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«Essere o avere sembran solo due verbi, ma in realtà sono nervi». È qui, tra filosofia e asfalto, che Bosky – cantautore nato e cresciuto ad Aulla (MS), tra Liguria e Toscana – dà vita al suo primo singolo, “Essere o Avere”. Un brano inciso con atmosfere old‑school, produzione rock abrasiva e un testo che parla di ricerca di senso, identità, ansia da social, soldi e isolamento. Ma lo fa con una voce matura, consapevole, che attinge a Hesse e Nietzsche più che alla retorica da “street boy”. È il rap di chi la vita l’ha vissuta, non quella da palcoscenico, ma quella che comincia quando le luci si spengono. Il rap dell’uomo che si confronta con la società della morale, della routine e dei like. Scritto dopo anni di immersione in letture filosofiche, “Essere o Avere” contrappone concetti e materia: l’aver non può comprare l’essere. Bosky rifiuta il rap come cliché: non canta da duro, ma da pensatore poetico-scarno, dipingendo la realtà di chi vuole essere riconoscibile, non omologato. Un pezzo che sceglie il coraggio della verità in luogo dell’ovvietà performativa. «Questo singolo parte dall’idea di confrontare questi due verbi, due mondi mentali – dichiara -. Non è rap da gangsta o da like, ma rap che racconta la ricerca di autenticità. I riferimenti ai serpenti e all’aquila, al Cayenne e alla vecchia Benz non sono per sembrare figo. Sono per mostrare che l’essere conta più dell’avere. Non amo la musica vuota: il rap per me è un’arma, un pensiero che chiede di farsi sentire.» Prodotto da Francesco Pratesi – beatmaker rock‑rap della scena toscana –, “Essere o Avere” unisce un groove analogico, chitarre live e linea ritmica essenziale per richiamare le radici del genere. Il videoclip ufficiale che accompagna la traccia, girato in bianco e nero, punta su atmosfera, linguaggio visivo asciutto e pochi simboli: nessuna narrazione forzata, tutta immediatezza. Il classicismo sonoro - ispirato a pesi massimi della scena come Marracash, Fabri Fibra e Nitro - si sposa con una parola lucida e cruda, quasi ferale. Nel 2024, il rap italiano ha esercitato un potere culturale crescente: oltre il 24% dei 16‑24enni lo indica come genere di riferimento, ma secondo recenti analisi e osservatori, solo una minima parte delle uscite propone contenuti di reale spessore. “Essere o Avere” cerca di colmare questo divario, offrendo un pezzo che va oltre beat e flow, presentandosi come gesto culturale radicato nel vissuto comune, lontano dalle tendenze. Un brano che guarda alla coerenza, all’identità e al pensiero. Bosky ha studiato scrittori come Bukowski, Hesse, Nietzsche e Svevo fin da adolescente. Ha lavorato come operatore nel settore della sicurezza privata, dedicando tempo alla scrittura e alla lettura. La sua passione per il rap è nata tra i testi che ammirava; ha trovato nel rock‑rap la forma più schietta di espressione. Con “Essere o Avere” debutta come artista completo, unendo potenza lirica e produzioni essenziali, senza compromessi. Il suo rap non è musica da consumare: è fibra espressiva, riflessione e appartenenza. Bosky non cerca consensi. Cerca coscienze sveglie, ascoltatori vigili, attivi. E una scena in cui l’essere valga ancora più dell’apparire.... Continua a leggere

C’è chi, per raccontarsi, inventa una maschera. Altri trasformano il cambiamento in un personaggio, e ne fanno un concept. Matteo St Fedele compie il percorso inverso: rinuncia al filtro dell’alter ego e si firma con il proprio nome. Nel riflesso scheggiato di uno specchio, l’artista milanese ha deciso di guardarsi davvero. Non più da personaggio, ma da persona. Venerdì 13 Giugno esce “Mostro”, il suo nuovo singolo che chiude idealmente il percorso cominciato con il mini EP triple track “Generazione XXX” e inaugura ufficialmente una nuova fase artistica: quella che coincide con l’addio a MADMATT e con l’affermazione di un nome che è insieme identità, storia e scelta. Una dichiarazione di guerra e di pace con sé stessi. Una resa dei conti quotidiana, che si consuma in silenzio e che tutti affrontiamo ogni volta che smettiamo di recitare: oltre la superficie, oltre le corazze: «Perdonami stanotte, amore ho fatto a botte con me stesso allo specchio che si è rotto in un vizio». “Mostro “non è solo la cronaca di una caduta, ma anche l’anticipazione di una risalita. Nelle sue parole, Matteo dà spazio al dolore, ma lascia aperto uno spiraglio, una possibilità di rinascita: «E allora vedrai, il mostro che è in me. Nulla che non possa vincere». È un corpo a corpo con la depressione, la dipendenza, l’auto-sabotaggio. Una notte lunga una vita, in cui i pensieri diventano nemici e l’identità si frantuma. La produzione, asciutta ed essenziale, accompagna un testo che sprofonda nella psiche di una generazione sospesa tra iper-esposizione e assenza di parola. Lo special del brano, quasi spoken word in stile conscious rap, prende posizione contro l’omologazione e la superficialità dell’era digitale - «Non ti esprimi a parole, fenomeni sui social, ma dal vivo hai un neurone» -, spostando il focus dal contesto alla coscienza. Un flusso, un atto d’accusa, e insieme un’esortazione a riappropriarsi del linguaggio, del corpo, dell’identità: «Un chitarrista cieco, ma una Guernica d’amore». Nessun moralismo. Nessuna lezione. Solo un’immagine che resta incollata alla testa. Non è un inciso. È un colpo secco. Uno sfogo scritto senza tentare di addolcire niente, né per sé né per chi ascolta. Senza effetti speciali. Solo ritmo e frustrazione. Il tono è ruvido, quasi parlato. Ma poi succede qualcosa. Un verso spezza l’equilibrio, sposta il baricentro, apre un varco imprevisto: «Quarta Dimensione, la mia propensione a non essere una retta, una lunghezza un’estensione.» Non è una semplice trovata poetica. È il punto in cui “Mostro” abbandona il racconto per interrogarsi sulla percezione del tempo, sull’identità come forma fluida e non misurabile. La “quarta dimensione” non è un’astrazione, è uno stato, una condizione mentale. Lo spazio altro in cui la linearità e la logica vengono sospesi. È la zona grigia tra chi si è e chi si vorrebbe essere, l’istante in cui si consuma la frattura tra ciò che si è e ciò che non si riesce ad accettare. Non una fuga, ma un territorio di collisione. Quello di chi si sente fuori asse, fuori tempo, fuori campo. Di chi vive scostato rispetto alla traiettoria attesa. Mentre tutto intorno corre e si misura in termini di performance, velocità e coordinate, Matteo St Fedele rivendica il diritto a una dimensione non quantificabile: quella della coscienza che vacilla, dell’Io che si scompone e si ricompone. E la nomina con una semplicità disarmante, quasi scientifica, e al tempo stesso la carica di un senso esistenziale profondo: la metrica si spezza, il significato si espande. La canzone si apre così a una zona instabile e inquieta: un pensiero che non si può ordinare, un’identità che non si può spiegare con coerenza. Qui il brano si fa quasi esistenzialista, scavando nei paradossi della percezione e nel senso di smarrimento che accomuna un mondo costantemente connesso ma incapace di ritrovarsi. È in questa interzona che si consuma il conflitto centrale del pezzo: tra il bisogno di riconoscersi e la paura di farlo davvero. In un tempo in cui mostrarsi è diventato quasi un obbligo, “Mostro” propone l’esatto contrario: fermarsi a guardare ciò che non si mostra. Dare un volto ai propri fantasmi. E magari, un giorno, accettarli. Con una scrittura sempre più adulta, Matteo St Fedele si distacca dal personaggio e si mette a nudo. Senza sovrastrutture, senza maschere. Solo con il proprio nome. In “Mostro”, si confronta con la parte più oscura di sé, ma lo fa con una postura nuova: non più difensiva, non più ribelle, ma finalmente vulnerabile. Il brano si fa politico, nel senso più alto: perché parlare apertamente di salute mentale, di dipendenza, di crisi di identità, in un’epoca di estetica curata e narrazioni vincenti, è un gesto radicale. Un invito a non semplificarsi, a non censurarsi, a non recitare più. «”Mostro” chiude simbolicamente due anni della mia vita – afferma Matteo St Fedele -, e lo fa facendomi finalmente fare pace con me stesso. È lo specchio con cui tutti ci confrontiamo, ogni giorno. A volte ci restituisce un’immagine distorta, che non riconosciamo, che ci fa paura. Ma ci dà anche una possibilità: quella di riuscire, un giorno, a guardarsi e accettarsi. Per questo oggi non sono più MADMATT. Oggi sono Matteo St Fedele, con tutto quello che significa.» Il cambio nome, da MADMATT a Matteo St Fedele, è parte integrante di questa narrazione. Non è una trovata di marketing, né una maschera nuova. È il contrario. È il momento in cui si smette di recitare. Un ritorno all’essenziale, alla propria storia, al proprio cognome. Un modo per dire: non devo più interpretarmi. Adesso mi firmo. “Mostro” non dà risposte. Non cerca redenzione. Ma fa una cosa più importante: chiede di fermarsi a guardare. Anche dove fa più male. Perché oggi, accettarsi senza filtri, è forse il gesto più coraggioso che ci sia.

Dopo aver scalato le classifiche internazionali con “Wildfire” ed “Eternal Echoes”, e in attesa della collaborazione con Eminem – la prima di sempre tra il leggendario rapper di Detroit e un artista italiano, che vedrà la luce entro fine anno e i cui dettagli verranno svelati dopo l’estate – Manuel Aspidi torna con “Love Yourself”, il suo nuovo singolo disponibile su tutti i digital store da venerdì 13 giugno per Bentley Records. Specchi, filtri, giudizi: in mezzo a un rumore di fondo che destabilizza e incoraggia l’omologazione, il cantautore livornese sceglie il silenzio, quello necessario dell’accettazione. Un'accettazione che non coincide con la resa, ma con una scelta consapevole: smettere di rincorrere un’idea imposta di perfezione e tornare a riconoscersi allo specchio per ciò che si è – con le proprie fragilità, la propria storia, le proprie cicatrici. In un mondo in cui l’immagine conta più dell’identità — e dove 9 ragazze su 10 tra i 13 e i 17 anni (secondo un’indagine Girl Scouts) sentono la pressione dell’industria dell’apparenza, mentre il 18% dei ragazzi coetanei ammette di preoccuparsi per il proprio aspetto e peso — la musica può ancora ricordarci chi siamo. Secondo dati interni di Instagram, il 70% delle adolescenti e il 40% dei ragazzi afferma di vivere confronti negativi con le immagini viste online. "Love Yourself" è la risposta personale e artistica di Aspidi a una società che misura il valore con gli occhi degli altri. Una canzone che, con delicatezza e maturità, restituisce al pop il suo ruolo più nobile: quello di strumento culturale, non solo commerciale. Quello di raccontare chi siamo, non solo vendere chi vorremmo essere. Scritto in inglese, su una produzione dal respiro internazionale, “Love Yourself” parla di autostima in maniera netta, disillusa e coraggiosa, rivolgendosi a chi, almeno una volta nella vita, si è sentito sbagliato. A chi ha guardato lo specchio cercando un’apparenza conforme, senza riconoscersi - «In a world of mirrors, reflections we see, comparing ourselves to what we think we should be» («In un mondo di specchi, vediamo riflessi, ci confrontiamo con ciò che pensiamo di dover essere»). A chi si è confrontato con modelli irraggiungibili, filtrati, distorti. Le parole di Aspidi non addolciscono la realtà, ma la guardano in faccia, mettendo a fuoco una delle dinamiche più tossiche del nostro tempo: l’illusione di dover corrispondere a un’immagine, anziché apprezzare la propria. “Love Yourself” suggerisce una pausa. Un passo indietro per tornare a vedersi, non attraverso gli occhi altrui, ma attraverso ciò che si è. «Questo singolo è nato dal bisogno di ricordarlo a me stesso, prima ancora che agli altri - racconta Manuel -. Viviamo in una società che ti spinge a correggerti, omologarti, ridurti a una forma accettabile. A tutte le persone che lo ascolteranno, voglio dire di spegnere le voci che dicono loro di cambiare. La musica può ancora essere un atto di ribellione e resistenza gentile: un modo per dire che ogni cicatrice è una storia, e ogni storia ha valore. Nessuno dovrebbe sentirsi sbagliato per com’è.» Il videoclip ufficiale – interamente realizzato in animazione da Daniele Cipriani – affida il messaggio del brano a un linguaggio che, pur nella finzione dichiarata, riesce a dire il vero più di tante immagini patinate. Perché i cartoni, visti da adulti, non sono evasione: sono coscienza illustrata. E sanno mostrarci, con leggerezza chirurgica, ciò che spesso la realtà censura. “Love Yourself” è il naturale proseguimento di un progetto musicale che mette al centro valori come l’inclusione, la libertà espressiva e il rispetto delle differenze - perché sono proprio quelle che ci arricchiscono e ci rendono riconoscibili, unici, irripetibili. Temi che trovano sempre maggiore eco: secondo un recentissimo studio realizzato da Skuola.net insieme all’Associazione Di.Te. – Dipendenze tecnologiche, in Italia, quasi un giovane su due è condizionato dai modelli estetici imposti dai social media, fino ad arrivare – nel 40% dei casi – a evitare situazioni sociali per timore del giudizio altrui. Un dato che restituisce la misura di un disagio silenzioso, ma diffuso. Negli ultimi due anni Manuel Aspidi ha consolidato la sua presenza sulla scena internazionale, con singoli entrati nelle classifiche di oltre 20 Paesi e trasmessi da emittenti in Europa, America e Asia. Dopo il successo internazionale di “Wildfire” ed “Eternal Echoes”, “Love Yourself” è un invito a rifiutare gli standard imposti e a riconoscere la bellezza nell’imperfezione. Nessuna retorica dell’autostima, ma uno sguardo consapevole su un’epoca in cui il corpo è sempre più un campo di battaglia tra ciò che siamo e ciò che ci viene chiesto di essere. Con il suo timbro immediatamente riconoscibile e un talento vocale che ha conquistato il pubblico fin dai tempi di Amici, Aspidi si conferma oggi come una delle voci italiane più autorevoli anche ben oltre confine nella canzone pop d’autore. E in attesa di scoprire cosa riserverà la collaborazione con Eminem, “Love Yourself” non inaugura una fase: interrompe un'abitudine. Quella di cantare per piacere. Per Manuel, la musica non è mai stata un’illusione da rincorrere, ma un linguaggio di verità da raccontare. “Love Yourself” ne è la prova più semplice. La conferma che si può fare pop senza rinunciare al contenuto. E che, anche nella società dell’apparire, esistono ancora canzoni – e artisti - che scelgono la via dell’essere.

«Code in costante aumento da Bologna a Rimini consigliata l’uscita Only Faida». Basta l'incipit per capire che "Only Faida", il nuovo singolo del Faida Clan fuori per Watt Musik, non è il classico pezzo rap degli ultimi anni: è una traccia che racconta una scena in fermento, tra strada e consapevolezza. Una cartina geografica piegata in quattro e ripensata con flow chirurgico e immagini a fuoco. La Romagna si fa Medellín, la statale adriatica diventa l'autostrada del rap indipendente, e il beat – marcatamente Old School ma con un’attitudine contemporanea che suona attualissima – è solo il punto di partenza di un lavoro sincero, crudo, senza mediazioni. Una produzione capace di unire impatto e stile, con un’impronta che guarda al passato ma suona contemporanea, senza sembrare un revival. Nel pieno della rinascita delle scene locali, che stanno tornando a ridefinire la geografia musicale italiana, "Only Faida" è parte attiva di un trend sempre più evidente: quello del rap di provincia che non chiede permesso e non copia modelli esterni, prefabbricati, ma si articola su un’identità riconoscibile, radicata nel territorio e aperta al mondo. Nato nel 2022 da un’idea di Starks, il Faida Clan si fonda su un’idea precisa di Hip Hop: un'alleanza di dieci artisti che lo vivono e lo difendono come codice culturale, come linguaggio identitario e come militanza sonora. I am Elle, Slat, Mc Callaman, Word, Shoot, Skema the Rapper, Nik Riviera, Guil e DJ Code2 hanno risposto alla chiamata: «La musica e la cultura Hip Hop rappresentano la nostra strada ed il nostro mezzo verso un obiettivo comune: godersi il viaggio!» “Only Faida” segna per la crew romagnola un passo avanti rispetto ai precedenti progetti, per ambizione e compattezza stilistica. È un brano strutturato con precisione, in cui ogni barra scandisce il ritmo con sicurezza, sorretta da un flow che non lascia spazio a distrazioni. Con questo banger, il collettivo alza l’asticella. Strofe serrate, incastri perfetti e punchlines che non cercano di rincorrere né il plauso né il consenso facile, ma che li generano spontaneamente. «Io faccio al rap ciò che Pablo Escobar ha fatto alla coca», «Faida Clan qua detta legge, invecchia bene tipo cougar». Nel testo si susseguono non sono solo citazioni, ma vere e proprie architetture verbali che costruiscono un mondo parallelo, dove ogni riferimento narcos si intreccia alla provincia italiana con sagacia, controllo metrico e rispetto delle radici. Il brano, prodotto da Code2, rifinito presso il Wonderland Studio di Starks e accompagnato dal videoclip ufficiale, unisce tecnica e immaginario, estetica e rivendicazione. È l’ennesima dimostrazione che una scena regionale può parlare con voce internazionale, a patto che abbia una visione e un'identità chiare. E il Faida Clan, in questo, ha pochi rivali. Il Clan, già protagonista con il brano "Wake Up", torna con un nuovo capitolo che conferma la volontà di lasciare un messaggio: non inseguendo il trend, ma ribadendo con stile e contenuti che un altro rap è possibile. Un rap che conosce le sue radici, rispetta la propria geografia e ha il coraggio di dichiarare guerra all’omologazione. Negli ultimi anni l’Emilia-Romagna si sta riconfermando come una delle aree più fertili per la scena italiana: una regione in cui le influenze si mescolano, le crew si moltiplicano, e la spinta dal basso ha generato un movimento in fermento, vivo, indipendente e sempre più autorevole. A guidare questa nuova ondata c’è il Faida Clan, che incarna l’energia, l’identità e la forza di una terra che non si lascia definire. È “Only Faida”. È Romagna. E non somiglia a nient’altro.

