nonostante la sincerità dei sentimenti, la relazione potrebbe non avere un futuro effettivo. Questa realizzazione, questa presa di coscienza, ci rende finalmente liberi dalle catene dell’idealizzazione, ma, al contempo, porta ad un senso di vuoto interiore, un residuo emotivo che persiste anche dopo la fine del rapporto. “Io&Te”, accompagnato dal visual video in uscita nel corso delle prossime settimane, si distingue per la sua intensità, per la classe con cui viene affrontato il dolore, ma anche per quella delicata e rispettosa nostalgia che nel freddo di un addio ci ricorda il calore insito nel saper amare. Isa ci tende la mano e ci accompagna in un ricordo, in un'avventura breve ma carica di significato, di battiti e di vita, raccontata con una voce che, tra le note, si spezza per l'emozione. Questo brano è lo specchio della crescita artistica e personale di Isa, il riflesso di un lato più intimo e vulnerabile mai esplorato prima. Con "Io&Te", Isa ci invita ad esplorare gli angoli più nascosti del nostro cuore, perché anche nel dolore, le nostre storie meritano di essere raccontate e ascoltate. Questo singolo non è solo un brano personale, ma un ponte tra anime, un invito a riconoscere e abbracciare la nostra vulnerabilità. Attraverso la sua vocalità unica e la sua capacità espressiva, Isa ci mostra come, anche nelle ombre dell'addio, possa brillare la luce della comprensione e della crescita. Ascoltare "Io&Te" non è semplicemente premere “play” su una canzone, è partecipare ad un viaggio trasformativo, un'esperienza che arricchisce e ispira.... Continua a leggere

In un audace incontro tra Oriente e Occidente, Northern Lights, il nuovo brand di abbigliamento tecnico-sportivo, emerge come un faro di innovazione e stile. Fondato dalla visionaria stilista italo-cinese Susy Zhang, Northern Lights rappresenta il connubio perfetto tra la pregevole qualità dei materiali asiatici e l'eleganza senza tempo dello stile italiano. Nata da una famiglia cinese e cresciuta tra i capolavori del design italiano, Susy Zhang ha dedicato la sua vita alla creazione di un brand che esprimesse la sua eredità culturale unica e la sua anima cosmopolita. Dopo anni di studi approfonditi, la giovane e brillante stilista ha sviluppato una linea di abbigliamento in grado di unire la robustezza e l'eccellenza dei tessuti cinesi e persiani - riconosciuti tra i più prestigiosi al mondo - con il raffinato gusto estetico italiano. «”Northern Lights” non è solo un brand, è una dichiarazione d'intenti - afferma Susy Zhang -. Vogliamo ridefinire cosa significhi abbigliamento tecnico-sportivo, elevandolo a nuovi livelli di qualità e design. Ogni capo è un'opera d'arte, progettata per offrire performance eccezionali senza mai compromettere lo stile». La collezione Northern Lights si distingue per la sua versatilità, adattandosi perfettamente sia agli atleti di alto livello sia a coloro che cercano un abbigliamento casual ma sofisticato. La fusione di funzionalità e bellezza è il cuore del marchio, rendendo ogni pezzo adatto sia per l'attività sportiva che per il tempo libero. La passione di Susy Zhang per l'arte italiana ha ispirato la sua visione della moda orientandola verso uno stile urban style fonde l'eleganza del design con la maestria dell'arte visiva. Attraverso la collaborazione con alcuni degli artisti italiani più talentuosi, Susy ha dato vita a una collezione esclusiva in edizione limitata. Ogni capo di questa collezione si trasforma in un'autentica opera d'arte, impreziosito da decorazioni e raffigurazioni artistiche “taylormade”. La collezione si distingue per la sua amplia esplorazione di temi immersi nell'estetica vivace dell'arte pop contemporanea e fantasy, creando così un ponte tra tradizione artistica e innovazione stilistica. Susy Zhang ha anche instaurato importanti collaborazioni con celebri personaggi dello show-biz, confermando la sua influenza e la capacità di attrarre l'attenzione del mondo della moda e dello sport. Il suo lavoro, spicca non solo per il suo straordinario senso del design, ma anche per il suo impegno sociale. Recentemente, ha catturato l'attenzione di tutti vestendo Francesco Salvi, il grande attore e cantautore italiano, che questo Natale è tornato con “Comete come te”, un progetto di sensibilizzazione creato da un'iconica canzone. La stilista, con il suo marchio Northern Lights si è prestata, dimostrando di essere non solo un’imprenditrice di moda, ma anche una narratrice di storie. La presenza di Salvi, con il suo carisma e il suo coinvolgimento, hanno trasformato sia vestiti che il significato dietro ad essi. In un periodo in cui la moda e l'arte sono sempre più interconnesse con la società, questa giovane stilista italo-cinese si è affermata come un faro di innovazione e impegno sociale. Il lancio della collezione Northern Lights segna l'inizio di un nuovo capitolo nel mondo dell'abbigliamento tecnico-sportivo, dove la qualità, l'innovazione e lo stile si fondono in un'esperienza unica di moda e funzionalità.... Continua a leggere

In un audace incontro tra Oriente e Occidente, Northern Lights, il nuovo brand di abbigliamento tecnico-sportivo, emerge come un faro di innovazione e stile. Fondato dalla visionaria stilista italo-cinese Susy Zhang, Northern Lights rappresenta il connubio perfetto tra la pregevole qualità dei materiali asiatici e l'eleganza senza tempo dello stile italiano. Nata da una famiglia cinese e cresciuta tra i capolavori del design italiano, Susy Zhang ha dedicato la sua vita alla creazione di un brand che esprimesse la sua eredità culturale unica e la sua anima cosmopolita. Dopo anni di studi approfonditi, la giovane e brillante stilista ha sviluppato una linea di abbigliamento in grado di unire la robustezza e l'eccellenza dei tessuti cinesi e persiani - riconosciuti tra i più prestigiosi al mondo - con il raffinato gusto estetico italiano. «”Northern Lights” non è solo un brand, è una dichiarazione d'intenti - afferma Susy Zhang -. Vogliamo ridefinire cosa significhi abbigliamento tecnico-sportivo, elevandolo a nuovi livelli di qualità e design. Ogni capo è un'opera d'arte, progettata per offrire performance eccezionali senza mai compromettere lo stile». La collezione Northern Lights si distingue per la sua versatilità, adattandosi perfettamente sia agli atleti di alto livello sia a coloro che cercano un abbigliamento casual ma sofisticato. La fusione di funzionalità e bellezza è il cuore del marchio, rendendo ogni pezzo adatto sia per l'attività sportiva che per il tempo libero. La passione di Susy Zhang per l'arte italiana ha ispirato la sua visione della moda orientandola verso uno stile urban style fonde l'eleganza del design con la maestria dell'arte visiva. Attraverso la collaborazione con alcuni degli artisti italiani più talentuosi, Susy ha dato vita a una collezione esclusiva in edizione limitata. Ogni capo di questa collezione si trasforma in un'autentica opera d'arte, impreziosito da decorazioni e raffigurazioni artistiche “taylormade”. La collezione si distingue per la sua amplia esplorazione di temi immersi nell'estetica vivace dell'arte pop contemporanea e fantasy, creando così un ponte tra tradizione artistica e innovazione stilistica. Susy Zhang ha anche instaurato importanti collaborazioni con celebri personaggi dello show-biz, confermando la sua influenza e la capacità di attrarre l'attenzione del mondo della moda e dello sport. Il suo lavoro, spicca non solo per il suo straordinario senso del design, ma anche per il suo impegno sociale. Recentemente, ha catturato l'attenzione di tutti vestendo Francesco Salvi, il grande attore e cantautore italiano, che questo Natale è tornato con “Comete come te”, un progetto di sensibilizzazione creato da un'iconica canzone. La stilista, con il suo marchio Northern Lights si è prestata, dimostrando di essere non solo un’imprenditrice di moda, ma anche una narratrice di storie. La presenza di Salvi, con il suo carisma e il suo coinvolgimento, hanno trasformato sia vestiti che il significato dietro ad essi. In un periodo in cui la moda e l'arte sono sempre più interconnesse con la società, questa giovane stilista italo-cinese si è affermata come un faro di innovazione e impegno sociale. Il lancio della collezione Northern Lights segna l'inizio di un nuovo capitolo nel mondo dell'abbigliamento tecnico-sportivo, dove la qualità, l'innovazione e lo stile si fondono in un'esperienza unica di moda e funzionalità.... Continua a leggere

Dopo aver conquistato il cuore del pubblico con l'emozionalità introspettiva di "Some Days", il romanticismo di "Million Dollar Baby" e la sincera immediatezza di "Fuori", il poliedrico rapper e cantautore sardo Orlee torna in radio e nei digital store con "Hotel". Questo nuovo singolo, rappresenta il perfetto punto di incontro tra la cultura hip-hop da cui l’artista proviene con le sonorità pop più attuali, coniugando magistralmente il suo flow distintivo e la sua cifra stilistica a melodie accattivanti e fortemente contemporanee. Il brano è una vera e propria immersione nelle complessità delle relazioni umane, un tuffo tra stati d’animo, riflessioni e battiti che si delinea e prende vita attraverso metafore incisive e vividamente evocative. In "Hotel", Orlee prende per mano gli ascoltatori e li guida in un percorso sensoriale, dove ogni strofa rappresenta un tassello del complesso mosaico del cuore. La canzone, che si distingue per il suo testo iconografico, ricco di immagini poetiche e significative, riflette alcune situazioni particolari vissute direttamente dall'artista in prima persona. «Vorrei vedervi col sorriso, ma il mio cuore è diviso» canta Orlee in apertura del pezzo, suggerendo un'analisi profonda dei suoi rapporti umani più intimi, in cui riserva uno spazio prezioso e speciale solo a poche persone che occupano un posto unico e insostituibile nella sua vita. Questa visione onesta e diretta, simboleggia non solo la profondità delle connessioni che l'artista coltiva, ma anche la sua consapevolezza sull'importanza dei legami autentici. Il «club con troppo casino» citato nel testo, offre una visione chiara e diretta sulla percezione di Orlee riguardo la complessità della vita sociale, sempre più artificiosa e frenetica. Quest'immagine, che sottolinea la presa di coscienza dell'artista rispetto alle dinamiche relazionali spesso caotiche e superficiali, è una riflessione sulla società moderna e le sue svariate sfaccettature. Una delle linee chiave del brano, «prendiamoci una stanza in hotel», esprime un invito simbolico a ritirarsi in un luogo appartato e intimo. In questa “stanza in hotel", Orlee aspira a creare uno spazio all’interno del quale possa sentirsi finalmente libero di essere se stesso, lontano dal trambusto e dalle preoccupazioni del mondo esterno, un vero e proprio rifugio per l'anima. Prodotta dallo stesso Orlee e dall’inseparabile producer FM, "Hotel" è il perfetto equilibrio tra la vocalità ed il flow inconfondibili di Orlee e le melodie catchy più attuali. Il singolo promette di essere un altro successo per l'artista sardo, che continua a stupire il suo pubblico con brani che sono tanto personali quanto universali. "Hotel" di Orlee è un'esperienza emotiva che esorta gli ascoltatori a riflettere sulle proprie esperienze e relazioni. Con questo singolo, Orlee dimostra ancora una volta la sua abilità nel catturare l'essenza dell'esperienza umana in musica, offrendo una nuova prospettiva su temi che toccano nel profondo tutti noi.... Continua a leggere

Con il suo talento inconfondibile nel trasmettere tutto lo spettro delle emozioni umane, trattando con assoluta delicatezza anche quelle più crude e oscure, il cantautore marchigiano Jamie, al secolo Aziz Gazzella, dopo il successo di “Oggi Piango” e “Mostri”, in feat. con Ethos, torna nei digital store con una nuova collaborazione. “Sanguino x te”, il nuovo singolo scritto e interpretato con il pioniere della Sad Trap e della NEO Sad Drill italiana xDiemondx, si distingue per la sua energia emotiva e la sua profondità lirica. Un ritratto pop-punk sulle sfumature più oscure dell'animo umano, una confessione, un grido dell'anima che risuona nell’intricata arena delle relazioni interpersonali. In questo brano, Jamie & xDiemondx affrontano temi come l'odio nei confronti della società e, in modo ancor più intenso, quello verso loro stessi, quello che impedisce a ciascuno di noi di volersi bene e di accettarsi quando ci sente incompresi, inermi davanti a rapporti e situazioni che sfuggono al nostro controllo. La traccia si apre con la suggestiva dichiarazione «Voglio scappare via da qua, dal mio passato e il mio papà», che stabilisce istantaneamente il tono di un percorso emotivo carico di introspezione e desiderio di evasione. Queste parole, sature della consapevolezza di non poter fuggire dai propri trascorsi ma al tempo stesso figlie di una sofferenza fluita dai ricordi, utilizzano la fuga come metafora, come simbolo di liberazione dalle catene del passato e da relazioni familiari complesse. Il desiderio di fuggire rappresentato nel testo, non è solo fisico, ma anche emotivo e psicologico. Con queste liriche, Jamie e xDiemondx, toccano una corda universale, esprimendo il bisogno di distaccarsi da quelle parti della propria vita che, per quanto fondamentali, si rivelano dolorose o limitanti. Un’esortazione all'autonomia, alla libertà di creare un proprio cammino, lontano dalle ombre che hanno plasmato la sua esistenza fino a quel momento; “Sanguino x te” è anche questo e i due artisti lo rendono nitido al pubblico sin dalle prime battute. L’inizio dalla duplice accezione e ricco di significato, pone l'ascoltatore di fronte alla realtà di un'anima in lotta, che cerca di trovare il proprio posto in un mondo in cui, troppo spesso, il passato grava come un vero de proprio fardello, animico e sociale. La sincerità con cui Jamie e xDiemondx si esprimono, rivela non solo il loro talento come artisti, ma anche la loro forza come individui che, nonostante gli ostacoli e le sfide, continuano a cercare la loro verità. "Sanguino x te" diventa così un inno per tutti coloro che si trovano in un percorso simile, per chiunque stia cercando di sfuggire alle proprie paure e dolori, cercando al contempo di costruire un futuro dove si possa finalmente respirare liberamente, senza il peso di un vissuto ingombrante. Ogni nota ed ogni parola risuonano con il coraggio di chi è determinato a superare i propri demoni per trovare la pace interiore. Il ritornello incarna il tormento per trovare la propria voce in un mondo che sembra non ascoltare. Queste parole, intrise di una melodia tanto coinvolgente quanto malinconica, espongono la vulnerabilità dell'anima che si trova nel cuore della canzone, trasmettendo un senso di isolamento e di rassegnazione, dove l'essere soli appare come l'unica scelta sensata. «So che mi conviene star solo ste sere» risuona come un’amara riflessione, un ritirarsi dalla socialità che funge da mezzo di autoconservazione. C'è una comprensione dolorosa da cui emerge che, a volte, il distacco è necessario per sopravvivere ad un dolore interiore troppo intenso. La seconda parte del ritornello, «Sanguino per te, ma non mi richiami, starò peggio domani», esprime invece la disperazione di un amore non corrisposto o di una relazione spezzata, in cui l'investimento emotivo rimane a senso unico. Qui, viene rivelato il conflitto tra l’affrontare la realtà e la cura di un'affezione non ricambiata, portando ad una crescente sensazione di disillusione e solitudine che avvolge il bisogno innato di sentirsi amati. Jamie, con il suo approccio unico e la sua visione oggettiva sull'utilizzo di sostanze come via di fuga dalle delusioni, continua a perseguire una narrazione che nel passaggio «odio questa stanza, fumo un’altra canna, ma non servirà» pone in discussione le convenzioni sociali. xDiemondx, da parte sua, riconferma il suo talento riflettendo l'essenza del dolore e della speranza nel verso «vorrei tornare a ieri, a quando ancora c’eri, prima che i miei pensieri distruggessero tutto ciò che mi hai dato», che svela il desiderio di riconciliazione con il passato, un anelito a recuperare momenti perduti e relazioni interrotte. C'è un sentimento palpabile di rimpianto e di necessità di redimersi, che suggerisce come i ricordi e i legami passati continuino ad avere un impatto notevole sulla nostra quotidianità. “Sanguino x te” è il perfetto esempio di come la musica di Jamie e xDiemondx riesca a catturare e articolare le ombre della sofferenza generate da quei sentimenti che rimangono forti, pur nella loro unilateralità. Attraverso la loro capacità di evocare immagini ben precise, i due artisti rendono tangibili le emozioni che spesso rimangono inespresse, creando un legame intimo con gli ascoltatori. Questa abilità, consente loro di trasformare il brano dalla semplice narrazione di una storia ad un rifugio per chiunque si sia mai sentito escluso dal mondo in cui vive. Oltre ad esprimere il loro dolore, i due cantautori danno voce ad un'esperienza condivisa, toccando l'anima di chi ascolta e offrendo un senso di compagnia in mezzo alla tempesta emotiva. Insieme, Jamie e xDiemondx creano un dialogo che va oltre il concetto canzone, intrecciando i loro versi in un'espressione sincera di vulnerabilità e introspezione. La loro sensibilità diventa un mezzo per esplorare i sentieri tortuosi del cuore, offrendo al pubblico una visione onesta e senza filtri delle sfide interiori che ciascuno di noi affronta nel corso della vita. "Sanguino x te" è una canzone che parla di noi, con tutti i nostri difetti e le nostre paure, dove rispondiamo "sto bene" anche quando il cuore sanguina. È un'ode alle porte chiuse e alle delusioni, ma anche un richiamo alla speranza di trovare qualcuno che apprezzi veramente la nostra essenza. Con questa release, i due artisti forniscono un perfetto esempio di come la musica possa ancora essere un veicolo potente per esprimere il dolore, la speranza e la ricerca di autenticità. Jamie & xDiemondx non solo hanno creato un brano emozionante, ma hanno anche offerto uno specchio in cui molti possono riflettersi e trovare conforto.... Continua a leggere

In un mondo in cui la voce delle donne viene ancora troppo spesso spezzata e soffocata dall'ombra della violenza, quella della cantautrice veneta Jalisia Dollson risuona come un faro di coraggio, un amplificatore di tutte le silenziose grida di aiuto che cercano disperatamente di essere udite. Con il suo nuovo singolo, “Che male c'è?”, l’artista si fa messaggera delle storie e delle esistenze brutalmente interrotte dalla mano di chi, con gelida meschinità, ha trasformato carezze e gesti di affetto in abusi devastanti e inaccettabili. “Che male c’è?”, nato dall'eco straziante della tragica storia di Giulia Tramontano, la giovane donna incinta di 7 mesi uccisa dal fidanzato, è un inno commovente che giunge dritto al cuore, un appello alla consapevolezza e un manifesto di resistenza che invoca un cambiamento. Jalisia Dollson, attraverso le sue liriche toccanti e profonde, racconta le ansie, le speranze, i sogni e le paure di una giovane e brillante ragazza in dolce attesa che si affaccia ad una nuova vita, ignara del tragico destino che aspetta lei e il suo bambino. Nel verso struggente «Mi bagno piano la pancia aspettando una vita nuova che verrà», la bellezza di un momento magico e ricco di gioia, si trasforma in un incubo causato da una crudeltà inaudita. Due esistenze rubate in pochi istanti, due futuri infranti da chi avrebbe dovuto incoraggiarli e proteggerli. Con la sua musica, la cantautrice trevigiana si impegna a portare alla luce una realtà cruda e spesso nascosta. La sua arte diventa il veicolo per raccontare queste storie, per scuotere le coscienze, per stimolare un’effettiva trasformazione. Ogni nota, ogni parola, ogni silenzio in “Che male c'è?”, rappresentano un richiamo all'azione, un invito a non restare indifferenti, a lottare affinché nessuna altra donna debba soffrire o perdere la vita per mano di un demone mascherato da amore. Il passaggio chiave del testo «Non uscire in minigonna o sei colpevole», cattura un aspetto profondamente radicato e tragico della società attuale riguardo alla percezione e al trattamento della violenza sulle donne. Queste parole, dirette e potenti nella loro apparente semplicità, rivelano la dolorosa realtà del victim blaming, una pratica per cui la vittima di un atto violento viene ritenuta in qualche modo responsabile dell'abuso subito. La minigonna, spesso oggetto di dibattiti e controversie, viene qui utilizzata come simbolo della libertà femminile e dell'autonomia nel vestire, ma anche come pretesto per giustificare comportamenti vessatori e misogini. La frase mette in luce una mentalità pericolosa e purtroppo ancora diffusa: l'idea che l'abbigliamento di una donna possa in qualche modo "provocare" o "giustificare" atti violenti o aggressioni sessuali. Questo passaggio del brano, porta alla ribalta il concetto di colpevolizzazione della vittima, esponendo crudamente il paradosso di una società che da un lato promuove l'indipendenza e l'espressione personale, mentre dall'altro continua a perpetuare stereotipi dannosi e giudizi colpevolizzanti. Ma l’intero progetto non è solo un omaggio a Giulia Tramontano e a tutte le vittime di femminicidio, bensì una carezza musicale per ciascuna donna abbia mai subito molestie e soprusi, per quelle che sono state ridotte al silenzio e quelle che continuano a lottare con tenacia e fermezza per la loro libertà. “Che male c'è?” si fa portavoce di un dolore che non può e non deve essere ignorato, di una contemporaneità che grida giustizia ma che troppo poco spesso si adopera per ottenerla, ergendosi come un canto che non cerca vendetta, ma amore sincero, ascolto e protezione. Nel cuore di questa opera commovente, Jalisia Dollson ci conduce in un viaggio emotivo senza precedenti, dove sofferenza e speranza si intrecciano in un'appassionata richiesta di cambiamento. È un brano che non solo colpisce per la sua profonda empatia e sensibilità, ma anche per la sua disarmante verità, un richiamo a non voltare lo sguardo di fronte all'orrore della violenza sulle donne, ma a prenderne parte attiva per porvi fine. «Che male c'è se un uomo può uccidere?»: è con questo quesito lancinante che si apre il pezzo, consentendo agli ascoltatori di immergersi istantaneamente in un’importante riflessione sulla condizione femminile e sulla complicità silenziosa di un mondo che spesso chiude gli occhi di fronte alla violenza domestica. Le parole di Jalisia Dollson, cariche di struggente poesia, sono un pugno nello stomaco, una chiamata all'azione e alla consapevolezza. L'artista, raccontando la storia in prima persona, crea un legame emotivo profondo con il pubblico, sottolineando, nella domanda retorica «che male c'è se piove sulle lacrime?» - il dolore sul dolore, un ciclo di sofferenza che sembra non avere mai fine. Con le sue liriche penetranti, Jalisia Dollson ci ricorda che gli abusi sulle donne sono una realtà ancora troppo presente, una piaga sociale che richiede un cambio di rotta radicale, sia da parte degli uomini sia da parte delle autorità, e un impegno costante da parte delle donne stesse nel trovare la forza di denunciare. «Essere donna oggi è lottare ogni giorno per difendere la propria libertà», ci tiene ad affermare l’artista, che spera in un futuro in cui questi orrori siano solo un triste e lontanissimo ricordo. "Che male c'è?" è stato presentato in anteprima da Jalisia Dollson alle audizioni di Area Sanremo, proprio nei minuti in cui avveniva il tragico ritrovamento di un'altra vittima di femminicidio, Giulia Cecchetin. «Sono profondamente stanca e addolorata di vedere queste terribili storie di donne uccise che si ripetono con una frequenza allarmante – ha aggiunto la cantautrice, concludendo -. Ogni singola vita spezzata è una tragedia che ci colpisce tutti. Dobbiamo agire, ciascuno nel proprio ambito, per assicurarci che atrocità del genere non accadano mai più. La nostra società deve svegliarsi e prendere misure concrete per proteggere le donne, per ascoltarle e per prevenire queste tragedie. Non possiamo restare in silenzio; dobbiamo lottare insieme per un futuro in cui tutta questa crudeltà sia solo un capitolo buio e superato della nostra storia». "Che male c'è?", accompagnato dal videoclip ufficiale, non è solo una canzone, è un manifesto, un appello all'azione, un inno alla forza e alla libertà delle donne, e un monito per tutte loro affinché trovino il coraggio di chiedere aiuto prima che sia troppo tardi. Con questo singolo, Jalisia Dollson si conferma non solo come un'artista di grande talento, ma come una voce fondamentale nella lotta per la dignità e la libertà femminile. “Che male c’è?” è un tributo a tutte le donne che hanno lottato, a quelle che continuano a lottare, e a quelle che, purtroppo, non hanno più la possibilità di farlo.... Continua a leggere