Le luci sono quelle di New York, ma il buio in cui si muovono i protagonisti è più vicino di quanto sembri. Non si vede, ma si sente. È fatto di labbra che confondono, promesse che luccicano solo da lontano, corse senza meta dentro relazioni che iniziano già rotte. Nel nuovo singolo “Le Luci di New York”, i Ferrinis scelgono l’estetica della grande metropoli per raccontare una storia fatta di eccessi, attrazione e ambiguità. Un racconto che profuma di città, intriso di edonismo e disillusione, in cui l’immaginario del lusso si intreccia con quello della dipendenza affettiva, trasformando l’iconografia glamour in una trappola luminosa, nello specchio deformante di una generazione che ama in modalità provvisoria. Il brano – disponibile su tutte le piattaforme digitali – arriva dopo la pubblicazione del secondo album di Maicol e Mattia Ferrini, “Twins”, e consolida una direzione stilistica capace di unire l’efficacia della scrittura pop a una visione contemporanea e riconoscibile. “Le Luci di New York” prosegue quel discorso, ma ne isola una dimensione precisa: quella in cui l’apparenza abbaglia e il senso si perde. Con una forma espressiva ancora più spinta, quasi seriale, il brano segna un passo deciso nella costruzione di uno stile che è musicale, visivo e narrativo al tempo stesso. «Le luci di New York correranno più forte sulla Lambo senza stop»: è da questo verso – reiterato come un mantra – che si innesca il meccanismo del brano: una corsa a perdifiato dentro un desiderio bruciante che non conosce tregua. Una relazione che vive di notte, tra vodka, corpi sfiorati, labbra che confondono e promesse non mantenute. Il ritmo è incalzante, ipnotico, ma sotto la superficie di una notte eterna resta la sensazione che qualcosa stia per cedere, facendo intravedere il punto di rottura. Come se la festa non bastasse a coprire il rumore del vuoto. Tutto rimane sospeso. Le frasi si spezzano prima di diventare spiegazione, le sequenze suggeriscono qualcosa ma poi sfumano. Non c’è una direzione chiara, e forse è questo il punto. Perché certi rapporti non si spiegano: si vivono, si subiscono, si attraversano. “Le Luci di New York” prende quel caos, quella confusione e ci resta dentro. Non tenta di fare ordine, lascia tutto com’è. Crudo, discontinuo, reale. Il lusso non consola, il profumo inganna, le rose – come certe relazioni – hanno sempre qualcosa che punge. Il vero senso del pezzo è qui, nel territorio intermedio tra attrazione e pericolo, presenza e fuga. La scrittura lascia che siano i dettagli a fare il lavoro, tracciando un sentiero volutamente tortuoso, che rifiuta la chiarezza per restituire il sapore dolceamaro dei rapporti che non si definiscono. Perché più che raccontare, “Le Luci di New York” insinua. E lo fa lasciando aperte le frasi, come succede nelle storie d’amore che iniziano con grandi proclami e finiscono in silenzio. «Ci interessava lavorare su un’immagine che fosse immediatamente riconoscibile, ma usarla per dire qualcos’altro – spiegano i Ferrinis –. Le luci di New York, in questo caso, diventano il simbolo di tutte le promesse che brillano ma poi non mantengono. Ci sono rapporti che sembrano fatti per farci sentire vivi, ma che alla fine ci lasciano solo più confusi.» Maicol e Mattia ci riportano nel loro mondo, fatto di pop notturno e cultura visuale. Un approccio che trova la sua coerenza anche in questo pezzo, sottolineando la loro vocazione per un linguaggio sempre più ibrido, tra suono e immagine. Esteticamente, “Le Luci di New York” si colloca in quel filone urban-pop che dialoga con l’immaginario di serie come “Euphoria”, videoclip in stile Netflix e canzoni che sembrano scritte per accompagnare sequenze di film. Il duo forlivese spinge ancora una volta sulla direzione di una musica che sia anche visione, atmosfera, contesto. E lo fa senza rinunciare alla qualità sonora, ma senza nemmeno nascondere le zone d’ombre che attraversano i testi. Oggi oltre il 60% dei giovani tra i 18 e i 30 anni definisce le proprie relazioni come “instabili” o “non definite”. Lo rileva uno studio dell’Università di Stanford, pubblicato su Psychological Science, che fotografa una condizione sempre più diffusa: quella di rapporti che sfuggono a ogni etichetta, dove attrazione e ansia si sovrappongono, e l’intimità è spesso alternata da silenzi improvvisi. Un dato che conferma quanto l’indecisione e la narrazione di un amore “on/off” siano parte integrante del vissuto affettivo attuale. “Le Luci di New York” si muove dentro questa zona grigia, raccontando quello che resta quando l’amore non trova una forma, ma continua a farsi sentire. Una dinamica che ha un nome preciso – situationship – e che vive nei thread di Instagram, nei POV virali su TikTok, nei post di psicologi relazionali e nelle confessioni anonime sulle riviste online. Non è una storia d’amore né una semplice frequentazione: è un limbo affettivo, spesso intenso, quasi sempre instabile. “Le Luci di New York” lo racconta senza puntare a compiacere e senza voler essere una semplice canzone da club. Parte da immagini patinate, ma le usa per parlare di quello che c’è dietro: il vuoto, il desiderio che arde ma consuma, l’ambiguità. È un racconto disilluso e al contempo seduttivo, che usa i codici della notte e del lusso per scavare nel silenzio distruttivo che talvolta resta dopo la festa. Perché a volte, la confusione è già una forma di narrazione. Una fotografia pop, lucida e contemporanea, di ciò che succede quando l’apparenza sovrasta il contenuto, quando il bisogno di sentirsi desiderati diventa più forte del bisogno di sentirsi capiti. «Non siamo mai stati interessati a raccontare l’amore perfetto – concludono i Ferrinis –. Preferiamo mostrare le ombre, i contrasti, le verità a metà. Forse perché sono proprio quelle a farci riflettere di più su chi siamo davvero.» Tra vetrine luminose e copertine lucide, soffermarsi su ciò che resta in ombra – o su quello che riflette per errore – è una scelta consapevole. Perché in un tempo in cui tutto sembra dover brillare, il coraggio sta anche nel mostrare quello che la luce non illumina.

C’è una canzone che ha raccontato – e continua a raccontare – l’Italia a chi la vive, e soprattutto a chi la porta nel cuore da lontano. Oggi quel brano – “L’Italiano”, scritto da Toto Cutugno con Cristiano Minellono – torna con una veste nuova: cinque versioni remixate che vedono, per la prima volta insieme in musica, Naike Rivelli e Ornella Muti. Il progetto nasce da un’intuizione di Gianmarco Aimi, che insieme ad Edoardo Pelandi, Pietro Paolo Pelandi (P. Lion), Marco Torri e Stefano Alvino, ha voluto lavorare su un classico della canzone italiana senza trasformarlo in esercizio nostalgico. L’operazione – affidata alla produzione artistica di Efrem Sagrada – si muove lungo una linea precisa: mantenere il nucleo popolare e melodico del brano, aggiornando struttura e arrangiamenti con un taglio contemporaneo, senza cedere né all’effetto revival né a una modernizzazione forzata. Il risultato sono cinque tracce coerenti che conservano riconoscibilità e forma, ma introducono elementi ritmici e timbrici più attuali. Ma è soprattutto la presenza congiunta di Naike Rivelli e Ornella Muti a definire l’identità stessa dell’operazione, spostandola oltre la semplice rilettura. Mai insieme prima d’ora in un progetto musicale, figlia e madre condividono qui uno spazio espressivo inedito: la voce come strumento di dialogo, di interrelazione generazionale, simbolica e artistica. Non si tratta di un duetto costruito a tavolino: è il frutto di un lavoro di sintesi, dove due percorsi diversi –di un’artista poliedrica e laterale come Naike Rivelli e quello di un’attrice che ha attraversato decenni di cinema italiano e internazionale – si incontrano su un terreno comune: il corpo, la presenza, la libertà espressiva. A rafforzare questa scelta, anche la regia del videoclip backstage ufficiale della Fisa RMX, girato volutamente in ambito domestico, in un contesto informale, essenziale. Un ambiente quotidiano, non ricreato, che restituisce una dimensione familiare non filtrata. All’interno del video, al fianco di Naike Rivelli e Ornella Muti, compaiono Cristiano Minellono – celebre paroliere di tanti successi (da “Felicità” di Al Bano e Romina Power, a “Soli” e “Il tempo se ne va” di Celentano, a tanti altri brani interpretati da grandi nomi della canzone italiana) -, i ballerini Ivan Cottini e Bianca Berardi, Luca Fiocca - figura nota per le sue apparizioni pubbliche e per l’immagine delineata nel tempo come “architetto della seduzione” – e le attrici Roberta Bregolin e Teodora Corona. Il remix non è pensato per i fan della dance né per il pubblico dei nostalgici. È un lavoro di rilettura consapevole, che opera sull’eredità della canzone italiana e sulla sua possibilità di essere ancora oggi un linguaggio attivo, capace di raccontare identità, appartenenze, ma anche distanza, ironia, straniamento. Le cinque versioni, tutte interpretate da Naike Rivelli con il featuring d’eccezione di Ornella Muti, si rivolgono a circuiti diversi. La versione principale è la Fisa Remix, incentrata sulla fisarmonica suonata dal Maestro Sandro Allario. A questa se ne affiancano altre quattro: un remix con chitarre in primo piano e ritmi latini (Guitar Mix), una lettura più elettronica firmata da Kama Kore e Fluphonic & The Jakdje (Jacopo e Diego Polimeno). Il Fisa Remix, il Guitar Mix e il Normal Mix sono prodotti dalla Top Records di Alex Zullo e Paolo Pozzi, con distribuzione internazionale a cura di Pirames. La versione Dance per i club è stata invece realizzata da Massimo Spinetti su Etichetta Superstar Records di Miki Del Prete ed Efrem Sagrada con distribuzione PA74Music. Il progetto era stato inizialmente pensato per un evento dedicato a Toto Cutugno previsto al Cremlino di Mosca, poi rimandato al 2026 a causa del conflitto internazionale in corso. “L’Italiano”, nel 2025, torna dunque a parlare al presente, ad essere un pezzo vivo del nostro immaginario collettivo. E lo fa con due voci – quelle di Naike Rivelli e Ornella Muti – che, per motivi diversi, hanno sempre rappresentato un’idea di libertà e di autonomia rispetto ai canoni imposti. Si ringraziano per il contributo al progetto: Naike Rivelli, Francesca Rivelli (Ornella Muti), Cristiano Minellono, Roberto Marzano, Edoardo Pelandi, Pietro Paolo Pelandi (P. Lion), Stefano Alvino, Gianmarco Aimi, Marco Torri, Alessandro Zullo, Paolo Pozzi, Luca Fiocca, Teodora Corona, Camillo Corona, Thony Barrera, Roberta Bregolin, Ivan Cottini, Bianca Berardi, Filippo Adamo (Adamo Motors), Wylliam Fumagalli e Efrem Sagrada.

C’è una storia che non smette mai di far battere il cuore dei tifosi. È quella dello scudetto dell’Hellas Verona, conquistato nella stagione 1984-1985: un evento unico nel calcio italiano, perché nessun'altra squadra di una città non capoluogo di regione ha mai vinto la Serie A. Un’impresa irripetibile, scolpita nella memoria collettiva. A 40 anni da quella vittoria leggendaria, a riaccendere l’emozione ci pensa Andrea Galderisi, figlio di Giuseppe “Nanu” Galderisi, attaccante simbolo di quella formazione, con una canzone che è insieme omaggio familiare, inno sportivo e atto d’amore per la città: “Verona il tuo nome è leggenda”. «Ho scritto pensando a mio padre, certo. Ma anche a tutto quello che mi ha trasmesso parlando di Verona e di quegli anni straordinari. Le sue parole, i suoi racconti, sono diventati la mia voce. È come se quella squadra vivesse ancora, oggi, attraverso ciò che ha lasciato nei cuori di chi c’era – e anche di chi non c’era.» Così racconta Andrea, che ha trasformato i ricordi di famiglia in un progetto che tiene insieme affetto e memoria storica, con uno sguardo che va oltre il campo da gioco, parlando contemporaneamente a più generazioni. Prodotta e co-scritta da Mitch (Giovanni Mencarelli), DJ di punta di Radio 105 – “Verona il tuo nome è leggenda” nasce “a pugno”, come si dice in gergo: ogni verso è tratto dalla voce di Nanu, dai suoi aneddoti, dal sentimento con cui ha sempre descritto quella stagione memorabile. «Quando Andrea mi ha parlato dell’idea, ho avuto subito la pelle d’oca – dichiara Mitch –. Non era solo una canzone, era un pezzo di storia che tornava a vivere. Volevamo che ci fosse tutta l’energia di quegli anni, ma anche l’intimità di un figlio che parla al padre. E Verona meritava un inno così: sincero, sentito, vivo.» Il brano - che riaccende lo spirito irripetibile del Verona 1985, quando una squadra data per outsider si prese la vetta del calcio italiano contro ogni pronostico - è stato accolto con entusiasmo dalla città e dalla tifoseria. L’Hellas Verona lo ha condiviso sui propri canali ufficiali, riconoscendone il valore simbolico in un anno carico di significato: quarant’anni dallo scudetto e una salvezza in Serie A arrivata tra mille difficoltà, che ha riacceso l’orgoglio della piazza. Profondamente toccato anche Giuseppe Galderisi, che così ha commentato: «Andrea mi ha fatto un regalo che non dimenticherò mai. Ho sempre cercato di raccontargli cosa ha rappresentato quella stagione per me, ma sentire quelle parole diventare musica... mi ha commosso. È un filo che lega con amore passato e futuro. Per me, Verona è casa. E oggi sento che lo è anche per lui, attraverso questa canzone.» “Verona il tuo nome è leggenda” non è non vuol essere un’operazione nostalgica: è un inno che guarda avanti, che parla di identità e passione, di orgoglio e appartenenza. Tra i tifosi già si rincorre la speranza che questo nuovo canto possa portare fortuna, com’è accaduto in passato con altri inni diventati emblema di radici e coesione, unendo una città attorno alla sua squadra. Un ricordo che non sbiadisce. Una città che continua a crederci. Una voce che riaccende la leggenda.... Continua a leggere

«Ci siamo fatti una promessa: chiudere la porta e restare con le canzoni». “16m²” sono le dimensioni esatte del garage dove i La Maitresse si sono chiusi per ripartire da zero. Niente comfort, niente aspettative. Solo loro tre, qualche strumento e un’urgenza espressiva da liberare. Ci sono debutti che nascono da un contratto, da un talent, da una strategia editoriale. E poi ci sono quelli che nascono dal silenzio. “16m²”, il primo EP dei La Maitresse, è l’esatto opposto di un esordio costruito a tavolino: non nasce da un piano, ma da una frattura. Nel 2023, il trio napoletano si ritrova senza un progetto, azzerato da una fine inattesa e senza un piano di riserva. Dopo quattro anni di percorso condiviso, ciò che resta è un punto interrogativo. Niente label, niente pubblicazioni imminenti. Solo una stanza, poi un garage. E il bisogno bruciante di non smettere. Il risultato è un disco che somiglia a chi lo ha scritto: vulnerabile, lucido, disilluso. Ma anche pieno di immagini pop e intuizioni che non si vedono spesso in un debutto. C’è chi li definirebbe elettropop, chi canzone d’autore in formato Gen Z. Ma i La Maitresse rifuggono le etichette. E non si vergognano di avere due anime: quella cantabile, accessibile, nazionalpopolare. E quella più laterale, più spigolosa, che vuole uscire dagli schemi. «In noi vive un dilemma battistiano – affermano -. Una parte di noi vuole essere nazionalpopolare, l’altra vuole rompere gli schemi. Ma il pop non è compromesso: è colore.» Il nome stesso della band – ispirato a una maîtresse incontrata in una situazione grottesca e teatrale – è figlio di un’identità musicale fuori dalle formule. La loro è una scrittura visiva, che parte da riferimenti generazionali precisi (da Vasco a “Dancing Queen”, da Coltrane ai tiramisù da frigorifero) per raccontare con disillusa ironia quel territorio intermedio tra i venti e i trent’anni, dove tutto è in bilico: relazioni, futuro, appartenenza. Nel DNA della band c’è anche l’irriverenza e la malinconia della Napoli contemporanea: colta, disincantata, musicale per natura. Una città che non fa da cornice, ma che condiziona il suono, il linguaggio. Non è un dettaglio del contesto: è una variabile costante nel modo in cui scrivono, suonano e pensano. Ed è lì, in quella zona fatta più di dubbi che di certezze, che prende forma un nuovo inizio. Ma non arriva all’improvviso: ha la voce di una canzone. E quella canzone, è “ADRIANAAA”, la prima a rompere il silenzio. Dopo un lungo periodo di blocco, finalmente qualcosa si muove. «Eravamo a pezzi. O smettevamo, o ci chiudevamo in un garage a fare canzoni. Abbiamo scelto il garage. E abbiamo iniziato a cucire le crepe, una strofa alla volta. Ore spese a dare personalità a ogni suono. Per la prima volta, abbiamo curato tutto da soli.» È così che nasce “16m²”, un EP autoprodotto in ogni parte creativa – eccetto mix, mastering e batterie finali – che suona artigianale e preciso al contempo, come se l’imperfezione fosse diventata – finalmente - una scelta estetica consapevole, e avesse trovato il suo posto nel suono. Ogni brano ha un’identità autonoma, ma insieme costruiscono un percorso coeso, fatto di immagini, contrasti e piccole confessioni. Una stanza dopo l’altra, una canzone alla volta. A seguire, tracklist e track by track del disco. “16m²” – Tracklist: 1. Dimmi che hai preso il verme 2. Missile 3. Dieta 4. ADRIANAAA 5. Bandiera 6. 0Positivo! 7. A Porte Chiuse “16m²” – Track by Track: “Dimmi che hai preso il verme”. Un’apertura scomposta e imprevedibile. Il titolo surreale nasconde una narrazione ossessiva, intima, che scorre su un tappeto elettronico che si apre e si richiude. È il lato più obliquo e viscerale del progetto, e anche uno dei più sperimentali. “Missile”: una hit mancata e proprio per questo riuscita. Una storia di gelosia postmoderna tra trenini mentali e tacchi rossi, su un groove che mescola Abba e ansia sociale. La leggerezza, qui, è solo apparente: c’è sotto un carico emotivo che pesa, ma non schiaccia. “Dieta” è il pezzo più ironico, ma con un doppio fondo malinconico. Una relazione che passa per frigo, palestra e tentativi falliti di auto-controllo. È un dialogo in forma di sitcom, che riesce a raccontare il quotidiano senza banalizzarlo. “ADRIANAAA”. Una scena da commedia americana anni Duemila (“autostrada e John Coltrane”), un dialogo stralunato, un synth-pop che guarda agli MGMT e a Battiato. Ironica, precisa, poetica nel suo modo sbilenco. “Bandiera”: una ballad sintetica e dolente, che condensa l’identità della band. Qui i La Maitresse smettono di giocare e mettono in mostra la loro anima più fragile. Il ritornello resta impresso nella mente, anche dopo un solo ascolto. “0Positivo!” è una riflessione generazionale vestita da pezzo pop: c’è dentro tutta la stanchezza di chi si sente fuori fuoco, ma anche la forza di chi continua a provarci. Un pezzo che potrebbe finire in una playlist, ma anche in un dancefloor di un club. “A porte chiuse”, infine, è la chiusa perfetta. Intimo, claustrofobico, scritto in prima persona e spogliato di filtri. È una lo specchio della solitudine di una generazione iperconnessa ma sempre più distante. “16m²” è un disco che parla a chi è in transizione. Un disco per chi si sente in bilico, sospeso: tra adolescenza e maturità, tra coraggio e rinuncia, tra identità e maschera. Non pretende di dare risposte, né soluzioni. Ma non rinuncia a cercarle. E lo fa con un linguaggio nuovo, ibrido, credibile. I La Maitresse scelgono l’ambiguità, il dettaglio, l’incompiutezza. E proprio per questo suonano veri.... Continua a leggere

Due voci, due città, due storie che si incrociano sullo stesso beat. “Napoli Tirana” è il nuovo singolo di Stresi, leggenda vivente del rap albanese, in collaborazione con Clementino, tra i più rispettati liricisti della scena italiana. Il brano fa parte di “Archimed (Episode 2)”, il nuovo album di Stresi, prodotto dall’etichetta romana Techpro Records. “Napoli Tirana” è il punto di contatto tra due città che condividono una lunga storia di scambi culturali, migrazioni e affinità artistiche, l’incontro perfetto tra due mondi che si riconoscono e si rispettano. Il legame tra Napoli e Albania non è solo musicale: è storico, umano, più vivo che mai. “Napoli Tirana” lo celebra con le parole, con barre che danno voce al suono crudo del cemento. La terra di Partenope e quella delle Aquile si ritrovano al centro di una nuova mappa culturale, fatta di musica che supera barriere, confini e parla a più generazioni. «Questo brano rappresenta tutto quello in cui credo: rispetto tra le scene, fratellanza vera, e musica che racconta senza filtri, senza patine - spiega Stresi -. Con Clementino è stata una sintonia immediata. Due stili diversi, ma la stessa fame, la stessa strada. Questo è solo l’inizio.» Stresi, con alle spalle oltre vent’anni di carriera e milioni di ascolti, è considerato uno dei pesi massimi della scena non solo in Albania, ma in tutto il mondo albanofono. Quando Clementino ha ascoltato il brano per la prima volta, non ha avuto dubbi: “Entro in studio subito”. L’intesa è stata istantanea, naturale. Il risultato? Una traccia che miscela dialetti e metriche, punchlines e vissuto, creando un banger iconico che unisce le piazze di Napoli e Tirana, due mondi paralleli, attraversati dalla stessa urgenza espressiva. Un pezzo che sa di rispetto, lealtà e asfalto, sottolineando la collaborazione tra due culture che si specchiano, si riconoscono e si arricchiscono a vicenda. “Archimed (Episode 2)” – L’album Con “Archimed (Episode 2)”, Stresi firma un progetto ambizioso e multiculturale che mette in dialogo Mediterraneo, Balcani e America Latina. Un mosaico di linguaggi, estetiche e identità differenti, che conferma la sua volontà di abbattere le barriere geografiche e sancisce l’ambizione di un artista in grado di rinnovarsi senza mai perdere il legame con le proprie radici. Tra le otto collaborazioni di rilievo, oltre a quella con Clementino, spicca “Ma Belle” con Aka 7even, artista tra i più amati del panorama pop-urban italiano. Una ballad intrisa di dolcezza e disincanto, cantata in italiano e francese, in un sottile equilibrio di malinconia e identità stilistica. Aka 7even e Stresi trovano una connessione insolita ma efficace, dando vita a un brano inaspettato, che aggiunge nuove sfumature, nuovi colori alla dimensione narrativa del disco. Noizy, pioniere della scena rap albanese, apre il concept con “Mama”. Un ingresso frontale, ruvido, che ne chiarisce subito tono e direzione, parlando di verità, difficoltà e riscatto. In un mondo in cui i “veri” sono rari e i “falsi” ovunque, “Mama” mette al centro la lealtà, le difficoltà del quotidiano e la consapevolezza di chi ha imparato a cavarsela da solo perché sa da dove viene. Deny K, tra i nomi più affermati del rap colombiano, porta la sua estetica urban-latin in “Aventurera”, intrecciando spagnolo e albanese in un flusso immediato e magnetico. Il risultato è un mix di riferimenti alla Medellín criminale e a un’identità che si muove tra zone grigie, velocità e caos. Stresi si presenta come bandito, mentre Deny K aggiunge un tocco latino e melodico che rende il pezzo visivo e ballabile. “Aventurera” è una corsa tra strade, soldi e libertà precaria: una delle tracce più dinamiche e internazionali dell’album. Bay T, celebre artista kosovo-albanese di Mitrovica, si unisce a Stresi in “Kriminal”, un pezzo teso e incalzante che fa da specchio alle contraddizioni delle strade e della società. Il titolo è chiaro, il flow ancora di più. È un brano seduttivo, costruito su immagini sensuali e atmosfere cittadine. Stresi racconta un amore passionale, nato in Albania ma con un respiro internazionale, in un gioco suadente tra inglese e albanese. Bay T firma un ritornello magnetico che conferma la sua attitudine da hitmaker. Una traccia fluida, imprevedibile, in cui il crimine è solo quello del cuore. In “Marihuana”, Lumi B – storico membro del collettivo KAOS – e Flor Bana – artista albanese noto per la sua penna viscerale – affiancano Stresi in un banger a tratti visionario, che alterna crudo realismo e immagini rarefatte. L’attitudine street è chiara e dichiarata fin dal primo verso: «Nuk jom VIP i estradës, po VIP i mahallës» («Non sono un VIP dello showbiz, ma della mia strada»). Lumi B e Flor Bana accompagnano Stresi in una traccia che parla di rispetto vero, quello guadagnato fuori dai riflettori. “Marihuana” è un titolo provocatorio, ma il senso è evidente: ciò che conta è la credibilità nei quartieri, non quella patinata. “Internacional” riflette l’anima transnazionale del progetto. Con Nido, producer e musicista albanese, e di nuovo Flor Bana, Stresi firma una traccia che attraversa lingue e ritmi, fondendo influenze latine, mediterranee e urban in un'architettura sonora che abbatte ogni confine. Una canzone che racconta il viaggio di un’identità in movimento, capace di abbattere barriere culturali con il linguaggio universale della musica. 2Ton, con oltre un miliardo di visualizzazioni su YouTube, porta il suo carisma in “Kallabllak”, termine che in albanese indica una “folla”, “affollato”. E il brano è esattamente questo: un club banger in piena regola, pensato per incendiare il dancefloor. L’album si chiude con quattro tracce completamente firmate da Stresi: “Ajo” (in italiano “Lei”), un brano intimo, che si rivolge a una figura femminile amata e lontana, in cui melanconia e rispetto sono in perfetto equilibrio; “Autobiografia”, che, come suggerisce il titolo, è una lettera a cuore aperto, una confessione. Stresi si racconta, tra vittorie e cicatrici; “Sa T'kam Dasht” (in italiano “Quanto ti ho amato”), una riflessione sul passato, su un amore ormai finito. Un testo che scava nella nostalgia, senza indulgere nella retorica; e “Sta Fali” (in italiano “Ti perdono”), un brano secco e consapevole, dove il perdono non è una resa, ma la scelta lucida di chi decide di chiudere i conti senza rinunciare a se stesso. Un poker finale che restituisce la voce dell’artista in forma pura, senza filtri né featuring. Qui il racconto si fa soffuso, riflessivo, diretto. È la parte più personale del disco, dove Stresi si prende tutto il tempo e lo spazio per essere semplicemente se stesso. “Archimed (Episode 2)” parla a più scene, unendo realtà apparentemente lontane, ma attraversate dallo stesso bisogno di espressione. È un album intriso di identità, appartenenza, dialogo. Un lavoro che guarda all’Italia con consapevolezza e volontà di radicarsi. L’Albania si conferma così un mercato musicale in forte espansione, e Stresi uno dei suoi protagonisti più credibili anche fuori dai confini nazionali. Techpro Records, label capitolina che ha cresciuto tante generazioni di artisti occupandosi con cura dei loro progetti e della loro immagine, si posiziona come ponte tra Roma e Tirana, tra Sud e Est, tra strada e cultura. Al centro di tutto, c’è la voce di Stresi: diretta, vera, internazionale. Stresi è il baricentro di un disco che oscilla tra confessione e denuncia, romanticismo e concretezza. Un artista capace di esporsi, raccontarsi, stare nella verità delle sue parole. Un artista che sa dove stare, cosa dire e come dirlo. Senza filtri. Senza maschere. Con consapevolezza. E una voce che non chiede spazio: se lo prende. “Archimed (Episode 2)” – Tracklist: 1. Mama (feat. Noizy) 2. Aventurera (feat. Deny K) 3. Kriminal (feat. Bay T) 4. Marihuana (feat. Lumi B & Flor Bana) 5. Internacional (feat. Nido & Flor Bana) 6. Ma Belle (feat. Aka 7even) 7. Napoli Tirana (feat. Clementino) 8. Kallabllak (feat. 2Ton) 9. Ajo 10. Autobiografia 11. Sa T’kam Dasht 12. Sta Fali... Continua a leggere

C’è una generazione che per ritrovare se stessa ha iniziato a cantare a bassa voce. Lara Serrano lo fa da anni, e oggi quella voce si raccoglie in “Parole Sciolte”, l’album d’esordio della cantautrice genovese classe 1998. Dopo una serie di brani pubblicati, tra cui “Follia” e “Tra il dejavu e l’amnesia”, Lara torna con un progetto che conferma la direzione della sua scrittura consapevole, e la capacità di dare un senso a ciò che spesso resta sullo sfondo senza indulgere nella retorica, raccontando ciò che solitamente si tace, con un linguaggio che non cerca protezione né alibi. Concepito come un lungo dialogo – a tratti clinico, a tratti lirico – tra sé e la propria memoria, “Parole Sciolte” è insieme cronaca e testimonianza sincera di chi ha imparato a sopravvivere ai giorni storti scrivendo tutto quello che non riusciva a dire. Tra versi che sembrano appunti terapeutici e immagini che somigliano a fotogrammi sfocati ma essenziali, necessari per capire dove si è passati, l’album si snoda tra dolorose evidenze e piccole rivoluzioni quotidiane, tenendo sempre al centro la parola come atto liberatorio. «Ho iniziato a scrivere perché non riuscivo a parlarmi. O almeno, non in modo diretto – spiega l’artista -. Questo disco nasce dalla necessità di restare viva anche quando tutto il resto cadeva. È il mio modo per mettere in fila i “Fra(m)”menti, citando un brano del disco -, per cercare connessioni anche dove sembrano impossibili.» Otto tracce, nessun riempitivo. “Parole Sciolte” è un disco compatto, coerente, curato fin nei minimi dettagli. Un progetto che si ascolta come un flusso di coscienza, disordinato solo in apparenza, perché ogni strofa rappresenta una svolta narrativa. Nel brano d’apertura, “Intro”, Lara si affida a una domanda che incornicia e attraversa tutto il progetto: «Mi posso fidare della versione delle tre delle persone o no?». Una frase che resta addosso, come uno di quei pensieri che tornano nei momenti in cui il silenzio fa più rumore. Ed è proprio lì che prende forma l’album: in quel punto sospeso tra chi eravamo e chi stiamo ancora cercando di diventare. È uno sguardo consapevole, forse stanco, a tratti inquieto, ma sempre vivo. È lo sguardo di chi scrive per non perdersi. Non è arrendevole. Non è amaro. Non è cinico. È uno sguardo che prova a fare ordine, senza fingere che sia tutto a posto. Nella title track “Parole Sciolte”, quello stesso sguardo si traduce in immagini che non hanno bisogno di spiegazioni: «Siamo il quadro più bello ma senza cornice, quasi quasi mollo tutto e poi divento felice». È un modo per dichiarare che, a volte, mollare non significa arrendersi, ma scegliersi. In “Iride”, l’amore viene raccontato come ciò che resta «quando i sogni d’odio sono in bianco e nero», mentre “Nuvole e Paranoia”, che è forse la traccia più cinematografica del concept, il linguaggio si muove tra citazioni figurative e registri diversi, accostando Hayez e Goya, che convivono nella stessa strofa, con una naturalezza spiazzante. «Sto come a un concerto ma in testa ho un teatro, metto insieme respiri per poi rompere il fiato». Un brano che alterna scenari familiari, ritmi ordinari e richiami culturali, tenendo insieme caos ed equilibrio, gesto e pensiero, con chirurgica precisione. Non manca una riflessione sui legami che aiutano a rimettere insieme i pezzi, anche solo per un momento. In “Palchi più Alti”, Lara dedica il brano a chi, pur sentendosi piccolo tra giganti, riesce a ritrovarsi in un applauso. È una dichiarazione d’affetto senza retorica, fatta di immagini leggere e immediate – «far castelli di lenzuola», «portare l’estate» – che raccontano la bellezza di chi sa essere rifugio. In “Fra(m)menti”, invece, la scrittura si fa più intima e scomposta. Il titolo stesso suggerisce una doppia lettura – “frammenti” e “fra menti” – che apre a un discorso sull’identità e sul pensiero che non si allinea, che inciampa, si perde, si confonde. Un brano che fa percepire il senso di smarrimento, identitario e mentale, che percorre il testo. Lara disegna un “quadro clinico” con le parole, raccontando il disallineamento tra ciò che si è e ciò che si vorrebbe essere, tra domande senza risposte e pensieri che sfuggono. «Mi sono persa fra menti, inciampo nei fili logici»: un flusso che intreccia autoironia, dolore, e la consapevolezza di non avere più un vero colloquio con se stessa. È il brano più vertiginoso del disco, quello in cui la confusione diventa il linguaggio principale e l’identità si scompone senza perdere la propria urgenza. L’album si chiude con “*Outro”, una lettera senza indirizzo che fa da testamento, resoconto, bilancio lucido, necessario, dove Lara canta: «E chiedo scusa a me stessa se ho una laurea in giurisprudenza, ma è solo dalla musica che aspetto sentenza». Una chiusura asciutta e diretta, che riprende lo stile viscerale che accompagna tutto il progetto. «Non scrivo per insegnare niente a nessuno. Scrivo perché è l’unico modo che ho per restare ferma mentre tutto intorno si muove troppo in fretta – conclude Lara -. Questo disco è fatto di cose che non ho mai saputo dire ad alta voce, ma che non potevo più tenere dentro. E anche se non so dove mi porterà, so che doveva uscire esattamente così.» “Parole Sciolte” è un album che non chiede approvazione, ma attenzione. Non cerca risposte facili, né soluzioni preconfezionate. È un lavoro che sceglie la strada più difficile: quella dell’ascolto impegnato. Tra sogni storti, immagini oblique e domande lasciate a metà, Lara Serrano disegna un percorso narrativo compatto, inevitabile, e fortemente coerente con il tempo in cui è nato. Non per dimostrare qualcosa, ma per dirsi: “questa parte di me esiste, e ha avuto il coraggio di farsi sentire.” “Parole Sciolte” - Tracklist: 1. Intro 2. Parole Sciolte 3. Iride 4. Nuvole e Paranoia 5. Tra il Dejavu e l'Amnesia 6. Palchi più Alti 7. Fra(m)menti 8. Outro... Continua a leggere

C’è un tempo per curare gli altri e uno per provare a guarire se stessi. Giuseppe Campagnani, classe 1994, lo sa bene. La sua “Nuova Vita” - che dà anche il titolo al suo disco d’esordio - comincia nei luoghi meno rumorosi: una sala d’attesa, un pianoforte, un taccuino. Non cerca i riflettori. Ma c’è qualcosa – nel suo modo di scrivere, di raccontare, di non affrettarsi – che ha cominciato a farsi notare. L’album, in uscita il 30 maggio 2025, è entrato tra i candidati alla Targa Tenco 2025 nella sezione Opera Prima. Un esordio in punta di piedi, ma dalle fondamenta solide: Campagnani arriva alla musica con un approccio colto e personale, maturato nel tempo. Laureato in Medicina, iscritto al Conservatorio di Cagliari, ha scelto di costruire il proprio progetto in autonomia, con il supporto dell’arrangiatore russo Anton Mikhailov. Il risultato è un disco introspettivo e artigianale, capace di intercettare la grande tradizione cantautorale italiana e fonderla ad elementi di musica classica, con la sensibilità di un’autorialità contemporanea che non ha fretta di stupire. Un percorso atipico, fuori dal circuito, fuori dagli algoritmi. Eppure, in queste nove tracce, c’è più attualità che in molti dischi “di tendenza”. Non solo nei temi – la nostalgia, le relazioni, il desiderio di ripartire da sé – ma nel modo in cui vengono trattati: con pudore, consapevolezza, distanza dalle formule. Il concept si sviluppa come un viaggio. Non come astrazione retorica, ma come dato di fatto: l’attesa, il perdono, la capacità di lasciar andare, la decisione di restare. Già dal brano apripista "Il Treno", primo singolo dell’album, si avverte il respiro intimo della scrittura: «La vita scorre senza sosta come un treno senza freni». Una traccia che parla del tempo che scorre e sembra sfuggirci, ma che, nel suo inesorabile procedere, riserva attimi di meraviglia. Perché c’è chi viaggia in prima classe e chi resta nelle file abbandonate. Ma c’è anche chi – pur nell’oscurità – smette di guardare fuori e inizia a guardarsi dentro. Quella dell’artista, è una scrittura che vive nel suo tempo, personale, ma capace di parlare a tutti. È figlia di una poetica fatta di slittamenti lievi e punti fermi. In “Cadono le stelle”, i ricordi diventano astri in discesa libera e la malinconia un prato su cui ci si adagia volentieri, trovando conforto nell’osservarli da lontano, come se il dolore fosse un posto in cui sostare, per contemplarli ancora un po’. "Non è andata così" sfiora la disillusione senza scivolare nella retorica o nell’autocommiserazione, con una delicatezza mai evasiva. È una fuga momentanea, il tentativo di rimanere aggrappati, vicini a ciò che si è perso. Ma il ritorno è inevitabile, e necessario. La canzone parla chiaramente di un amore finito, del desiderio di riscrivere il finale, e del tentativo – profondamente umano – di trovare una speranza anche nel fallimento. L’espressione «questa volta sarà diverso», rappresenta quel bisogno di crederci ancora, nonostante tutto. Ed è in questo tipo di sincerità disarmata che l’ascoltatore riconosce non solo un valore raro, ma anche qualcosa che manca altrove. C’è poi "Dammi la mano", una fuga a due cuori e quattro mani «da un mondo imperfetto» e, forse, l’unico antidoto all’individualismo sfrenato e all’indifferenza dell’oggi - «saremo al riparo da ingiustizie sleali, da egoismi cordiali» -. In tempi segnati da solitudini strutturali e inutili retoriche, Campagnani afferma qualcosa di semplice ma dirompente: la felicità non è una conquista individuale. In "In Viaggio", due compagni percorrono una strada senza arrivo, condividendo segreti sotto cieli stellati. È un brano che mette al centro il tempo presente, l’importanza del momento vissuto: «Ogni giorno un’avventura, una storia da raccontare». Il viaggio non è solo tema, ma linguaggio: ciascuna strofa è una tappa, ogni pausa una possibilità. Un racconto che richiama l’infanzia del mondo, e forse anche quella dell’Io. "L’Arcobaleno" è una presenza silenziosa. È la delicatezza di chi resta accanto, nei giorni grigi, senza chiedere nulla in cambio: «E nei tuoi giorni grigi, io sarò accanto a te per consolarti». Una ballata essenziale, in cui l’affetto si manifesta nei piccoli gesti, nei dettagli che non si impongono, ma curano. Come un arcobaleno che spunta dopo la pioggia, la canzone ci ricorda che a volte basta esserci per fare la differenza. In "Guarda Avanti", Campagnani chiede di non voltarci, di non cedere. È un incoraggiamento sussurrato: «Io sarò lì, di’ solo una parola». Una promessa silenziosa rivolta a chi vacilla, a chi ha bisogno solo di un segnale per ripartire. Tra labirinti e albe che si intravedono, il brano assume un valore particolare oggi, nel tempo dell’incertezza permanente, invitandoci a resistere, a proseguire, anche quando sembra più semplice fermarsi. "Perdonerai" è il punto di maggiore sottrazione. Poche parole, molte ellissi: «Parole consumate che non serve usare più». La canzone agisce per levare, non per aggiungere. Campagnani canta la il dolore che accompagna una rottura e la speranza di un perdono reciproco declinato al futuro. E, proprio per questo, fosse impossibile da raggiungere. Un brano che nasce dal bisogno di comprendersi, di riconoscersi: non ci sono recriminazioni, né salvatori. Solo due sguardi che si cercano, anche se in ritardo. E infine, la title track "Nuova Vita". Una rinascita che arriva sottovoce, dopo un tempo buio, con immagini naturali e simboliche: «La natura si risveglia e si espande intorno a noi. I dolori del passato sembrano svanire ormai». È un brano sulla forza silente ma impetuosa della vita che ricomincia, a prescindere da quanto sia stata forte la tempesta del giorno prima. Non è redenzione, è tregua. E, a volte, basta. «Questo disco è nato in una fase di transizione della mia vita – dichiara Campagnani -. Ho sempre scritto canzoni, ma non ho mai pensato che avrebbero visto davvero la luce. Poi ho capito che le cose più fragili sono anche quelle che vale la pena condividere. Lavorare su "Nuova Vita" è stato un modo per fermarmi, fare ordine, e ritrovare una direzione. Anche se imperfetta, è mia. E mi somiglia.» Il disco si muove per immagini, atmosfere, dettagli. Ogni brano conserva una sua autonomia narrativa, ma fa parte di un disegno più ampio, in cui il tempo della vita coincide con il tempo dell’ascolto. La candidatura alla Targa Tenco non è solo una tappa simbolica: inserisce “Nuova Vita” in un contesto culturale che ha sempre riconosciuto alla parola cantata il potere di incidere nel pensiero comune, di non essere solo forma, ma contenuto vivo, capace di interrogare il presente e attraversare coscienze, tempi, domande. Tra burnout generalizzato, estetiche forzate e storytelling costruiti, un disco che parla di cura, discrezione e scelta interiore ha un impatto più rilevante di quanto si possa immaginare. Perché se è vero che la musica può salvare, come si dice spesso, “Nuova Vita” non lo afferma deliberatamente: lo suggerisce, lo lascia emergere tra le righe. E questo è uno dei suoi meriti maggiori. L’album è nato senza pressioni, tra le stanze della cura e quelle dell’introspezione, seguendo un tempo lento, più vicino alla scrittura che alla produzione. Ma a renderlo speciale non è la geografia della produzione. È la voce – sommessa, ma ferma – di chi non ha urgenza di piacere. Solo urgenza di comunicare, di esprimersi. È un disco che non rincorre le playlist: nessun ritmo forzato, nessun ritornello studiato per TikTok, nessuna estetica algoritmica. “Nuova Vita” sceglie un’altra strada: rallenta. Si prende il tempo di dire bene quello che ha da dire. Campagnani non parla di sé per cercare approvazione. Parla di sé per parlare con l’altro. «Non cerco una platea, ma un ascolto. Anche solo uno. Ma vero», conclude. E forse è proprio questo che rende il progetto così credibile. Non si può falsificare ciò che nasce da un’urgenza sincera. Ciò che ci somiglia. “Nuova Vita” non è - e non vuole essere - solo un bel debutto discografico. È la dimostrazione, la prova tangibile che, ancora oggi, si può fare canzone d’autore senza essere nostalgici né conformisti. È la conferma che la parola, se usata con precisione e rispetto, ha ancora un peso. Oggi, dove la musica viene spesso usata per dimenticare, Campagnani la usa per ricordare. Per fare ordine. Per ricominciare.