Samuele Esaltato, il cantautore romano noto per la sua maestria nel coniugare musica e letteratura, torna in radio e nei digital store con due nuovi singoli, "Senza Stramazzare!" e "Blues all'italiana". Questi brani, non solo consolidano la sua posizione unica nel panorama musicale italiano, ma arricchiscono anche la sua palette espressiva, toccando tematiche profonde con una sensibilità e una sincerità inconfondibili. Dopo aver conquistato il cuore del pubblico e l’approvazione della critica con “Un Maledetto”, nato dalla lettura della raccolta lirica “I fiori del male” di Charles Baudelaire, e “Lupo della steppa”, ispirato all’omonimo capolavoro di Herman Hesse, il poliedrico cantautore e musicista capitolino continua il suo viaggio esplorativo attraverso le complessità dell'animo umano. In "Senza Stramazzare!", troviamo un'incisiva critica sociale contro gli abusi di potere. Il testo del brano, sin dai versi di apertura «Cinque del mattino strada di campagna, “By this river” di sottofondo che m’accompagna e una leggera angoscia dentro», evoca un'atmosfera di riflessione e introspezione, portando alla luce la lotta interiore contro le ingiustizie e le iniquità della società. Il ritornello, con la frase chiave «Nessuno l’ha mai fatta franca, senza stramazzare», risuona come un monito universale, sottolineando che alla fine del percorso, la giustizia, in qualche modo, ripristina l'equilibrio. Questa canzone è un inno di speranza per chi cerca di navigare in un mondo di soprusi, incoraggiando a rimanere fedeli ai propri principi. Nel brano, Samuele Esaltato tocca con cruda e disarmante eleganza una delle corde più sensibili della nostra società moderna, analizzando in musica l'ossessione per il mondo digitale. «Questa vita ad abbonamenti ci sta ammazzando. Ci si tuffa nel social come se fosse un parco a premi per vincere poi una manciata di falsa approvazione»: parole che rivelano un'acuta consapevolezza dell'artista sull'effimero e l'illusorio di un apprezzamento superficiale ottenuto attraverso i social media. Il confronto tra la vita quotidiana e un "parco a premi" dove ci si immerge per ottenere "una manciata di falsa approvazione", è una metafora incredibilmente potente che illustra il crescente divario tra la realtà e la percezione online. Esaltato, coglie l'essenza di un mondo in cui l'autenticità sembra essere sacrificata sull'altare dell'accettazione sociale digitale, offrendo un commento incisivo su come le piattaforme online possano distorcere il nostro senso di autostima e appartenenza. In questa intensa e riflessiva analisi, Samuele Esaltato non solo dimostra la sua abilità nell'intrecciare sapientemente le parole, ma mette anche in luce la sua profonda comprensione degli impatti psicologici e sociali del vivere in un'era dominata dalla tecnologia. Con "Senza Stramazzare!", l'artista si conferma un musicista di talento, ma anche un narratore moderno che esplora e sfida le dinamiche della nostra contemporaneità. Nel secondo singolo, "Blues all'italiana", il cantautore capitolino si addentra nelle tormentate pene d'amore con una sincerità toccante. La canzone, che si apre con l'immagine di un finestrino infranto e una notte di riflessioni, è un viaggio emotivo attraverso il dolore della perdita e la solitudine. «I giorni quando non ci sei sono meno chiari, l’impossibilità di farci una risata su è straziante»: questa introduzione suggestiva e intensissima, parla direttamente al cuore di chi ha sperimentato l'amore perduto e la struggente nostalgia per ciò che è stato. In "Blues all'italiana", Samuele Esaltato presenta un verso che cattura l'essenza del brano con sublime semplicità: «Sarò pure blu ma non mi importa». Questa frase, apparentemente semplice, racchiude in sé un mondo di significati. Rappresenta l'accettazione del dolore, tipico del blues, e una dichiarazione di resilienza. Essere “blu”, tratto dall’espressione inglese “I'm feeling blue” utilizzata per descrivere lo stato d’animo di chi si sente depresso, triste o giù di corda spesso senza conoscerne il motivo, nel brano evoca istantaneamente echi di malinconia e tristezza, sentimenti che sono spesso al centro delle canzoni blues. Tuttavia, l'affermazione "ma non mi importa", rivela una forza interiore, una sorta di sfida lanciata alla sofferenza. Esaltato, qui si dipinge come un artista che, pur riconoscendo il proprio stato emotivo, sceglie di non lasciarsi sopraffare da esso. Questo passaggio del testo è un potente messaggio di autodeterminazione e resilienza. Samuele Esaltato non solo esplora i territori emotivi del rifiuto e della delusione amorosa, ma lo fa con un'attitudine che sfida le convenzioni, dimostrando che è possibile affrontare il dolore e al tempo stesso mantenere la propria forza e indipendenza emotiva. "Blues all'italiana", si delinea quindi non solo come un'espressione di vulnerabilità, ma anche come un inno all'autonomia emotiva e alla capacità dell'individuo di navigare attraverso i propri stati d'animo, mantenendo l'integrità e la forza di spirito. Samuele Esaltato, con questi due nuovi singoli, oltre a riaffermare la sua capacità di fondere armoniosamente musica e poesia, dimostra anche una crescente maturità espressiva. La sua voce, unica nel panorama musicale italiano, continua a raccontare storie che risuonano con forza e autenticità, offrendo un rifugio sonoro, una carezza sensoriale per chi cerca conforto e comprensione nelle canzoni. "Senza Stramazzare!" e "Blues all'italiana", seppur profondamente diverse nella loro essenza, sono entrambe manifestazioni autentiche della cifra stilistica eclettica di Samuele Esaltato. Pur seguendo percorsi musicali distinti, entrambi i brani convergono nell'espressione della personalità artistica multiforme del cantautore romano. "Senza Stramazzare!", con la sua forte critica sociale e introspezione, e "Blues all'italiana", con la sua esplorazione emotiva e melodia evocativa, illustrano la capacità di Esaltato di navigare attraverso una varietà di temi e sonorità, mantenendo sempre un'impronta inconfondibilmente propria. Con queste release, Samuele Esaltato avvalora il suo ruolo di narratore contemporaneo, ma anche la sua posizione come innovatore nel panorama musicale italiano.... Continua a leggere

Il talentuoso cantautore partenopeo Gianni Negri, noto per la sua eleganza compositiva e per la sua capacità di dar voce alla silenziosa intensità dei sentimenti, dopo aver elogiato la fragilità dell’anima in “Tasche Vuote”, torna in radio e nei digital store con un tributo commovente ad uno dei più grandi artisti italiani: Mango. In questo progetto artistico di rara bellezza, Negri unisce le sue doti interpretative alla sensibilità e alla versatilità di Stefania De Francesco, celebre attrice napoletana amata dal pubblico per i suoi ruoli in "Don Matteo" e "Un Posto al Sole". Insieme, i due artisti, hanno dato vita ad una suggestiva reinterpretazione del capolavoro "Il Dicembre degli Aranci", classico senza tempo inserito nell’album “Ti Amo Così” ed interpretato dal cantante lucano insieme alla moglie, Laura Valente. Questa cover, pubblicata per PaKo Music Records e Believe Digital ed eseguita con una delicatezza ed un trasporto impeccabili, è un esempio di maestria e profondo rispetto artistico che non si limita ad omaggiare due icone della musica italiana, ma infonde anche nuova linfa ed una prospettiva rinnovata alla canzone originale. La reinterpretazione di Negri e De Francesco, arricchisce “Il Dicembre degli Aranci” con un’intensità emotiva e una risonanza contemporanea uniche, senza mai allontanarsi dall’atmosfera incantata, romantica e poetica magnificamente creata da Mango e Laura Valente, regalando così un'esperienza di ascolto capace di catturare istantaneamente il pubblico di ogni età. Gianni Negri, apprezzatissimo per la raffinatezza e l’emozionalità insite in ogni sua release, ha sempre considerato Mango una fonte di ispirazione e un punto di riferimento fondamentale nel suo percorso musicale. L'aggiunta della voce dolce e avvolgente di Stefania De Francesco, impreziosisce ulteriormente il brano, creando un connubio artistico di grande valore. Insieme, attraverso la loro interpretazione, hanno voluto non solo onorare il ricordo di Mango e celebrare il percorso di una delle più talentuose interpreti italiane, ma anche aggiungere un tocco personale ad una canzone capace di superare mode e distanze, una canzone che parla di amore e di connessione tra anime utilizzando il linguaggio universale del cuore. L'arrangiamento del pezzo, magistralmente curato dal Maestro Mariano Bellopede al pianoforte, ha permesso alle voci di Gianni e Stefania di fondersi in maniera sublime, trasmettendo ogni sfumatura emotiva del testo e della melodia. "Il Dicembre degli Aranci" si rivela così un ponte musicale che accarezza i sensi, unendo il passato e il presente in un flusso di emozioni senza tempo. Gianni Negri, recentemente salito alla ribalta grazie alla sua partecipazione all'evento "Launatici" del Fans Club di Laura Pausini, ha avuto l'onore di accompagnare al pianoforte la cantautrice faentina, icona della musica italiana nel mondo e recentemente nominata "Person of the Year" dalla Latin Recording Academy, e di cantare con lei il suo nuovo singolo, “Durare”, in una versione adattata in lingua napoletana, scritta dallo stesso Negri. Questa esperienza, ha segnato un momento culminante nella carriera dell’artista napoletano, realizzando un sogno di lunga data e dimostrando la sua capacità di arrivare al cuore del pubblico con la sua musica e la sua passione. "Il Dicembre degli Aranci" di Gianni Negri e Stefania De Francesco rappresenta non solo un tributo a due grandi artisti, ma anche un momento di crescita e realizzazione personale. Ascoltando questo brano, si viene istantaneamente trasportati in un universo intangibile ma più concreto che mai, dove la poesia delle parole si intreccia alla purezza delle note, creando un'esperienza musicale unica e indimenticabile.... Continua a leggere

Joka Diablo, uno dei più talentuosi e stimati rapper della scena partenopea, dopo aver collezionato oltre 10 milioni di streams con le sue precedenti release ed aver collaborato con l'icona del moderno neomelodico Pino Franzese sul remix di "Sto Sbaglianno Ancora", torna nei digital store con "Na stella nun mor" (Keyrecords), il suo nuovo emozionante singolo che lo vede al fianco di uno dei suoi conterranei più promettenti, Debrealfk. Prodotto dall’abilità creativa di DennyT, “Na stella nun mor” è un brano che accarezza l’anima e commuove sin dal primo ascolto, incarnando al tempo stesso in maniera magistrale l'essenza del pop-rap. Con le liriche intense, poetiche e incisive, il singolo racconta un amore eterno, capace di andare oltre il tempo e ben al di là della distanza terra-cielo, ben al di là del doloroso, ma forse soltanto apparente, confine tra la vita e la morte. Attraverso un testo toccante e fortemente evocativo, Joka Diablo e Debrelfk narrano la vita di una persona amata diventata la stella più luminosa dell’intero firmamento. «Mi ero già immaginato una vita con te, faccess tutt cos pe turna' ancor aret. Pass o tiemp e tu non pass maje, eh» («Mi ero già immaginato una vita con te, farei di tutto per tornare indietro. Il tempo passa e tu non passi ma, ehi»): parole che scorrono nel flusso della memoria come flashback più vivi che mai, rivelando la profondità di un'anima che ha vissuto un amore così intenso e sincero da sfidare le stesse leggi del tempo. Queste parole, cariche di nostalgia struggente, evocano l'immagine di un cuore che ha amato con ogni fibra del suo essere, disegnando nei sogni un futuro insieme ora trasformato in un’eco lontana. La forza espressiva di Debrealfk e Joka Diablo, ci trasporta in un viaggio emozionale dove ogni nota, ogni parola, si carica di significati universali, diventando un tributo a tutti gli amori eterni, quelli che non conoscono barriere né fine. La capacità dei due artisti di catturare l'essenza dell'assenza, la dolcezza del ricordo e la dolorosa consapevolezza del tempo che scorre inesorabile, mentre l'amato rimane immutato nel santuario del cuore, è un testamento della loro profonda sensibilità autorale. In questo flusso di ricordi e sentimenti, i due giovani cantautori si rivelano non solo come narratori di storie, ma come poeti dell’anima, capaci di trasformare il dolore della perdita in una melodia che tocca le corde più intime di chiunque abbia mai amato e vissuto una perdita fisica. La sinergia animica e vocale tra Joka Diablo e Debrealfk è tangibile in ogni passaggio del pezzo. Le loro differenti cifre stilistiche si fondono in perfetta armonia, trasmettendo con intensità e raffinatezza il valore emozionale racchiuso nel brano. “Na stella nun mor” è un tributo sonoro alla memoria, una dedica che esula da trend e wave passeggere per dar voce a ciò che non conosce epoche, l’amore vero, sincero e viscerale, capace di valicare ogni confine. Un’ode commovente che risuona istantaneamente in chi l’ascolta, offrendo uno spiraglio di luce e comfort, una connessione emotiva autentica e genuina. Con questa release, Joka Diablo e Debrealfk dimostrano un'incredibile abilità espressiva e interpretativa, dando prova di una sintonia che va oltre la musica. Le loro anime si esprimono mediante le parole, creando un'esperienza che supera l'ascolto per accarezzare i sensi. “Na stella nun mor” rappresenta l'apice della creatività e dell'espressione artistica di due dei più promettenti talenti della scena musicale napoletana, una celebrazione della resilienza dell’animo umano e della sua capacità di scorgere e trovare bellezza anche nell’abisso del dolore.... Continua a leggere

Dopo due anni di silenzio dall'incredibile successo ottenuto con "Lasciamoci andare", il cantautore sardo d'adozione bolognese Battista torna in radio e nei digital store con "Stronza Emozione" (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo che viaggia attraverso i contrasti dell'amore. Con la sua vocalità inconfondibile, l’artista esplora il dolceamaro di un sentimento che, pur sfociando talvolta in «una perfetta illusione», merita di essere vissuto e assaporato in tutta la sua pienezza. Attraverso le sue liriche profonde, Battista ci insegna che ogni esperienza, ogni connessione umana e animica, costituisce un capitolo fondamentale nel libro della nostra storia personale. «Nonostante tutto è stato bello», canta con emozione palpabile, evocando gli istanti di felicità pura, gli sguardi condivisi e le promesse sussurrate, promesse che, come in un limbo tra speranza e disillusione, restano impresse eternamente, piccoli e brillanti diamanti racchiusi nello scrigno della memoria. La frase chiave del testo, «Vivere gli istanti e sopravvivere distanti», ingloba l'essenza poetica di “Stronza Emozione” e del suo autore. Questo flusso di coscienza tradotto in musica, trasmette la dualità della bellezza e del dolore nell'amore, sottolineando la capacità di vivere appieno gli attimi di gioia, pur consapevoli della loro brevità. L’intera traccia è un invito a riconoscere il valore degli incontri, indipendentemente dal lieto fine sperato, perché ciascuno di loro, è in grado di lasciare un segno unico e tangibile nella nostra anima. Le parole del brano, non sono solo un rifugio per cuori infranti, ma anche un inno alla resilienza emotiva. Battista, con la sua arte, ci incoraggia a trovare meraviglia e significato in ogni sfaccettatura dei sentimenti, anche quando questi ci conducono verso strade inaspettate. La canzone diventa così una celebrazione del coraggio di amare, di lasciarsi andare alle emozioni, di vivere ciascun momento con intensità, seppure a fronte del rischio di una delusione. "Stronza Emozione" è un messaggio di speranza, un promemoria che ci ricorda che, nonostante le difficoltà e le disillusioni, l'amore rimane una delle esperienze più elevate e arricchenti dell’esistenza umana. La maestria con cui il cantautore sardo cattura e trasmette questi concetti universali, mediante la sua voce e la sua abilità iconografica, fa di questo brano un'opera toccante, una melodia che risuona con chiunque abbia mai amato. «”Stronza Emozione”, è nato da un incontro breve ma intensamente significativo che ho vissuto con una persona davvero speciale – dichiara l’artista -. Ricordo quella notte a Bologna, un momento che si è impresso nella mia anima trasformandosi in un ricordo indelebile. È stata un'esperienza stupenda di un sentimento che non ha mai avuto modo di sbocciare pienamente, ma che ha trovato la sua espressione più pura e autentica attraverso la musica. Con questo brano, voglio testimoniare come anche le storie non portate a termine, quelle che rimangono in qualche modo incompiute, possano lasciare un'impronta indelebile nel nostro cuore». “Stronza Emozione” è un viaggio nelle profondità dei battiti e delle loro momentanee interruzioni, un’escursione tra i sospiri, i respiri e le frasi non dette ma udibili dalle orecchie del cuore, un cammino tra sensi e note in cui ogni ascoltatore può ritrovare una parte di sé, un ricordo, un'emozione vissuta. Accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Francesca Gallina e presentato in anteprima nazionale su TGCOM24, il brano si snoda sul ritmo di una melodia ricca e avvolgente, tracciando il percorso di un sentimento vissuto con intensità, ma sfumato nell'incertezza del domani. Il video, traspone sul piano visivo l'essenza del testo, catturando flashback potenti e significativi, per amplificare il messaggio della canzone e invitare gli spettatori a immergersi in un'esperienza sensoriale completa. In “Stronza Emozione”, Battista non solo canta di un amore perduto e della bellezza effimera degli incontri, ma celebra anche la resilienza dello spirito umano di fronte alle sfide emotive. Questo singolo rappresenta un piccolo capolavoro di introspezione ed espressione artistica, in cui ogni accordo ed ogni parola echeggiano con la verità dell'esperienza. Con una maestria che tocca e corrobora l'anima, Battista ci ricorda che, anche nelle nostre fragilità e nei nostri addii, risiede la forza di andare avanti, di amare ancora, di vivere pienamente. “Stronza Emozione” è un manifesto dell'amore nella sua forma più pura e complessa, un inno alla capacità dell'arte di curare e ispirare. Battista, con la sua voce unica e toccante, si conferma come uno dei cantautori più promettenti e profondi del nostro tempo, un vero poeta contemporaneo delle emozioni umane.

A più di 7 mesi di distanza dal capolavoro di anima e poesia “Prometto”, il cantautore romagnolo PlatoNico, al secolo Nicolas Neri, torna nei digital store emergendo dalle ombre di un'infanzia travagliata con "Venire dal Nulla" (Red Owl Records/Ingrooves), il suo nuovo singolo che traduce in musica un potente grido dell'anima, abbracciando tutti coloro che hanno sofferto sotto l’egida della resilienza e della rinascita personale. Questo brano, scritto dallo stesso artista scavando tra le macerie del suo passato ed i piccoli e grandi detriti lasciati sul suo cuore, non è solo un manifesto di rivalsa in chiave elettro-pop, ma si sviluppa come una confessione, un diario emotivo capace di tracciare un percorso di dolore per metabolizzarlo, superarlo e provi fine. In "Venire dal Nulla", PlatoNico si mette a nudo per offrire al pubblico uno sguardo intimo sulla sua vita, partendo dalla separazione dei suoi genitori e il rapporto conflittuale con suo padre, fino alle sfide che ha dovuto affrontare crescendo. «Son nato per questo motivo, tu non puoi capirlo», canta con tono deciso, figlio di una voce che ha ritrovato fermezza dopo essersi spezzata per troppo tempo tra i sussulti di battiti infranti. Una voce autentica che risuona di verità crude e inconfutabili, rivelando un cammino solitario attraverso un'infanzia difficile, segnata da silenzi e segreti. Con una finezza e una maturità autorale che riconfermano ed enfatizzano la sensibilità artistica che permea ogni sua release, PlatoNico esprime una profonda empatia per tutti coloro che hanno vissuto situazioni simili: bambini cresciuti troppo in fretta, privati dell'innocenza e del diritto all’ingenuità, costretti a confrontarsi con realtà adulte, complesse e disilluse. «Non giudicare chi combatte stanco e disarmato, il mio universo è troppo grande per studiarlo»: parole incise nel testo come un mantra che evocano la profondità celata dietro ogni storia di sofferenza, ricordandoci le innumerevoli battaglie, spesso invisibili, che ognuno di noi affronta nel corso della propria esistenza. Corazze costruite e poi distrutte, che poco a poco, contribuiscono a forgiare l'identità che scegliamo, quella che decidiamo di mostrare a noi stessi e al mondo esterno; quella che, giorno dopo giorno, delinea ciò che vogliamo essere per allinearsi a chi vogliamo diventare. La frase chiave del brano, «Ho un demone dentro di me, una crepa che non può guarire», è una meravigliosa ammissione di fragilità e forza al tempo stesso. Con il suo flusso di coscienza, sincero e struggente, PlatoNico accetta la lotta interiore come parte integrante del suo essere, riconoscendo che, nonostante le ferite del passato, è sempre possibile trovare la forza necessaria per andare avanti e costruire un futuro in linea con le proprie attitudini, i propri valori e le proprie passioni. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, è una rappresentazione visiva di questo combattimento interno. Il filmato, diretto da Luce Lee Josh, mostra il PlatoNico adulto che abbraccia il suo Io bambino, in un gesto di consolazione e accoglimento, promettendogli che tutto andrà bene e che, oltre il dolore, esiste la calda luce della speranza e l’ardente fiamma del riscatto. Ed è nel passaggio finale del brano, «Ho un grande sogno da raggiungere, adesso è tempo di rinascere», che viene segnato il punto di svolta. Da una narrazione di sofferenza e conflitto, sboccia il racconto commosso della rinascita, che ci invita e ci incoraggia a superare le nostre paure per poter finalmente raggiungere sogni ed obiettivi. "Venire dal Nulla" di PlatoNico è una carezza musicale in grado di sfiorare e raggiungere chiunque abbia mai sentito il peso del mondo sulle spalle. È un inno per chiunque si sia mai sentito solo, escluso, incompreso; una voce onesta per tutti coloro che hanno lottato nell'oscurità. Questo singolo è un promemoria atto a ricordarci che non importa da dove veniamo, perché possiamo sempre scegliere dove andare.... Continua a leggere

Gli è bastato "Solo un secondo (rossofuoco)" per incendiare il panorama musicale italiano, trasformando la monotonia di ciò che "Resta tutto uguale", nel groove e nel coraggio necessari per evadere da “Il mondo in una bolla”, e dopo aver impresso i contrasti dei sentimenti in “Una canzone per odiarci ancora”, il duo pisano NEIM torna nei digital store con "Parole di vetro", il loro nuovo singolo che, come un caleidoscopio di ritmo ed anima, riflette e decompone la realtà del narcisismo contemporaneo. "Parole di vetro" non è solo un brano, ma un viaggio introspettivo nella psiche umana, ispirato dall'immortale capolavoro di Oscar Wilde Il ritratto di Dorian Gray. La traccia affronta magistralmente il tema del narcisismo, dando vita ad una riflessione profonda sull'adorazione ossessiva della propria immagine e sulla conseguente alienazione emotiva da cui scaturisce una sempre più importante mancanza di empatia. «Fuori piove lacrime, non smette di ballare. Sono solo a questa festa che sembra il mio funerale», canta la band, dipingendo un quadro di solitudine in mezzo alla folla, un'immagine potente che rispecchia l'isolamento interiore nella nostra società iper-connessa. Un cammino musicale denso di sfumature emotive, che come un prisma posato su un tappeto pop-rock, rifrange la luce delle esperienze passate in un arco temporale che si muove tra presente e futuro. Il brano emerge dall'idea del producer THEGEØMETRA, al secolo Fabrizio Pagni (già per gli Zen Circus, gli Omini e molti altri), il cui beat ha ispirato i NEIM a costruire un testo capace di catturare e cogliere l'essenza della contemporaneità. «Ogni volta che resto in silenzio, esplode un temporale», sottolineano, mettendo in evidenza come, nell'era del digitale, ci troviamo a fronteggiare i nostri demoni interni, mentre all'esterno manteniamo un'immagine perfetta e inalterata, proprio come il Dorian Gray di Wilde. «Meglio morire in autunno che sopra un letto di cera»: nel simbolismo di una stagione spesso associata al cambiamento e alla maturità e fine, la morte assume un’accezione naturale, accettata e persino bella, in netto contrasto con una fine artificiale o prematura rappresentata dalla cera, da tutto ciò che può essere modellato, manipolato e non autentico. Con questa frase poetica e intensissima, i NEIM suggeriscono l’importanza di preferire un'esistenza autentica e significativa, anche se può comportare la fine, rispetto ad una vita prolungata ma priva di sostanza e verità. E nell’evocativo passaggio «ho la pelle come un rettile, e mordo come un cane», il duo si avvale di potenti metafore animali per richiamare istantaneamente immagini di freddezza e durezza, simboli di quella impenetrabilità emotiva che troppo spesso contraddistingue il nostro tempo. Con questa scelta stilistica, i NEIM ci ricordano come, nella società moderna, si tenda a rifugiarsi dietro corazze di apparente aggressività, in una sorta di difesa preventiva atta a celare la meravigliosa vulnerabilità che abita ciascuno di noi. Questo verso, così potente ed emblematico, racchiude la complessa interazione tra la necessità di proteggersi e il desiderio innato di esprimere sinceramente i propri sentimenti, simboleggiando la duplice natura dell'essere umano, che continua a costruire muraglie emotive e al contempo a reagire, anche aggressivamente, se ferito o provocato. Per tutta la durata del brano, le parole, scelte con una minuzia impeccabile, creano una dimensione visiva cristallina, trasmettendo con cruda raffinatezza l’ambivalenza dei sentimenti. "Parole di vetro" è un traslato dell'epoca social in cui viviamo, dove ognuno di noi ha il proprio "quadro" nascosto nelle varie piattaforme online, un dipinto che rimane giovane e immacolato, mentre noi avanziamo inesorabilmente nel tracciato della vita. «E sullo specchio scrivevo, di nero, parole di vetro. Ero sincero, credo…», cantano i NEIM, suggerendo come, dietro la facciata dell’apparenza, ci sia un'anima che cerca disperatamente autenticità. Questa release è un dialogo a cuore aperto con l'ascoltatore, un invito a riflettere su noi stessi e sul nostro posto in un mondo in cui l'immagine è tutto, ma l'essenza rimane nascosta. I NEIM, con la loro maestria musicale, ci conducono in un'esplorazione del fulcro dell'era moderna, un'epoca caratterizzata da bellezza effimera e verità nascoste. Nel loro nuovo singolo, il duo rivela come, nonostante le apparenze luccicanti e le promesse seducenti dei tempi attuali, spesso ci troviamo di fronte ad una realtà celata dietro “Parole di vetro” fragili e trasparenti, mostrando la nostra incessante ricerca di verità in un mondo sempre più artificioso.