C’è chi corre per arrivare primo. Chi per stare al passo. E poi c’è chi si ferma, si guarda dentro e sceglie di non rincorrere nessuno. Di non uniformarsi. Di camminare, e arrivare intero. Con il nuovo singolo “Fuori Tempo”, i LUMIED riflettono sul diritto di non adeguarsi, di scegliere un ritmo personale, libero dalle aspettative esterne. Costruito su un impianto pop impreziosito da venature funky, il brano mette a fuoco una delle fragilità più condivise dalla Gen Z e dai Millennials: sentirsi disallineati rispetto al tempo degli altri. Un senso di inadeguatezza che è cresciuto in parallelo all'affermarsi di modelli identici, algoritmi omologanti e velocità non sostenibili. Secondo uno studio pubblicato dall'American Psychological Association, il 91% dei giovani tra i 18 e i 29 anni sente la pressione di raggiungere traguardi prestabiliti entro determinate età. Un numero che racconta molto più di una generazione insicura: racconta un mondo che ha dimenticato l’importanza di ascoltare il proprio tempo. Il testo è esplicito sin dai primi versi: «Non sarò un clone, non diventerò un doppione, seguo il mio cuore e nessuna convenzione». In queste parole c’è il rifiuto netto di una traiettoria disegnata da altre mani, di modelli preconfezionati, di schemi standardizzati, di aspettative silenziose che condizionano le scelte personali. “Fuori Tempo” è una risposta, e anche un'alternativa: quella di scegliere il proprio ritmo e riconoscersi nelle proprie unicità. Non è solo opposizione: è la scelta consapevole di un’identità costruita per sottrazione, più che per adesione. E quando Luana canta: «Vivo sempre fuori tempo, non so quello che c'ho dentro, ora questo è il mio momento, tiro fuori il mio talento», la voce si fa intima, quasi diaristica. Qui non troviamo resistenza, ma ricerca: il tempo “fuori” è lo spazio in cui provare a capirsi, più che dimostrarsi. Una presa di posizione sottile, ma determinata. E per questo urgente. «Non sarò un clone, non diventerò un doppione, seguo il mio cuore e nessuna convenzione»: qui la scrittura trova un raro equilibrio tra immediatezza e chiarezza. È un verso che non alza la voce, ma non indietreggia. Parla di scelte, non di slogan. Il tema ritorna nel ritornello: «Sono fuori tempo ma, ma chi l'ha detto?». Una domanda semplice, che smonta la pretesa che esista un tempo giusto per tutti. Con una leggerezza che non toglie significato. Lo amplifica. «Abbiamo scritto questa canzone per tutte le persone che si sono sentite fuori posto, fuori fase, “fuori tempo” almeno una volta nella vita – raccontano i LUMIED –. Per chi non ha ancora realizzato tutto quello che ci si aspettava da lui, per chi ha cambiato strada, per chi ha dubitato di sé, per chi non ha paura di essere diverso. Pensiamo che l'identità sia un percorso, non un'etichetta: e questo brano ne è la colonna sonora.» La produzione resta fedele al senso del brano: niente virtuosismi, ma un andamento solido, che tiene insieme movimento e spazio. Il groove funky lascia respirare le parole, mentre l’arrangiamento cresce senza fretta, fino al bridge: «Come il mare quando sale. Sei selvaggio, non ti fai domare». Il finale non esplode, ma si compatta in una formula che sembra quasi trattenere il battito: «Fuori schema, fuori tempo». "Fuori Tempo" è uno strumento per danzare al proprio ritmo, per rivendicare il diritto di non dover giustificare il proprio passo. In un sistema che ci vuole competitivi, veloci, sempre performanti, il trio crea un controtempo musicale e simbolico che diventa un margine di libertà. Senza sensi di colpa per le deviazioni, le pause, le sbordature. «Abbiamo sentito il bisogno di fermarci e dirci la verità: non siamo macchine da risultati – concludono i LUMIED -. Ognuno ha il suo passo, e anche quando sembra che tutti stiano correndo più di te, forse stai semplicemente camminando nella direzione giusta.» Dopo il plauso della critica per i singoli "Samurai" e "Hawaii", i LUMIED proseguono un percorso coerente, fatto di canzoni che tengono insieme la realtà e il modo in cui, consapevolmente o meno, si sceglie di affrontarla. Anche “Fuori Tempo” non cerca scorciatoie: osserva, registra, prende nota di qualcosa che riguarda molte più persone di quanto sembri. È un brano che parla a tutti perché non fa sconti alla retorica generazionale. Ed è proprio per questo può arrivare anche in chi, a qualsiasi età, ha sentito il bisogno di rallentare e proseguire ad un’andatura diversa. Il trio sarà presto in tour con date estive in fase di definizione, e “Fuori Tempo” sarà al centro della scaletta. Perché la libertà, oggi, potrebbe iniziare proprio da una scelta controcorrente: non arrivare primi, ma arrivare interi.... Continua a leggere

Un gelato che si scioglie al sole, un amore che si consuma tra giochi di potere, il bisogno di essere visti senza filtri: sei tracce che definiscono il perimetro sonoro del primo EP di Bennyvi, “Watch Me Now” (Delma Jag Records). Un disco che inquadra il tempo in cui viviamo attraverso uno sguardo obliquo ma lucido, diretto ma attento, quello di chi non ha paura di vedere troppo né di raccontarlo senza concessioni. Una raccolta essenziale di ciò che non ha più intenzione di tacere, scritta con la sensibilità di chi osserva prima di parlare. La giovane cantautrice ticinese di origini venete, già apprezzata dalla stampa italiana ed europea con i singoli “Gemini” e “I Know What You Are”, prende posizione con un progetto in cui coesistono maturità precoce e urgenza di trovare un proprio spazio, in un tempo che premia l'omologazione e spinge ad aderire a modelli prefabbricati. “Watch Me Now” è il suo primo atto discografico: una presa di parola, non una posa. "Watch Me Now" è un diario musicale da sfogliare, un’istantanea che coglie un diverso frammento di vita, attraversando sonorità pop, indie ed elettroniche. L’EP si apre con “Gemini”, che si misura con la doppiezza e la manipolazione nelle relazioni, e si chiude con “Bla Bla Baby”, ritratto ironico della frenesia comunicativa contemporanea. In mezzo, intuizioni, disillusioni e una ricerca ostinata di leggerezza. Con "Like Gelato", focus track del disco, Bennyvi inaugura l'estate con una traccia luminosa e immediata che invita a rallentare, a godersi l’istante e a riscoprire il valore delle piccole cose. Un bisogno confermato da uno studio internazionale del 2024 condotto da YouGov, che evidenzia come oltre il 62% dei giovani europei senta la necessità di "staccare" dalla pressione sociale e digitale per riconnettersi a una dimensione più semplice e reale. «Scrivere e registrare “Watch Me Now” è stato come raccogliere le pagine più significative del mio percorso fin qui - racconta Bennyvi -. Ogni brano nasce da qualcosa che mi ha smosso dentro, che meritava di essere detto. Non è perfetto, non vuole esserlo. Vuole essere vero.» Il 23 maggio, in concomitanza con l'uscita dell'EP, Bennyvi ha presentato "Watch Me Now" in un concerto speciale allo Studio Foce di Lugano, accompagnata da un ospite d'eccezione: la cantautrice e co-autrice Skyler Wind. Un debutto live che ha aperto il dialogo con una scena pop europea sempre più attenta alla scrittura e alla verità del racconto. «Non volevo nascondermi dietro maschere o cliché – conclude l’artista -: "Watch Me Now" è il mio modo di dire che sono qui, così come sono.» Niente filtri, niente sovrastrutture: Bennyvi parte da ciò che conosce meglio, il quotidiano, e lo mette in musica. Un approccio che intercetta un bisogno crescente, rilevato da diverse ricerche, di nuovi sguardi che illuminano zone lasciate ai margini, senza mediazioni. Nuovi punti di riferimento culturali e identitari, mentre si moltiplicano le domande su cosa significhi appartenere, riconoscersi, prendere posizione. In una scena in cui sempre più artisti scelgono di sottrarsi alle logiche algoritmiche, cercando nuovi linguaggi fuori dagli schemi e dai trend, “Watch Me Now” si inserisce in una corrente che privilegia la narrazione personale, diretta e sincera come chiave di relazione con gli altri. Il lavoro di Bennyvi si avvicina a quello di una nuova ondata di cantautrici europee che usano la musica per restituire una lettura critica e intima del presente, come ad esempio la tedesca Paula Hartmann o la francese November Ultra, con cui condivide l'attenzione ai dettagli e alla dimensione interiore non filtrata. "Watch Me Now" è il punto da cui Bennyvi sceglie di esporsi, senza retorica e senza paura di mostrarsi nella sua interezza. Un gesto semplice, eppure raro. Il resto, è tutto da scrivere. “Watch Me Now” – Tracklist: 1.Gemini 2. Know What You Are 3. People Like You 4. Like Gelato 5. That's Fine 6. Bla Bla Baby

Ci sono domande che non facciamo mai ad alta voce. Non perché non contino, ma perché ci tengono svegli la notte. “Perché corro sempre? Perché non riesco a stare nel presente? Perché invecchiamo? Perché rovinare tutto quando sembra andare bene?”. Domande che non pretendono risposte, ma che definiscono una generazione che fatica a concedersi pace. Da qui nasce “TUTTIQUESTIPERCHÉ”, il nuovo singolo di DEIRA, disponibile dal 23 maggio per Delma Jag Records in co-produzione con Firstline Production. Un brano che non parla di amori perduti o rivalse, ma di qualcosa di più personale e disarmante: il modo in cui ci sabotiamo quando vorremmo solo vivere in pace con chi siamo. A precedere questa uscita, un percorso in costante definizione: dalla semifinale romana del contest I Visionatici, dove ha ottenuto la collaborazione con l’etichetta svizzera Delma Jag Records, fino alla doppia sincronizzazione nella celebre serie statunitense The Kardashians di “Lividi di gioia” e “Un Segnale dal Cielo”. DEIRA ha attirato l’attenzione per una scrittura che scava, che affonda nelle contraddizioni personali senza compiacimento, e per un’estetica scarna e diretta, priva di effetti. “TUTTIQUESTIPERCHÉ” racconta il momento in cui smettiamo di aspettarci che siano gli altri a sistemarci, e iniziamo, con fatica, a prenderci in carico. «Le lacrime ti scendono ma le puoi asciugare solo tu.» Non c’è volontà di insegnare, né di spiegare. Solo il tentativo di restare dentro a quei pensieri che di solito lasciamo passare in silenzio, quelli che ci assediano e che, troppo spesso, teniamo sotto pelle. A dirlo è la stessa DEIRA, con parole semplici, senza difese: «Questa canzone parla di tutte le volte in cui non riusciamo a volerci bene. Quelle in cui ci sabotiamo senza nemmeno accorgercene. E se invece imparassimo ad avere più fiducia in noi stessi? Se smettessimo di giudicarci con tanta durezza? Forse la vita sarebbe più leggera, e potremmo sentirci liberi anche quando sbagliamo. Questa canzone è nata così: come un modo per darmi una possibilità. Per non restare fuori da me stessa.» Nel testo si rincorrono destabilizzazione, smarrimento e tentativi di restare in piedi. Le parole non spiegano, registrano. Sembrano scritte per ricordarsi che si può sbagliare senza dover chiedere scusa. Versi che arrivano come appunti lasciati a metà, raccolti in un momento in cui tutto sembra immobile - «Sai che davvero non mi importa se mi perdo un’altra volta. Sai, rinasco anche stavolta.» -. È la presa d’atto che a volte si cade, e basta; che la caduta non è sempre un disastro: a volte è solo il passaggio obbligato per imparare a tenersi in piedi senza chiedere il permesso. E che da lì, comunque, si può ripartire. Con “TUTTIQUESTIPERCHÉ”, DEIRA consolida una cifra stilistica riconoscibile e personale, che sfugge alle categorie di genere. La sua scrittura si muove con disinvoltura tra indie-pop, elettronica minimale e forma diaristica, senza mai sembrare in posa. Classe 1999, vicentina, DEIRA, all’anagrafe Erica Meneguzzo, ha scelto la scrittura come modo per restare. Per rimanere presente, anche quando il presente sfugge. Dal palco del Noise Wave Festival a quello del Reset Festival – Glocal Sound, passando per le finali regionali di Arezzo Wave e le aperture a Chiamamifaro, il suo percorso non cerca la vetrina, ma un senso. Non segue strategie, ma necessità. Con l’esposizione internazionale ottenuta grazie all’inserimento di due suoi brani nella serie The Kardashians, DEIRA non ha cambiato se stessa, né la sua direzione, che resta essenziale, tagliente, intima, senza concessioni. Non per spiegarsi. Ma per provare, ancora una volta, a restare dentro le cose. Anche quando fanno male. Anche quando sembrano troppo grandi. La sua scrittura fatta di contrasti, e una presenza scenica spiazzante nella sua semplicità, le permettono di costruire, passo dopo passo, una traiettoria coerente, libera da definizioni, mossa da un’unica urgenza: fare pace con se stessa. Anche solo per un attimo. Anche solo attraverso una canzone.... Continua a leggere

«Il coraggio è l’impronta delle paure». C’è una generazione che ha smesso di reagire. Che abbassa lo sguardo, anche quando a crollare sono i diritti, anche quando a pagarne il prezzo sono i figli. È da questa crepa nel tessuto sociale che parte “Where’d You Go Someday”, il nuovo singolo di Piero Campi, cantautore tarantino d’adozione fiorentina e da anni parte attiva della scena bolognese. Un brano ruvido, diretto, costruito su un sound rock asciutto e internazionale, prodotto e suonato al basso da Marco Schnabl (Think Ahead Studio) con la collaborazione del producer statunitense Analog Tears (Diego Carlo Magno, da Seattle) che ha curato le chitarre e di Andrea Rizzi alla batteria. Dopo l’album d’esordio “Tutto Tace”, il cantautore pugliese rompe il silenzio, chiedendo un nuovo sguardo sul presente. Un presente in cui l’indignazione si è fatta sussurro e la ribellione una posa estetica. Campi rimette al centro una domanda scomoda: che fine ha fatto il coraggio? E lo fa con una scrittura che non cerca scorciatoie, ma affonda nei paradossi dei giorni nostri: «Parlano di rivoluzione, ma si è fermi come coglioni!» In poche righe, una fotografia lucida e spietata. “Where’d You Go Someday” si nutre di contraddizioni, denunciando una generazione in bilico tra memoria e stallo, tra la voglia di cambiare e la paura di fallire ancora. Senza proclami, ma con onesta concretezza. «Non volevo un brano che consolasse - spiega l’artista -. Ho scritto questo pezzo in un momento in cui mi sembrava che tutto stesse scivolando nel silenzio: le proteste, i diritti, la coscienza civile. Mi sono chiesto se anche io stessi iniziando a far parte di quel silenzio. È da lì che è nata questa canzone.» Una denuncia, ma anche un esame di coscienza. “Where’d You Go Someday” è attraversato da immagini nette e parole dure, capaci di cogliere un’apatia che si è fatta normalità. Non c’è retorica, ma una richiesta implicita di responsabilità, soprattutto verso chi verrà dopo, nei confronti di «un figlio in attesa di un mondo senza eroi». Perché, come spiega lo stesso Campi, «Siamo diventati spettatori anche quando si tratta del futuro dei nostri figli». Un’affermazione che assume i tratti di un monito, in una contemporaneità in cui l'indifferenza sembra prevalere. E se, come recita il verso-mantra della traccia, «il coraggio è l’impronta delle paure», allora questa canzone è il tentativo di non farle dissolvere nell’abitudine, restituendo loro presenza e memoria. “Where’d You Go Someday” si inserisce perfettamente in un momento storico segnato da un crescente senso di impotenza generazionale. Secondo un recente studio del Pew Research Center, il 57% dei giovani adulti si dichiara “rassegnato all’idea che le proteste non servano a cambiare nulla”. Dato che si riflette in una cultura in cui la rinuncia ha preso il posto della lotta e in episodi recenti, come la sospensione di 17 studenti a Milano per un'occupazione pacifica di un'ora, o le minacce legali rivolte all'artista Badiucao per le sue opere politicamente provocatorie. In questo contesto, Campi non propone soluzioni, ma prova almeno a riaccendere una coscienza collettiva sopita: «Posso ancora immaginare questo mondo senza odiare». Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e girato negli spazi scuri e simbolici dell’Ottostudio di Bologna, sotto l’attenta direzione di Cristian Spinelli. Al centro della scena, lo stesso Campi, una figura in controluce attraversata da un fascio di luce. Nessun effetto narrativo, solo un’immagine: quella di una via d’uscita possibile, ma non garantita. Un’unica inquadratura, una regia minimale ed emblematica, in cui l’immobilità diventa messaggio: la via d’uscita non è scenografica. È una possibilità. Ma per scorgerla, bisogna alzare lo sguardo, proprio come suggerisce il testo: «Basterebbe solo alzare lo sguardo, o almeno provare ad avere il coraggio.» Piero Campi nasce a Taranto nel 1982. La musica è da sempre il suo linguaggio privilegiato: dagli esordi con i Dharma, band protagonista della scena pugliese premiata in numerosi festival, fino al percorso solista che lo porta a Bologna. Qui incontra Lucio Dalla, che lo incoraggia a riscrivere partendo da una voce più personale e diretta. Da allora, il suo stile si evolve, tra rock viscerale e una scrittura che non cerca compiacimento, ma verità. Nel 2008 il singolo “Parole” entra nei circuiti nazionali di Virgin Radio, Radio 105 e Kiss Kiss. Seguono partecipazioni a progetti collettivi, come “Aut – Artisti Uniti per Taranto” contro l’inquinamento ambientale, e diversi riconoscimenti da parte della critica e della stampa. «Non cerco eroi, e non mi interessa farmi ascoltare a tutti i costi – conclude -. Ma credo che oggi ci sia bisogno di qualcuno che dica ad alta voce quello che molti pensano. Se anche uno solo si riconosce in questa canzone, per me ha già fatto il suo giro completo.» “Where’d You Go Someday” non è un canto di protesta. È un gesto di responsabilità. Non solleva bandiere, ma domande. E nel farlo, ci costringe ad ascoltare ciò che il rumore ha coperto troppo a lungo: il nostro silenzio.... Continua a leggere