In un mix di innovazione, talento e sperimentazione, l'ecletticə hetra pubblica il suo primo EP ufficiale, "2019 Benvenuta sul pianeta Terra", un progetto di sette tracce che ridefinisce i confini della musica, portando nel panorama italiano un sound unico ed un messaggio potentissimo. "2019 Benvenuta sul pianeta Terra" si snoda come un viaggio tellurico in cui le canzoni diventano gli occhi di hetra: una visione sincera e preoccupata su un mondo in bilico, costantemente sull'orlo di un cambiamento ormai irreversibile. Composto dai quattro brani chiave "Atlantide", “Bee BOOP”, "C.A.S.A. ON FAYA", e "M!$$ ₽LA$T1K@" e da una intro (“Qui hetra”) e un outro (“Dedica all’ignoto”) che delineano l'intera esperienza sonora in una narrazione coerente, avvincente e stratificata, l'EP è nato in un contesto di grande trasformazione e incertezza. La sua genesi ed evoluzione si sono svolte durante i travagliati lockdown pandemici, un periodo in cui le dimensioni fisiche e virtuali della realtà si sono fuse in un tumultuoso intreccio. Questo periodo storico unico e complesso, ha portato alla nascita di un'opera che riflette e scompagina la nostra quotidianità. Con l'isolamento forzato e la dipendenza da piattaforme come Zoom, TikTok e Instagram, gli algoritmi del web hanno intensificato le bolle di filtraggio, generando nuove armature, nuove immagini, nuovi suoni, e una metarealtà dove convergono l'isolamento, la super democrazia dei social, l’ipercondivisione, l'isterismo di una routine frenetica e i sussulti emotivi del riscaldamento globale. Un contesto febbrile ed in costante mutamento che ha influenzato profondamente la creazione dei quattro brani del disco, ciascuno dei quali riflette un immaginario distinto, dove generi e sonorità si fondono in un racconto convulso e fluido, figlio della pandemia. L’EP di hetra si fa così cronista di una crisi planetaria multisfaccettata, in cui si intrecciano quella terrestre, quella climatica, quella pandemica, quella antropocentrica, e, prima di ogni altra, quella identitaria e mentale. Questi sconvolgimenti tangibili ed interni, si contaminano a vicenda, creando un incessante dialogo tra dicotomie che sovrappone realtà digitale e fisica dando vita ad isterie sistemiche. Caratterizzato da una natura mutante e intersezionale, “2019 Benvenuta sul pianeta Terra” tratta argomenti che spaziano dal personale al globale, analizzando senza filtri tematiche quali l'ecologia, l'ecotransfemminismo, l'antispecismo, gli studi decoloniali, gli studi queer, la comunicazione e la salute mentale. Questi temi scorrono in modo naturale tra pennellate sfumate di realtà, creando un tessuto narrativo che riflette la complessità della crisi contemporanea e la necessità di un nuovo linguaggio per raccontarla. «La nascita di questo EP è stata un'odissea creativa – dichiara hetra -, iniziata nel cuore della pandemia. Ha preso forma nei singhiozzanti lockdown, un periodo in cui la realtà fisica si è intrecciata indissolubilmente con quella virtuale. Questa fusione ha sovvertito ogni aspetto della nostra quotidianità. Durante il primo lockdown del 2020, gli algoritmi digitali hanno intensificato le bolle di filtraggio in cui eravamo confinati, dando vita a nuove armature di percezione, nuove immagini e nuovi suoni. Questo ha creato una sorta di metarealtà, dove si mescolavano isolamento, piattaforme social con la loro iperdemocrazia, il fenomeno del food delivery, le chat di gruppo, l'ipercondivisione sociale, l'isterismo e il riscaldamento globale. Questo caos apparente ma più vivido che mai, si riflette nelle canzoni del mio EP, che considero vere e proprie “figlie della pandemia”. Ognuno dei 4 brani che compongono il disco, presenta un proprio immaginario distinto, con generi e sonorità che si fondono in un racconto unico, fluido e isterico. È stato un viaggio profondo e trasformativo, che ha plasmato l’inizio della mia arte e la mia espressione». All’interno di “2019 Benvenuta sul pianeta Terra”, hetra mostra uno spaccato drammaticamente realistico con la finezza e l’eclettismo che la contraddistinguono sin dalla sua prima release. I livelli di inquietudine e smarrimento odierni si inquinano, sporcano, e sfumano tra loro, mescolandosi e ritrovandosi in un continuo, discontinuo scambio. Tutto si pone su piani mobili, che traslano da micro a macro storie e viceversa. L’obiettivo dell’artistə, è quello di portare nel panorama pop argomenti di rilevanza collettiva a livello universale, tematiche che difficilmente vengono trattate all’interno di progetti discografici. La sua volontà, è quella di generare un dibattito volto a formare una comunità unita da valori e visioni comuni. hetra vuole sviluppare uno sguardo critico insieme a tutti coloro che decideranno di unirsi a questo percorso. Con il suo EP d’esordio, hetra non si limita a farci riflettere sulla parte drammatica della realtà, ma desidera anche arricchire il nostro sguardo di meraviglia verso il pianeta blu, ormai esausto, ma sempre accogliente per l’essere umano e ricolmo di incanto. «Cerchiamo alieni in galassie lontane attraverso l’immaginazione – conclude hetra -, quando tutto quello che serve per meravigliarci è qua, insieme a noi. Dobbiamo imparare la lingua del fuoco, dove l’ossigeno si consuma, dove scorre il sangue, dove la luce investe. Dobbiamo imparare a convivere in una dimensione in rapida trasformazione. Un mondo in cui danzare veloci assieme al calore che aumenta, al paesaggio che muta e al futuro che germoglia. Dobbiamo diventare ambasciatori delle fiamme. Fuoco-nauti custodi del globo terraqueo, composti da polvere di stelle e fuliggine terrestre». "2019 Benvenuta sul pianeta Terra", è accompagnato da uno spettacolare videoclip ufficiale, un vero e proprio cortometraggio di 17 minuti presentato in anteprima nazionale su Sky TG24. Il corto, offre una cornice visiva in grado di incapsulare l'essenza dell'intero progetto all'interno della dimensione domestica, un luogo che per molti è diventato il nucleo della vita quotidiana durante la pandemia di COVID-19. Nel film, l'alienazione sociale e identitaria si manifestano attraverso la figura di un'aliena dall'aspetto umano che si muove all'interno degli spazi casalinghi. La casa, in questo contesto, assume nuovi significati, diventando al tempo stesso rifugio e campo di battaglia, un luogo di familiarità e straniamento, un crocevia tra realtà e virtualità. In questo scenario, la dimora si trasforma in uno spazio di conflitto e riflessione, sia a livello individuale che globale. Ogni suono del cortometraggio, risuona con intersezioni e nuance complesse, rendendo audibile e fortemente percepibile la complessità della realtà in cui viviamo. Il corto crea un ponte sonoro tra le esperienze personali e le sfide planetarie che affrontiamo ogni giorno. “2019 Benvenuta sul pianeta Terra” è molto più di un semplice EP: è un manifesto, una mappa sonora di un mondo in rapida e continua trasformazione, un invito a guardare la realtà con occhi nuovi e a riflettere sul nostro ruolo in un pianeta che, nonostante le sfide, continua ad offrirci meraviglie, incanto e vita. A seguire, tracklist e track by track del disco: “2019 Benvenuta sul pianeta Terra” – Tracklist:  1. Qui hetra 2. Atlantide 3. C.A.S.A. ON FAYA 4. Bee BOOP 5. M!$$ ₽LA$T1K@ 6. Dedica all’ignoto “2019 Benvenuta sul pianeta Terra” – Il disco raccontato dall’artistə: Qui hetra è un preludio alla scoperta della mia nuova identità terrestre, un viaggio che inizia dal pianeta hetra-12 e approda sulla Terra, ora divenuta la mia casa. Atlantide evoca una Venezia futuristica sommersa, simbolo di un rapporto lacerato tra l'uomo e la natura, ma anche una metafora potente sulla convivenza con la depressione. C.A.S.A. ON FAYA è un grido di ribellione e un manifesto ecofemminista, dove le foreste di California, Amazzonia, Siberia e Australia si levano contro l'indifferenza politica, in un richiamo alla resilienza e alla rinascita. In Bee BOP, affronto tematiche di colonialismo e specismo, in un contesto di discoteca dorata dove si mescolano oro, miele e fumo. Da una parte è una presa di posizione e responsabilità contro i crimini causati dall’Europa bianca verso le popolazioni native americane, dall'altra è denuncia contro il privilegio di specie dell’essere umano sulle api. Inoltre è un omaggio al musicista afroamericano Bebop Charlie Parker. M!$$ ₽LA$T1K@, è una satira feroce sulla vetrinizzazione della società, una critica al capitalismo e all'egemonia plastica che domina le nostre vite. Il viaggio si conclude con Dedica all’ignoto, un pezzo che riflette sui tempi incerti e sfuocati che ci attendono, un invito a comprendere e abbracciare il cambiamento.... Continua a leggere

Dopo un silenzio musicale lungo quasi un decennio, la celebre cantautrice, formatrice e content creator italo-americana HeLLeR fa il suo come back sulle scene con "AMA", il suo nuovo singolo che ha tutte le carte in regola per rivoluzionare profondamente il concetto di canzone nel panorama discografico nazionale. In un'epoca in cui l'amore verso se stessi viene spesso frainteso come sterile egoismo, HeLLeR ci ricorda che volerci bene è il primo imprescindibile passo per amare gli altri, perché come in ogni ambito dell’esistenza, siamo in grado di donare solo ciò che possediamo, e chi è privo di amore nei propri riguardi, lo sarà anche in quelli altrui. Senza la capacità di amarci, ci limiteremo ad elargire attenzioni e gentilezze, meri palliativi di quell’immensa ricchezza che caratterizza l’amore autentico. Ed in questa società frenetica, sempre più incline a favorire la competizione alla cooperazione e a promuovere l’individualismo a discapito della solidarietà, HeLLeR punta il focus sulla sempre più crescente incapacità di apprezzarci a fondo, in tutte le meravigliose peculiarità che ci contraddistinguono e ci rendono tutti, senza distinzione alcuna, unici e interconnessi. Qualità preziose, che solamente se condivise e messe al servizio del miglioramento personale e collettivo, possono trasformare l'intera concezione di individualità, rendendola un potente strumento universale in grado di arricchire la società intera attraverso la singola specificità. «Spesso – dichiara l’artista -, non ci rendiamo nemmeno conto di non volerci bene. Magari pensiamo di farlo quando affermiamo di metterci al primo posto, ma in realtà, stiamo solo dando sfogo a differenti forme di egoismo e non di sano amor proprio. In amore tutto è equilibrato, e non dovremo mai scegliere tra la nostra felicità e quella di qualcun altro, perché costruendo la nostra, ne avremo senza alcun dubbio da offrire anche agli altri». Attraverso liriche triggeranti e sonorità evocative, HeLLeR dà vita e voce ad un vero e proprio vademecum per innamorarsi di se stessi, una guida sottoforma di anima e note che la stessa artista ha fortemente voluto rendere fruibile, reperibile e condivisibile da chiunque, motivo per cui ha scelto di tornare sulle scene dopo un lungo periodo di assenza. «Sono solita dire che se non investiamo in qualcosa, tendiamo a non dargli il giusto valore – prosegue HeLLeR -, ma in questo caso, ho attinto ad uno strumento completamente gratuito, fruibile ed accessibile a chiunque come la musica, proprio per far capire che si tratta esclusivamente di una nostra suggestione mentale che le cose che non paghiamo profumatamente hanno meno valore di quelle per cui spendiamo molto. Ci sono cose nella vita che hanno un valore inestimabile e per le quali non dobbiamo pagare nulla, e l'amore ne è l'esempio principe, l’emblema perfetto. Un tesoro inestimabile a cui ciascuno di noi deve poter accedere liberamente. Mi auguro che questo brano entri a far parte di quello che, pur non avendo un prezzo, racchiude un immenso valore, trasmettendovi l'effettiva importanza di amarvi». Un amore verso se stessi, quello diffuso e promosso da HeLLeR, che non si identifica con la mera accettazione della propria condizione di vita, che non si nasconde dietro ad una maschera, ad un velo di Maya volto a celare le aree di miglioramento personali, ma al contrario ci invita ad apprezzarci dal profondo per incoraggiarci ad evolvere e progredire, giorno dopo giorno. Una pillola musicale che cura e rafforza l'anima, un’iniezione animica di fede e fiducia in se stessi che rivela la straordinaria potenza di ogni forma d’amore sin dalla sua genesi. La storia di "AMA", infatti, ha caratteristiche incredibili: «tutto è nato durante l’estate – spiega l’artista, concludendo - da una bancarella di vecchi vinili dipinti a mano sul lungo mare della Grecia tinto dagli incantati colori della Blue Moon. Volevo concretizzare questa idea che ho nel cuore da anni sancendola con un gesto concreto, e ho deciso di partire da lì, creando la cover del singolo e facendola apporre su un vecchio vinile. L’artigiano che realizza questi cover up, sceglie in maniera del tutto casuale i dischi su cui realizzarli, e senza sapere nulla sul mio brano e sul suo significato, anche per una questione linguistica, per un’incredibile “coincidenza” ha scelto di dipingere la copertina del mio brano su un disco il cui titolo era "Love"». "AMA", la cui cover raffigura il volto di profilo di HeLLeR in un disegno magistrale che lo rende osservabile e riconoscibile da qualsiasi angolazione, riflette questa simmetria nel titolo palindromo, incarnando perfettamente il significato dell’amore, che fluisce in entrambe le direzioni, dentro e al di fuori di noi. Il videoclip ufficiale che accompagna la traccia, presentato in anteprima ai media durante un’esclusiva conferenza stampa internazionale, è una celebrazione dell'amore, della gratitudine e della bellezza in ogni sua sfaccettatura. HeLLeR ha infatti coinvolto i suoi followers e chiunque condivida la sua visione, invitandoli a partecipare cantando il brano in playback. Questa collaborazione, ha dato vita ad un video straordinario, un caleidoscopio di disegni, immagini e frame sorprendenti che catturano l'essenza dell'amore. La clip si articola in 4 step: 1. Percezione del momento presente 2. Percorso per arrivare ad amare se stessi 3. Traguardo di gratitudine piena raggiunto grazie alla conquista dell'amor proprio 4. Il corale e l’OM aggiunto in chiusura a 432hz, volto a riconciliarsi con l’armonia universale. Il concetto di equilibrio tra le energie è magistralmente rappresentato attraverso il simbolismo del Tao, yin e yang, con le tre fasi di Regina Bianca, Regina Nera e Regina dell'Universo, ognuna delle quali appare su uno sfondo distintivo, creando così un'armonia visiva che riflette quella tra le forze. “AMA” dimostra che queste tematiche, profonde e potenzianti, quando condivise, possono avere un impatto ancora più profondo di tutte le influenze negative che quotidianamente assediano i nostri sensi e le nostre menti. Per la cantautrice italo-americana, questo non è un semplice come back alla musica, ma l’espressione di un ritorno all'amore e alla gratitudine, sentimenti a cui, in oltre 10 anni nel mondo dello show-biz e dei social, ha sempre dato voce. “AMA” di HeLLeR è qui per guidarci attraverso una straordinaria rivoluzione di emozioni, consentendoci di ritrovare l'amore per noi stessi e condividere questa gioia con il mondo.

Proprio “Come una stella” che illumina quel “L’invisibile che è in te” insito in ciascuno di noi per ricordarci che “Siamo Noi” e soltanto noi gli artefici del nostro destino, la cantautrice varesotta classe 1994 Akire, torna nei digital store con “Voce che mi chiami” (Greys Production), il suo nuovo singolo. Scritto dalla stessa artista a quattro mani con il pianista, tastierista e compositore Andrea Cipriano – che ne ha curato anche gli arrangiamenti -, il brano è un tuffo emozionale che penetra l'anima, un invito sentito ad esplorare le profondità della propria essenza. Akire, che nel suo percorso in musica ha saputo toccare le corde più intime del cuore attraverso l’intreccio di testi fortemente ispirazionali a melodie che magnetizzano l'attenzione, e grazie ad un'interpretazione vocale che accarezza i sensi con eleganza e dolcezza, fa il suo ritorno sulle scene con una testimonianza della sua crescita artistica e personale, un’evoluzione che si riflette in ogni nota e in ogni singolo passaggio del testo. La voce interiore, rappresentata dal mantra che dà il titolo al pezzo, "Voce che mi chiami", diventa protagonista di tutta canzone, suggerendo all'artista di seguire ambizioni e aspirazioni e di essere autentica, anche se la stessa Akire esprime dubbi ed esitazioni sulla possibilità di ascoltarla. Questo conflitto animico è un tema chiave del pezzo, che riflette le sfide e le paure che molti giovani affrontano quando cercano di realizzare i loro obiettivi. Ma dall’atmosfera malinconica ed autosabotante in cui veniamo immersi in apertura - «mi faccio un caffè e penso che questa vita non fa per me» -, “Voce che mi chiami” ci invita ad aprire le porte dell’animo alla fiducia in noi stessi nella seconda strofa - «ce la farai allora, fidati di me» -, conducendoci infine a riprendere in mano le redini nel rodeo della nostra vita, ricordando a ciascuno di noi di «non vivere di rimpianti» e di «non avere paura di fallire, che quel che immagini si avvererà». La ripetizione di frasi come «voce che mi prendi» e «mi piaci così», indica un desiderio di accettazione e di sentirsi a proprio agio con se stessi, indipendentemente dagli ostacoli che possono sorgere lungo il percorso del cambiamento. Un dialogo interiore sincero e profondo, un confronto senza maschere con la parte più intima di sé, in cui Akire dichiara a se stessa il desiderio di seguire la propria passione per dedicarsi a ciò che ama, abbandonando una vita che non la soddisfa e non la rappresenta. “Voce che mi chiami” è un richiamo all'autenticità, alla ricerca del proprio destino e del proprio scopo nella vita. Un brano che echeggia nella mente e dà voce al cuore di chiunque si sia mai sentito intrappolato in una routine che non rispecchia i propri sogni. Un viaggio attraverso le parole di Akire e un viaggio dentro di noi stessi, alla ricerca del coraggio di seguire i nostri sogni e abbracciare il cambiamento. In un mondo affollato di suoni e distrazioni, Akire emerge con un invito all’attenzione nei confronti di se stessi, un richiamo a seguire la voce interiore che a volte sussurra, altre urla, ma sa sempre guidarci verso l'autenticità e la realizzazione personale. Akire ha trovato la sua voce, ed è il momento che ognuno di noi trovi la propria. Non vivete di rimpianti, non abbiate paura di fallire, perché quel che immaginate si avvererà. La vostra voce vi chiama, è ora di rispondere al suo richiamo.... Continua a leggere

Il brillante cantautore pop-rock bresciano d’adozione mantovana MØRELESS, al secolo Davide Cotrone, fa il suo ingresso nel panorama musicale italiano con "Vivo a Metà" (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), il suo primo singolo ufficiale che incarna perfettamente il senso di ribellione nei confronti di una monotonia soffocante. “Vivo a Metà” è un richiamo all'azione per chiunque si senta intrappolato tra le pareti di una routine stagnante, un grido di sfida verso le imposizioni della società moderna, una società sempre più febbrile e frenetica ma, al contempo, ferma nella sua staticità evolutiva. Il brano, prodotto dal tocco magistrale di Luca Bottoli per l’Artist Development di Cosmophonix Production, esprime con energia e passione il desiderio bruciante di un’intera generazione: liberarsi dalle catene di un’esistenza imposta che tende e rendere ciascuno dei suoi componenti uniformato - «ben vestito e pettinato» -, per inseguire finalmente i propri sogni e le proprie inclinazioni. Evocando vivide immagini di una vita vissuta solo a tratti, la traccia è un'espressione potente della ricerca di un'identità autentica e della volontà di vivere pienamente ogni battito al di là di tutti quei momenti di stallo e smarrimento che attanagliano l’anima in una morsa di dubbi e incertezze - «guardo al futuro ma non vedo niente, è solo un altro giorno che se ne va» -. Con un'interpretazione intensa e coinvolgente, capace di affascinare sin dal primo ascolto, MØRELESS descrive la necessità impellente di porre fine a questo ciclo ripetitivo e inconcludente, facendoci riflettere sull’importanza di assaporare ogni singolo istante che ci viene concesso. «La mancanza di fiducia nel futuro e il rifiuto della mia generazione di accettarlo come destino inevitabile, hanno acceso in me la scintilla creativa per “Vivo a Metà” – dichiara l’artista -. Questo brano riflette l'esistenza in un loop di impegni non scelti, un ciclo da cui sembra impossibile liberarsi. Parlando di me stesso e di tutti coloro che condividono queste sensazioni, voglio inviare un messaggio potente: è sempre possibile esplorare nuove strade e inseguire i propri sogni. Questa canzone è un invito a non accontentarsi, a sfidare lo status quo e a trovare il coraggio di vivere una vita piena, non a metà». Influenzato dal pop-punk-rock dei primi anni 2000 di band come Linkin Park, Blink 182 e Green Day, MØRELESS sceglie di affrontare per il suo debutto temi profondi e universali, come l’autoscoperta, l’incertezza sul futuro e l’incapacità di immergersi completamente nel presente, dettata dalla frenesia contemporanea. Il suo obiettivo è quello di dar voce a chi si sente intrappolato nella routine, incoraggiando la ricerca di nuove esperienze e la realizzazione dei propri obbiettivi. "Vivo a Metà" non è solo un brano, ma l'espressione di un cantautore poliedrico e sensibile che, attraverso la potenza emotiva e il sound accattivante delle sue release, punta i riflettori su una generazione, la sua, costantemente in bilico tra passato, presente e futuro - «un altro giorno uguale a ieri, oggi proprio non fa, sono bloccato nel loop della mia storia» -. Grazie all'incorporazione di liriche incisive e melodie coinvolgenti, MØRELESS si fa portavoce di chi cerca di trovare la propria strada in un mondo in rapido e costante evoluzione. "Vivo a Metà", rappresenta in riff e anima un messaggio di speranza, resilienza e incoraggiamento. Con questo primo assaggio del suo universo artistico, MØRELESS si posiziona come una delle voci emergenti più promettenti della scena pop-rock italiana. La sua capacità di coniugare melodie di ribellione a testi significativi, profondi e ricolmi di significato, preannuncia una carriera ricca di successi e di brani capaci di toccare il cuore e la mente di un pubblico vasto e diversificato, un pubblico pronto a rompere le catene dell'ordinarietà cessando di sentirsi “Vivo a Metà”.... Continua a leggere

Arianna Chiara, la cantautrice milanese che ha ipnotizzato pubblico e critica con il suo talento eccezionale e la sua voce unica, torna in radio e nei digital store con "La stessa cosa" (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), brano che segna una svolta significativa nel suo viaggio di anima e note. Dopo aver conquistato gli ascoltatori con le prime due release, "Se non ricordo" (di cui vi abbiamo parlato qui) e "Il sapore delle fragole", ed aver raggiunto le fasi finali del Festival di Castrocaro e le semifinali del prestigioso Premio Lunezia nel 2023, Arianna Chiara riconferma un’autenticità versatile affacciandosi a nuovi orizzonti musicali. Prodotto dall’abilità creativa di Luca Bottoli per l’Artist Development della Casa di Produzione multiplatino mantovana Cosmophonix, “La stessa cosa” nasce dalla riscrittura di un pezzo che la cantautrice classe 2002 aveva conservato in un cassetto: con il passare del tempo e l’evoluzione personale e professionale di Arianna Chiara, la traccia ha preso nuova vita, fluendo in un'espressione più matura e definita, sia sotto il punto di vista testuale che sonoro. La melodia malinconica e nostalgica del brano, è stata impreziosita da un sound meticolosamente curato, che avvolge le parole incisive e suggestive che lo compongono. La produzione, moderna e sofisticata, fonde il classico al contemporaneo, creando un'armonia distintiva che intreccia egregiamente il soul all’urban. «“La stessa cosa” è il terzo brano che scrivo – dichiara l’artista -, primo in collaborazione con Cosmophonix. È passato un po’ di tempo dall’uscita del mio ultimo singolo, e ho cercato di sperimentare per definire sempre di più il mio sound. Questa release nasce dalla riscrittura di un pezzo che avevo nel cassetto da un po’ di tempo, ma a cui sapevo che mancava qualcosa: ho mantenuto alcuni dei suoi elementi precedenti, ma lavorando a testo e melodia, si è trasformato pian piano in quello che potete ascoltare oggi». Un ascolto che cattura orecchie e cuore sin dai primi istanti e che offre una duplice accezione interpretativa. A primo impatto, infatti, si viene istantaneamente condotti nella narrazione di una storia d’amore giunta al capolinea, una relazione arrivata al suo epilogo in cui i protagonisti cessano di riconoscersi l'uno nell'altro, ma ad una più attenta analisi, ci si ritrova immersi nel concetto di dualità interiore, dove i protagonisti del racconto mutano improvvisamente, assumendo le sembianze di due versioni di Arianna Chiara, una passata ed una attuale; due lati opposti ma complementari che guardandosi dritti negli occhi, non si riconoscono più. Questa profonda introspezione, è catturata magistralmente nel verso «Ho messo sogni in un cassetto, in questo specchio solo un riflesso, ma stamattina sembro un'altra, come una bimba sopra una giostra» e nella copertina del singolo, che con il suo simbolico riflesso nello specchio, esprime visivamente la dualità e l'accettazione del cambiamento. «”La stessa cosa” può sicuramente essere interpretato come il racconto di una storia d’amore che giunge al capolinea – prosegue Arianna Chiara, concludendo –. Ma c’è un secondo significato, il mio personale, che è l’espressione della mia dualità: i protagonisti di questa storia, non sono altro che le due visioni che ho di me stessa, una presente e una passata, due versioni che non è stato semplice combinare e far coesistere. “La stessa cosa” parla della consapevolezza di essere cambiati e del continuare a cambiare. Scriverlo, mi ha permesso di capire che le due prospettive di me non sono per forza in contrapposizione, ma anzi si sostengono, si guardano, e devono imparare ad accettarsi, perché entrambe, allo stesso modo, hanno contribuito a definire nella sua interezza la mia identità». Con questo brano, Arianna Chiara non solo dimostra la sua eccellenza come cantautrice, ma anche la sua capacità di fondere sonorità classiche ad uno stile contemporaneo, dando vita ad una cifra stilistica unica e riconoscibile. "La stessa cosa" non è solo un brano, ma un invito alla riflessione sull'importanza di accettare il cambiamento, un cambiamento che non va ostacolato, ma abbracciato come parte fondamentale del proprio percorso. La canzone ci sussurra che, anche se a volte possiamo sentirci come se non fossimo più “La stessa cosa”, il nucleo della nostra essenza rimane intatto, trasformandosi e adattandosi come le melodie di un brano che evolve, ma non perde mai la sua armonia originale. “La stessa cosa” è un manifesto che celebra il nostro viaggio di crescita e trasformazione. Arianna Chiara ci invita ad amare ogni fase del nostro essere, accogliendo ogni cambiamento come una nota indispensabile nella sinfonia della nostra vita. Ascoltando questa traccia, ci rendiamo conto che, pur cambiando, anche quando fatichiamo ad accorgercene, siamo sempre noi stessi, sempre “La stessa cosa”, ma in continua evoluzione.... Continua a leggere

È uno dei cantautori più ironici, graffianti, dissacranti e al tempo stesso sensibili e poetici della scena italiana e dopo aver collezionato più di 500.000 streams con i brani “PERCHÉ NO?”, “KATAFRATTO” e “Giacomo Giacomo”, Ganassa torna nei digital store con “Anice” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che si distingue come un inno alla vita, all'amore e alle sue complessità. Una fresca brezza di originalità e profondità che mescola sapientemente umorismo, introspezione ed un'acuta osservazione della realtà, e che nell’abilità iconografica del suo autore, colora su una produzione attualissima dai tratti indie-pop - curata da Alejandro Zannoni e Francesco De Rosa - un quadro sonoro in cui le parole ballano su un dancefloor emotivo alla ricerca di una soluzione, di una via di fuga da un presente che stenta a soddisfare. Un dialogo diretto con i propri desideri più intimi, in cui Ganassa dipinge pennellate di realismo e speranza, facendosi portavoce di sentimenti universali. Nel crescendo musicale e lirico di "Anice", il cantautore milanese cattura immediatamente l'attenzione dell'ascoltatore, dimostrando una maturità artistica notevole e una straordinaria capacità di esprimere emozioni complesse con naturalezza e immediatezza. La frase chiave «Voglio morire giovane, il più tardi possibile», cantata con un tocco di malizia, cela in sé un significato molto profondo. Queste parole fluiscono da una meditazione sulla transitorietà dell'esistenza e sul desiderio bruciante di sfruttarne ogni respiro come fosse l’ultimo anelito; una riflessione sulla fugacità della vita e sulla sete di viverla appieno che cattura l'essenza di una generazione che sfida il tempo, una generazione affamata di vita ma consapevole della sua labilità. Ogni passaggio del testo esprime eccellentemente la scrittura evocativa di Ganassa: dal «ti bacio però scotti, ma non sei la mia tazza di tè» che unisce una metafora passionale al celebre modo di dire britannico “It’s not my cup of tea” per esprimere incompatibilità emotiva e mancata connessione - rappresentando egregiamente come le relazioni possano essere complicate e contrastanti -, sino alla dualità poetica e quasi malinconica del ritornello - «ma queste notti, andiamo insieme a farci rubare i colori, tu sei bella pure in bianco e nero» - che simboleggia l'idea di perdere una parte di sé stessi o della propria energia in un rapporto di coppia, l’artista trasforma ogni strofa in un affresco di vita quotidiana, invitandoci a riflettere sul nostro percorso, sui nostri sogni e sul significato dell'amore. Le sue parole risuonano con forza, e nel verso apparentemente ironico e leggero «nelle coppie di brutti c’è più amore che tra Kim e Kanye West», si evince una capacità di guardare oltre le apparenze degna di nota, una celebrazione dell’autenticità e della profondità dei sentimenti reali che supera la caducità di quelli idealizzati e superficiali molto spesso idolatrati dai media. Le metafore audaci diventano per Ganassa il miglior veicolo del suo messaggio, quello in cui l'amore si veste di verità senza filtri, sfidando le convenzioni sociali e le aspettative. Questo brano è un viaggio attraverso sentimenti contrastanti, dove la malinconia si incontra con la speranza, e l'amarezza con la dolcezza, proprio come il gusto distintivo da cui prende il nome. “Anice” è un invito a guardarsi dentro per scoprire la bellezza nascosta anche nelle esperienze più dolorose, un manifesto di vita che grazie al talento autorale e interpretativo di Ganassa converte i pensieri scomodi in un dipinto allegro, un talento che lo contraddistingue come uno degli artisti più intriganti ed emblematici del panorama musicale italiano. In “Anice”, Ganassa non solo svela il suo cuore artistico riconfermando la sua abilità di intersecare l'ironia con la sensibilità incapsulandole in una produzione musicale d'avanguardia, ma ci conduce in un cammino emotivo che riflette la sua continua evoluzione come cantautore. Con questo singolo, emerge non solo come un narratore di storie ma anche come un esploratore delle sfaccettature dei sentimenti umani. Attraverso le sue liriche penetranti e la musica evocativa, “Anice” si configura come un brano imperdibile per chiunque apprezzi la musica che va oltre il semplice intrattenimento, diventando un'esperienza che arricchisce l'anima e rimane impressa nella mente e nel cuore. È una finestra sul mondo interiore del suo autore, un mondo in cui ogni ascoltatore può trovare echi della propria vita. Un'esperienza unica che intreccia musica, poesia e realtà in un modo unico, un percorso di introspezione e scoperta che ci invita a cogliere e ad assaporare tutti i gusti della vita. L’artista presenterà il brano sul prestigioso palco del Circolo Arci Bellezza di Milano (Via Giovanni Bellezza, 16/A) il prossimo 16 Dicembre alle ore 21.00.... Continua a leggere

Dopo aver emozionato il pubblico e la comunità LGBTQ+ di cui è portavoce sin dal suo esordio con "Io sono unico", brano-manifesto che si erge come testimonianza del suo attivismo contro ogni forma di discriminazione, Jack Scarlett torna a scavare a fondo nell’animo umano con "Discorsi a metà" (Top Records), il suo nuovo singolo che esplora l’amore attraverso la lente della nostalgia e del rimpianto. In questo piccolo capolavoro acoustic-pop scritto a quattro mani con Alessandro Piumelli, il cantautore romano d’adozione milanese la cui mission si riassume nel motto “La nostra unicità è il nostro vero super potere”, cattura l'essenza dell’amore in un’ineccepibile narrazione intrisa di profondo rispetto per la sua natura effimera, dando voce ai silenzi e a quei dialoghi interrotti che diventano battiti lenti, aritmici e sospesi, incatenati tra i frammenti di un cuore infranto. Dipingendo tra le note la malinconia e il doloroso ricordo di ciò che è stato, con la rassegnazione verso un sentimento che, pur vibrando puro e radioso, si rivela inafferrabile e fugace, Jack Scarlett converte in musica una suggestiva riflessione sulle sfumature più oscure delle relazioni, spesso trattate con leggerezza e superficialità, che nel brano assumono un significato molto intenso. L’introspezione si traduce in un'opera intima che indaga le profondità emotive dell'amore, andando oltre la superficie luminosa spesso rappresentata nella musica leggera, per toccare le zone nascoste e dolenti di questo sentimento dal valore e dall’accezione universali. Jack affronta temi come la frustrazione, l’interdipendenza e l’arrendevolezza dinanzi ad una realtà differente rispetto a quella sperata con la cruda sincerità che deriva dalla consapevolezza, offrendo agli ascoltatori uno sguardo autentico e privo di edulcorazioni sulle sue esperienze personali e su tutte le emozioni che ne derivano. Il viaggio di Jack attraverso queste emozioni si riflette nella composizione stessa del brano, in cui ogni nota, ogni pausa ed ogni parola si carica di verità, evidenziando al tempo stesso fragilità e coraggio, perché essere fragili non collima con l’essere deboli, bensì con il coraggio di mostrarsi al mondo senza filtri, spogliati da maschere e corazze che troppo spesso indossiamo per difenderci, dagli altri, ma soprattutto da noi stessi. «Questo brano rappresenta un pezzo doloroso del mio cuore – dichiara il cantautore classe 2000 -, un pezzo che ho custodito a lungo prima di riuscire a svelare. La mia visione dell’amore, qui filtrata attraverso una lente oscura e malinconica, mi ha permesso di dar voce ad un tormento silenzioso e assordante, un tormento che per troppo tempo mi ha tenuto ingabbiato in me stesso e mi ha fatto cercare rifugio nel silenzio. Il brano è dedicato al mio ultimo compagno, la persona che più mi ha amato, ma anche quella che mi ha lasciato con il cuore spezzato. “Discorsi a metà” è la mia confessione più intima e la mia sfida più grande». Una confessione che trova ascolto, riparo e sollievo sul tappeto sonoro cucito ad hoc dall’abilità creativa di Paolo Paone (già per Irama, Emma Muscat, GionnyScandal, Valerio Mazzei, Mose e molti altri) e che nella sfida personale di Jack, ha raggiunto la sua espressione massima solo dopo mesi di intenso lavoro in studio. Un processo di trasformazione armonica, ma soprattutto personale, un cammino di consapevolezza e maturazione che ha consentito all’artista di modellare con precisione non soltanto la resa finale del pezzo, ma prima di ogni altra cosa, le tappe di un itinerario evolutivo dove ogni accento musicale diventa il riflesso di un percorso interiore. «Ho preso a pugni la malinconia ed ho graffiato i ricordi di ieri»: sin dall’apertura, Jack Scarlett utilizza metafore fisiche per descrivere un confronto emotivo interiore, trasmettendo immediatamente il disperato tentativo di combattere contro i sentimenti dolorosi. La natura impalpabile ed eterea della malinconia e dei ricordi, si scontra con la tangibilità di azioni figlie dell’impotenza e della frustrazione, dando vita al desiderio di liberarsi dalla sofferenza, una sofferenza che non può essere affrontata con la forza fisica. La malinconia viene perciò personificata come qualcosa di quasi palpabile, un nemico concreto che rende il dolore più reale, e per questo, più semplice da comprendere, gestire, sconfiggere e allontanare. Queste prime liriche stabiliscono istantaneamente un'intensità emotiva che pervade l'intera canzone, evidenziando come immergersi nel proprio dolore con lucidità e consapevolezza, sia il primo passo per affrontarlo e valicarlo. Ogni verso di "Discorsi a metà" è un passo in avanti lungo il tortuoso sentiero della fine di una relazione che esplora la fragilità dei sentimenti come fonte di forza, quella forza necessaria per accettare e accogliere un nuovo inizio. Con questa release, Jack Scarlett non solo condivide una parte molto intima di sé, ma si afferma come un artista che ha il coraggio di indagare ed esprimere apertamente le sfaccettature più vulnerabili dell'animo umano. La sua abilità nel trasmettere sentimenti complessi attraverso la musica, lo rende uno dei cantautori più sensibili e brillanti della scena italiana. “Discorsi a metà” non è solo un brano da ascoltare, ma è una vera e propria esperienza da vivere che invita gli ascoltatori a confrontarsi con le loro stesse ferite, trasformandole in medaglie, in simboli di superamento personale; piccoli e grandi traguardi che ci ricordano che, anche di fronte a innumerevoli “Discorsi a metà'”, il dialogo più importante è quello che dobbiamo continuare a mantenere con noi stessi.... Continua a leggere

Nel silenzio quasi surreale dei giorni di lockdown, dove le città vibranti si sono temporaneamente trasformate in scenari di quiete inaspettata, è nato "Loving Town", il nuovo atteso singolo dei 3NEMA. La band lombarda, nota per il suo stile elettro-pop-rock innovativo e travolgente, fa il suo come back sulle scene con una traccia che celebra l'essenza pulsante delle metropoli mondiali, da Barcellona a Berlino, da Vienna a Parigi. "Loving Town" si spinge oltre il concetto di canzone, fluendo in una dichiarazione d'amore verso quelle città crocevia di culture, arte e vita, e catturando l'anima di mete urbane che, nonostante il caos e la frenesia, rimangono fonti inesauribili di ispirazione e conoscenza. «Non c'è relax nel trambusto della città – dichiara la band -, ma c'è una bellezza inesprimibile nel conoscere il loro vero spirito». Uno spirito che anima ogni accordo del brano, e che proprio come quello vibrante e cosmopolita dei suoi autori, attraversa e valica ogni barriera, ricordandoci che siamo tutti cittadini del mondo. In "Loving Town", infatti, la formazione gardesana non si limita ad omaggiare le metropoli globali, bensì le vive in ogni battito e nota, trasformando il ritmo urbano e vibes cittadine in un'esperienza musicale avvolgente e profonda. «I want to break this time to go out, to love the people in town» («Voglio rompere questo tempo per uscire, per amare le persone in città»); un passaggio chiave del brano, da cui si evince il desiderio di libertà e connessione con gli altri, e che nel suggestivo contrasto tra isolamento e senso di comunità, esorta l’ascoltatore ad esplorare, a ricongiungersi con se stesso e con ciò che lo circonda, per riscoprire l'importanza delle relazioni umane. Un messaggio profondo e universale diffuso in perfetto stile 3nema, con quella struttura semplice e incisiva capace di rendere immediate tematiche complesse come la libertà, l'amore e i rapporti umani. La traccia, infusa di energia elettronica e impreziosita da riff di chitarra che evocano magistralmente le strade palpitanti delle megalopoli, è un invito a rompere le catene dell'isolamento per immergersi nella ricchezza culturale e umana delle città. "Loving Town" diventa così un inno alla libertà, un canto di rinascita emotiva e sociale che risuona ed echeggia nelle strade vuote, portando con sé la fiamma della speranza e della resilienza. Il lockdown, pur nella sua immobilizzazione forzata, ha stimolato nei 3NEMA una creatività esplosiva, che ha trovato sfogo in questo pezzo: «Durante il periodo di isolamento - prosegue la band, concludendo -, la nostra mente viaggiava incontrollata tra le città che amiamo, e da qui è scaturita l'ispirazione per questo brano, un tributo alla vita che scorre incessante nelle vie metropolitane». "Loving Town" diventa così un manifesto alla cultura urbana che testimonia l'evoluzione artistica dei 3NEMA. Conosciuti per il loro approccio sperimentale e la loro capacità di fondere abilmente generi differenti, in questo brano i ragazzi si sono superati, raggiungendo il perfetto equilibrio tra sonorità elettro-pop e quell'anima rock che li ha sempre contraddistinti. Dopo il successo del loro singolo in lingua italiana "Nella testa un sogno", il gruppo prosegue la sua mission sulla “3nema Way” riabbracciando l’inglese, riconfermando ancora una volta una versatilità e una capacità di adattamento a linguaggi musicali diversi degne di nota e mantenendo un sound ed una cifra stilistica fortemente distintivi e riconoscibili ad ogni release. "Loving Town" è un viaggio attraverso le emozioni e le esperienze che solo una grande città può offrire; un invito sentito a riscoprire la bellezza nascosta, l’essenza che si cela dietro la frenesia di vie trafficate; un appello a guardare oltre la superficie per innamorarsi di nuovo del meraviglioso mondo che ci circonda, un mondo che, nonostante tutto, continua a vivere, respirare e ispirare. "Loving Town" non è solo un inno alla libertà e alla connessione, ma anche un promemoria che ci ricorda quanto sia importante abbracciare la vita in tutte le sue forme.... Continua a leggere

«Qualche anno fa, una persona mi disse che era evidente che io fossi una ragazza fragile, che bastava guardarmi per capirlo. Da quel momento, non sono più riuscita a liberarmi da questo concetto, l’idea che l’aspetto possa definire la fragilità di una persona»: è con queste parole, intense e toccanti, che l'industria musicale italiana si prepara a celebrare l'ascesa di una delle più promettenti stelle del nuovo panorama pop al femminile. Alba, la cantautrice e attrice napoletana d'adozione romana e di stanza a Londra, dopo aver incantato la critica con la sua vocalità delicata e penetrante ed aver conquistato il cuore del pubblico con i messaggi profondi intrisi nei sui testi, torna nei digital store con "Non sono fragile" (Delma Jag Records), il suo attesissimo debut EP che sfida stereotipi ed etichette per rompere gli schemi e danzare al ritmo della propria unicità. In un mondo in cui preconcetti e cliché fanno spesso da padroni, Alba si erge come una voce coraggiosa che si oppone a tali convenzioni, invitando tutti a noi fare le stesso, per seguire l’unica voce che non andrebbe mai taciuta e soffocata, quella del nostro cuore. Sei tracce, scritte con un'intensità emozionale che si insinua nell'animo di chi le ascolta, esplorando temi universali come l'amore, la vulnerabilità e la crescita personale. Ogni brano è un viaggio nell'essenza umana, un'esperienza che coinvolge i sensi in modo onesto e sincero. "Non sono fragile" è molto più di un pop-EP; è un manifesto di autenticità che ci esorta ad esplorare le sfumature di una società che, ancora oggi, perpetua luoghi comuni e convenzioni senza accorgersi del peso che comportano. Ma è proprio in questa società che ci indottrina a rispondere all’odio con un “Odiarti Anch'io” che Alba trova il coraggio di dire “No” alle etichette che la imprigionano, insegnandoci che supplicare ed implorare il “Resta” di chi non ci accetta per ciò che siamo, è il peggior torto che possiamo fare a noi stessi. Ed è lì, è nel bel mezzo delle sfide e delle delusioni, che occorre rimanere ancorati alla nostra vera essenza, voltando pagina per ricominciare da un nuovo “Lunedì”, quel nuovo inizio capace di guidarci al raggiungimento di una relazione sana e sincera che parte da dentro per arrivare ad un “Io e te” privo di maschere, abbracciando con orgoglio la vulnerabilità e dicendo finalmente un liberatorio “Ciao” alla falsa percezione delle fragilità. «So che ho fatto la scelta giusta e quella scelta sono io», canta Alba, con l’incredibile determinazione che la contraddistingue sin dalla prima release, ricordandoci che l’unica scelta sbagliata che possiamo fare, è quella di remare in direzione opposta al nostro vero essere. Un’affermazione assertiva di indipendenza ed empowerment personale che suggerisce l'importanza di seguire il proprio percorso e che evidenzia una consapevolezza ed un’evoluzione artistica degne di nota. «In ogni brano – dichiara - ho cercato di includere due aspetti per me fondamentali: l’ammissione di un sentimento, cosa che da molti è considerata fragilità, e la consapevolezza di non aver bisogno di nessuno se non di se stessi per stare bene». La copertina del disco, che raffigura la stessa Alba all'interno di una scatola come se fosse una bambola, è un'immagine evocativa potente che simboleggia la forza e l'indipendenza della giovane cantautrice. Questa rappresentazione, allude anche ad una delle idee preconcette ancora radicate nella società, quella che le donne, per il solo fatto di essere tali, siano necessariamente fragili, o facilmente controllabili. Ma da questa scatola aperta, Alba sfida ogni tipo di aspettativa predefinita e preconfezionata, simboleggiando la sua volontà di rovesciare i cliché. L’essere raffigurata come una bambola, suggerisce anche che le pressioni sociali spesso cercano di limitarci, ignorando le nostre peculiarità individuali. Attraverso questa copertina, Alba ci dimostra come eleganza, femminilità e delicatezza non equivalgano a debolezza e ricerca di protezione, bensì possono essere una fonte di forza e ispirazione. Con questo EP, la cantautrice e attrice partenopea dà ritmo e voce a tutti coloro che hanno combattuto contro il pregiudizio che l'apparenza possa definire la forza o la fragilità di un individuo. Il suo percorso musicale si trasforma in una testimonianza di resilienza, autoscoperta e crescita interiore. Ogni canzone è un viaggio nelle profondità dell'anima umana, una finestra aperta sull'universo interiore di una giovane artista che riconferma la sua straordinaria abilità nel tradurre le esperienze in musica. In un’epoca che necessita di nuove storie e di nuove voci disposte a raccontarle, Alba è pronta a soddisfare queste richiese. Plasmando il suo cammino con dedizione, passione e coraggio, è destinata a diventare una delle artiste più influenti dell'industria musicale italiana, e “Non Sono Fragile” testimonia il suo talento e la sua visione chiara e precisa: la fragilità è una parte preziosa della nostra umanità, l’unica vera chiave per accedere alla forza interiore. «Non siamo fragili, siamo forti nella nostra autenticità». Con questo suo primo EP, Alba ci guida in un viaggio emozionale che ci ricorda la straordinaria bellezza insita nella vulnerabilità. “Non sono fragile” – Tracklist: 1. Odiarti Anch'io 2. Lunedì 3. No 4. Io e te <3 5. Resta 6. Ciao