«All’improvviso, siamo diventati niente». Da questa frase, raccolta durante una conversazione tra amici, prende forma “Film Romance”, il nuovo singolo di Mario Signorile, già conosciuto con lo pseudonimo Mocky. L’artista ha scelto di firmare con il proprio nome, lasciandosi alle spalle un alias che per anni ha accompagnato la sua attività creativa. Una decisione semplice, sobria, ma significativa: dire le cose come stanno, anche in musica. "Film Romance" è stato scritto dallo stesso cantautore, attore e regista pugliese in un periodo di apparente festa: le giornate che precedono il Natale. Una stagione di luci, unione e rituali condivisi che, per molti, diventa anche occasione di bilanci, nostalgie, questioni rimaste in sospeso e ferite ancora aperte. Proprio su quel contrasto, Signorile realizza un brano che non racconta solo una fine, ma il modo in cui la metabolizziamo mentre ci siamo dentro. Quello che ci diciamo per non vederla arrivare, e quello che ci raccontiamo mentre la viviamo. “Film Romance” parla di come idealizziamo i rapporti, di quanto restiamo legati a un’immagine più che a una persona. E del momento in cui tutto si spegne, senza una scena madre, solo con la domanda: «E ci fa male. O mi fa male?». È la distanza tra le aspettative costruite su modelli idealizzati e la realtà di storie d’amore che, spesso, si sgretolano senza rumore, lasciando solo il peso dei non detti. La struttura del brano è dichiaratamente cinematografica: frammenti di quotidianità si intrecciano a citazioni pop - «Come Ted e Robin, come Ross e Rachel» -, componendo un racconto che si muove con naturalezza tra il piano intimo e quello collettivo, tra la playlist personale e l’immaginario condiviso di una generazione cresciuta con le serie TV.  Il videoclip ufficiale, in uscita nei prossimi giorni, rafforza questa dimensione: un protagonista che rivede su videocassetta la propria storia d’amore, mentre lo spettatore scopre che quei ricordi sono proiezioni mentali. Un loop emotivo da cui, a un certo punto, sceglie di uscire. «Ho scritto questa canzone in un momento di grande malinconia – spiega l’artista -. Parlando con un’amica, ho sentito il bisogno di mettere in musica quel senso di vuoto improvviso che segue la fine di qualcosa in cui avevi creduto. Mi sembrava assurdo come tutto potesse sparire così, senza un vero epilogo. E invece, ogni addio è un sipario che cala su uno spettacolo che pensavamo infinito.» Il testo procede per immagini secche, nitide, taglienti: «Cammino chino ma tu non ci sei, storia antica come i musei». Nessuna concessione alla retorica. Verso dopo verso, viene descritto quello che resta: il disorientamento, la fatica di riassorbire l’assenza. Fino all'ultima battuta, che apre una possibilità: «E mi ricordo che m’hai insegnato, che dietro il sipario c’è un nuovo spettacolo». Quello di Mario Signorile non è un racconto fine a se stesso. "Film Romance" tocca un punto centrale della nostra contemporaneità: l'incapacità diffusa di elaborare la fine di un rapporto senza attribuirle il valore di un fallimento. Oggi, dove le relazioni amorose vengono spesso sovraccaricate di aspettative sociali e narrative, questo brano restituisce dignità anche alla chiusura, ricordando che, proprio come a teatro, dietro ogni finale può esserci un inizio. La carriera di Signorile è una sintesi creativa coerente tra musica, regia e scrittura. Dopo il successo delle web serie "Odio il Mio Migliore Amico" e del fan film "The Last of Us Forsaken", che gli sono valsi diverse candidature e premi nel circuito indipendente, ha esordito nella musica nel 2024 con il singolo "Io", seguito da "Non ci scotta più" e "Sorriso sulle labbra". Con "Film Romance", l’artista affina una scrittura che non rincorre effetti né soluzioni consolatorie, ma sceglie la precisione del dettaglio per fermare in un testo quel punto cieco in cui tutto cambia, senza bisogno di proclami. «Nessuna storia d’amore è come nei film - conclude -, eppure tutti ci siamo ritrovati a viverne una come se lo fosse. Questo brano è il mio modo per salutare quella parte di me che ancora si aspettava un finale scritto da altri, e iniziare finalmente a scriverlo con le mie mani.» “Film Romance” non è la classica canzone su una storia d’amore giunta al capolinea, ma la fotografia nitida, satura e disincantata del momento preciso in cui ogni rapporto diventa reale: quando il sipario cala e siamo costretti a scrivere da soli il nostro finale. Con questa canzone, Mario Signorile abbandona ogni idealizzazione romantica e riscopre il valore delle storie vere: imperfette, lontane dai copioni televisivi. Perché, dietro ogni addio, c’è sempre una nuova possibilità.... Continua a leggere

Certe canzoni non si toccano. Oppure sì. Ma solo se hai qualcosa di urgente da dire. LIIA, cantautrice slovacca naturalizzata italiana, fa una cosa che pochi avrebbero il coraggio di fare e lo fa con “Always” dei Bon Jovi: non lo omaggia, lo riscrive. Lo prende, lo svuota, lo trasporta altrove. E nel farlo, ci si mette dentro tutta. «This Juliet is bleeding, but you can't see her blood». Il brano è lo stesso. Ma non la voce. Non l’intenzione. Non il tempo. LIIA cambia sguardo, cambia genere, cambia carne. Il tono non è quello di chi implora, ma di chi ha attraversato il dolore. E adesso lo racconta senza chiedere comprensione. Perché il dolore non ha bisogno di spiegarsi, solo di esistere. La melodia resta. Il testo, quasi. Ma l’anima cambia pelle: l’epica si dissolve, la potenza si trattiene, la narrazione si sposta. Non è più un uomo a parlare d’amore. È una donna a cantare quello che resta dopo, quando l’innamoramento è già passato. «Non volevo imitare il brano originale – spiega LIIA -. Volevo restituirgli qualcosa. Da donna a canzone. Una donna che non si salva, ma resta in piedi. E dice la verità.» Il risultato è una cover che non è una cover. È una riscrittura. Un punto di vista. L’originale sfoga, questa invece trattiene. L’originale esplode, questa resiste. L’arrangiamento, firmato da Christian Bendotti, abbandona ogni epicità per ridurre tutto all’essenziale: voce, suono e ferita. Le luci della ribalta si spengono e si accendono quelle di un interno sera. Tutto è più scuro, più sommesso. Ogni parola ha un peso, ogni silenzio qualcosa da dire. In particolare, il verso «I wish I was her» («Vorrei essere lei») assume un’accezione confessionale: la sofferenza c’è ancora. Ma non ha bisogno di farsi vedere. E così “Always” torna, ma da un altro tempo. Uno dove le eroine non aspettano, ma riscrivono il finale, senza chiedere il permesso. Poi arriva “Run Tonight”. E tutto si ricompone. Un brano inedito scritto dalla stessa LIIA, che suona come l’altra metà del racconto: quella in cui si smette di chiedere il via libera per essere sé stessi e si comincia, finalmente, a scegliere. Una corsa che non è fuga, ma direzione. Se “Always” è la memoria che torna e brucia ancora, “Run Tonight” è la decisione di non restarci dentro. È la pagina bianca che si scrive solo dopo aver attraversato tutto il resto. «Realizzare questo brano – conclude l’artista - è stato come dirmelo una volta per tutte: puoi correre. Non per scappare, ma per raggiungerti, per arrivare finalmente ad abbracciare chi sei davvero.» «I dream of fearless life, where I'm always true. I’ve found my truth, I’ve claimed my right. I know why I run tonight» («Sogno una vita senza paura, dove posso essere sempre vera. Ho trovato la mia verità, ho rivendicato il mio diritto. So perché corro, stanotte»). La voce torna piena, determinata, ma mai sopra le righe. Non è una rivendicazione in senso stretto: è consapevolezza, lucidità che diventa azione. “Run Tonight” fotografa cosa succede quando smetti di aderire a un’idea che non ti assomiglia più. Mentre tutti osservano, commentano, scrollano - «Everyone’s on the internet watching strangers live for clicks» («Tutti sono su internet a guardare sconosciuti vivere per un clic») - c’è chi si alza. E parte. In silenzio, ma con passo deciso. Dove nessuno può dirgli chi essere. Non via da qualcosa: verso di sé. Secondo i dati MIDiA Research (2024), solo il 27% della musica promossa a livello globale è firmata da donne. E meno della metà ha pieno controllo su scrittura e produzione. In questo scenario, progetti come quello di LIIA non sono solo artistici. Sono necessari. Non perché alzino la voce, ma perché non chiedono spazio. Lo occupano. Con rigore. Con libertà. Con una voce che non cerca conferme, ma verità. LIIA non concede nulla. Non abbassa. Non semplifica. Racconta ciò che va raccontato, nel modo in cui va raccontato. Non presenta due brani. Mette in fila due istanti dello stesso movimento interiore: la trasformazione. Due traiettorie diverse, lo stesso approdo: scegliersi. Per poter scegliere. E lo fa con una voce che – per estensione, precisione, assenza di manierismi – non somiglia a nessuna nel panorama attuale. Una voce che non si confonde, non si compiace, non compiace. Anche i due videoclip che accompagnano i singoli, diretti da Mirko Parrini, parlano chiaro: il video di “Always” è statico, denso, girato in studio con una luce che sembra trattenere il fiato e richiama le atmosfere anni ‘90. Quello di “Run Tonight” è scattante, asciutto, come il primo passo dopo la stasi. Insieme, sono un corpo unico. Una dichiarazione sussurrata, ma definitiva: non esiste libertà più grande di quella di scegliere chi si è e chi si vuole diventare, senza chiedere il permesso.... Continua a leggere

Ogni minuto nascono 83 nuove canzoni. Il 45% delle quali non verrà mai ascoltato. Milioni di artisti cercano ogni giorno produttori, manager e professionisti per costruire la propria carriera, ma si affidano a piattaforme generaliste come LinkedIn o ai social media, sprecando tempo e risorse. Il risultato? Il 98% delle release restano invisibili e oltre 7 miliardi di euro l’anno vengono investiti in collaborazioni inefficaci. Per risolvere questa distorsione, nasce HAT Music, la prima app dedicata a connettere in modo rapido ed efficace artisti e professionisti della musica, offrendo un sistema di matching personalizzato, grazie all’intelligenza artificiale, basato su genere, esperienza, budget e necessità specifiche. Perché il problema non è la mancanza di talento, ma l'assenza di connessioni giuste. E senza connessioni, il talento resta in ombra. In un’industria sempre più affollata, non bastano semplici piattaforme di pubblicazione: serve un sistema che offra a chi muove i primi passi l'accesso alle figure adatte, permettendo di trasformare il potenziale in una carriera concreta. Eppure, nonostante una crescita annua del 10,29% e un fatturato di 26,2 miliardi di dollari nel 2023, il settore musicale non ha ancora sviluppato strumenti in grado di sostenere adeguatamente le nuove generazioni di creatori, rimanendo indietro rispetto alla sua stessa evoluzione. HAT Music offre una soluzione chiara e scalabile, una piattaforma digitale che consente a chi fa musica di prenotare consulenze e appuntamenti con le figure professionali di cui ha bisogno (A&R, produttori, social media manager, fotografi, uffici stampa, ecc ecc.) con un sistema trasparente, sicuro e veloce. L’elemento chiave sarà l’AI Matching, che analizzerà i bisogni dell’artista e suggerirà i professionisti più idonei, riducendo il tempo di ricerca da mesi a pochi minuti. Ma come funziona HAT Music? . Per gli artisti: iscrizione gratuita, possibilità di rispondere a un breve questionario per ottenere un percorso personalizzato e connessione immediata con professionisti verificati. . Per gli esperti musicali: creazione di un profilo professionale, gestione delle prenotazioni, possibilità di ricevere richieste di lavoro da artisti selezionati. . Sistema sicuro di pagamenti in-app: nessun rischio di mancati pagamenti o truffe, grazie a transazioni integrate e tracciabili. . AI Assistant (in arrivo): un’intelligenza artificiale che aiuta artisti e professionisti a monitorare la crescita della loro carriera con dati e suggerimenti. Dietro HAT Music c’è un team con esperienza diretta nell’industria musicale e tecnologica: . Emanuele Sanfelici (CEO, ex PwC, imprenditore tech, ex DJ e musicista) . Riccardo Lapi (CTO, ex-freelance tech, specialista in sviluppo software e intelligenza artificiale) . Gea Venneri (CMO, psicologa, esperta in Human-Robot Interaction e brand strategy) Nel team di advisor figurano nomi di primo piano del music-biz, tra cui ex-dirigenti Warner Music e YouTube Music (EMEA), oltre a figure di spicco nel settore delle startup tecnologiche. HAT Music, attualmente parte del programma di Accelerazione di B4i – Bocconi for innovation (hub imprenditoriale dell’Università Bocconi), ha recentemente celebrato un importante traguardo, chiudendo un round di investimento da 200.000 euro, con B4i -Bocconi for innovation come investitore principale. Questo risultato rappresenta non solo un'importante validazione della visione di HAT Music, ma fornisce anche le risorse necessarie per accelerare lo sviluppo della piattaforma e ampliare la sua presenza nel mercato. Secondo Goldman Sachs, il valore globale della musica raddoppierà entro il 2030, raggiungendo i 131 miliardi di dollari. Un dato che si riflette anche negli investimenti nel settore, che nel solo 2023 ha visto oltre 2,5 miliardi di dollari in finanziamenti per startup innovative. Aziende come LANDR (piattaforma AI per il mastering audio), Splice (marketplace per produttori musicali) e SoundCloud Repost (servizio per la distribuzione musicale) hanno attratto centinaia di milioni di dollari, dimostrando come il mercato stia premiando chi porta soluzioni scalabili e basate sulla tecnologia. E in Italia? Il MusicTech è ancora in una fase iniziale, ma sta crescendo rapidamente. Startup come Aulart (educational per produttori musicali) e Anghami (lo “Spotify del Medio Oriente”, quotato al Nasdaq) dimostrano che c’è spazio per soluzioni innovative. HAT Music si inserisce in questo trend con un modello di business B2B e B2C e una piattaforma freemium che può ridefinire il modo in cui gli artisti investono nella propria carriera. L'obiettivo è intercettare almeno il 5% dei 14,8 milioni di artisti emergenti presenti in Europa, generando un recurring revenue annuale multimilionario. Grazie alla combinazione di intelligenza artificiale, strumenti finanziari e matching strategico, HAT Music risponde a un bisogno concreto del mercato e si configura come un asset strategico per venture capital, fondi di innovazione e corporate che vogliono posizionarsi nel settore della creator economy. Oggi, chi inizia a pubblicare i primi brani, spende in media 2.000 euro l’anno in servizi professionali, ma spesso senza risultati concreti. Con HAT Music, è finalmente possibile avere accesso a un sistema che ottimizza tempo e risorse, garantendo connessioni mirate e sicure. «Abbiamo vissuto in prima persona le difficoltà di chi cerca di farsi notare senza una solida rete di contatti - dichiara Emanuele Sanfelici, CEO e co-founder di HAT Music -. Servono sinergie giuste e strumenti efficaci. Per questo abbiamo creato HAT Music: per mettere la tecnologia al servizio della musica e offrire nuove opportunità a chi ne ha davvero bisogno.» La piattaforma è già disponibile su App Store e Google Play. Il primo obiettivo? Portare almeno 30.000 artisti e professionisti sulla piattaforma nel primo anno e ridisegnare le dinamiche del settore, mettendo il talento al centro del mercato musicale. Per troppo tempo gli artisti hanno dovuto affrontare il proprio percorso senza strumenti adeguati per costruire collaborazioni strategiche e dare slancio alla propria carriera. HAT Music nasce per colmare questa lacuna e offrire un modello più efficiente e sostenibile per chi crea musica e per chi lavora nel settore.... Continua a leggere

«Mi sono svegliato morto, in equilibrio sui binari». Non è un’immagine dark da effetto speciale, ma l’istantanea di uno stato mentale: quello di chi vive sospeso tra il bisogno di sentirsi vivo e la stanchezza di doverlo dimostrare. È così che si apre “Pescicani” (Snow Records/ADA Music/Warner Music Italy), il nuovo singolo di Ruggero Ricci. A metà tra flusso di coscienza e immaginario pop, il brano si muove su ritmi indie-reggae, con suggestioni visionarie e sfumature ironiche, facendo luce sul disorientamento identitario dei venti-trentenni di oggi. “Pescicani” è il ritratto, volutamente instabile, di una generazione che galleggia tra scroll compulsivi, relazioni interrotte e una voglia sottile ma feroce di sparire per reinventarsi. Un carosello di emozioni spiazzante, lucidamente caotico. Il titolo rimanda a figure ambigue, opportuniste, predatrici. Ma nel mondo narrativo creato da Ruggero, i “pescicani” diventano il simbolo grottesco di una festa in cui si balla per dimenticare, si ride per fuggire e si finge per sopravvivere. Una festa che sembra essere diventata il teatro abituale dei giovani adulti: un luogo di evasione, alienazione, performance. «Ho voglia di fingermi un santo, ho voglia di essere un mostro». Un desiderio duplice e antitetico, che riassume bene lo stato d’animo del protagonista: spinto a cambiare forma, identità, linguaggio, senza mai davvero trovare una direzione. In “Pescicani”, non c’è una narrazione lineare: il testo è un quadro frammentato, dove il tempo si rompe, i toni saltano da un’estremità all’altra, e ogni singola parola può diventare una maschera da indossare o un grido trattenuto. Il senso di alienazione si traduce in parole che non cercano coerenza, ma aderiscono al disordine - emotivo, esistenziale, comunicativo -, in cui non è difficile riconoscersi. Tra i temi centrali: la crisi identitaria, l'incomunicabilità, il bisogno di evasione. «Navighiamo tra cuori di plastica, se ci sei, tu dimmi che ci sei»: un verso che è la sintesi di legami che sembrano sempre più vuoti, finti, svuotati di senso. Quello di Ruggero è un diario interrotto, fatto di tentativi, fughe immaginate e parole lasciate a metà. Un racconto senza morale né soluzione, in cui la confusione non è un ostacolo ma il paesaggio naturale di chi cresce cercando legami, connessioni, in un mondo fatto di distanze. In un tempo in cui l’identità è sempre più uno spettacolo da condividere e i ruoli cambiano al ritmo degli algoritmi, “Pescicani”, prodotto da Massimiliano Giorgetti (Majorizm Lab) e Tia Snow, attraversa il rumore di fondo di una generazione che scorre tra maschere digitali e silenzi mai davvero vuoti, quelli di chi cerca se stesso tra scroll compulsivi, inseguendo un punto fermo in mezzo al caos. Il brano gioca con riferimenti alla cultura pop, tra tormentoni e cliché affettivi e linguistici del presente: «Tieniti pronto per entrare a Hollywood», «Dire, fare, baciare, ghostare», «bla bla bla bla pubblicità». Ma sotto la superficie ironica, resta l’amaro di chi si guarda vivere, consapevole di stare sempre un po’ in scena. Si intravede il disagio di un presente in cui tutto sembra recitato — anche la fatica di esserci davvero — e prende forma una domanda implicita: cosa resta di noi, nel rapporto costante con i social, la spettacolarizzazione, il bisogno di interpretare un ruolo? «IN TUTTE QUESTE SETTIMANE HO AVUTO VOGLIA DI SMETTERE DI RECITARE – DICHIARA RICCI -. HO SCRITTO "PESCICANI" COME SE FOSSE UN SOGNO FEBBRILE: CI HO MESSO DENTRO IMMAGINI CHE MI HANNO ATTRAVERSATO MENTRE PROVAVO A CAPIRMI. NON VOLEVO DARE RISPOSTE, SOLO FAR VEDERE IL DISORDINE CON SINCERITÀ.» Nel testo compaiono sogni surreali, come il bungee jumping tra le scuse di una storia finita, e scene quotidiane - «hai parcheggiato fuori mano» - che si mischiano a derive dai toni poetici, visioni che sembrano venire da un dormiveglia inquieto, con uno stile che preferisce la contraddizione alla coerenza. La voce dell'artista diventa quella di molti che, in un presente frammentato, cercano di affermarsi anche quando non sanno chi sono, di esistere anche senza sapere esattamente chi stanno diventando. «MI PIACE PENSARE CHE QUESTA CANZONE POSSA ESSERE ACCOLTA ANCHE DA CHI OGNI TANTO SI SENTE FUORI POSTO, O HA VOGLIA DI SPARIRE PER POI REINVENTARSI – CONCLUDE L’ARTISTA -. NON HO SCRITTO PER SPIEGARMI, MA PER CONDIVIDERE QUEL MOMENTO ASSURDO IN CUI TI RENDI CONTO CHE NON TI RICONOSCI PIÙ.» "Pescicani", accompagnato dal videoclip ufficiale in uscita martedì 13 maggio per la regia di Andrea Artioli e la fotografia di Bronny, è un piccolo caos ragionato, un disordine lucido, un affresco contemporaneo tra malinconia e urgenza di essere ascoltati, capiti. Un ritratto onesto e irriverente di chi si sente perso e lo dice ad alta voce, di chi si vede fuori asse e sceglie di dirlo senza paura. Più che spiegare una condizione, la canzone ne mette a nudo la forma: quella di un presente che sembra sempre sul punto di rompersi, o di ricominciare.... Continua a leggere