Il talentuoso producer molisano Ruspa, al secolo Lorenzo Lelli, attinge alle sue influenze musicali d’oltreoceano per arrivare dritto al cuore delle nuove generazioni con “Never let them go” (Greys Company), il suo singolo d’esordio che evoca ricordi lontani per celebrare il passato, vivere il presente e illuminare il futuro. Scritto in inglese americano dallo stesso artista durante la prima ondata pandemica del 2020 in collaborazione con l’autrice filadelfiese Alexa D’Ambrosio e con l’interprete svedese d’adozione californiana Sara Sangfelt, “Never let them go”, è un inno alla memoria e all'importanza dei legami familiari e intergenerazionali, un richiamo potente ad onorare chi ci ha preceduto. In un'epoca in cui le relazioni sembrano diventare sempre più effimere, Ruspa ci invita a custodire lo scrigno dei ricordi che ci definiscono, un'eredità preziosissima da tramandare con amore alle generazioni future, preservando così quel bagliore che accompagna i passi di ieri e che illuminerà il loro cammino futuro. «Non bisogna mai dimenticare tutto ciò che le persone anziane a noi care hanno fatto per noi – dichiara -, soprattutto a livello istruttivo e morale. Questo brano è un modo per regalare loro la dignità e l'importanza che meritano, anche se il nuovo mondo telematico di oggi li porta, superato un certo livello di non autosufficienza, ad essere considerati semplici numeri». Numeri dietro i quali si cela però l’anima di chi ancora sa conservare l’amore, e tutta quell’esperienza, di vita e di saper vivere, che diventa il dono più significativo per gli uomini e le donne di domani. «Cherish each moment, make it last, cause life moves fast» («apprezza ogni momento, fallo durare, perché la vita si muove velocemente»): le parole di apertura del ritornello, schiudono a loro volta i cuori degli ascoltatori con l’incommensurabile e smisurata forza dei sentimenti, invitando tutti noi a riflettere sui legami familiari e a preservare gli istanti che ci hanno reso ciò che siamo oggi per farne un tesoro da condividere con i più giovani. La musica di Ruspa è un vero e proprio viaggio nel tempo che ci guida a ritroso per ritrovare il desiderio di procedere; un tuffo tra lancette sonore evocative e suoni automatizzati prolungati che rappresentano ricordi lontani, ma anche un’immersione in distorsioni ritmiche che designano le emozioni, i flussi vibrazionali interiori, quei cambiamenti e quelle sfide che ciascuno di noi è chiamato ad affrontare nel corso della vita. Un messaggio universale che sfiora e accarezza il cuore del pubblico di tutte le età, ma particolarmente rilevante per le nuove generazioni affinché non dimentichino l'importanza di riflettere sul passato. Ma l’elogio ai ricordi di “Never let them go” non si limita ad esprimersi sul piano auditivo, bensì fluisce in un’incredibile esperienza visiva grazie al suggestivo videoclip ufficiale girato nella pittoresca Termoli, città natale di Ruspa, che cattura la bellezza dei momenti felici trascorsi, omaggiando così la terra natia dell’artista e le emozioni che essa evoca in lui. Nel video, si susseguono artiste di grande talento come Lucia Marzano, Valentyna Gushchyna, Svetlana Stepanenko e Oana Beatrice Cojocaru Rusu, che unendosi a questa celebrazione, apportano ulteriore valore all’intero progetto. «Ho scelto il Borgo Vecchio di Termoli, in Molise, per il paesaggio suggestivo non moderno – spiega Ruspa, concludendo -. Ho voluto mostrare alle persone la mia città, da dove provengo. È un paese che regala emotività, dai piccoli vicoli centrali al tramonto sul mare osservato dal Trabucco sulla spiaggia». Con voice mix curato da Oscar Linnander e mix e master cuciti dal tocco incantato di Peppe Folliero, "Never let them go," dimostra il talento e l’abilità comunicativa di Ruspa, ricordandoci di non dimenticare, perché è solo traendo dalle memorie che plasmano le nostre vite che potremo generare un futuro migliore e più consapevole.... Continua a leggere

«La notte è il momento più scuro di tutta la giornata, ma al contempo è grazie ad essa che aspiriamo alla luce»: è con queste parole che Jamie, una delle nuove leve della scena italiana più apprezzate dalla critica ci introduce a “Mostri”, il suo nuovo singolo che lo vede al fianco del cantautore urban pop per eccellenza in Italia, Ethos. Un'immersione profonda nel cuore e nell'anima dei due giovani artisti che si aprono in modo crudo e sincero, trasformando i “Mostri” interiori in una fonte di ispirazione, un’ancora, una scialuppa di salvataggio che attraversa il tumultuoso oceano del dolore per consentirci di crescere e realizzarci come individui in una società ancora troppo omologata. Dall’insonnia all’incapacità di amarsi, passando per la forte necessità di venire apprezzati da chi ci circonda, Jamie ed Ethos dipingono in poco meno di 3 minuti una serie di tematiche diverse unite dal filo conduttore del dolore di chi le vive, su una preziosissima tela musicale, suggestiva e malinconica, tessuta e intrecciata dalla genialità creativa di Thierry (già per Piccolo G, Federica, Venz). Fin dai primi accordi, il brano cattura mente ed anima, guidando l’ascoltatore in un'atmosfera che non concede un istante di respiro. Jamie intraprende il viaggio con rime affilate, raccontando il suo risveglio con un senso di vuoto, un profondo disagio che nei passaggi «Ho amato anche il mio nemico e finisce che mi odia pure mio fratello qui» e «Non dormo nemmeno di notte, ho dei demoni nella mia fronte», dà voce ad un testo che non può non essere scritto con il sangue e cantato con il cuore. L’artista riflette sulle sue battaglie e sull'amore che ha condiviso con i suoi "Mostri”, sottolineando che è giunto il momento di lasciarli andare, riconoscendo a se stesso una sorta di catarsi, di liberazione interiore. Una redenzione dalla lotta con se stessi che nella seconda strofa viene ripresa da Ethos, le cui liriche toccanti, riconoscono nel bisogno di affetto e approvazione la chiave per debellare i propri demoni - «Non mi sono mai sentito amato, ma non sai quanto mi sono odiato». Ma nell’elegante fragilità di spogliare la propria anima da maschere e corazze - che si concretizza nella frase «Non sono in grado» -, il pezzo si conclude con una nota di speranza, nel desiderio di essere ricordato e nel riconoscimento del valore dell'amore e dell'amicizia. Ed è così che Tutti quei “Mostri”, inizialmente percepiti come subdoli e incurabili, assumono la forma di piccoli e grandi traguardi da raggiungere e superare, perché come gli stessi artisti affermano: «Di fatto, è grazie al dolore che si cresce, anche se a volte preferiremmo non aver bisogno di maturare. Per questo, dobbiamo imparare ad amare anche i nostri stessi demoni, rifugiandoci nelle nostre passioni e nei nostri sogni. Noi, lo facciamo nella musica». "Mostri" risuona come una dichiarazione d'amore per i propri demoni e, al tempo stesso, come una lettera d'addio ad un mondo che non è stato in grado di proteggerli. La musica si fonde con le parole, creando una dimensione sospesa che abbraccia il dolore per convertirlo in rinascita. «Sono molto grato ad Ethos ed a Thierry per questo brano – conclude Jamie -. Hanno entrambi contribuito a tirare fuori da me tutto ciò che altrimenti sarei stato costretto a mantenere strozzato nella gola. Voglio dire a tutti coloro che stanno passando un brutto periodo e si sentono rappresentati da questa canzone che non sono gli unici, ma sono unici. Tutti noi lo siamo, con i nostri punti di forza e i nostri “Mostri”». Con questo singolo, Jamie ed Ethos ci ricordano che nessuno di noi è mai solo e che spesso, quelli che oggi etichettiamo come “Mostri”, domani potrebbero rivelarsi i più preziosi insegnamenti della nostra vita.... Continua a leggere

Ci sono brani che superano epoche e tendenze, ergendosi come monumenti immutabili e resistendo al passare del tempo per diventare classici intramontabili. Uno di questi è senza dubbio "Just An Illusion”, iconica hit che ha dominato le classifiche nel 1982 e che oggi prende nuova vita grazie alla straordinaria collaborazione tra la talentuosissima cantautrice capitolina ETEREA ed una vera e propria leggenda della disco-pop internazionale, Leee John, voce inconfondibile del pezzo e dell’illustre band britannica Imagination. ETEREA, romana di nascita e cosmopolita per attitude, torna sulle scene dopo l’incredibile successo del suo primo EP “Fragmenta” e delle sue precedenti release, tra cui il singolo "Giura”, scritto e interpretato con il rapper vicentino Nashley. E questa volta, lo fa superando ogni aspettativa, reinterpretando il celebre brano originariamente lanciato come apripista dell'album "In the Heat of the Night", insieme al suo carismatico autore, emblema di un genere e di quella musica che non conosce ere e confini. Il passato si trasforma, convertendosi in un futuro ricco di promesse. L’eccezionale sinergia tra i due artisti, è nata dalla passione condivisa per la creazione musicale durante il loro incontro, avvenuto a Londra. Entrati istantaneamente in sintonia, hanno presto dato forma e forma e voce alla loro visione, quella di omaggiare un brano iconico, trasformandolo in qualcosa di fresco e affascinante anche per le nuove generazioni, senza mutarne il testo e la sua accezione universale. Tornati in patria, la cantautrice classe ‘96 ed il suo produttore, l'ingegnere del suono e arrangiatore Riccardo Romano, conosciuto come Roman Meister, hanno lavorato in simbiosi per creare un remake rispettoso dell'originale, ma al tempo stesso rielaborato in chiave moderna. Il risultato è un sound di stampo EDM con influenze house, capace di rendere il pezzo sia familiare che sorprendentemente innovativo per gli ascoltatori. Ma non è tutto. Il videoclip ufficiale, reso possibile anche grazie al gentile supporto di Leee John, offre una spettacolare reinterpretazione della casa infestata presente nel video originale. In questa nuova versione, però, la tenebrosa dimora diventa il palcoscenico di un'entusiasmante festa, una celebrazione della musica e dell'energia giovanile. Le riprese e il montaggio della clip si ispirano allo stile "handy cam", intrecciando magistralmente passato e presente per trasporre sul piano visivo il fil rouge dell’intero progetto. Il risultato finale è un'esperienza completa e coinvolgente, che cattura lo spirito del brano in modo avvincente. Con l'emozionante interpretazione vocale di ETEREA e la presenza di Leee John, "Just An Illusion" è destinato a diventare un classico moderno, una canzone che collega le generazioni attraverso la magia della musica. La versatilità espressiva, interpretativa e comunicativa di ETEREA emerge in modo straordinario. Il suo talento eclettico, le consente di adattarsi ad una vasta gamma di generi musicali, e con "Just An Illusion" dimostra di poter eseguire con maestria anche i classici intramontabili. Con questo eccezionale remake, ETEREA e Leee John ci ricordano che la musica non ha età, che un grande brano può brillare ancora più intensamente nel futuro e che a volte, i sogni, non sono "Just an Illusion”.... Continua a leggere

Ha conquistato la critica con l’emozionalità dei suoi testi e ha affascinato il pubblico con le sonorità innovative delle sue release ed ora, a distanza di 4 mesi dal successo di “Shakira”, il giovane e talentuoso rapper e cantautore cernuschese d’adozione cremasca Blade, torna in radio e nei digital store con “Stress”, il suo nuovo singolo che promette di superare ogni aspettativa. Una canzone che si insinua nell'anima, un abbraccio di note che avvolge la mente di passionalità e riflessione, trascinando l'ascoltatore in un viaggio interiore grazie alla potente delicatezza della verità. “Stress” è una poesia urban in movimento, una danza di liriche e barre che creano un intreccio magistrale di suoni e significati per trasformare una canzone in esperienza, riconfermando l’attitudine alla dimensione conscious dell’artista, una dimensione in cui le parole si corroborano di valore e la musica diventa la chiave per aprire le porte del cuore. Ed è proprio nell’indiscussa capacità di trasmettere messaggi importanti su sonorità di presa immediata che Blade ci consegna lezioni profonde con l’istantaneità dei suoi pezzi, rendendo le complessità di una generazione, la sua, più accessibili e decifrabili a tutti. “Stress” è un'immersione interiore, una lente d'ingrandimento puntata sui pensieri più oscuri e sui sogni più luminosi, dove il peso delle ambizioni, delle sfide e dei trascorsi personali prende forma attraverso parole affilate e melodie struggenti, affrontando temi attualissimi come l’ansia, il disagio giovanile e il desiderio di fuggire dai problemi per costruirsi una vita diversa senza cedere al materialismo come anestetico alle difficoltà e ai sentimenti, senza lasciarsi sedurre da una lunga serie di tentazioni che potrebbero causare ulteriore malessere. «Mi prendo tutto, a tutti i costi, silenzio, stiamo nascosti»: il rifiuto di piegarsi agli ostacoli e alle incertezze di un cammino che, sin dall’apertura, presenta Blade come un guerriero la cui unica armatura sono le sue profonde cicatrici, un combattente spinto dalla necessità di rimanere sveglio nel ring della vita per non soccombere al peso delle sue stesse ambizioni. In una società in cui l'apparenza e l'immagine sono armi contro l’insoddisfazione, il dolore e l’overthinking - «una felpa di marca non mi veste meglio, mi aiuta a rimanere un po' più sveglio» -, ma anche barriere che ci separano dai nostri reali obiettivi - «adesso ho addosso tutti questi guai» -, la voce di Blade diventa un grido di disperazione e desiderio, una fiamma che brucia per accendere un futuro migliore. Ed è nella sezione centrale del brano - «sto fumando per non stare in stress, sto fumando sulla Torre Eiffel, aspetto soltanto che tutto ciò si avveri», che la frustrazione si converte in fiducia, le cicatrici in potenti ricordi della strada percorsa, la via di fuga dal tormento in un angolo di pace in cui realizzare sogni e desideri nascosti. Un’odissea emotiva che esplora un vasto spettro di sensazioni e riflessioni, e che nell’abilità di Blade di catturare l'essenza umana, è in grado di farci sentire ogni suo battito di cuore, ogni suo pensiero, conducendoci a riflettere sulle nostre vite. “Stress” è un inno all'introspezione, all'onestà, e alla speranza. In un mondo in cui spesso i messaggi importanti si perdono nel rumore di fondo, Blade riesce a far emergere la sua voce, facendo risuonare la sua verità e abbandonando le maschere tipiche di un’epoca e di un genere che molto spesso le indossa non per goliardia, ma per il timore di mostrare la propria fragilità e venire attaccato. "Stress", accompagnato dal videoclip ufficiale girato nel quartiere milanese CityLife sotto l’attenta direzione di Olucasp , è un invito a ritrovare in se stessi umanità e sano amor proprio, una chiamata a sollevare la testa per inseguire i propri sogni, nonostante le insidie e le intemperie della vita. Blade è un artista che canta con il cuore, un pittore di emozioni che dipinge note e parole per ricordarci che la musica è un linguaggio universale, capace di attraversare i confini e connettere le anime al di là delle corazze di cui si vestono e dietro le quali, troppo spesso, anziché proteggersi, si annichiliscono. Questa nuova traccia ci mostra la strada verso una comprensione più profonda, verso un dialogo più autentico con i nostri desideri, invitandoci a convertire lo “Stress” in una melodia di speranza e rinascita.... Continua a leggere

La cantautrice e vocal coach veneta Elejola, all'anagrafe Elena Parpajola, dopo aver conquistato il cuore dell'industria musicale scardinando i pregiudizi in “Volevi Solo Una Barbie” e catturando l’essenza dei sogni in “Sindrome di Peter”, torna nei digital store con “Più Forte di Hercules” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo, intimo e toccante, che getta una luce straordinaria sulla forza insita nelle donne e sulla versatilità di un’artista che non smette di stupire. Elejola si spoglia dalle corazze, svelando la parte più autentica di sé per dimostrare che al di là dell'immagine di “ragazza tosta”, si cela una donna con un cuore ed un'anima eccezionali, che diventa più forte interiorizzando, accettando ed amando ogni sua meravigliosa fragilità. Scritto a quattro mani con Miriam "Ayaba" di Criscio e composto e prodotto dal genio creativo del producer multiplatino vincitore di un Grammy Renato Patriarca, “Più Forte di Hercules” è un suggestivo inno urban-pop all'empowerment femminile, un incoraggiamento sentito a riconoscere ed abbracciare la bellezza ed il coraggio delle donne che, proprio come la stessa Elejola, devono affrontare il loro personale tsunami emotivo. La canzone immortala la natura di questa lotta, trasformandola in un’istantanea potente che offre alle donne di tutto il mondo l'opportunità di identificarsi e trarre forza dalla propria vulnerabilità. L’artista canta con una passione travolgente, incoraggiando le ascoltatrici a non fermarsi mai, a stringere i denti e guardare avanti, a fidarsi della luce interiore che alberga in ognuna di loro. Questo brano esorta a lasciarsi alle spalle le paure, a rompere gli schemi autoimposti, e a riconoscere la tenacia inaspettata che si trova nel profondo. Un messaggio universale di resilienza e determinazione, che punta i riflettori sulle sfide personali, sociali e lavorative di ciascuna donna e sulla loro innata abilità nell’affrontarle con il coraggio e la fermezza di un eroe mitologico. «Sorella, lotta e prendi tanti schiaffi, tante sberle, che la tua forza sta nel barcollare, ma in avanti» canta Elejola, evidenziando come dalle avversità e dagli ostacoli sia possibile rinascere e progredire, e come la vera temerarietà non sia racchiusa in una pseudo-perfezione o nell'immunità da errori, bensì nella capacità di vacillare, cadere, e nonostante ciò avanzare, continuando a camminare a testa alta. Un richiamo a non arrendersi, a tenere a mente che è proprio dalla fragilità che può nascere la più potente e incrollabile forza interiore. Una donna con le donne che nel poetico ed incisivo passaggio «vedo l’anima negli occhi lavati dai pianti», sottolinea l’importanza di saper scorgere la vera essenza di una persona attraverso i suoi occhi, cogliendo la luce oltre ogni ombra. Empatia e condivisione si fondono nell’abbraccio delle emozioni e delle esperienze, percorsi di vita differenti per ciascuna, ma tutti intrecciati dal fil rouge dell’amore, di un sentimento che non rende deboli o inferiori, ma sa svelare la bellezza dell’anima in tutte le sue sfumature. «A lungo – dichiara l’artista - ho nascosto la mia sensibilità dietro l’immagine della tosta. “Più forte di Hercules” è nata nel momento esatto in cui ho compreso che una donna è forte anche nella sua fragilità e da lì ho iniziato a mettermi in gioco con le mie emozioni. Mi rivolgo a tutte le donne che come me hanno dentro uno tsunami fuori controllo e che, con fatica, pazienza e tenacia, stanno imparando a comprenderlo ed accettarlo. È una sfida continua, ma insieme possiamo aiutarci a riconoscere l’una la bellezza e il coraggio dell’altra». Una testimonianza che giunge forte e chiara in questo momento di trasformazione culturale e di apertura verso l’arricchimento apportato dalle peculiarità personali, e solleva il sipario su un aspetto cruciale della quotidianità di molte donne, offrendo liriche incisive e fortemente evocative in grado di commuovere e affascinare sin dal primo ascolto. Con "Più Forte di Hercules", accompagnato dal videoclip ufficiale girato a Padova sotto l’attenta direzione di Giorgio Piva e in uscita nei prossimi giorni, Elejola dimostra ancora una volta la sua abilità comunicativa, rendendo la sua voce uno strumento di connessione e le sue release un inno al meraviglioso viaggio della vita. La brillante cantautrice veneta continua a conquistare il cuore del pubblico, ispirando una generazione di donne a riconoscere la loro ricchezza nascosta, quel potentissimo faro interiore che rende ognuna di loro "Più Forte di Hercules".... Continua a leggere

«Un concerto è emblema della diversità, non si fa con uno strumento solo»: un’affermazione intensa e potentissima scritta e scolpita da quella che la stampa nazionale ha definito “una delle più belle voci della scena musicale femminile italiana”, Vi Skin, all’interno del suo nuovo singolo, “E tu?” (PurpleMix/Believe Digital). Attraverso questo viaggio introspettivo, la cantautrice ciociara che ha conquistato il pubblico con la sua versatilità espressiva e compositiva, utilizza il concerto come metafora della diversità. Ogni strumento nell'orchestra contribuisce alla creazione di una sinfonia unica, proprio come ogni individuo contribuisce alla bellezza della società con le proprie peculiarità. "E Tu?", con il suo testo che colpisce dritto al cuore, è una dichiarazione d'amore all'individualità e alle singolarità personali, una celebrazione a quelle differenze che abbracciano l’universo intero rendendoci semplicemente e meravigliosamente unici. Con la travolgente delicatezza che accompagna e permea le sue release sin dagli esordi, Vi Skin apre le porte della sua anima, condividendo con coraggio e senza maschere la forza della sua vulnerabilità, raccontando le sfide che ha affrontato nel suo percorso, sfide in cui molti possono identificarsi, per iniziare a ritrovarsi. La sua famiglia, parte irrinunciabile della sua vita, è il punto di partenza di questa incredibile canzone. Con disarmante sincerità, l’artista descrive come le mancanze affettive e di supporto genitoriali l'abbiano costretta a crescere più velocemente di quanto avrebbe mai immaginato: «Andando incontro a mancanze affettive e di supporto genitoriali – dichiara -, mi sono ritrovata costretta ad incarnare le mie figure di riferimento venendo meno al mio ruolo di figlia: in una fase di vita in cui stavo ancora crescendo, sono dovuta diventare il genitore di me stessa. Per la prima volta, attraverso la mia relazione, ho avuto modo di guardare con occhi esterni la mia famiglia, comprendendo aspetti che dall’interno non riuscivo a capire. La mia relazione è stata lo specchio attraverso il quale ho potuto guardare meglio me stessa e lavorare ancora più a fondo sulle mie fragilità, comprendendone le origini e trasformandole in punti di forza». Le sue parole appassionate, ci conducono ad esplorare l'amore senza confini, la reciprocità e la libertà di essere autentici. Nel passaggio «L’amore è connessioni di frequenze, luogo d’incontri, di esistenze. Non ha sesso, né colore, né definizione, al cospetto dell’amore esistono solo persone», Vi Skin ci ricorda la capacità dei sentimenti di trascendere dalle barriere imposte dalla società. Perché quando si vive un rapporto onesto, le apparenti differenze esterne svaniscono nell’abbraccio tra due anime che parlano un’unica lingua, quella dell’amore. Un'esperienza umana universale che unisce le persone in un legame profondo, indipendentemente dalle diversità superficiali. Un appello all'accettazione, alla comprensione reciproca e alla celebrazione delle connessioni sincere. «Amami per ciò che sono, ma non farmi interpretare un ruolo», prosegue il testo, puntando il focus sulla necessità di essere amati per la propria personalità, senza dover aderire a vesti predefinite. Vi Skin si ribella contro la spartizione dei ruoli di genere nell'ambito delle relazioni, ponendo l'accento sulla reciprocità come valore centrale. «Desidero condividere attraverso la mia musica, quanto sia bello, libero e non limitante vivere la reciprocità e la versatilità nell’amore – conclude l’artista, dimostrando come la musica sia per lei uno strumento volto a promuovere un approccio aperto alle dinamiche amorose, in cui entrambi i partner sono liberi di esprimersi senza confini imposti -. Il mio significato di amore è vivere entrambe le emozioni, l’uno nell’altro, non incarnare mansioni maschili o femminili, ma pensare di donare atti d’amore e di cura nei riguardi della persona amata». Un messaggio chiaro e preciso, che ci esorta a considerare l'amore come un atto di affetto e cura nei confronti del partner, al di là dei tradizionali stereotipi di genere, e che nella frase conclusiva del pezzo «L’amore è amore non un cazzo di tabù», enfatizza la sua essenza più pura, priva di discriminazioni e pregiudizi. Vi Skin ha il potere di toccare il cuore di chiunque ascolti la sua musica, risvegliando l’umanità che si cela in ognuno di noi, e questo suo nuovo singolo è una luce nella notte delle relazioni stereotipate, un invito a rompere le catene della discriminazione, a sfidare i tabù e a vivere la vita con cuore aperto. Ascolta, rifletti e condividi: la promessa di un amore senza limiti ha bisogno di essere diffusa per ispirare lo spirito del mondo. Vi Skin è pronta a farlo, “E tu?”.

Quando il mondo del country d'oltreoceano abbraccia il talento italiano, nasce una melodia unica che dal 2016 ha un solo nome: Mikol Frachey. Dopo l’esordio a soli 18 anni con l’omonimo album e una gavetta costellata di successi, illustri palchi e premi internazionali, la cantautrice di Saint-Vincent definita da La Stampa la “Taylor Swift della Valle D'Aosta”, torna a far vibrare le corde del cuore con “Cowgirl Dance” (Delma Jag Records/IGrooveMusic), il suo nuovo singolo. Prima artista italiana a vincere un award per la musica country in USA ai Texas Sounds Country Music, Mikol, che nel 2021 è stata insignita del prestigioso Fair Play Country Music Award come artista femminile dell'anno e ha dato prova della sua urgenza espressiva cantando al Douglas Corner a Nashville, al Tavarock Festival, e partecipando alla presentazione dell’ultimo album di Ed Sheeran al Mondadori Store di Milano, ci regala un come back che celebra la rinascita personale e la conquista della libertà interiore attraverso la potente narrazione di un viaggio che fonde la passione italiana con le radici del country. «Ho abbandonato le mie insicurezze, ho intrapreso il cammino di questa avventura, cavalcherò in direzione opposta ai miei pensieri (…). Con il mio lazo, catturerò le mie paure» («I stripped myself of my insecurities, I took the path of this adventure,I will ride in the opposite direction to my thoughts (...) With my lasso, I will capture my fears»): fin dall’apertura, il brano si erge come un faro tra le ombre, un canto catartico e trasformativo in cui l’artista si libera dalle catene delle sue incertezze per abbracciare con fervore il coraggio e la determinazione. Tra le cicatrici animiche che cercano riparo tra gli orizzonti di nuovi sogni da inseguire - «Don’t put a bounty on me ‘cause I’ll escape to a newer dream, this crazy mind got scars to mend» («Non mettere una taglia su di me perché scapperò verso un sogno nuovo, questa mente folle ha cicatrici da rimarginare») -, la voce unica e ricca di colori della cantautrice valdostana avvolge l'ascoltatore in abbraccio empatico, creando un potente legame emotivo che invita a connettersi con la propria forza spirituale e ad unirsi ad una danza sotto il cielo stellato. Con la sua penna vibrante e la sua vocalità coinvolgente, Mikol Frachey condivide l'esperienza di superare le proprie insicurezze e barriere personali grazie all'identificazione con un personaggio che incarna l’animo audace di una cowgirl del Tennessee: «In questo brano – dichiara – racconto di come sia possibile superare i propri limiti e infrangere le barriere delle proprie insicurezze attraverso l’immedesimazione con una cowgirl americana. Parlo del sentirsi a proprio agio nel perseguire i propri sogni ed obiettivi; io l’ho fatto immaginando di trovarmi nei locali del Tennessee, avvolta da una meravigliosa sensazione di libertà interiore». “Cowgirl Dance” è proprio questo, un inno alla libertà e alla realizzazione di sé stessi, un richiamo ad abbracciare tutte le sfumature della propria personalità. Mikol ci invita a vivere il suo viaggio, ad unirci a lei in questa danza di liberazione, a prendere in mano le redini del coraggio montando in sella ai nostri desideri per poterli finalmente convertire in realtà, una realtà capace di superare ogni fantasia. E nell’incontro magico tra il country americano e l'anima italiana, l’artista ci regala un'esperienza musicale profonda e travolgente che cattura il cuore sin dal primo ascolto, esortandoci a seguire il ritmo della libertà interiore e a ballare sotto le stelle del nostro destino. “Cowgirl Dance” è una cavalcata verso l'essenza della nostra autenticità che mediante le sfumature dell'anima ci spinge ad abbracciare ogni parte di noi con amore e consapevolezza. Questa è la magia di Mikol Frachey. La musica è il linguaggio dell'anima, e Mikol Frachey è qui per farci danzare sul suono della nostra verità.

L.V. Beethoven ci ha insegnato che “Dove le parole non arrivano…La musica parla” e su questa verità straordinaria si erge tutto il percorso artistico di uno dei musicisti più eclettici, eleganti e ricercati del panorama internazionale: Alessio Ruggio. Il pianista palermitano d’adozione parigina che ha incantato la Francia, dopo aver affascinato il pubblico con il suo tocco unico nel debut album “Grand Soufre” e in brani come “Origami” e “Degénéréscence Nocturne”, torna nei digital store per regalarci un’immersione senza precedenti tra le “Alchimie” del cuore, una composizione musicale che attinge dalla profondità dei sentimenti umani per esprimersi sul bianco e nero del pianoforte e sull’adrenalinica tensione delle corde del violoncello, magistralmente eseguito da Yvon-Gérard Lesieur. Il brano, pubblicato per PaKo Music Records, è una metamorfosi progressiva dello spirito che si svela attraverso il delicato intreccio dei due strumenti, dove il violoncello rappresenta il lato oscuro delle "Alchimie” simboleggiando l’alterazione, il controllo e la maschera, mentre il pianoforte, con la sua innocente dolcezza, incarna la parte emotiva e più intensa di ogni battito. Nell’atto conclusivo del pezzo, il pianoforte, riconosce con saggezza le sfumature tenebrose del violoncello e fa la sua scelta di libertà, decidendo di procedere per la propria strada e segnando così una nuova direzione, consapevole e catartica. Un viaggio musicale attraverso l'anima umana, in cui il titolo stesso ha una duplice accezione, richiamando da un lato l'attrazione incontrollabile e reciproca tra due individui, un’intesa totalizzante sia fisica che emotiva, dall’altro, facendo eco all'antica pratica a mezz’aria tra scienza ed esoterismo di trasformare i metalli in oro, simboleggiando l’eterna ricerca della perfezione e la trasmutazione interiore. Una dualità sorprendente, in cui Ruggio esplora l’ambivalenza dell’attrazione, rivelando al contempo passione e ambiguità, il coinvolgimento fisico e sensoriale ed il mistero, oscuro, quasi occulto, che può rivelarsi fortemente distruttivo. "Alchimie" offre anche una profonda presa di coscienza, uno sguardo interiore sulla forza psicologica, sull’influenza che un altro individuo può esercitare su di noi. La musica, intrisa di malinconia e riflessione, cattura tutte le sfumature di un sentimento intenso e viscerale, guidandoci in una dimensione riflessiva che sa però cedere spazio alla speranza, per ricordarci che nonostante le difficoltà e le porte che si chiudono, esiste sempre una possibilità di rinascita. Registrato presso il prestigioso Malambo Studios di Bois-Colombes dell’Île-de-France e mixato e masterizzato da Andy Stone e Diego Pittaluga, questo brano è il frutto di una preziosa sinergia di talenti. Con Alessio Ruggio e Yvon-Gérard Lesieur, “Alchimie” dona una visione completa dell'attrazione umana in tutte le sue sfaccettature, dalla passione all'ambiguità, dalla trasformazione interiore alla ricerca della verità. Lasciatevi trasportare nell’intensità delle "Alchimie" e scoprite la bellezza celata nel caos delle emozioni. La musica parla, e attraverso questa straordinaria composizione, Alessio Ruggio ci offre una voce che comunica direttamente ai nostri cuori. Mettete gli auricolari, chiudete gli occhi e la porta alla frenesia quotidiana e immergetevi nell’universo sonoro di uno degli artisti più brillanti e promettenti della scena strumentale internazionale.... Continua a leggere

Dopo aver scalato la Amazon Music chart Italia raggiungendo la prima posizione di vendite con il disco d’esordio “Dawn”, album con cui si è presentato al pubblico dimostrando versatilità, sensibilità ed eleganza compositiva, il chitarrista jazz e insegnante di Conservatorio bresciano Edoardo Baroni torna nei digital store con “Songs” (Clockbeats), il suo secondo progetto full length che dona nuova luce ad alcuni dei più suggestivi capolavori della discografia italiana ed internazionale, riconfermando il talento e l’eclettismo dell’artista e debuttando direttamente al primo posto della classifica di vendite di Amazon Music. Con il suo stile inconfondibile e la sua capacità di trasformare melodie familiari in opere uniche e personali, Baroni offre un'esperienza unica e coinvolgente, conducendo l’ascoltatore in un viaggio di 10 tappe che incarnano l'anima della musica pop; tracce di rara bellezza rivisitate e riarrangiate con maestria per la chitarra solista jazz e composizioni originali. Questo nuovo lavoro è il risultato di un impegno creativo straordinario, nonché della collaborazione con il celebre produttore genovese Dario Mollo (già con Tony Martin, Glenn Hughes e Graham Bonnet). Edoardo si fa interprete e traduttore delle atmosfere dei brani selezionati, spaziando dalla melodia intima all'energia travolgente. «"Dawn" – dichiara - ha segnato solo l'inizio di un viaggio eccezionale. Con "Songs", ho voluto esplorare ancora di più la bellezza intrinseca delle canzoni che amiamo, reinterpretandole attraverso il mio linguaggio musicale unico. Questo album è una celebrazione della musica in tutte le sue sfumature». Dall'evocativo "Ibertango", che trae ispirazione dalle suggestioni e dalle radici del flamenco e dalla grande eredità del jazz come Chick Corea e Al Di Meola, a "Luca", un intimo tributo all’amico e compagno di palco di Baroni, Luca Capoferri, “Songs” giunge all'essenza delle emozioni mediante la delicata carezza della chitarra solista, dimostrando l’abilità di Baroni nel saper catturare non soltanto il cuore del pubblico, ma anche e soprattutto quello pulsante e più vivo che mai delle canzoni. Influenze e tributi musicali si intrecciano in un disco che è molto più di un semplice album, ma è il risultato di anni di esperienza, studio e dedizione. Un omaggio al passato e alla tradizione musicale che ben si evince nella rivisitazione di "Arrivederci", capolavoro senza tempo di Umberto Bindi, in cui Edoardo cattura l'anima italiana del pezzo e la trasforma, con raffinatezza e assoluto rispetto, in una gemma jazz impressionista, così come nel connubio di suggestioni di "God Only Knows" dei Beach Boys, dove il chitarrista lombardo avvolge un grande classico di echi e richiami a “Queit Night” di Pat Metheny. Reinterpretazioni di tracce iconiche della musica italiana, come "Altrove" di Morgan e "Un giorno dopo l'altro" di Tenco, svelano l’anima caleidoscopica e in continua evoluzione di Baroni e la sua capacità di fluire con estrema naturalezza tra differenti emozioni e dimensioni sonore. Una versatilità e un estro creativo degni di nota, che nel disco si manifestano in riletture attente e raffinate, come quella di “Piggies" dei Beatles, il cui arrangiamento omaggia George Harrison per culminare in un accenno a "Dear Prudence" dei Fab Four, o quella di "Think of me with kindness" dei Gentle Giant, un tocco di genialità progressiva che rappresenta un tributo al Maestro Alessandro Lucchetti e al background nel progressive rock che ha segnato la crescita musicale di Edoardo. Ma "Songs" è anche un profondo atto di gratitudine verso coloro che hanno ispirato e guidato il suo cammino musicale, una riconoscenza voluta e sentita che si riflette con limpida chiarezza nell'arrangiamento solistico de "L'Amore Trovato" di Sergio Cammariere e nell'ultimo brano dell'album, "Pietre Nuove”, un toccante tributo al chitarrista Peo Alfonsi, maestro e mentore di Baroni, che ha illuminato la sua strada e guidato la sua formazione. Con "Songs", Edoardo Baroni conferma il suo status di musicista eclettico e ispirato, unendo tradizione e innovazione in un capolavoro che spazia attraverso generi e confini, catturando l'essenza stessa della musica, perché non si tratta solo di un disco, ma dell’intersezione perfetta tra Jazz e Pop, di un racconto tra le note di creatività e virtuosismo che mette in luce il talento e l'anima di un artista che continua a lasciare un segno indelebile nella scena musicale contemporanea. "Songs" anticipa una nuova entusiasmante serie di release, che prenderà il via il prossimo mese a partire da "Yardbird Suite", il cui videoclip ufficiale verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24. “Songs” – Tracklist: 1. Ibertango 2. Luca 3. Arrivederci 4. God Only Knows 5. Altrove 6. Piggies 7. Un giorno dopo l'altro 8. L'amore Trovato 9. Think of me with kindness 10. Pietre nuove... Continua a leggere

Dopo gli esordi cinematografici nel film “Autumn Beat” per Amazon Prime Video ed il successo del suo primo singolo, “SOLO con pochi”, il giovanissimo e poliedrico artista milanese di origini malesi Marco Renna approda nei digital store con “Rocky & Jordan” (WhatSound/Ingrooves/Universal Music Italia), release che segna un’importante svolta nella sua carriera musicale e ne sancisce il debutto sotto lo pseudonimo The Luxe. Anticipato da un iconico freestyle ricco di punchilines disarmanti, che tra liriche incisive e barre evocative evidenzia sensibilità - «mi hanno tolto dalla strada perciò ne vado fiero», onestà - «io non invento, ciò che dico è sincero», carisma «io sono più hip hop di quello che sta al top in Italia» e determinazione - «nuova corsa, neanche domenica sono in sosta» -, "Rocky & Jordan" traccia un profilo molto preciso del rapper classe 2009. Risoluto e aggressivo nonostante la giovane età, The Luxe irrompe nell’industria discografica con versi che infiammano il beat - «Marco, 14 anni, appena entrato nella gabbia, stende tutti i Mayweather, non serve che si riscalda» -, regalando un’anteprima rovente e vibrante del debut EP, la cui uscita è prevista nei prossimi mesi. Una vera e propria rivoluzione nel rap game italiano, in cui The Luxe si distingue per l'approccio alle tematiche dei suoi testi, discostandosi dalle retoriche ormai consuete e conosciute della scena che propongono narrazioni copy-paste, molto spesso atipiche per la realtà nazionale, volte ad enfatizzare costantemente l’utilizzo di armi, droghe e di uno stile di vita al di sopra delle righe e della legge. Con la sua penna e la sua urgenza espressiva, l’artista punta invece a dare spazio ad argomenti realmente vicini e noti al pubblico dei giovanissimi, quello dei suoi coetanei: dagli affetti ai primi amori, passando per le amicizie vere e quelle di comodo, immergendosi a capofitto nelle paure legate all'inizio di un’imminente vita adulta, con la volontà di affermarsi in un mondo complesso, un mondo composto da quei “grandi” che ancora troppo spesso etichettano e giudicano le nuove generazioni, senza lasciar loro la possibilità di farsi ascoltare e mettendoli letteralmente all’angolo. The Luxe rappresenta perfettamente non soltanto l'evoluzione della cultura Hip Hop made in Italy, ma incarna anche quella della seconda generazione di italiani afro-discendenti che sta guadagnando sempre più rilevanza nel mondo della musica e dello spettacolo. In lui, si uniscono in maniera armoniosa le arti, i suoni, le melodie e le tradizioni, creando un'esperienza audio-visiva incredibilmente suggestiva, unica ed unificante. Il suo talento e tutte le sue artistry, sono una boccata d'aria fresca, un'innovazione concreta nel firmamento musicale contemporaneo. "Rocky & Jordan" è solo l'inizio di un viaggio straordinario e promettente che è pronto a riscrivere le regole del rap per portare una nuova visione e una nuova energia all'interno del genere. Con versi come «non è questione di flow ma è questione di grammatica» che tagliano profondamente il tessuto delle convenzioni, una vocalità istantaneamente riconoscibile ed una creatività e sensibilità che lasciano il segno, The Luxe è una fiamma incandescente in un panorama sempre più offuscato dall'ossessione per i trend e la ricerca di facili consensi. Con questo pezzo, si apre un entusiasmante capitolo tutto da scrivere, pronto a conquistare cuori e menti. The Luxe è destinato a ridefinire il mercato italiano, rompendo le regole e portando ad un’inversione di rotta che ci fa riflettere sulla vera essenza del rap. La sua voce fuori dal coro è qui per rimettere in discussione lo status quo e per dimostrare che la scena tricolore ha un futuro luminoso, in cui le note e l’anima dei suoi pezzi rappresenteranno la colonna sonora di una trasformazione che non può essere ignorata.... Continua a leggere

La musica non ha confini e può essere l'espressione di emozioni e pensieri profondi. LaserSight, il talentuoso rapper capitolino che nel 2019 ha mandato “Knockout” la scena italiana trasformando la frustrazione di un mondo che l’ha “Deluso” e l’ha “Sedotto e Abbandonato” in un “Limbo” in cui ricostruire la propria forza interiore per sentirsi “Unici”, torna a dar voce e ritmo ai battiti del cuore in “3 Puntini” (VR Digital/Visory Records), il suo nuovo singolo. Scritto dallo stesso artista a quattro mani con Vittorio Napoletano della band romana Malpensa – a cui è stata affidata anche la produzione -, il brano, che all'apparenza risuona come una canzone d'amore, rivela in realtà intense sfumature di emozioni e riflessioni sull'esperienza umana, dando vita ad uno sfogo dell’uomo sulla complessità della vita, ove quest’ultima diventa la destinataria di suo ogni messaggio, di ogni suo appello. Un viaggio intriso di passione e speranza; un inno alla resilienza, alle sfide e agli obiettivi che ognuno di noi affronta e si pone nel corso del proprio cammino terreno, nato riflettendo sulla natura effimera del cammino stesso e sull’impossibilità di scoprirne anticipatamente le prossime tappe. Una narrazione incisiva ed emozionante sulla meraviglia dell’incertezza, perfettamente enfatizzata nell’evocativo passaggio «restano solo 3 puntini in un milione di punti interrogativi», che dipinge la necessità di dare un senso a ciò che ci accade, a ciò che circonda, ma al tempo stesso impreziosisce di adrenalina e scoperta ogni singolo passo che compiamo. Il testo del brano, diretto e penetrante, è una dimostrazione straordinaria della maestria poetica di LaserSight. Attraverso versi brillanti e metafore suggestive, l'artista cattura l'attenzione dell'ascoltatore guidandolo in una dimensione intima e fortemente introspettiva. “3 puntini” evidenzia la cifra stilistica di LaserSight, alternando abilmente barre e punchlines proprie del rap al cantato, creando così un'esperienza musicale intensa e avvincente. La produzione, abilmente curata dalla creatività di Vittorio Napoletano, è un lavoro eccezionale: gli strumenti e i suoni raffinati conferiscono alla release un’efficacia e una complessità che si intrecciano perfettamente con la voce appassionata ed istantaneamente riconoscibile del rapper di casa Visory. «Somigli alle galassie, con quei pianeti negli occhi» canta LaserSight, dipingendo un'immagine poetica dell'unicità di ogni individuo. «Cancellano i segreti che dipingono, dipingono» aggiunge, riferendosi alla capacità dell'esperienza umana di ridefinirsi costantemente. “3 puntini” evoca un senso di malinconia, ma anche di speranza, rappresentando la continua ricerca di significato in un mondo complesso e in costante evoluzione, che in fin dei conti, trae la sua straordinarietà proprio dall’impossibilità di conoscerne i risvolti. È un richiamo all'importanza di vivere ogni momento, sfruttando a proprio favore l’incertezza di un tempo che «insegui ma cambia direzione» e «sembra scorrere all’indietro». "3 Puntini" è il frutto di una profonda considerazione sull’esistenza e sulle sfide che la rendono al contempo più ardua ed avvincente, un inno alla resilienza e alla bellezza dell'incertezza che abbraccia anima e cuore, ricordandoci che la vita è una melodia complessa fatta di alti e bassi, di note chiare e di punti interrogativi. LaserSight dimostra ancora una volta di essere una voce autentica e ispiratrice nella scena musicale italiana, e questo singolo è una nuova testimonianza della sua capacità di tradurre le emozioni in musica. Un brano che ci invita a riflettere sul dancefloor della vita, a danzare sulla nostra incertezza e a trovare la bellezza nelle domande a cui non sappiamo ancora dare risposta.... Continua a leggere

Dopo gli ottimi riscontri di “Wèvo” e “High”, il rapper brasiliano d’adozione marchigiana Èokey, al secolo Adrian Gustavo Fraga Ribeiro Santos, torna a far vibrare l’arcobaleno delle emozioni umane con il suo nuovo omonimo singolo (Oxb.Music Records/Keyrecords/Altafonte Italia), un’incredibile esplorazione della lotta interiore tra l'autenticità e la pressione sociale di conformarsi, prodotta dalla maestria creativa di Miror B e raccontata attraverso la potente lente di incastri incisivi e punchlines disarmanti. "Èokey" affronta la sfida universale della ricerca di veridicità e originalità in un mondo che spesso ci spinge a conformarci: le liriche evocative, narrano una storia di passione e complessità emotiva, tracciando un percorso che attraversa il beat dei sentimenti per dar voce a tutte le sfumature dell'amore, conducendo l’ascoltatore ad immergersi nel proprio microcosmo interiore. Un tuffo di poco più di 3 minuti nel mare magnum delle esperienze e delle vicissitudini personali, che seguendo il ritmo dei battiti del cuore, abbraccia la contemporaneità della trap per mettere a segno un colpo di autoconsapevolezza, portando ordine nello scompiglio, luce nella coltre delle sofferenze ed equilibrio tra il bisogno di essere e l’influenza di apparire. Le strofe del pezzo, taglienti e cariche di riflessioni, prendono per mano i sensi, guidandoli all’esplorazione di dubbi e incertezze, aspettative, etichette e timori che caratterizzano la quotidianità degli adolescenti d’oggi. Le catene dell’insicurezza, strette dalla morsa del desiderio di accettazione, imprigionano l’individualità e l’unicità di anime che diventano «specchi arrampicati da un pezzo», riflessi spenti e opachi di sogni, ambizioni e obiettivi che si gettano a capofitto nel vuoto, «senza una rete su cui fare centro oppure un canestro». Le parole scorrono con ritmo incalzante, enfatizzando la confusione, l'intensità e il tormento della narrazione, che in netto contrasto con il sound, frizzante e super catchy, danno vita all’istantanea perfetta sull’ambivalenza della vita, dolce nella sua amarezza, leggera nei suoi fardelli e satura nelle sue mancanze. Il ritornello, con la domanda provocatoria «Quando ti fisso viaggio, cosa mi fissi a fare, è ok?», cattura l'essenza di una relazione di coppia tumultuosa, esprimendo il desiderio di trovare una connessione vera e sincera in mezzo alle perplessità, mentre la ripetizione del concetto di «è okey?» riflette la profonda necessità di approvazione, rassicurazione e chiarezza nelle dinamiche amorose. L'arte e la musica si fondono in un brano che non è solo testo e melodia, ma un'esperienza coinvolgente capace di toccare, far ballare e accarezzare l'anima di chi l'ascolta. L'interazione tra flow e beat, crea un'atmosfera a mezz’aria tra realtà e fantasia, che consente all'ascoltatore di immedesimarsi completamente nelle sensazioni espresse e di ricercarle dentro di sé. Nelle sfumature d'arte che avvolgono “Èokey”, un tocco di eleganza e classe emerge grazie alla preziosa collaborazione di Trippat. Con un estro e una cura al dettaglio degni di nota, l’azienda ha dipinto di vividi colori la parte visiva del brano, cucendo con grazia il balaclava indossato dal rapper. In questo incantato mosaico musicale, il visivo si fonde con l'auditivo, creando un intreccio che incanta occhi, anima e orecchie, completando il progetto in modo unico e memorabile. “Èokey” è accompagnato dall’iconico videoclip ufficiale, che girato ad Ancona sotto l’attenta direzione di Andrea Rota, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e disponibile sul canale VEVO dell’artista a partire da martedì 17 Ottobre, traspone in frame il suggestivo dinamismo del pezzo, impreziosendolo di energia e carisma. Con questa release, Èokey rivela la sua passione per le sonorità di matrice elettronica, che grazie al contributo dell’abilità creativa del producer Miror B, creano un connubio musicale in grado di cogliere e catturare magistralmente l'ampia gamma di emozioni evocata dal testo. L’artista brasiliano ha racchiuso cuore ed anima in questa canzone, consegnandoci una composizione unica e coinvolgente, un viaggio attraverso l'amore e l'auto esplorazione che con il suo mix di speranza, incertezza e desiderio di autenticità, ha tutte le carte in regola per lasciare un'impronta duratura nel rap-game italiano e nella memoria emotiva degli ascoltatori.