«Scrollando il mondo da lontano, senza un vero scopo». C’è chi passa le giornate così: scrollando vite che non gli appartengono, rimandando tutto a domani, con la sensazione di essere fermo mentre il resto va avanti. È così che ci si sente quando si guarda la vita scorrere da uno schermo, senza parteciparvi davvero. Uno stato d’animo sempre più diffuso, lo specchio in cui si riflette una generazione intera, iperconnessa eppure scollegata da se stessa. Ed è da qui che parte “Fuori dal mondo” (Mendaki Publishing/Orangle Records), il nuovo singolo di Acudo: una canzone che racconta cosa succede quando ti perdi dentro i giorni, e ogni cosa intorno sembra andare avanti senza di te. E quella forza che, quando arriva, non ti chiede nulla: ti prende e ti rimette in piedi. L’artista senza volto, nato a Latina e cresciuto musicalmente tra le influenze di Subsonica, Linkin Park, Modà e Pinguini Tattici Nucleari, torna con un brano che non descrive soltanto la fatica di restare a galla, ma suggerisce, senza retorica, che un’alternativa è possibile, lasciando intravedere una via d’uscita. “Fuori dal mondo” attraversa il punto tra isolamento e salvezza, tra una quotidianità vissuta da osservatori esterni e il momento, inatteso, in cui qualcosa o qualcuno ci riporta con i piedi per terra. «Mi sentivo in pausa. Bloccato. Come se tutto scorresse troppo in fretta e io fossi rimasto indietro - racconta Acudo -. Questa canzone nasce da lì, da quel vuoto. Poi è arrivata una forza, non so bene cosa fosse, forse una persona, forse solo un momento giusto, ma mi ha svegliato. E mi ha ricordato che anche quando ti senti fuori dal mondo, puoi ancora rientrarci.» Il brano segue questo stesso movimento: parte piano, trattenuto, come chi non sa se ripartire o restare dov'è. Poi si apre. E lì cambia tutto. Il ritornello — «E poi arrivi tu che mi svegli dal sonno, forte come una gru, mi sollevi sul mondo» — è la fattura. Il momento che rompe il ritmo, che spezza l’equilibrio e rimette tutto in discussione. Un’immagine che non consola ma spinge. Qualcosa o qualcuno che irrompe e ti rimette in asse, quando meno te lo aspetti. Una visione dirompente che scuote il torpore e restituisce prospettiva. In un’epoca in cui, secondo i dati ISTAT, quasi un giovane su due in Italia si definisce spesso solo, “Fuori dal mondo” intercetta un’esperienza che molti riconosceranno, senza indulgere in facili consolazioni. Il protagonista del brano si rifugia dietro lo schermo del cellulare, osserva la vita degli altri senza parteciparvi, rinvia le decisioni, resta fermo al “primo step”, eppure, qualcosa cambia. Ed è in quel cambio di passo, in quella fessura di luce, che si gioca il senso del pezzo. Non quando tutto si risolve, ma quando si riapre lo spazio per ripartire. «Una macchina a diesel con il pieno di benzina», canta Acudo nel primo verso, raccontando con amara ironia la dissonanza tra ciò che siamo e ciò che il mondo ci chiede di essere. Una corsa continua che lascia indietro chi ha bisogno di tempo, di silenzio, di una tregua. Ma anche chi ha solo bisogno di qualcuno che lo guardi davvero. Con “Fuori dal mondo”, Acudo prosegue la direzione intrapresa con “TRS”, mantenendo la scelta radicale dell’anonimato. Nessun volto, nessuna identità pubblica. Solo musica e parole. Una decisione controcorrente, che oggi appare quasi politica, in un panorama musicale dominato dall’immagine e dalla sovraesposizione. Ma è proprio questa sottrazione a renderlo riconoscibile: una voce che non ha bisogno di apparire per farsi sentire. “Fuori dal mondo” è un richiamo sottile ma impossibile da ignorare a non abituarsi alla disconnessione da se stessi e dagli altri. A cercare, anche nei giorni più spenti, quella forza che ci solleva. A credere che, anche quando tutto sembra sospeso, qualcosa o qualcuno può ancora catapultarci nella vita vera.

«Penso al positivo, mi sento anche più attivo, mentre il mondo intanto è spento come un dispositivo». È da questa strofa, che suona come una piccola ribellione, che prende forma “Positivo”, il nuovo singolo di Rames, artista torinese classe ’86 che ha fatto del rap uno strumento di riscatto personale e sociale. Un brano, ma soprattutto un’idea chiara: in un mondo afflitto da sfiducia, ansia e disillusione, la scelta di pensare positivo può diventare un atto rivoluzionario. "Positivo" è un invito a riconsiderare il modo in cui ci rapportiamo alla vita, ai sogni, alle difficoltà quotidiane. Un progetto musicale ma anche culturale, un richiamo a riappropriarsi del tempo, della creatività, della capacità di sognare. Un brano che non indulge nella retorica, ma che incide con precisione chirurgica su un contesto saturo di negatività digitale, alienazione e disillusione. Rames non si limita a raccontare i tempi che corrono, ma costruisce un’alternativa. Il suo è un messaggio limpido, diretto, che parla soprattutto alle nuove generazioni, spesso intrappolate in una realtà iperconnessa ma svuotata di senso. Perché pensare positivo non è un vezzo da slogan motivazionale, ma un atto radicale, una scelta che può cambiare le prospettive individuali e collettive. Un cambio di passo che il rapper propone con coerenza, dopo anni di pausa e una carriera musicale che ha sempre mantenuto una forte attenzione al contesto sociale. Nel testo, lo sguardo dell'artista si posa su una società disattenta e frenetica: «qua tutto nuoce, tutto è veloce», scrive, sottolineando l'affanno quotidiano, l'incomunicabilità e l’inquietudine latente di una generazione in cerca di senso. Ma poi sposta il baricentro, offrendo un’opzione possibile, una via percorribile che si nutre di creatività, di fiducia, di attivazione personale. Una visione che si contrappone alla passività indotta dallo scrolling compulsivo e dalla sovraesposizione ai social, restituendo centralità all'immaginazione e alla volontà di agire. Il disagio contemporaneo viene radiografato in pochi versi, evidenziando come il pensiero critico ceda spesso alla distrazione costante. Ma è proprio da questa consapevolezza che nasce la proposta artistica di Rames: spegnere per riaccendere. Spegnere il flusso negativo e accendere l’energia creativa. Un’inversione di rotta che si fa pratica quotidiana e, auspicabilmente, contagiosa. «Con questo brano voglio proporre un cambio di rotta rispetto al clima di apatia che ci circonda - racconta Rames -. Sento che pensare positivo è un atto rivoluzionario, perché ci aiuta a non mollare, a progettare, a costruire qualcosa anche quando il contesto sembra dirci il contrario.» Il tema della canzone trova riscontro diretto nei dati attuali. Secondo l’ultimo report UNICEF Italia, 1 adolescente su 3 si sente inadeguato o solo a causa del confronto continuo con modelli irraggiungibili imposti dai social. È un malessere che si manifesta in forme silenziose ma pervasive: isolamento, ansia, perdita di motivazione. In questo scenario, un brano come “Positivo” si pone come risposta educativa e culturale, potenzialmente replicabile nelle scuole, nelle carceri minorili, nei centri giovanili, ovunque serva riaccendere la fiducia. Non un inno all’ottimismo facile, ma una chiamata ad alzare lo sguardo, ricalibrare la rotta, scegliere la presenza anziché la distrazione. Un messaggio che nasce da un vissuto reale, trasformato in parola, suono e presenza. «Mi sento vivo quando scrivo e condivido la mia visione del mondo - aggiunge l’artista -. La musica mi ha salvato, mi ha dato una direzione, mi ha aiutato a restare in piedi anche nei momenti più complicati. Se qualcuno ascoltandomi trova la forza di credere in se stesso, allora tutto questo ha davvero senso.» Dopo una lunga pausa di dieci anni, Rames è tornato sulle scene nel 2022 con l’album “Playrames Deluxe”, seguito dai singoli “Non Darti Mai uno Stop - Remix”, “Un Giorno Come un Altro” e “Non Avere Paura”. Un percorso coerente, fatto di passi silenziosi ma solidi, che oggi culmina in un progetto maturo, capace di unire parola e azione. Il suo rap si distacca dai cliché di genere per costruire una narrazione alternativa, dove la forza non è ostentazione, ma consapevolezza. Dove la positività non è leggerezza, ma resistenza. E così, in un’epoca in cui spesso “dire qualcosa” sembra meno importante del “farlo sembrare”, “Positivo” si impone per quello che è: un invito a rimettersi in cammino. A immaginare. A ricominciare. Rames non propone solo una canzone, ma un'intera filosofia di vita, in cui la musica diventa linguaggio di attivazione. Il rap, spesso associato a narrazioni tese e conflittuali, qui inverte il suo asse, senza perdere forza comunicativa, per diventare veicolo di nuova energia. Lo dimostrano le sue barre, precise, taglienti, capaci di sintetizzare il paradosso contemporaneo in nitide immagini: «ma questo nuovo tratto a me mi ha già distratto e mi ha portato indietro tutto quello che ho contratto». Il punto di forza di “Positivo” è la sua semplicità solo apparente: un messaggio chiaro, una spinta all’azione, un invito a riprendersi la responsabilità di scegliere. Un brano che parla ai giovani, ma non solo, e che può diventare l’inizio di una nuova forma di attivismo musicale. E in un mondo che è “spento come un dispositivo”, un mondo che ha perso la connessione con se stesso, Rames ci ricorda che ritrovarla è possibile: basta un gesto semplice quanto rivoluzionario – cambiare prospettiva, anche solo per un attimo. Perché decidere quando riaccenderlo, in fondo, spetta a noi.... Continua a leggere

C’è qualcosa di controtempo, quasi ostinato, nella scrittura di Spectrum Vates. Fin dal primo singolo “Prosopagnosia”, passando per l’album d’esordio “EsseVu” e la dichiarazione d’identità “Non sono Lucio Battisti”, il rapper aretino ha costruito un percorso fuori dai meccanismi dell’hype, scegliendo parole e sonorità che non si consumano in 15 secondi ma restano oltre e fuori dal tempo. Con il nuovo singolo “Pupille d’alabastro” (PaKo Music Records/Believe), quella direzione si fa ancora più chiara: un brano che racconta l’amore come scelta quotidiana, non come scintilla da esposizione. In un panorama in cui il rap è sempre più spesso packaging – hit pensate per l’algoritmo, strofe adattate ai trend – Spectrum Vates fa una scelta di campo netta: scrivere come se ogni verso fosse destinato a durare. Non inseguire il momento, ma costruire senso. E in un’epoca in cui l’identità è sempre più un contenuto da distribuire, non un linguaggio da curare, Spectrum Vates sembra voler riportare il rap alla sua radice: una forma di espressione prima che una performance. Mentre il mercato musicale si piega sempre più spesso alle logiche dei reel, della viralità istantanea e delle strofe da una manciata di secondi, Spectrum Vates continua a scrivere pensando a chi resta. Non a chi scorre. Classe 1999, toscano, pochi filtri e nessuna scorciatoia, Spectrum Vates – all’anagrafe Giacomo Cassarà – ha scelto di stare dalla parte delle parole. Non come ornamento, ma come necessità. “Pupille d’alabastro” è l’ennesima prova di un percorso che punta alla sostanza e scarta l’effetto speciale. Dopo anni trascorsi nello sport agonistico, sceglie di fermarsi. E di scrivere. Prima la raccolta di poesie Spectrum Interior, nel 2022. Poi le prime pubblicazioni rap, indipendenti, essenziali, senza filtro. È lì che prende forma la sua voce: un “conscious emotional rap” come ama definirlo, che non insegue formule, ma cerca una vera e propria connessione, un punto di incontro con chi ascolta. Scrive come se stesse cercando qualcosa. O forse come se volesse proteggere ciò che ha trovato. Il resto lo racconta con un tatuaggio, inciso sul braccio e sulla pelle delle sue canzoni: Caduto in un quadro di sogni sospinto. Coraggio è il colore con cui l’ho dipinto. E dentro “Pupille d’alabastro” tutto questo ritorna: l’attenzione alla parola, la fedeltà a se stessi, lo sguardo che sa fermarsi prima di parlare. «Noi siamo due cuori rotti al centro e poi aggiustati, giochiamo a far la guerra senza armi e carri armati»: in una scena affollata da cliché, questa è una linea che ha il coraggio di restare sospesa. Una dichiarazione di umanità che fa della fragilità un linguaggio. E della poesia, un luogo. Il brano si apre su un’immagine precisa: una giornata di sole, Perugia gremita, uno sguardo che si incrocia tra la folla. Da quel momento – raccontato come un piccolo cortocircuito emotivo – si snoda una narrazione fatta di gesti e convivenza quotidiana. L’amore non è idealizzato, ma reso possibile giorno dopo giorno. Un sentimento che cresce nei vuoti e nei dettagli, nella routine e nella cura. «Mi sveglio al mattino e t'osservo dormire, sdraiata lì, accanto al mio corpo indifesa»: non è romanticismo di maniera, ma adesione alla realtà di un legame che evolve senza bisogno di proclami. Il titolo, “Pupille d’alabastro” suggerisce uno sguardo che non si dimentica, che resta impresso anche quando si chiudono gli occhi: l’alabastro richiama e sintetizza delicatezza e resistenza, luce e opacità, diventando la metafora perfetta di un amore che non ha bisogno di esibirsi per durare. L’equilibrio tra scrittura e suono è evidente e calibrato: il piano di Diego Fabbri accompagna senza mai invadere, lasciando al testo il ruolo centrale. Il mix e il master, curati da Atomic, sottolineano questa scelta estetica, rendendo ogni parola nitida, respirata, misurata. È un lavoro che si muove con discrezione, ma con una direzione chiara. «Ho sempre pensato che certi incontri siano come collisioni tra galassie lontane. Non puoi prevederli, ma quando succedono, cambiano la traiettoria di tutto - racconta Spectrum Vates -. Questo brano non è nato per spiegare l’amore, ma per restituirne il peso. Quel silenzio che si crea quando due sguardi si incastrano per la prima volta, e tutto il resto sfuma.» Ancora una volta, Spectrum Vates dimostra che si può fare rap senza inseguire mode, e che si può parlare d’amore senza cadere nella retorica. Scrive come se stesse parlando solo a chi ascolta davvero. E in una società in cui la velocità è la regola, scegliere la lentezza diventa un atto radicale. Ma non è solo una questione di stile musicale. In “Pupille d’alabastro”, come nell’intero universo di Spectrum Vates, il tempo non è mai un sottofondo: è materia viva, tema implicito, compagno narrativo. C’è un’idea precisa dietro ogni strofa: che le parole abbiano bisogno di tempo per sedimentare. Che il rap possa ancora permettersi di rallentare. Non è un caso che ogni verso sembri scolpito, incasellato con cura, come se scrivere fosse un atto artigianale, e non un processo da automatizzare. Ogni pausa, ogni attesa nel brano, è parte del significato. Non c’è urgenza di riempire, ma esigenza di dire. Anche per questo motivo, “Pupille d’alabastro” non è un singolo che punta al picco, ma alla traccia. Non cerca la viralità: cerca chi ascolta. Non si chiede “quanto suonerà?”, ma “quanto resterà?”. E in questo restare c’è tutta la forza del progetto: uno sguardo fermo in un mondo che scorre veloce, troppo veloce. Una voce che non si impone, ma si fa ascoltare. Un nome che, senza alzare la voce, sta trovando il suo posto. Con coerenza, delicatezza e determinazione. In un sistema che premia la rapidità, la sua lentezza è un gesto quasi politico. In un panorama dove il tempo è rumore, la sua musica sceglie il silenzio. E lo rende necessario.... Continua a leggere

Nel cuore dell’hinterland napoletano, in una città che ha sempre fatto della musica una forma di resistenza culturale e sociale, sabato 10 maggio prenderà vita il primo evento italiano che mette in discussione l’egemonia delle piattaforme di streaming. “BoicottIAmo lo Streaming” è un titolo provocatorio, ma anche un punto di rottura: ripensare il rapporto tra artista, pubblico e tecnologia, in un momento in cui i numeri contano più della sostanza e il valore creativo viene misurato a colpi di skip. Organizzato da Artisti Adesso, l’accademia fondata da Gabriele Aprile che ha già formato centinaia di cantanti, musicisti e creator in cerca di un modello sostenibile e indipendente, l’evento nasce come risposta concreta a un sistema musicale che sembra premiare più l’adattabilità agli algoritmi che l’identità e l’urgenza espressiva. Non un semplice talk, né un altro workshop su come “funzionare meglio su Spotify”: BoicottIAmo lo Streaming è un laboratorio esperienziale dove l’Intelligenza Artificiale diventa un alleato e non un nemico, e dove si torna a parlare di connessioni effettive, di creatività condivisa e di strategie a lungo termine. Dalle 15:30 fino a tarda sera, il CAM di Casoria (NA) ospiterà confronti, live performance e momenti di networking. Tra i relatori: – Gabriele Aprile, cantautore e digital strategist, con l’intervento “L’AI e il futuro della musica” – Ælba & Mel, duo indipendente impegnato nella costruzione di un nuovo modello di carriera musicale – Andrea De Luca, che presenterà il caso studio di un artista interamente generato con l’AI – Evrint Bless, esperto di strategie musicali alternative, con un panel su come ritrovare autonomia, uscendo dalle logiche penalizzanti delle piattaforme digitali Quattro voci diverse, unite da una visione: restituire agli artisti il controllo del proprio percorso. La giornata si concluderà con il live “Camera Indie”, uno showcase di talenti indipendenti che stanno costruendo il proprio pubblico al di là degli algoritmi. “BoicottIAmo lo Streaming” non è un invito all’isolamento, ma una spinta alla consapevolezza. Pubblicare musica senza una direzione, inseguire i trend e misurare il proprio valore in stream rischia di diventare una trappola che confonde le priorità. Una trappola difficile da riconoscere, e ancora più difficile da spezzare. L’Intelligenza Artificiale – spesso vista come un pericolo – sarà invece protagonista come alleato per sviluppare contenuti visivi, concept narrativi e asset promozionali capaci di attirare attenzione reale, non effimera. «Non è un boicottaggio delle piattaforme, ma del loro potere assoluto - spiega Gabriele Aprile -. L’obiettivo è ridare agli artisti la possibilità di scegliere, di sperimentare, di parlare a un pubblico vero senza piegarsi alle logiche dell’industria. La tecnologia ci ha tolto qualcosa, ma oggi può anche restituircelo.» Informazioni pratiche: 📍 CAM | Casoria Contemporary Art Museum – Via Calore snc, Casoria (Napoli) 🗓️ Sabato 10 maggio 2025 – Dalle 15:00 alle 23:00 🎟️ Biglietti a partire da 47€, con opzioni avanzate per mentorship, produzioni AI e strategie personalizzate 🌐 Info e ticket: boicottiamolostreaming.com L’evento è aperto a tutti gli artisti, producer, content creator e addetti ai lavori che vogliono immaginare un modo nuovo - più libero, più diretto, più consapevole: per fare musica fuori dalle metriche, dentro le relazioni. Iniziando da oggi.... Continua a leggere