Dopo quattordici anni dedicati allo studio del canto e della musica, nove dei quali trascorsi a scrivere e pubblicare singoli che hanno affascinato l’anima del pubblico e la penna della critica, la brillante cantautrice salentina classe 2000 Ester Del Popolo torna nei digital store con il suo atteso debut album, “Mi Presento” (Sonos Music Records), un suggestivo viaggio di 10 tappe tra i colori che hanno plasmato e continuano a definire l’arcobaleno artistico di una delle migliori promesse dell’attuale scena cantautorale femminile italiana. Avvolta da raffinate tinte sonore di matrice etnica, elettronica e pop-rock, Ester esprime il flusso dei suoi pensieri in un concept attualissimo che, in perfetta simbiosi con la sua vocalità potente e incisiva, sfiora tutte le corde del cuore, affrontando tematiche dal forte impatto emotivo: dalla violenza fisica e psicologica al conflitto russo-ucraino, passando per il complesso rapporto dei giovani d’oggi con il futuro - sorretto dall’ansia e dal timore di crescere in una società ancora troppo individualista - per giungere alle riflessioni sulla morte, sulla libertà di amare e sulle paure e le conseguenze che accompagnano le relazioni tossiche e disfunzionali. La scelta del titolo, “Mi Presento”, racchiude la volontà dell’artista di rivelarsi al mondo con assoluta verità e naturalezza, senza filtri e senza maschere, mediante 10 capitoli di una narrazione fortemente autobiografica che svela una cifra stilistica unica e originale, elegante, emozionante ed in costante evoluzione. Ma non solo; “Mi Presento” è anche un mantra, un inno alle nostre meravigliose peculiarità, uno scrigno di anima e note in cui custodire il proprio microcosmo personale. Un viaggio interiore che ci invita a dirci “Ascoltami”, per riscoprire la dolce leggerezza che abita in noi e, proprio come il “Latte di cielo”, sa fluire e dedicare “Tempo per le stelle”, per quei sogni che, in un 'Soffio' di “Terra”, ritrovano le “Ali” che gli e ci consentono di ergerci e volare, attraverso e oltre le tempeste, dentro e al di là di quel “Dolore che ci fa” male, ma al tempo stesso ci consente di crescere, giorno dopo giorno, canzone dopo canzone. Anticipato dai singoli “Terra” – brano presentato su Rai 2 a Viva il VideoBox di Rosario Fiorello - e “Il dolore che ci fa” – release che affronta la delicatissima tematica della guerra in Ucraina – “Mi Presento” riconferma non soltanto le impeccabili doti vocali di Ester, ma anche e soprattutto una sensibilità e una profondità d’animo degna delle più grandi cantautrici internazionali. Il disco verrà presentato dal vivo il prossimo 14 Ottobre alle ore 21.30 presso l’evento fieristico Expo2000 che si terrà a Miggiano (LE) e durante il quale sarà possibile acquistarne copie fisiche. In apertura di serata, interverrà Don Antonio Coluccia, sacerdote salentino che da anni lotta contro ogni forma di criminalità e si batte per difendere, aiutare e “allontanare dalla strada” gli uomini e le donne di domani ed a cui Ester, da sempre mossa dai principi della libertà, dell’uguaglianza e dello stop alla violenza, ha deciso di affidare parte del ricavato della vendita della serata. A seguire, tracklist e track by track del disco: “Mi Presento” – Tracklist:  1. Terra 2. Tempo per le stelle 3. Mi presento 4. Il mio tempo 5. Soffio 6. Il dolore che ci fa 7. Sono nate le arance 8. Ascoltami 9. Latte di cielo 10. Ali “Mi Presento” – Il disco raccontato dall’artista: Terra: un'esplorazione metaforica dell'ansia costante e del disagio psicologico. Nonostante ci si senta intrappolati e soffocati, il cuore continua a battere, e lo spirito desidera liberarsi emotivamente. Tempo per le stelle: questo brano è una riflessione sulla vita frenetica che non lascia spazio ai sogni e impedisce di vivere nel presente. «Siamo anni luce da me, te, ora». Mi presento: con un arrangiamento dal sapore folk, questo brano rappresenta l’introduzione e l’essenza di me e di questo mio progetto full length. Il mio tempo: esplorazione delle sfide legate alla crescita e all'accettazione dei cambiamenti che la vita ci impone. Soffio: questo è un brano provocatorio, una sfida diretta a coloro che traggono piacere dalla sofferenza altrui per alimentare il proprio ego. Una sfida anche coloro che giudicano e deridono senza cercare di capire o assistere chi è in difficoltà. Il dolore che ci fa: una rappresentazione commovente del vuoto interiore e del dolore causato da tutte le forme di violenza. Ho scelto di parlare dell'invasione dell'Ucraina da parte della Russia perché mi ha davvero scioccata. A livello musicale, il brano è accompagnato da ricchi arrangiamenti orchestrali. Sono nate le arance: una dedica sincera a una figura importante nella mia vita, implorando la sua presenza e guida nonostante la distanza fisica. Questo brano evoca ricordi commoventi, suscitando una sensazione di nostalgia. Ascoltami: esplora un amore appassionato, in cui la donna prende il controllo della dinamica psicofisica della relazione. Latte di cielo: una canzone d'amore…platonico. Ali: il brano di chiusura del disco narra un amore profondo e straordinario, capace di sospendere il tempo, sollevare lo spirito a altezze sconosciute, cancellare le preoccupazioni e le ansie, facendo sentire chi lo vive libere e leggero. Con “Mi Presento”, Ester Del Popolo apre il suo cuore e la sua anima, invitandoci a prender parte ad un acquarello musicale straordinario. Questo album è un encomio alle unicità, una gemma di emozioni e melodie, un'opera autentica, profonda ed emozionante che riconferma Ester come una delle cantautrici più promettenti della scena contemporanea italiana.... Continua a leggere

Quando i synth danno forma ai sogni e l’elettronica abbraccia il pop, il risultato ha un solo nome, Strange In Stereo. Dopo il successo di "Everything In Its Own Place", il mini EP double track che li ha visti collaborare con la brillante cantautrice e polistrumentista ucraina Natalee Borisenko e la cantautrice e vocal producer londinese Kate Wild, il duo italiano dall’animo cosmopolita composto da Giovanni Ferranti e Claudio Mastroddi, abbandona il dancefloor per abbracciare la sperimentazione in “To Get To You” (PaKo Music Records/Believe Digital), un EP tripla traccia che affascina e cattura i sensi sin dal primo ascolto, impreziosito dalla vocalità unica e avvolgente della cantautrice, chitarrista e compositrice romana Sandrine Vaud. Tre tracce, tre dimensioni sonore e interiori differenti che si amalgamano e fluiscono in un unico concept, quello di sfiorare, tendere e far vibrare tutte le corde del cuore, catturando l’anima e stimolando la mente, grazie all’eccezionale fusione di melodie emozionali e testi incisivi e profondi, capaci di condurre in un’esperienza musicale senza precedenti. Il brano omonimo d’apertura, “To Get To You”, evoca atmosfere notturne, rappresentando un vero e proprio inno dream pop enigmatico e catartico. Sulle ruote della mente, trainate dal motore dei battiti, il testo guida l'ascoltatore in un'atmosfera mistica, attingendo a profonde riflessioni sull'ineluttabilità del destino, che attraverso l’oscurità della notte - «the darkness of the night» -, trovano senso e risposta nella luce del sentimento. La paura dell’ignoto, si tramuta così in coscienza e devozione verso il proprio destino - «I swim in the void and you fill it» («nuoto nel vuoto e tu lo riempi») -, sfociando in un ritornello che diventa un mantra, un invito a raggiungere la consapevolezza che siamo tutti soggetti a disegni misteriosi. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto dalla talentuosa videomaker italo-francese Lucilla Dosa. La seconda traccia, “Before You Go”, è un'esperienza sognante e incantata che evidenzia la straordinaria abilità degli Strange In Stereo nel coniugare melodie suggestive a testi intimi e coinvolgenti. La canzone è un memorandum in musica sulla natura fugace della vita e sull'importanza di trattenere a sé gli istanti prima che fuggano e si allontanino, svanendo nella malinconia. Un messaggio che echeggia e risuona nel profondo, e ci ricorda che «time is never enough» («il tempo non è mai abbastanza»). A chiudere il progetto, c’è “Keep On Walking”, il brano più ribelle e grintoso dell’EP, che racconta con liriche taglienti e suoni audaci l'ostinazione nel vagare senza meta, un vivido riflesso del desiderio innato di andare oltre, di varcare i confini e ricercare territori inesplorati, fisici e animici, «vagando ovunque e cambiando vecchie strade con nuove» («aandering all around and changing old roads for new ones»). "To Get To You" è stato registrato a Sulmona presso lo Strange In Studio, mentre le voci sono state immortalate presso il The White Lodge Studio di Roma da Matteo Portelli. Mix e master sono stati realizzati al The Airlab Studio nel Regno Unito da Jerome Schmitt, con il contributo creativo aggiuntivo degli Strange in Stereo. La cover dell’EP è stata ideata dal brillante artista John Williamson. Questa release rappresenta un nuovo, eccitante capitolo nella straordinaria carriera degli Strange In Stereo, un duo italiano dall’attitude internazionale per cui ogni nota è un'emozione ed ogni ritmo è un battito del cuore. L’EP è stato cucito ad hoc per tutti coloro che cercano un'immersione musicale in grado di dar suono e voce alle sfumature dell’anima. “To Get To You” è molto più di una semplice raccolta di brani; è un viaggio emozionale, un tuffo nell'ignoto e un abbraccio alla bellezza dell'incertezza. Preparatevi a sollevare il volume, a chiudere gli occhi e a perdervi nell'incanto degli Strange In Stereo; sarà un viaggio che ricorderete a lungo.... Continua a leggere

Giordano Amici, il cantautore romano noto per la profonda emozionalità della sua penna e la vibrante incisività delle sue interpretazioni, torna a penetrare il cuore degli ascoltatori con "Lara" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo viaggio oltre le note che scava nell'animo umano gettando uno sguardo coraggioso sull’oscurità delle dipendenze. Scritto dallo stesso artista con la fine sensibilità che permea e avvolge ogni sua opera e plasmato dalle mani esperte del produttore Alessandro Di Somma, che ha saputo tessere il perfetto connubio tra melodia e testo, "Lara" si innalza come un capolavoro di verità sul disagio adolescenziale, scolpendo tra le rocce dell'esistenza le sfumature più cupe di un cammino di crescita in continua evoluzione. Affrontando con incalzante urgenza e disarmante delicatezza la tematica della tossicodipendenza giovanile, Giordano Amici proietta nell’abbraccio del pop-rock un raggio di luce destinato a risvegliare le coscienze, svelando le ombre nascoste nei cuori dei giovani di oggi, una gioventù che combatte quotidianamente con demoni invisibili e, per questo, sempre più inquietanti. «Lara stacca un biglietto per un mondo immaginario, mentre fissa un muro a testa all’insù con il naso ancora sporco di bianco»; «Lara consuma sogni con la dipendenza, apre porte alla prigione della triste realtà»: un vivido quadro dai tratti struggenti che si fonde con una tela melodica in grado di creare e trasmettere un'atmosfera governata da profondo turbamento. Un viaggio tra le tenebre interiori, in cui la lotta tra illusione e realtà consuma dentro, lasciando cicatrici impalpabili, ma profondissime, sull’anima di chi, non trovando atri rifugi, si addentra nel tunnel delle dipendenze in cerca di ascolto, accoglimento, in cerca di un riparo da quel silente frastuono che pare spesso ingovernabile. «Per una dose lei regala il suo corpo, Lara sulla pelle ha i segni di quei tanti sconosciuti, ma questo in fondo a Lara non interessa, la sua amica è nella tasca dei jeans»; parole che nella loro crudezza, rivelano il bisogno di fuga, l'accettazione della sofferenza e la rassegnazione al dolore. Stati interiori che emergono come elementi centrali di una narrazione che esplora il lato più torbido delle dipendenze, il prezzo da pagare per quel legame morboso e disfunzionale che si instaura con le sostanze. “Lara” non è semplicemente una canzone: è il simbolo di una generazione che vive in un mondo sempre più complesso e competitivo, un'esperienza profonda che svela tutte le sfumature di «un viaggio senza meta che spegne (…) sensi lenti», sensi intorpiditi dagli abusi, annebbiati dalla droga e dall’alienazione, dal distacco dalla realtà, invitandoci a riflettere sull’importanza di andare oltre le apparenze, oltre i pregiudizi, oltre le facili condanne. Un cammino tra le tenebre verso la luce, un inno di rinascita e riscatto che invoca una fiamma di guarigione per chiunque si trovi intrappolato in situazioni simili. Un grido di allarme, una denuncia sociale, una testimonianza di solidarietà verso chi soffre di dipendenze, ma anche un messaggio di speranza e di incoraggiamento a non arrendersi, a lottare per liberarsi dalle catene delle droghe ritrovando il senso della vita. Con "Lara", Giordano Amici non solo fotografa e cattura le emozioni in versi incisivi e commoventi, ma le amplifica su un arrangiamento musicale coinvolgente, unendosi in un canto di profonda risonanza. “Lara” è un'ode alla vulnerabilità e alla forza interiore, un appello appassionato a non fuggire dai mostri invisibili che oscurano la realtà, ma a lottare per la propria liberazione, spezzando per sempre le catene della propria prigione interiore, come suggerito dalle liriche conclusive del pezzo - «bianche righe che col tempo come lame spezzerai». "Lara" ci ispira a perseverare nella nostra lotta per la libertà e l'autenticità, risuonando come un encomio alla resilienza e alla determinazione umana.... Continua a leggere

È una delle voci più calde, suggestive e ricche di colori del nuovo panorama cantautorale femminile italiano e dopo aver sfiorato le corde del cuore con i suoi “Sbalzi D’Amore” ed aver dimostrato che ciascuno di noi può rinascere dal gelo interiore proprio come un “Bucaneve”, sbocciando dal ghiaccio invernale, la brillante cantautrice milanese di origini sarde Deiah, al secolo Deborah Ruggiero, torna nei digital store con “In Totue”, il suo nuovo intreccio di modernità e tradizione. Con le onde del mare nell’anima e le vibes cosmopolite nelle vene, l’artista, che trae il suo pseudonimo dalla fusione tra la prima e l’ultima lettera del suo nome di battesimo e l’affermazione “si” (eia) in lingua sarda, ci regala il frutto di un intensissimo anno di ricerca e studi sulle usanze della terra dei Quattro Mori, il perfetto connubio tra cultura millenaria e dinamismo urbano, un ponte tra radici e obiettivi che incanta e accarezza i sensi sin dal primo ascolto. Nato da un'attenta e approfondita indagine sulle melodie e gli strumenti tradizionali sardi, “In Totue”, che in limba, ovvero in lingua sarda, significa “In ogni dove”, è un invito appassionato a cercare dentro di sé quel senso di appartenenza, quel legame indissolubile con le nostre origini, capace di farci sentire protetti e al sicuro in qualsiasi situazione, perché, come la stessa artista dichiara: «Non importa quanto lontano possiamo essere, ci sarà sempre una connessione, un filo invisibile che ci riporterà lì, alle nostre radici, consentendoci di onorare e ringraziare chi siamo, per abbracciare il domani con consapevolezza e determinazione». Un brano che tocca corde profonde, giungendo con delicata immediatezza non solo a chiunque abbia mai sentito il richiamo della propria terra natale, ma anche a tutti coloro che, almeno una volta nella vita, si sono sentiti persi, infinitamente piccoli in un mondo di cui, troppo spesso, dimentichiamo di essere artefici. «Se restiamo sulla sabbia mentre il sole cresce, all'ombra di mia madre, curerà i miei occhi» e «Non mi trovo ma non m’importa, tanto lo so che tue ses sa ia pro me, tue ses domo in toute (tu sei la via per me, tu sei casa in ogni dove)», sono solo alcuni dei molteplici passaggi da cui si evince l’importanza di richiamare a sé quella sensazione di appartenenza e radicamento che ci connette alla nostra natura, ma anche e soprattutto a tutti coloro che ne fanno parte, permettendoci di comprendere a fondo la potente meraviglia dell’unione. «”In Totue” – conclude Deiah - rappresenta ciò che sono, il mio essere, quel filo invisibile ma deciso che quotidianamente tesse la tela del mio percorso. Con il supporto del mio team, ho cercato di rendere al meglio la mia essenza mediterranea. La scelta di cantare sia italiano che in limba, è stata fatta proprio per rafforzare queste mie due metà che da sempre mi accompagnano e che danno vita a quella che sono. Il tutto è stato poi condito dal mix di suoni moderni e tradizionali e dalle voci della mia isola lontana che parlano al continente in cui sono nata e cresciuta». Una suggestiva immersione negli usi e nei costumi che continuano a plasmare le nostre vite, una fusione musicale che incanta gli ascoltatori avvolgendoli in un abbraccio caldo e autentico in grado di rendere "In Totue" molto più di una canzone e trasformandola in un inno alla forza delle tradizioni, un encomio all'importanza di ricordare il proprio passato per poter scrivere con cognizione e amore presente e futuro. “In Totue”, prodotto dal tocco inconfondibile di Phaser Studios, è accompagnato dall’emblematica clip social che, girata nell’entroterra sardo sotto l’impeccabile direzione di Riccardo Bizzozero, omaggia l’isola con la presenza de i sonaggiaos e s’Urzo (maschera tradizionale di Ortueri, paese di origine di Deiah), anche grazie alla collaborazione, fortemente voluta dall’artista, di brand e professionisti locali che hanno impreziosito le scene con gioielli (MEG Jewels) e colori tipici della Sardegna. Con questo brano, Deiah attinge al passato per dar voce al futuro, riconfermando la versatilità della sua arte e dimostrando che per tracciare il percorso del proprio domani, è fondamentale tenere a mente chi siamo e da dove veniamo.... Continua a leggere

L’estro eclettico e innovativo di Stamani torna a risplendere in "No Love" (Key Records/Altafonte), il suo nuovo singolo. Dopo il trionfale successo de "La Garra", la giovane promessa del rap tricolore riconferma la versatilità della sua cifra stilistica con un brano che esplora il delicato equilibrio tra amore e odio, speranza e delusione; una testimonianza di rime e flow sul suo approccio unico alla musica, volto alla condivisione delle esperienze umane. Un viaggio intimo nel labirinto delle emozioni, un fiume in piena di riflessioni e sentimenti che penetra l’anima dell’artista e quella di chi lo ascolta, un mix coinvolgente espresso egregiamente da immagini evocative e incastri pungenti, prospettive e assaggi di vita vissuta che offrono una visione cruda, quanto sincera, dei rapporti interpersonali e del bisogno innato di autenticità e accettazione. Le liriche, scelte con cura e maestria, catturano tra pause e parole l'ambivalenza dell'amore, la struggente verità della delusione e quella dolce speranza che con costanza e tenacia persiste, nonostante i traumi e le ferite scalfiti sul cuore. Sin dalla strofa di aperura, Stamani imprime sul beat una visione scettica del concetto di destino, enfatizzando l'importanza di afferrare e far proprio tutto ciò che si può toccare, che si può comprendere direttamente, attraverso situazioni e vicissitudini personali. L'intensità delle emozioni, viene abilmente dipinta e racchiusa in metafore altamente suggestive, come l'analogia con le «lacrime da Giorgi», che crea istantaneamente uno straordinario contrasto di sensazioni, esortando l'ascoltatore ad osservare al di là del semplice colpo d’occhio, a guardare oltre l'illusione, fuori dagli schemi di una realtà apparente, focalizzandosi sulla tangibilità del proprio quotidiano. Traslati di battiti universali che assumono le sembianze di «farfalle dentro al corpo», racchiudendo in una sola istantanea il tumulto emotivo dell'amore, la sua potenza e l'ansia che può generare; una «massa piena di dolori accumulati» che rappresenta la malinconica bellezza dei ricordi, frame di memoria che diventano cicatrici, increspature nell’oceano infinito del nostro sentire. La sfiducia, l'insicurezza nei confronti delle relazioni; Stamani si interroga sulla natura oscura dei segreti, sulla sofferenza che causano indebolendo la fiducia nei confronti del prossimo e rendendoci vulnerabili, costantemente diffidenti verso ogni tipo di connessione interpersonale. Nella frase-mantra «ho amato ho odiato» che si ripete lungo tutto il corso della narrazione, l’artista si concentra sulla complessità delle percezioni individuali e sulla natura altalenante delle relazioni, sottolineando come le persone cambino nel tempo e invitando ogni ascoltatore a far leva solo sulle proprie capacità - «conta solo su te stesso» -. “No Love” è accompagnato dal videoclip ufficiale, che girato al Multiset Studio Bicocca di Milano sotto l’attenta direzione di Chiara Bettiga, verrà rilasciato su YouTube il prossimo 29 Settembre. Questo singolo è un vero e proprio inno all'indipendenza e all'autoconsapevolezza, un percorso sonoro che abbraccia la ricchezza e l'ambiguità della condizione umana, sondando in profondità la fragilità delle amicizie e dei rapporti romantici e riconfermando Stamani come uno dei talenti più poliedrici e brillanti del rap-game italiano.... Continua a leggere

Rap e vita di strada sono da sempre interconnessi, legati da un filo indissolubile capace di donare al tempo stesso unione e dispersione, nei confronti di se stessi, dei propri affetti e dei propri obiettivi. Un nastro sottilissimo ma inscindibile, che può avvolgere o trasformarsi in cappio a seconda delle scelte quotidiane, delle decisioni compiute da chi lo tesse sin dal suo primo battito. Proprio da questo assunto, il duo di fratelli milanesi di origine kosovara Nova King, prosegue la sua mission di innovazione della scena underground italiana con “Paradiso” (PaKo Music Records/Believe Digital), un singolo in grado di stravolgere non soltanto il modo di fare trap in Italia, ma di racchiudere in sé la vera essenza del successo, quello che si concretizza in una totale affermazione personale superando le barriere di un’effimera e fugace notorietà, quello che non considera piani B né scappatoie, ma è frutto di determinazione, impegno, sacrificio e responsabilità. Prodotto dall’immancabile tocco di Promo L’Inverso, “Paradiso” esplora emozioni profonde attraverso il prisma della street life e della cultura Hip Hop, spaziando dalla ricerca della realizzazione personale all'aspirazione materiale. Fin dai versi iniziali, Kabis e Capo Pac richiamiamo i loro sogni ambiziosi - «sogno il paradiso come un posto alle Hawaii, essere in alto come i palazzi di Dubai» -, evocando il desiderio di sfuggire da una quotidianità che ingabbia per raggiungere il proprio eden personale. Una dualità, quella tra aspirazioni eccezionali e ricerca di un luogo ideale, che permea tutto il brano. Affrontando il concetto di successo attraverso il desiderio di «prendere un fly» e sfoggiare gioielli preziosi - «sul collo l'ice» -, i Nova King puntano i riflettori sulla potente connessione tra l'apparenza e il prestigio sociale: l'idea di un conto in banca «che non può finire mai», incarna infatti una sicurezza finanziaria illimitata, una stabilità che, con il passare del tempo, lascia spazio ad una serie di dialoghi animici sulla complessità della vita «tu dimmi dimmi dimmi dimmi dimmi dimmi come si fa?» -; colloqui intimi e profondi che enfatizzano la costante lotta tra aspirazioni e realtà e conducono l’ascoltatore a riflettere sulla difficoltà di mantenere l'autenticità in un ambiente frenetico, suggerendo che il denaro non può colmare completamente il vuoto interiore - «i soldi fan felici, ma dentro di te resterà quel vuoto e i cerotti non saranno i cash» -. Una release che non è solo una canzone, ma un'ode alle ambizioni di chi lotta per un futuro migliore, un inno alla fatica e al duro lavoro, un invito sentito e viscerale a non cedere ad espedienti e sotterfugi per realizzare il proprio pieno potenziale - «sono sdraiato sui soldi ma non perdo la ragione» - e, di conseguenza, ogni obbiettivo prefissato. Aspirazione e ambizione si intrecciano per costruire quel “Paradiso” da una trappola, quella luce nell’oscurità di una gabbia in cui «gli anni passano veloci come un Cayenne» e «i soldi cambiano la vita e le persone». I Nova King catturano così l'essenza di chi cerca la propria strada, trasmettendo l’importantissimo messaggio che la libertà di sognare è un premio da guadagnare attraverso l'impegno e la dedizione e dimostrando, tramite la loro esperienza, come la forza interiore possa tramutare le sfide in opportunità.... Continua a leggere

Dopo aver sperimentato con naturalezza ed eleganza generi e sonorità differenti che gli hanno consentito di far breccia nel cuore del pubblico e di essere riconosciuto dalla critica come uno dei talenti più carismatici e versatili della musica d’autore contemporanea, Ruggero Ricci torna in radio e nei digital store con “China Town” (Orangle Records/Ingrooves/Universal Music Italia), il suo nuovo singolo che ci regala un assaggio delicato, ma vibrante, della stagione alle porte, pur mantenendo l’energia e l’identità di uno degli artisti più magnetici della nuova scena pop italiana. Prodotto dal tocco inconfondibile di Max Giorgetti (già per Random e MamboLosco) e presentato in anteprima assoluta alla finale di “Una Voce per l'Europa” presso l'Arena Francesca da Rimini - evento di cui Ricci è stato ospite onorario -, il brano è un up tempo dal retrogusto estivo, quasi malinconico, che attinge all’elettronica degli anni ’80 fondendo passato, presente e futuro in un intreccio di liriche e ritmo che affascina e cattura i sensi sin dal primo ascolto. Ma non sono solo le sonorità accattivanti e curate con minuziosa maestria a rendere "China Town" un'esperienza avvincente capace di andare ben oltre il concetto di canzone: è l'abilità di Ruggero Ricci di reinventarsi costantemente, di sfidare i confini musicali e di donarci sempre nuovi spunti di riflessione attraverso un incredibile mix di sensibilità, passione e dinamismo a renderla la perfetta colonna sonora dell’intervallarsi delle stagioni, dell’anno, e della vita. «Disegnerò la mia vita in un altro mondo per esistere, resistere», parole che abbracciano l’anima ed echeggiano nel cuore, invitando la mente a riflettere sull'importanza delle priorità nel mondo moderno e donando il coraggio di decidere - «se non posso provare emozioni, allora bon voyage» -, per diventare protagonisti del proprio percorso e guardare avanti, al di là dell’insensata esigenza di dover piacere a tutti rinunciando a se stessi - «voglio stare meglio, voglio essere me stesso» -. «Ogni tanto sento la necessità di farmi una dedica – dichiara l’artista -, di farmi forza attraverso le canzoni: questa in particolare, è un esame di coscienza su quanta importanza diamo all’apparenza e alle cose futili sprecando tempo prezioso nella nostra quotidianità, giorno dopo giorno». Un messaggio potente, un’istantanea sincera del tempo presente, che ci ricorda non solo l’importanza di rimanere fedeli a noi stessi e ai nostri principi, ma anche e soprattutto che il futuro della Generazione Z dipende dalle decisioni che noi adulti prendiamo oggi, sia nel mondo virtuale che in quello reale. «Dovremmo ricordarci più spesso di essere la nostra prima scelta – conclude Ricci - e che il futuro della generazione Z dipende dalle decisioni che prendiamo dentro e fuori la vita virtuale. Sto vivendo un periodo particolarmente creativo, dopo un’estate ricca di live e di incontri. Ho molto da dire attraverso le mie canzoni, credo sia fondamentale sperimentare con cognizione di causa e per questo, cerco di offrire sempre nuovi spunti di riflessione, in quanto credo fermamente nel valore dei testi». “China Town” è accompagnato dal videoclip ufficiale, che presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e disponibile su YouTube a fine mese, si apre con la suggestiva veduta dell’iconica ruota panoramica di Rimini, presentandoci la vera essenza del pezzo. Attraverso il vivace mix di elettronica dai richiami anni '80, il brano cattura la vitalità e l'energia giovanile, portando in primo piano le sfide e le speranze della Generazione Z. Il video, un piccolo capolavoro visivo diretto e girato da Francesca Gallina, affonda le radici nell'Emilia-Romagna, omaggiando così le origini dell'artista e donando un'atmosfera a mezz’aria tra malinconia e speranza. Un altro fiore all’occhiello della discografia del vocal coach e cantautore lughese, che con la sua dedizione alle parole e alla musicalità autentica si riconferma uno dei talenti più dinamici e incisivi della scena pop nazionale; una veridicità che risuona nel cuore di "China Town", facendone un inno all'individualità, alla scelta di essere la propria priorità e alla responsabilità delle decisioni prese ogni giorno. Ruggero Ricci diventa così una guida, la voce di una generazione che desidera definire il proprio destino, non solo online, ma anche e soprattutto nella vita reale, quella in cui, le connessioni, sono il frutto di empatia, sentimenti e solidarietà.... Continua a leggere

Dopo aver incantato gli ascoltatori con l’armonia e la delicatezza della sua voce nella versione acustica di “Sorry” ed aver conquistato la critica che l’ha premiata al CantaLago 2022, la giovanissima cantautrice brianzola classe 2008 Cathe, al secolo Catherina Arienti, torna nei digital store con “Cheesecacke” (Greysproduction), il suo primo singolo ufficiale che ne evidenzia il lato più energico e grintoso. Quindici anni all’anagrafe, ma un’urgenza espressiva degna di una vera promessa della scena pop italiana, viso pulito, sorriso ipnotico e scrittura penetrante, diretta ed incisiva, sono gli elementi che contraddistinguono la sua personalità e danno vita alla sua cifra stilistica, un mix di spensieratezza, intimismo, leggerezza e riflessione capace di affascinare sin dal primo ascolto, avvolgendo orecchie e cuore in un abbraccio dolcissimo, proprio come la “Cheesecacke” da cui questo suo esordio trae il titolo. Scritto dalla stessa artista con la supervisione del genio creativo di Daniele Piovani e prodotto dall’abile tocco di Max Cenatiempo, che ha saputo impreziosire di ritmi caraibici un testo a mezz’aria tra romanticismo e passione, il brano è il fotogramma in musica di quell’ultimo giorno di scuola che segna al contempo la fine e l’inizio di un periodo, attimi scanditi dal suono di un’estate e dai battiti di un cuore che, per la prima volta, assapora un nuovo gusto, quello dell’amore. Un viaggio in moto, «seguendo il vento», in un pomeriggio in cui, su quella «spiaggia isolata a ballar la bachata», due giovani innamorati si ritrovano «soli come due cuori» e si rendono conto di non aver bisogno di domandare al mondo qualcosa in più, perché l’una negli occhi dell’altro trovano quel «mi basti tu» che li completa, la consapevolezza che «tu sei il dolce, quello giusto», che li fa sentire connessi senza bisogno dei social e molto più intimamente e profondamente di un qualsiasi like o follow. Una cheesecake alla fragola condivisa tra due innamorati che diventa musica, capace di unire due anime «in mezzo ai suoni» e di rendere magico quel briciolo di pazzia che colora l’esistenza, rendendola un acquarello di emozioni, sentimenti e desideri che ad un «mi chiedi come sto», non può rispondere altro se non «io sto bene, sto sognando». Accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto da Massimiliano Cenatiempo in collaborazione con Francesco Cardella, il pezzo miscela sapientemente amore, energia, leggerezza e libertà; gli ingredienti che ci consentono di sperimentare il vero gusto di quella “Cheesecacke” unica e irripetibile chiamata vita.... Continua a leggere

30 anni appena compiuti ed è già una delle migliori promesse del panorama cinematografico del Belpaese, il suo primo film, un travolgente e suggestivo intreccio tra amore e dolore, sofferenza e rinascita ispirato e dedicato alla Gen Z, “Blu come i tuoi occhi”, debutterà in Italia a fine estate in esclusiva su CHILI - per poi essere distribuito in altri sei paesi -, e vanta già numerosissimi riconoscimenti a livello internazionale - tra cui la prestigiosa candidatura come miglior film al Premio Leonardo Da Vinci -, ma la sua Arte non conosce confini e dal 14 Luglio 2023 è disponibile per Mondadori, Feltrinelli ed Amazon il suo primo libro, “Cinexpress”, un viaggio unico, entusiasmante e coinvolgente nel cuore pulsante della cinematografia. Questo è Eric Veneziano, regista, sceneggiatore e autore eporediese classe 1993 che sta innovando il modo di fare e vivere il cinema in Italia. “Cinexpress. Il passaporto per il mondo della cinematografia” è un’immersione a pieni polmoni nella Settima Arte, un’affascinante escursione tra immagini ed emozioni trasposte e racchiuse in 118 pagine da leggere tutte d’un fiato, per entrare nel vivo delle storie, degli aneddoti e dei retroscena che hanno dato vita ad indimenticabili capolavori. Con una prosa evocativa ed un’analisi profonda e minuziosa, il cineasta piemontese accarezza i 5 sensi accompagnando il lettore in un mondo parallelo, quello che ci consente al contempo di comprendere la realtà e di evaderla, quello che nonostante le sue evoluzioni e le sue trasformazioni, continua ad appassionarci, consentendoci di scorgere, su piccoli e grandi schermi, la meravigliosa complessità che vive ed abita in ciascuno di noi. «Ho deciso di creare un libro per racchiudervi tutto l'essenziale – dichiara Eric Veneziano -; non importa se lo leggerà un principiante curioso o un esperto desideroso di approfondire. “Cinexpress” è una guida completa che abbraccia la storia del cinema, i metodi di recitazione, i generi cinematografici, la composizione letteraria di un film e molto altro ancora…È un volume che condurrà chiunque lo possieda nei segreti e nelle sfumature che si celano dietro la magia del cinema». Una preziosa risorsa, uno scrigno di ricordi ed emozioni per tutti i cinèfili e per coloro che desiderano approfondire la comprensione di un universo artefatto ma più vero che mai, da sempre sospeso tra quella pura finzione sostenuta da Christian Metz e la realtà, quella verità filmata ventiquattro volte al secondo promossa da Jean-Luc Godard. Grazie ad una prospettiva unica e coinvolgente e ad un approccio chiaro e accattivante, “Cinexpress” riconferma Veneziano come una delle voci più autorevoli nel campo della cinematografia moderna, sia come regista che come autore.

Dopo 10 anni di esperienza come chitarrista e seconda voce in una band alternative rock che gli ha consentito di condividere il palco con artisti del calibro di Linkin Park e Sum41 e tre singoli di successo all’attivo come solista, il cantautore, polistrumentista e producer milanese Manuel, torna ad estasiare orecchie, cuori e sensi in “Ibisco” (Gotham Dischi/Ingrooves/Capitol Records), il suo nuovo singolo, primo in lingua italiana, che intreccia la delicatezza e l’eleganza del fiore da cui trae il suo titolo, all’emozionalità di una delle voci più intense della scena pop italiana. Emblema per antonomasia di amore, passione, e bellezza, l’ibisco diventa protagonista di questa release intensa e incisiva, assumendo una nuova accezione, quella di custode di un ricordo e scrigno di un sentimento, che sa racchiudere, tra i suoi petali dai mille colori, l’eternità di un battito, di un rapporto che, seppur giunto al capolinea, continuerà ad accarezzare le corde della nostra anima, per ricordarci di vivere appieno ogni momento, indipendentemente dal suo decorso e dalla possibilità di una conclusione differente dalle nostre aspettative. «Questo pezzo – dichiara Manuel - descrive un particolare momento della mia vita. L’ho scritto lo scorso inverno, dopo aver attraversato una tempesta. Ho ricominciato a scrivere, cantare e suonare, per liberarmi dai pesi che sentivo dentro. Ho sempre avvertito la necessità di percorrere certi avvenimenti attraverso la scrittura e la musica, forse perché così facendo riesco a vederli più in profondità, in maniera più nitida, quasi come se fermassi il tempo e li rendessi eterni, preziosi. Con “Ibisco”, il mio primo singolo in lingua italiana, voglio far passare il messaggio che dobbiamo goderci pienamente tutti i momenti, anche quelli meno belli, perché fanno parte del nostro processo di crescita interiore e che, l’amore vero, una volta provato, non può sparire; può cambiare, certo, ma rimarrà sempre parte di noi». Le corde delicate della chitarra acustica, vestono di suggestione un testo che sa fondere malinconia e desiderio, sofferenza e resilienza, lo storytelling di una vicenda autobiografica che nel nero su bianco di un incantesimo spezzato, narra tra le sue liriche quell’istante in cui due persone, apparentemente inseparabili, si dirigono verso strade diverse, sciogliendo un legame che sembrava indissolubile, un’unione che fino a quel momento aveva superato ogni ostacolo, travolgendo i sensi e facendo immergere l’ascoltatore in un immaginario a mezz’aria tra un addio ed un nuovo inizio. «Rubami tutti i respiri per l’ultima volta», canta Manuel, invitando, quasi supplicando, colei che vede «arrivare con la tempesta» a sciogliere il gelo che gli assidera il cuore, ed in quel «perdimi così, senza musica di sottofondo», l’abilità evocativa dell’artista cattura gli echi di un «legame in bilico su un filo di seta», regalando al pubblico la vivida istantanea di chi ripete a se stesso «l’amore non è tutto, ma tu eri tutto per me». “Ibisco”, prodotta dallo stesso Manuel in collaborazione con Matteo Magni, è accompagnata dal videoclip ufficiale che, diretto da Lorenzo Sibug, traspone in immagini il doppio significato del brano, dividendosi in due set separati che rappresentano due distinti momenti interiori: il primo, in esterna, raffigura il momento presente, in cui Manuel, conscio degli errori commessi ma anche dell’amore donato e ricevuto, ripercorre le sue esperienze con occhi nuovi ma con lo stesso cuore; il secondo, enfatizzato dalla presenza dei led, immortala il passato, gli istanti in cui l’artista ha scritto il brano, regalando una prospettiva, e una visione, più intima e nostalgica. Dotato di una timbrica unica ed istantaneamente riconoscibile e di un’intensità interpretativa degna dei più grandi nomi della scena internazionale, Manuel si riconferma come una delle più brillanti promesse del cantautorato italiano, un “Ibisco” di ritmo, voce ed emozione che colora di note e sentimenti il giardino del pop tricolore.

Su chi possiamo contare quando, nel corso della vita, attraversiamo un periodo di stallo, confusione, incertezza? Quante e quali, delle persone che abbiamo affianco ogni giorno, sono disposte a donarci ciò che di più prezioso hanno al mondo, il loro tempo, per ascoltarci e supportarci? E soprattutto, chi di loro continuerà a camminare con noi, indipendentemente dagli ostacoli posti lungo il percorso? A questi interrogativi, frutto di una profonda analisi interiore, ha provato a rispondere Wavy, giovane rapper leccese d’adozione catanese classe 1998 nel suo singolo d’esordio, “Momenti no” (Sonos Music Records), un flusso di coscienza, introspezione e stile a cui è impossibile rimanere indifferenti. Scritto dallo stesso artista e prodotto da Ermanno Corrado, il brano, avvolto da un intreccio sonoro capace di fondere l’emozionalità del pianoforte a suggestivi delay ed attualissimi ritmi trap con sfumature dance anni ‘90, è un’istantanea di rime e flow sugli appigli mancati nelle mareggiate del nostro navigare quotidiano, sui salvagenti emotivi e affettivi a cui vorremmo aggrapparci, anche solo per una breve sosta ristoratrice, in quel mare magnum che è la vita, ma che, puntualmente, ci lasciano alla deriva, in balia di noi stessi e delle nostre difficoltà, inventando scuse o propinandoci inutili frasi di circostanza, come lo stesso Wavy dichiara: «questo pezzo, nasce in un periodo di profonda confusione, tristezza e tensione. Un arco di tempo della mia vita in cui tutto sembrava avverso e insormontabile. L’ho scritto pensando a quando ci si ritrova in un momento di difficoltà e si ricerca un briciolo di empatia, qualcuno su cui contare, ma, in cambio, si ricevono solamente rifiuti, frasi fatte, le classiche “pacche sulle spalla” che sono più leggere dell’aria e portano a chiudersi, ad isolarsi ulteriormente». Un distacco volontario da aspettative deluse e speranze disilluse che assidera completamente un animo già privato del suo calore - «il freddo che c 'è in piazza ha congelato il mio cuore» - che si fa sempre più asettico, anestetizzato a qualsiasi tipo di emozione e sentimento - «non sento più felicità, amarezza o dolore» - e che nelle barre del giovane artista prende forma nella narrazione di una relazione di coppia instabile e a tratti disfunzionale, in cui «una parte guarda avanti» e l’altra, ormai disincantata, si spegne lentamente - «l'altra penso morirà» -. «Sono un ragazzo che non ha mai chiesto aiuto a nessuno – prosegue Wavy -, ho sempre fatto di tutto per cavarmela da solo. Non ho mai cercato di essere capito, compreso, e nemmeno accettato per quello che sono, perché infondo, chi ci vuole bene, lo fa a prescindere. Chi ci ama, ci induce a migliorarci senza imporlo e ci sta accanto anche se abbiamo dei difetti. Ecco, con il passare del tempo, mi sono accorto che chi pensavo fosse un’ancora di salvezza, non lo era affatto. Nel pezzo parlo di questo, di questo e di quando crediamo di aver finalmente trovato qualcuno che, in mezzo agli altri, ci capisca davvero, ma, alla fine, pare rivelarsi un ennesimo abbaglio». Un abbaglio diverso dagli altri, la cui luce offusca, disorienta, ma al contempo scalda e rigenera i sensi, e che a causa di tutti quei “Momenti no”, si allontana sempre più, lasciandoci in una situazione di impasse, tra un «non ho voglia di vederti e non so mai se la riavrò» ed un «se quando ti riscrivo non vorrai, io capirò». «Io sono uno come tanti – conclude l’artista -, che ha problemi come tanti, e faccio parte di quella piccola cerchia che prova a reagire; ecco, “Momenti no” è la mia reazione, la mia replica in musica. Spero che la canzone possa arrivare, che ci si possano ritrovare tutti coloro che hanno vissuto o stanno vivendo una situazione simile. Il messaggio che voglio far passare, è che dobbiamo imparare a rialzarci, contando solo su noi stessi, ma se abbiamo accanto qualcuno che crede in noi, sicuramente sarà più facile rimetterci in piedi da ogni caduta». Un messaggio forte e chiaro, avvalorato dal videoclip ufficiale che, diretto da Ermanno Corrado di Ermanno Production e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, traspone in immagini l’essenza del testo, rispondendo con il frame finale, nell’abbraccio tra i due giovani, ai quesiti iniziali, perché è se pur vero che ciascuno di noi ha la responsabilità di se stesso e le potenzialità per risolvere ed affrontare dubbi e problemi, è vero anche che, con qualcuno affianco, i “Momenti no” appaiono più leggeri e meno insormontabili.... Continua a leggere

Cosa rimane, nelle nostre vite, se ci svestiamo dall’indifferenza e dall’individualismo sempre più marcati nella società odierna, se, per un solo istante, ci fermiamo ad osservare, a riflettere non con una mente attanagliata e subissata da egocentrismo e pseudo-perfezione, ma con il cervello del cuore? Cosa resta, dentro e attorno a noi, se non l’amore? Da questo assunto, prende il via il nuovo viaggio in musica del cantautore casertano di origini pugliesi Enrico Costa, “L’amore che resta”. Premiato lo scorso anno come miglior brano inedito allo storico concorso musicale Vota la Voce presieduto dal Maestro Enzo Campagnoli, e più recentemente alla nuova edizione del Festival Canoro Nota D’Oro con Presidente di Giuria Grazia di Michele, il brano, che ha superato i 100.000 streams a pochi giorni dall’uscita e ne conta oggi oltre 300.000, è la quintessenza in liriche e armonia di quel sentimento altissimo, puro e incondizionato che l’umanità sembra aver dimenticato, l’emblema in chiave pop dell’unica luce capace di dissipare ogni ombra, del solo battito in grado di apportare valore e senso a tutti gli altri. Scritto dallo stesso artista in collaborazione con Giulio Iozzi, Andrea Papazzoni ed Andrea Secci ed arrangiato da uno dei più grandi tastieristi e arrangiatori a livello internazionale, il Maestro Bruno Illiano (già per Pino Daniele, Annalisa Minetti, Sal Da Vinci, Marco Masini, Gianni Togni e molti altri), “L’amore che resta” si posa su un tappeto sonoro elegante e minimale, per lasciare spazio ad un testo intriso di significato e suggestione, una poesia moderna e senza tempo a cui è impossibile rimanere indifferenti. Con una modulazione vocale degna dei più grandi interpreti della scena cantautorale ed un’abilità espressiva che cattura e affascina i sensi sin dal primo ascolto, Enrico Costa dà voce al suono più intimo, antico e viscerale dell’universo intero, quello senza cui, nulla al mondo potrebbe esistere, quello che attraversa epoche, culture, generazioni e consuetudini senza mutare mai, quello che trascende da ogni cosa perché è parte di ogni cosa. «In questo mondo ormai superficiale, dove non contano le piccole cose», “L’amore che resta” è un «fiore in un campo minato» che l’artista osserva e protegge per condurci a riflettere, e che mediante l’iconografia della sua penna, punta i riflettori sul presente e sul futuro che stiamo costruendo con le nostre stesse mani, trasformando in immagini cristalline, semplici, ma emotivamente disarmanti, la sempre più marcata perdita di valori, empatia e connessioni. «Questo brano – dichiara Enrico Costa – è nato in un periodo storico particolare, subito dopo la pandemia che ha messo in ginocchio il mondo. Mi sono accorto che, invece di unirsi, l’umanità è andata avanti a creare discrepanze, divisioni, ostilità. Sembra che abbia perso i valori realmente importanti, come l’amore. L’amore vero, perfetto, dovrebbe essere quello che tutto dona e nulla chiede in cambio; tuttavia, se è condizionato dalle azioni degli altri, perde la sua sincerità. In un periodo storico come questo, abbiamo più bisogno che mai di amore reale e concreto. “L’amore che resta” è proprio questo: l’amore che va avanti nonostante le difficoltà, le incomprensioni e che tutto vince. L’amore verso il prossimo, ma anche verso noi stessi; quello che può regalarci la serenità che tanto cerchiamo. E in una società che vuole abituarci alla guerra, solo grazie all’amore possiamo ritornare ad apprezzare le piccole cose». E se “Omnia vincit amor” e “nos cedamus amori”, il vero coraggio sta nel continuare a cedere al sentimento, all’«amore che resta come resta un amico», anche quando «fugge per sentirsi vivo» e si cela «nelle nostre parole, nei nostri silenzi», perché per liberarci dalla schiavitù dell’indifferenza e dal gelo del cuore, l’unica soluzione è tornare ad amare davvero, in primis noi stessi e poi gli altri, perché la vera «chiave di queste catene è l’arroganza di volersi bene», ogni giorno, un po’ di più. “L’amore che resta” è accompagnato dal videoclip ufficiale che, diretto da Hyperion TV e con oltre 110.000 views all’attivo, enfatizza e racchiude in frame, per liberare in emozione, il significato profondo e commovente del brano. Emozionante, raffinato, e dotato di una spiccatissima capacità comunicativa, Enrico Costa riconferma il suo talento e la sua urgenza espressiva in un pezzo che ci ricorda che sì, anche quando tutto crolla e appare privo di senso, è “L’amore che resta”.... Continua a leggere

Citato su Billboard Italia come uno dei più promettenti talenti del roster di Altafonte e reduce dalla vittoria per il pubblico alle finali nazionali dell’Emergenza Music Festival 2023, il rapper canturino Stamani, al secolo Maicol D’arpa, dopo aver collezionato oltre mezzo milione di stream sulle piattaforme digitali con le sue ultime release, torna nei digital store con “La Garra” (Key Records/Altafonte), il suo nuovo singolo. Con l’incisiva ambivalenza tra l’introspezione dei testi e l’esplosività del sound che contraddistingue e permea ogni suo brano, l’artista che ha trasformato la “Mala suerte” di chi vive domandandosi “Sono io sbagliato”? nella libertà di scegliere come affrontare difficoltà e problemi e poter dire “Danzo sotto la pioggia”, ed il malessere di chi porta il peso di una “Corona di spine” in cui la grandezza dei sogni si scontra con la crudezza della realtà, nella consapevolezza che “La vie est belle”, liberando tutti coloro che si sentono “Intrappolati” nella frenesia del tempo e di una quotidianità “Tripolare” con le “U-Power” della determinazione e del coraggio di perseguire aspirazioni e desideri, regala agli ascoltatori un nuovo viaggio all’insegna dell’audacia e della risolutezza, sotto la guida del suo flow inconfondibile, che bombarda non per ferire, ma per distruggere insicurezze e paure, tutte quelle ombre che i giudizi degli altri gettano su di noi, impedendoci di brillare e di spiccare il volo verso il raggiungimento dei nostri obiettivi. La ferma perseveranza di chi non ha mai smesso di credere in se stesso ed in quei desideri che fanno da carburante al motore della vita, raccontata da chi non parla «lingue strane, ma quelle della strada», dà forma alla volontà di rovesciare i pronostici, per cambiare le carte in tavola e diventare i protagonisti assoluti, gli artefici delle proprie scelte e del proprio destino: «”La garra” – dichiara Stamani - simboleggia la determinazione, l'ambizione di perseguire i propri sogni. Troppo spesso nella vita mi è stato urlato in faccia: "Non ce la farai mai", "Pensa ad un lavoro reale, non a fare il rapper!”, ma io non ho mai ascoltato quelle voci; anzi, hanno sempre alimentato dentro di me quella "garra" che voglio farvi capire attraverso questa canzone. Sono grato alle critiche, perché ora ho sostituito la mia pelle con un'armatura d'acciaio. La garra chiede la vita, e io ne ho da offrire a tonnellate». Letteralmente “artiglio”, “la garra”, termine spagnolo preso in prestito dal giornalismo sportivo per definire la grinta e lo spirito combattivo, rappresenta quel mix di tenacia, carisma e attitudine a reagire alle avversità quotidiane che diventa un salvagente nelle mareggiate della vita, l’unico appiglio per rimanere se stessi, saldi nel raggiungimento dei piccoli e grandi traguardi prefissati, in una società in continuo mutamento che anziché premiare, penalizza aspirazioni e peculiarità personali. Il brano, scritto dallo stesso Stamani e prodotto dal tocco inconfondibile di JP del GoldenEye Studio di Cesano Maderno (MB), è accompagnato dal videoclip ufficiale che, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, viene raccontato dall’artista con queste parole: «Ho scelto, insieme al mio team, di includere nel video la partecipazione di 6 ballerine. La decisione, però, non è ricaduta sul contattare ballerine professioniste, sicuramente bravissime ma magari senza troppi stimoli per un progetto come il mio. Abbiamo optato per le candidate con più fame negli occhi, quelle che, come me, vivono la loro passione come un obiettivo per migliorarsi giorno dopo giorno, secondo dopo secondo; insomma, quelle guidate da “La garra”». Penetrante, pungente e capace di tradurre in liriche le emozioni e in incastri gli stati d’animo, Stamani riconferma l’icasticità della sua penna e l’energia delle sue interpretazioni, con un pezzo che scuote gambe, anima e mente per risvegliare dal torpore e riaccendere “La garra” in ognuno di noi.... Continua a leggere