«Siamo in fissa con la nostra storia, ogni sequenza è scritta da noi due»: bastano questi versi per inquadrare l’anima di “Twins”, il nuovo album del duo di fratelli forlivesi Ferrinis, una fotografia nitida della loro generazione dal taglio cinematografico. Dieci tracce che somigliano a episodi di un film scritto insieme – anche quando i protagonisti sembrano andare in direzioni opposte. Nessuna scorciatoia: solo relazioni imperfette, assenze come altalene di sensazioni, desideri che si contraddicono, notti che iniziano con un bacio e finiscono con un addio. Nel pieno di una stagione musicale sempre più improntata alla viralità e all’effimero, “Twins” sceglie un’altra strada. L’album tiene insieme i fili di una narrazione coerente, tanto nel linguaggio quanto nelle immagini: ogni brano è un frammento scritto a quattro mani, con la precisione di chi conosce bene le proprie fragilità e ha scelto di trasformarle in canzoni. Perché “Twins” non è solo una somma di storie, ma una voce che si fa in due. Non un punto di vista doppio, ma uno solo, condiviso. Nei brani, i Ferrinis portano il loro sguardo tra i chiaroscuri dell’amore, mettendo in scena legami sbagliati al momento giusto, addii mai risolti e ritorni che sembrano sogni. Non spiegano: mostrano. E lo fanno con istantanee che arrivano prima delle parole. Rapporti che si sfiorano, si consumano, a volte si salvano. L’amore, qui, non viene raccontato: viene ripreso nei dettagli, come se lo vedessimo da dietro una finestra. Ed è proprio da quella finestra che inizia “Twins”: con l’inedito “Il Nostro Film”, un’apertura che imposta subito lo sguardo. «Ricominciamo a scrivere il nostro film, tra momenti indelebili ed errori cancellabili». Le relazioni diventano un set da cui fuggire o in cui ritrovarsi, un piano sequenza interrotto che cerca ancora un finale. Una storia che si può riscrivere – anche quando sembra troppo tardi – se si ha il coraggio di farlo insieme. Ogni traccia è uno scorcio da cui si entra e si esce con angolature diverse. C’è il disincanto di “Coca e Malibù”, dove il vuoto è mascherato dallo scintillio dei social «Brillano i diamanti ma non brilla il mondo. Vuoto, vuoto, vuoto, tutto il resto dentro». E c’è la sensualità di “Labbra al Curry”, tra viaggi improvvisi, corpi che si sfiorano e sapori che restano addosso. Poi arrivano le promesse a metà voce. Quelle che si fanno guardando l’alba, quando tutto sembra possibile ma niente è davvero certo. “Aspettami” è una canzone che non parla esclusivamente di chi si allontana da qualcuno, ma anche di chi parte senza perdere il legame con ciò che è stato. «Aspettami dove sorge il sole, dopo una notte da ricordare, con una storia da raccontare». Non è solo un appello all’altro, ma a se stessi. Un modo per dire che si può cambiare città, paese, vita, ma restare fedeli a ciò che ci ha formati. Per non dimenticare chi eravamo, anche quando il futuro corre più veloce di noi. Una tracklist attraversata da ritorni imprevisti, notti che si riaccendono e frasi lasciate in sospeso. Con una scrittura fatta di slanci diretti e riferimenti pop – «Far l’amore è come un luna park» (da “Caldo Atomico”) – i Ferrinis incorniciano frammenti di relazione senza ingabbiarli, lasciando che parlino da soli. C’è leggerezza, ma anche tagli netti. Ci sono cliché che si rompono, e verità che affiorano proprio quando smetti di cercarle. Il loro è un mondo pieno di contrasti: iconico e quotidiano, fragile e diretto, personale ma condivisibile. E quando l’istinto prende il sopravvento sulla ragione, lo fa senza chiedere permesso. In “Lussuria e Desiderio”, la voce si fa corpo, e il corpo si fa dubbio. Attrazione e distanza si mescolano senza trovare tregua, come se ogni gesto fosse destinato a non durare: «Vorrei restare ma non riesco a trattenermi, non riesco a difendermi». In “Rollercoaster”, tutto rota attorno ai saliscendi emotivi di una relazione instabile. “Poche Ore”, raccoglie quello che resta quando il tempo si accorcia. “Aspettavo Questa Notte” è una corsa a perdifiato verso qualcosa che, forse, non tornerà più. Una progressione che rivela uno dei tratti più riconoscibili del disco: non c’è una linea narrativa unica, ma un intreccio continuo tra momenti sparsi e connessioni che riaffiorano. Una dicotomia che diventa stile, tra passato e presente, velocità e nostalgia. In “Senza Lieto Fine”, la chiusura dell’album, tutto si stringe in un epilogo sospeso, con un tono quasi elegiaco: «Come una melodia senza lieto fine, mi sa solo consumare. Niente mi può dare pace». Maicol e Mattia Ferrini immortalano l’esatto punto in cui qualcosa si spezza. Senza consolazioni, ma raccontando la verità di molti capolinea sentimentali contemporanei: quelli che non arrivano mai davvero. Una finale che non chiude, ma rilancia. Come se l’ultima scena non fosse ancora stata scritta. Perché certe assenze fanno più rumore di qualsiasi presenza. E se ciò accade, è perché continuano a parlarci anche quando tutto tace. Con “Twins”, Maicol e Mattia non cercano l’effetto immediato, ma lasciano spazio a ciò che torna. A ciò che resta. «Volevamo fare un disco che non avesse bisogno di essere spiegato – dichiarano -. “Twins” è nato come una finestra sul nostro mondo. È un album fatto di errori, ritorni, notti che sembrano infinite e frasi che ci siamo detti davvero. Ogni pezzo è un ricordo, una voce che ti risuona in testa quando meno te lo aspetti. Abbiamo scritto cercando la verità, anche quando fa male. Non volevamo dare risposte, ma fare spazio alle domande. A quello che succede quando pensi che sia tutto finito e invece no. La musica ti ci riporta, anche quando non vuoi.» In un’epoca in cui tutto è istantaneo, “Twins” prende tempo. Tra notti che sembrano durare due ore e rapporti che implodono prima di definirsi, i Ferrinis scelgono un linguaggio fatto di frasi concrete, immagini forti, emozioni riconoscibili. La contemporaneità che raccontano è quella in cui vivere ogni giorno «come fosse l’ultimo» (da “Poche ore”) significa anche perdere il senso del costruire, del fermarsi, del capire. In questo, il disco si inserisce in una riflessione più ampia: sulla fragilità della presenza, sulla permanenza del ricordo, sulla difficoltà di distinguere ciò che è passato da ciò che ancora abita dentro. Un disco che ha il passo del presente, ma guarda lontano.  “Twins” è il risultato di un’identità che non cerca mai una definizione netta. I Ferrinis non somigliano a nessuno, perché il loro sguardo è interno: si muove tra scene di vita, pensieri lasciati a metà, e ritornelli che sembrano messaggi vocali mai inviati. Con “Twins”, aprono un nuovo capitolo, in cui l’equilibrio tra immaginario pop e scrittura personale diventa cifra narrativa. E mentre tutto si consuma in poche ore, loro lo scrivono, lo cantano, lo mettono in scena. Senza pretese, ma con la voglia di dire: questa storia, forse, l’hai vissuta anche tu. Perché come affermano i due fratelli in conclusione, «Non importa se la storia è finita: ciò che ti rimane dentro, a volte, è più forte di quello che vivi davvero». “Twins” - Tracklist: 1. Il Nostro Film 2. Rollercoaster 3. Lussuria e Desiderio 4. Poche Ore 5. Aspettami 6. Aspettavo Questa Notte 7. Caldo Atomico 8. Coca e Malibù 9. Labbra al Curry 10. Senza Lieto Fine... Continua a leggere

Ha calcato i palchi con Loredana Bertè, Emma Marrone, P.F.M. e Patty Pravo. Ha firmato brani prodotti con musicisti di livello internazionale come Faso (Elio e le Storie Tese), Lewie Allen (Sam Smith, Elton John) e Riccardo Kosmos (Achille Lauro). Oggi, dopo oltre 2,5 milioni di stream accumulati con i suoi ultimi lavori, Marino Alberti torna con un nuovo singolo che non celebra l’amore, ma lo mette in pausa. “Ho Aspettato” è una ballata sospesa, delicata e tagliente al tempo stesso, che racconta l’amore atteso, idealizzato, proibito – quello che, pur non accadendo, resta addosso e si sedimenta più di qualsiasi storia vissuta. Una canzone che non si concentra sul sentimento dichiarato, ma su quello trattenuto, inespresso. Che non parla di relazioni concluse, ma di quelle rimaste irrisolte, consumate solo in parte. Un brano che punta dritto a una domanda che molti evitano: quanto tempo possiamo restare fermi ad aspettare un ideale di amore che forse non arriverà mai? Una narrazione che si lega a un vissuto comune e trasversale: quello di chi, in un’epoca iperconnessa, si sente più solo che mai. L’amore come antidoto alla solitudine, che si proietta sull’altra persona, anche senza conoscerla davvero. Una forma di attesa silenziosa che, nella frenesia contemporanea, appare quasi paradossale, ma trova riscontro nei dati più recenti. Secondo l’Istat, infatti, oltre il 45% degli italiani tra i 30 e i 50 anni ha dichiarato di aver vissuto almeno una relazione immaginata o idealizzata, spesso mai concretizzata. Una tendenza che racconta molto del nostro tempo: connessioni sempre più virtuali, sempre più incerte, dove si finisce per amare un’idea più che una persona. In un periodo storico in cui anche pulsioni ed emozioni passano attraverso chat effimere e fantasie digitali, “Ho Aspettato” si interroga su quanto siamo ancora disposti a restare — anche da soli — davanti alla porta di un amore che non bussa. È in questo contesto che “Ho Aspettato” diventa un documento, uno spaccato attualissimo. Una voce fuori campo che non vuole e non pretende di spiegare, ma sceglie di dare spazio a ciò che spesso resta relegato ai margini: amori imperfetti, incompleti, non ricambiati. Non cerca di risolvere il paradosso, ma lo nomina. Lo attraversa, lo canta. E nel farlo, restituisce dignità a quell’amore “minore”, troppo spesso ignorato perché a senso unico. «Aspettare è una forma di amore che nessuno celebra – dichiara l’artista –. Non volevo raccontare una storia riuscita, perché quelle si raccontano da sole. Volevo volgere lo sguardo a chi ha aspettato in silenzio, amando senza sapere se sarebbe mai bastato. Forse è questo l’amore che ci segna di più: quello costruito nella mente e vissuto nel cuore, senza mai riuscire a portarlo alla luce. Un amore che non si chiude, che resta aperto. E forse, proprio per questo, insegna tanto, su di noi e sulla nostra capacità di donare senza chiedere nulla in cambio.» La produzione, firmata dallo stesso Alberti, conserva l’essenzialità di un brano scritto con pudore e urgenza. Una melodia circolare, che gira intorno a poche parole, a pochi accordi, come se lo scorrere del pezzo volesse imitare quello dell’attesa: lento, reiterato, sospeso. Da qui nasce anche il senso del testo, un testo per chi ha amato, ama o amerà. Un testo che non cerca di compiacere, di offrire risposte o verità assolute, ma accompagna. E in un tempo che chiede sempre certezze immediate, accettare l’incertezza è già una forma di libertà. Una canzone per chi ha amato in silenzio, per chi ha rimandato, per chi ha tenuto acceso un sentimento senza sapere se avrebbe mai avuto un seguito. Per chi ha cercato amore vero e non solo idealizzato. Per chi ha voluto credere, pur sapendo. Con questo nuovo progetto, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Nicola “G. Man” Togni, Marino Alberti si conferma tra i cantautori italiani più attenti a ciò che accade dentro e fuori le canzoni. «La vita è un battito e non bisogna mai aspettare – conclude -. Ma una sola cosa al mondo vale davvero la pena di essere aspettata. L'Amore.» “Ho Aspettato” ci invita a riconoscere il valore delle attese, anche quando sembrano inutili. Perché, in fondo, tutti siamo stati lì: a sperare, a proiettare, a inseguire un sentimento che forse era solo nella nostra mente, ma che ci ha fatto sentire vivi.... Continua a leggere

Un abbandono totale all’amore. “E Staje Cu Mme”, il nuovo singolo di Gianni Negri (PaKo Music Records/Believe Digital), è la sintesi di ciò che, in fondo, non si può sintetizzare: la presenza dell’altro che diventa essenziale, il bisogno che non si dice, ma si riconosce. Un saluto trattenuto sulla soglia, le mani che non si lasciano, anche quando tutto attorno è in frantumi. Per la prima volta nella sua carriera, il cantautore e polistrumentista partenopeo scrive e interpreta un brano interamente in lingua napoletana, aprendo un nuovo capitolo della sua traiettoria artistica. Una scelta che non è solo stilistica, ma identitaria: un ritorno alle radici, un gesto affettivo, un’affermazione di appartenenza, di fedeltà a ciò che resta, anche quando il tempo e il rumore provano a mettere a tacere ciò che conta davvero. Con la produzione di Valerio De Rosa, “E Staje Cu Mmme” non si limita a raccontare un sentimento, ma lo attraversa e lo assume per intero: nella gioia, nella fragilità, nell’urgenza di esserci nonostante tutto. Una dedica intima a chi c’è, non per obbligo, ma per scelta. Un suono essenziale, capace di sostenere il testo senza spegnerne il respiro, senza invaderlo, accompagnandolo con equilibrio e misura, lasciando spazio al senso. «“E Staje Cu Mme” – spiega Gianni Negri - è una carezza che arriva dopo il rumore, dopo i giorni in cui si dubita perfino di sé. È il mio omaggio a chi c’è, a chi non si tira indietro anche quando sarebbe più semplice farlo.» Nel panorama odierno, dove i dati ISTAT confermano un calo costante dei matrimoni e un aumento delle separazioni (+31,2%), “E Staje Cu Mme” si impone come una contro-narrazione: un invito a custodire l’intimità non come rifugio ma come scelta consapevole. Una canzone che non celebra l’inizio dell’amore, ma la sua tenacia nel tempo, quando l’incanto iniziale lascia spazio alla realtà, e rimanere accanto a qualcuno diventa un atto di volontà e di cura. Scegliersi, dichiararsi necessari a vicenda non è solo romanticismo: è un gesto che, oggi, può considerarsi quasi rivoluzionario. In un tempo in cui i legami sembrano fragili, le relazioni sentimentali vengono spesso archiviate alla prima incrinatura, e molti brani raccontano l’amore come ossessione o salvezza, “E Staje Cu Mme” si muove su un piano più adulto: quello della presenza. Non c’è l’idealizzazione dell’altro, ma la presa di coscienza che amare davvero significa accettarne i silenzi, la distanza, le differenze. Questo brano suggerisce un’altra strada: un legame che si fortifica attraverso la fragilità, e trova senso proprio nel riconoscimento reciproco. Perché il silenzio, ancor di più delle parole, diventa il luogo dove si misura la mancanza: «Luntano a te nun sacc’ stà, pecchè o silenzio me fa chiagnere» («Lontano da te non so stare, perché il silenzio mi fa piangere») Ma “E Staje Cu Mme” non è una risposta nostalgica. È un gesto presente, quotidiano. Una canzone che non mitizza, ma riconosce. E per questo arriva. «Pecché tu si na parte e me, pecché pur’ io so’ parte e te» («Perché tu sei una parte di me, e anch’io sono parte di te») Dopo anni di pubblicazioni in italiano, Gianni Negri sceglie il napoletano per dire ciò che in italiano non suonerebbe allo stesso modo. Una lingua che scava, che trattiene, che sa toccare senza invadere: «Scrivere in napoletano è stato come tornare a casa – spiega l’artista -. Ogni parola ha un peso diverso, più viscerale. Alcune cose si possono dire solo così.» Negli ultimi anni, la lingua napoletana ha conosciuto una nuova primavera, anche grazie a fenomeni mainstream che l’hanno riportata al centro dell’industria discografica nazionale. Ma qui non si rincorre alcuna tendenza: “E Staje Cu Mme” è un ritorno necessario, non un calcolo. Una storia che parla a chi sa che amare non significa trattenere, ma esserci senza clamore. A chi ha imparato che il sentimento più sincero, genuino e profondo non sta e non si misura nelle promesse, ma nei gesti silenziosi che non chiedono, ma affermano. A chi ha capito che l’amore vero non è quello che accade, ma quello che si costruisce. Non si tratta di restare a ogni costo, ma di comprendere quando l’altro è parte di noi, anche nella difficoltà. «E nun me lass’ maje sti mane, pure si fora ’o tiempo è scuro e fa paura» («E non lasciarmi mai le mani, anche se fuori il tempo è buio e fa paura») Un verso che non invoca, ma dichiara: anche nei giorni incerti, la vicinanza può essere una scelta, non una conseguenza. «Pecché tu si na parte e me, pecché pur’ io so’ parte e te» («Perché tu sei una parte di me, e anch’io sono parte di te») Una frase che non serve spiegare. In poche parole, la definizione più semplice e disarmante dell’amore maturo: non qualcosa che si possiede, ma qualcosa che ci compone. Un riflesso condiviso. Un’identità che si crea insieme, nella continuità di una presenza che non cerca definizioni. Una fiducia che non cerca continue conferme. Una vicinanza che, anche nel buio, diventa appiglio. Un appiglio che non nasce dalla dipendenza, ma da quel tipo di amore che non ha bisogno di essere perfetto per essere vero. Una quotidianità che si regge sulla scelta di continuare a esserci anche nei momenti opachi, nei giorni che non brillano. Dopo aver duettato con Laura Pausini nella versione napoletana di “Durare” e una serie di pubblicazioni che ne hanno affinato il profilo autoriale, Gianni Negri si conferma come una delle voci che meglio stanno riscrivendo il cantautorato italiano contemporaneo, tra lingua, appartenenza e scrittura. È questo, forse, il messaggio più autentico di “E Staje Cu Mme”: l’amore che diventa solido non perché è perfetto, ma perché è condiviso anche nei giorni storti, nei silenzi, nelle esitazioni. Un brano che riporta l’attenzione su temi che riguardano la costruzione di un rapporto duraturo, fatto di presenza quotidiana, imperfezione condivisa, e dialogo silenzioso tra due anime che scelgono di riconoscersi ogni giorno. Perché restare, nonostante il buio, nonostante le crepe, è un atto di bellezza e resistenza. E in questo, la canzone ci suggerisce che l’intimità, oggi più che mai, è un atto rivoluzionario.... Continua a leggere

“Ti amo” ripetuto 14 volte senza pausa, come un mantra, come un urlo silenzioso. Sussurrato, urlato, scritto nell’acqua e cancellato dalla pioggia. Si apre così la platinum version di “Anche se Piove”, il nuovo singolo della giovane cantautrice comasca Shaza, che segna il suo esordio discografico ufficiale con Watt Musik Records, sotto la produzione di uno dei nomi più rilevanti della musica italiana: Roberto Costa. Una dichiarazione ostinata e fragile, un atto d’amore gettato nel vento, che in questa nuova veste prende forma grazie alla produzione di Roberto Costa: bassista, arrangiatore e produttore di riferimento della scena nazionale, che ha plasmato il suono di Lucio Dalla, al suo fianco per oltre trent’anni. Nel suo percorso anche Ron, Ivan Graziani, gli Stadio, Luca Carboni, Matia Bazar, Mina e Gianni Morandi. Una carriera che attraversa decenni di musica italiana, oggi al servizio di una nuova generazione. Quella di Shaza è la lettera mai letta di una ragazza che si sente invisibile. Lo si intuisce da un dettaglio, un inciso tra i versi lasciato quasi in disparte, eppure impossibile da ignorare: «Gli scrive una lettera ma l’acqua la scioglierà». È la voce di chi aspetta senza farsi notare, di chi ama senza clamore, senza essere visto. Una protagonista maldestra e disarmata, goffa e sincera, che rincorre un amore distratto e inciampa nel tentativo di spiegarsi, di farsi sentire. Le parole ci sono, ma si perdono. Come se non bastassero mai. «Anche se piove e scompaiono le mie parole, il mio amore per te non muore». Una dichiarazione che non chiede risposta, e che trova forza proprio nel silenzio. Perché anche quando tutto svanisce, l’amore resta. E scriverlo — anche se nessuno lo leggerà — è già un modo per non perdersi, per restare fedeli a ciò che si prova. Perché certe parole, anche se si dissolvono, dicono di più di chi le ha scritte che di chi le riceve. Con questa Platinum Version, Shaza rilegge una canzone già pubblicata nel 2023, affidandola alla sensibilità musicale di Costa. Ne nasce una ballata a mezz’aria tra esitazione e coraggio, dove l’arrangiamento lascia spazio al respiro del testo, senza forzarlo. È un passaggio di crescita, di maturazione consapevole, che racconta una diciassettenne capace di usare la musica per nominare ciò che non trova posto altrove. Con una nuova lucidità: quella di saper scegliere le parole, e il modo giusto per farle arrivare. In un’epoca in cui si parla di iperconnessione ma cresce l’isolamento tra i giovani, “Anche se Piove (platinum version)” diventa la voce di chi non viene ascoltato, portando al centro una dinamica fin troppo comune tra gli adolescenti: l’amore non corrisposto, l'invisibilità percepita, il bisogno di esprimersi anche quando non si attende una risposta. Secondo l’ISTAT, infatti, oltre un terzo degli adolescenti italiani tra i 14 e i 19 anni ammette di sentirsi spesso escluso nei contesti sociali. Un disagio che si acuisce ancora di più quando si parla di sentimenti. Un terreno comune che Shaza conosce bene: «Questa canzone nasce da quella sensazione di urlare qualcosa che però non viene ascoltato – racconta –. Ho sempre pensato che, anche se il mio messaggio si perdesse nella pioggia, valesse comunque la pena scriverlo. Perché certe parole servono prima di tutto a chi le dice.» “Anche se Piove (platinum version)” si fa simbolo di chi scrive lettere senza risposta, di chi ama senza far rumore, di chi lotta per un’emozione, anche quando tutto sembra suggerire il contrario. Shaza non è solo una cantautrice. Studentessa al liceo artistico di Appiano Gentile (CO), coltiva la musica parallelamente all’arte visiva, e questo approccio si riflette nella costruzione dei suoi brani: ogni parola è scelta come un colore su tela, ogni suono è un dettaglio che compone un’immagine. Questa visione attraversa anche il videoclip ufficiale del brano, prodotto da Antonio Isaldi per IsyFilm e diretto da Jordan BK, che trasla sul piano visivo quell’universo interiore fatto di attese, lettere sciolte dall’acqua, treni persi. Un’estetica che richiama la malinconia romantica di un certo cinema europeo, tra le atmosfere sospese di Kieslowski e i silenzi narrativi di Rohmer. È da questo intreccio tra musica e identità che nasce un percorso nuovo: a diciassette anni, Shaza firma con una label indipendente che scommette sul valore narrativo e creativo del progetto. Non un’operazione costruita a tavolino, ma l’inizio di un cammino che affonda le radici nella verità di chi scrive per orientarsi, anche perdendosi dentro il proprio disordine. «Non canto mai qualcosa che non ho provato davvero – spiega l’artista, in conclusione –. Per me scrivere è come trattenere il respiro finché non trovi la parola giusta. E quando arriva, senti che puoi ricominciare a respirare.» Con “Anche se Piove (platinum version)”, il messaggio arriva senza fragore, ma resta. Esistono ancora canzoni che non cercano di convincere, ma semplicemente di esserci. Anche se piove.

C'è un momento preciso, in ogni weekend, in cui le strade iniziano a cambiare ritmo. I turni finiscono, i tram si svuotano, e una città che corre tutto il giorno si concede una tregua: è l'ora in cui ognuno torna ad essere semplicemente se stesso. È in quell’attimo che si inserisce "Animale ‘e Città", il nuovo singolo di Eric Mormile, cantautore e polistrumentista napoletano, già riconosciuto per una cifra raffinata, consapevole e sempre in dialogo con le proprie radici. In un’Italia che spesso confonde il tempo libero con un lusso da meritarsi, “Animale ‘e Città” restituisce centralità e dignità al diritto al riposo: concedersi un momento di leggerezza, qualunque sia il proprio lavoro, percorso o condizione. È un brano che fotografa quella transizione settimanale in cui il dovere cede, anche solo per poco, il passo al piacere, e in cui è necessario, per il nostro equilibrio, reclamare il diritto a stare bene, almeno per una sera. Con la sua penna immaginifica, da sempre in grado di unire introspezione, profondità, ironia e concretezza, Mormile racconta la città nella sua veste più vera: quella fatta di stanchezza, risate, attese e libertà temporanee. Il fine settimana diventa così lo spazio in cui si ritrova un’umanità viva, spesso invisibile nei giorni feriali. Quello di Eric è un canto alla normalità che resiste, tra precarietà e speranza, l’espressione di un desiderio semplice e collettivo di svago che accomuna operai, studenti, disoccupati e professionisti. "Animale ‘e Città" tratteggia con lucidità quella condizione condivisa da molti, in cui la libertà coincide con poche ore rubate al tran tran settimanale. Il testo mette al centro il diritto, spesso trascurato, al tempo libero, anche quando la realtà economica è incerta: «comme na foto ferma 'o tiempo int' 'e rresate pure 'e chi nun tene 'a mesata» («Come una fotografia che ferma il tempo dentro le risate anche di chi non ha lo stipendio»). Nato nel 2018, il brano ha trovato la sua forma definitiva oggi, all’interno di un nuovo corso artistico in cui Mormile ha deciso di lasciare da parte le narrazioni più cupe per abbracciare una visione luminosa e costruttiva. «Questo brano è un invito a concedersi il diritto di deviare, almeno una volta a settimana, da tutto ciò che ci incatena – spiega l’artista -. La felicità non è un privilegio di pochi, ma un bisogno comune, che passa anche da una risata in buona compagnia.» Dal punto di vista musicale "Animale 'e Città" attinge alle sonorità morbide e solari del Soft Rock americano di matrice Yacht Rock, un genere molto in voga in California tra l'inizio degli anni 70 e la prima metà degli anni 80, oggi rivalutato, anche tramite la ridenominazione, come manifesto sonoro di un'epoca sospesa tra edonismo e ricerca di equilibrio. Tra le influenze dichiarate, spiccano Toto, The Doobie Brothers, Steely Dan e Pages. Riferimenti scelti non solo per stile ma per affinità emotiva: il brano, che sarà inserito nel nuovo album del cantautore partenopeo, in uscita nei prossimi mesi, è infatti ispirato da un viaggio in California che ha lasciato un'impronta indelebile nel suo immaginario. La copertina è un elaborato grafico a cura dello stesso Mormile, realizzato a partire da una foto scattata da Ocean Jaramillo, cugina di secondo grado dell’artista, durante quell’esperienza. Nel periodo in cui scriveva “Animale ‘e Città”, l’artista attraversando un passaggio di vita importante, come lui stesso racconta: «Avevo bisogno di rimettere ordine tra chi ero e chi stavo diventando. Scrivere questa canzone mi ha aiutato a capire che anche le parentesi leggere hanno valore. A volte la libertà è solo potersi permettere di ridere con chi ami.» Ad accompagnare la release, il videoclip ufficiale girato a Bagnoli, uno dei quartieri più simbolici della Napoli contemporanea, oggi al centro dell’attenzione per i continui sciami sismici che colpiscono l’area flegrea, scelto dall’artista per ricordare che anche nelle zone ferite della città si può continuare a vivere, a creare e a sorridere. «Tenevo molto a mostrare un’altra faccia del territorio – prosegue Eric – quella della sua vitalità, della sua gioia, della sua forza. Qui non ci sono solo tragedie, ma persone che vivono, ridono e si stringono l’un l’altra.» A rafforzare questo messaggio, la presenza di amici e persone care nel video – volti familiari che diventano parte integrante della narrazione, regalando autenticità e calore alle immagini. Tra i partecipanti compaiono Elvira Fiore, Elia Isaia, Enrico Rolfi, Salvatore Morra, Antonietta Di Marzo, Nirmal Tremolaterra, Attilio Apa, Ettore Mariotti e Manuela Mari. «Ho voluto coinvolgere le persone a me più care in questo video, perché la città è fatta prima di tutto da chi la attraversa ogni giorno con dignità e ironia.» Un cameo collettivo che trasforma il videoclip in un album di “famiglia urbana”, sincera e spontanea. La produzione musicale è firmata dal Maestro Nino Pomidoro, mentre il video porta la regia di Michele De Angelis per Midea Video. Il testo, come da tradizione per l’artista, è stato supervisionato dal Maestro Salvatore Palomba, autore della celebre "Carmela". Mormile si è impegnato in prima persona su tutte le tracce strumentali e vocali, lavorando minuziosamente sulle armonizzazioni, ispirate alla timbrica calda e piena di Michael McDonald. Quella cantata da Eric è una città che ride nonostante tutto, che si concede alla spensieratezza per sopravvivere. La Napoli che emerge non è quella cartolina, né quella delle tragedie, ma quella reale: fatta di quartieri, di turni che finiscono tardi e di gente che balla con le tasche vuote ma il cuore acceso. «Con “Animale ‘e Città” - conclude Mormile - ho voluto cantare non solo il desiderio di evasione, ma il diritto a coltivare le proprie piccole oasi di benessere, senza sentirsi in colpa o fuori tempo. In una società che corre troppo e pretende sempre di più, abbiamo il dovere di ricordarci che ogni tanto fermarsi non è un lusso, è resistenza.» Con questo singolo, Eric Mormile conferma la direzione di un nuovo progetto musicale che verrà svelato mese dopo mese nel corso del 2025, un percorso che celebra i piaceri quotidiani attraverso un sound solare, internazionale e personale. Un messaggio semplice, ma di grande valore. Che parla al lavoratore che sogna la birra del sabato sera, al precario che aspetta il venerdì per sentirsi parte del mondo, al ragazzo che balla per dimenticare il colloquio andato male. A tutti coloro che vivono la città senza arrendersi. È questa coralità che rende “Animale ‘e Città” una canzone non solo attuale, ma necessaria, che ci ricorda che il tempo per noi stessi non è un lusso, è un diritto, e che a volte, la vera libertà consiste ne darsi il permesso di ridere.... Continua a leggere

C’è un modo di perdersi che non fa rumore. Non è il litigio, non è il dramma di un addio. È il silenzio che cala improvvisamente, lasciando solo domande senza risposta. Relazioni interrotte senza spiegazioni, amicizie dissolte senza un perché. “Anime Perse” (INDACO/Altafonte Italia/ Needa Records), il nuovo singolo di Niko, è il racconto di un’esperienza generazionale: il vuoto lasciato da chi scompare senza voltarsi mai indietro. Un telefono che non squilla più. Un messaggio letto a cui non è seguita risposta. Un’assenza che si fa presenza costante. Chi è rimasto, prima o poi, ha provato a mettere in fila gli indizi. Cosa ho detto di sbagliato? Cosa ho fatto? Quando è cambiato tutto? Spesso, però, non c’è un momento preciso. Solo un filo che si spezza e svanisce, lasciando dall’altra parte qualcuno che ancora stringe l’estremità. Nel linguaggio contemporaneo, questa dinamica ha un nome preciso: ghosting. Non riguarda solo l’amore, ma ogni tipo di legame e relazione. Secondo uno studio pubblicato dal Journal of Social and Personal Relationships, il 65% delle persone tra i 18 e i 34 anni ha subito almeno una volta nella vita un’interruzione improvvisa e ingiustificata di un rapporto. Un gesto che oggi avviene con un clic. Bloccare un numero, smettere di seguire un profilo, sparire senza dire nulla. Una scelta che diventa sempre più normale, ma che lascia segni e destabilizza chi la subisce. Secondo gli psicologi, il ghosting attiva nel cervello le stesse aree del dolore fisico. Il nostro istinto più primitivo lo legge come un abbandono improvviso, un allontanamento dal branco. Eppure, nel mondo iperconnesso, è diventato la forma più comune di distacco. Un fenomeno amplificato dai social, che ridefinisce il modo in cui le persone si relazionano e si separano. Non c’è un confronto, non c’è una chiusura, solo un vuoto difficile da riempire. Eppure, per quanto sia ormai diffuso, se ne parla poco. Il ghosting viene spesso liquidato come una questione privata, un effetto collaterale del nostro tempo. Ma cosa succede quando diventa un’abitudine collettiva, quando cambia la gestione dei nostri legami? Non è più solo una dinamica interpersonale, ma una forma di relazione sempre più accettata, un modello che si estende oltre il privato. Se una generazione intera cresce con l’idea che sparire sia più semplice che spiegarsi, cosa ne sarà del significato stesso dei rapporti interpersonali? Niko dà spazio a questa riflessione nella sua musica. Il testo è essenziale, senza concessioni alla retorica. Parla di chi resta con il dubbio, di chi cerca un senso nell’assenza. «Ci lasciamo con mille promesse, e poi? Silenzio. Per un po’ cerchi di capire, poi capisci che certe domande non avranno mai risposta» - racconta Niko. Non c’è rancore in queste parole, solo una fotografia di qualcosa che accade ogni giorno. Non è un atto d’accusa e non è una richiesta di chiarimenti. Non si rivolge a chi è andato via, ma a chi è rimasto. Ascoltando il brano, ci si trova davanti a una realtà difficile da accettare: alcune persone spariscono, ed è necessario trovare un modo per convivere con il vuoto che lasciano. Questo stato di sospensione si riflette in un sound che non esplode, che non cerca un climax emotivo forzato, ma accompagna il testo senza sovrastarlo, lasciando spazio al silenzio tra le parole. Il suono è in bilico, come chi rimane con il dubbio. I silenzi diventano parte della narrazione. Non c’è un punto di rottura, perché spesso non c’è nemmeno nella vita reale. C’è chi lo chiama un meccanismo di difesa, chi un atto di egoismo, chi semplicemente il segno di una società sempre più incapace di gestire il confronto diretto. Sparire è diventata una strategia relazionale, un modo per evitare il peso delle emozioni altrui, per non dover dare spiegazioni, per sfuggire alla responsabilità di una fine. Ma se da una parte il ghosting protegge e tutela chi lo pratica, dall’altra crea una frattura invisibile ma dolorosa in chi ne è coinvolto. Non avere risposte significa rimanere bloccati in una storia che non si è mai davvero conclusa, vivere con la sensazione di non sapere cosa sia successo, se sia dipeso da noi, se ci sia qualcosa da correggere o capire. Un’interruzione senza delucidazioni è come una pagina strappata da un libro: la storia rimane sospesa, incompleta. Il protagonista del brano non cerca di analizzare il perché, non punta il dito e non dà soluzioni. Non implora, non si arrabbia. Accetta il silenzio, e ne fa una presa di coscienza. Ma il silenzio non è solo un’assenza. È una presenza invisibile che si insinua nei pensieri, nei gesti, nei luoghi rimasti uguali a prima. È qualcosa che cambia forma, che diventa ricordo, che torna da noi anche quando sembrava svanito. Nel videoclip ufficiale di "Anime Perse", diretto da Lorenzo Diego Carrera per Needa Production e presentato in anteprima su Sky TG24, questo vuoto prende corpo in immagini che parlano senza bisogno di parole. Un uomo cammina attraverso spazi sospesi tra sogno e realtà. Indossa una maschera che lo nasconde, lo protegge, ma che è destinata a cadere. Il video costruisce una narrazione visiva che si muove tra il concreto e il simbolico, alternando luoghi reali e scenari onirici in cui i confini tra il dentro e il fuori si dissolvono. Foreste avvolte nella nebbia, campi dorati al tramonto, superfici riflettenti che moltiplicano l’immagine del protagonista. Tutto si muove attorno a un unico tema: la trasformazione. Il protagonista attraversa questi paesaggi portando addosso un’identità che non gli appartiene più, fino al momento in cui smette di nascondersi. La maschera che indossa non è solo un oggetto scenico, ma il simbolo del conflitto con sé stessi, della paura di lasciarsi vedere per quello che si è. La sua caduta non è un gesto eclatante, non è una rottura violenta. È un passaggio naturale, inevitabile. L’intera estetica si muove tra minimalismo e surrealismo. Le scelte cromatiche rafforzano questa sospensione tra due mondi. I toni freddi della natura si alternano ai bagliori dorati della luce, creando una dimensione che oscilla tra essenzialità e astrazione. Il protagonista appare sospeso in un vuoto liquido, come se stesse abbandonando il peso del mondo. I riflessi distorti che lo circondano richiamano il disorientamento, la molteplicità delle possibilità, la ricerca di un nuovo equilibrio. Alla fine, senza più maschera, rimane solo la sua figura rivolta verso l’orizzonte. Nessuna spiegazione, nessuna chiusura forzata. Solo un’immagine che lascia spazio a chi guarda, permettendo a ciascuno di trovarci la propria storia. Il video di "Anime Perse" non è una rappresentazione letterale del brano, ma un’estensione visiva del suo significato, come spiega lo stesso artista: «Non volevo un video che spiegasse il testo, volevo immagini che potessero rimanere impresse anche senza musica. A volte è più facile restare dentro un’idea di noi che non ci rappresenta più, piuttosto che affrontare il vuoto che lascia il cambiamento. Questo video racconta quel passaggio: la paura, il conflitto e poi la decisione di andare avanti.» Ma non tutti affrontano quel vuoto. A volte il cambiamento non si sceglie, si elude. Ci si allontana senza voltarsi indietro, lasciando agli altri il compito di dare un senso all’assenza. Il ghosting è fatto di distanze che non si colmano, di parole non dette che restano sospese. Forse il vero addio non è chiudere una porta, ma lasciarla socchiusa senza mai tornare. In "Anime Perse", scritto e composto in collaborazione con Alessandro Salvati e Andrea Ravasio, Niko dà luce a queste assenze, rendendole una presenza che non si può ignorare. Perché in fondo, ciò che svanisce senza spiegazioni resta sospeso, proprio come una storia senza l’ultima pagina.... Continua a leggere

Un pugno nello stomaco. Un grido silenzioso. Una lettera mai spedita. "Mi avevi perso già" (Pako Music Records), il nuovo singolo di Vi Skin, è tutto questo e molto di più. È la storia di una bambina che ha cercato per anni lo sguardo di un padre fisicamente presente, ma emotivamente assente. È la voce di chi cresce nel silenzio di chi dovrebbe esserci, ma non c’è stato come avremmo voluto. È un pezzo che scuote, scava nell’anima, risveglia ferite sopite e le lascia respirare per trasformarle in consapevolezza e, finalmente, guarirle. Un colpo al cuore, una canzone che squarcia il silenzio: «Sai, papà un giorno ti mancherà la tua bimba che ti chiederà “Ti va di giocar con me, papà?”». Ferite invisibili che segnano l’intera esistenza e che Vi Skin racconta senza filtri. Senza retorica, senza edulcorazioni, senza paura. Perché il bisogno di essere visti, accettati e amati non è mai un capriccio. È una necessità che definisce chi siamo. In un’epoca di apparenze, superficialità, like e filtri, l’attenzione è diventata una moneta di scambio. Ma qui non si parla di visibilità effimera: si parla del bisogno viscerale di essere visti da chi, per primo, ha il compito di insegnarci a guardare noi stessi e il mondo con occhi curiosi e comprensivi. Ma cosa succede quando quella comprensione e quell’amore non arrivano nella maniera sperata? Vi Skin risponde con versi che graffiano. «Quanti "Non posso", "Non voglio", "Non posso"» sono le parole non dette, i gesti mancati, gli sguardi sfuggiti. Il testo di "Mi avevi perso già" si sviluppa come un monologo interiore che ripercorre l’infanzia di una bimba in cerca di attenzione, fino alla presa di coscienza di un’adulta, una donna che ha imparato a bastare a se stessa: «Mi voglio bene quando scrivo, allora scrivo, scrivo, scrivo, scrivo». Vi Skin non cerca pietà né vuole dipingersi come una vittima. Al contrario, attraverso questo brano, si fa portavoce di chi si sente inascoltato. Una realtà che accomuna molti giovani, spesso incapaci di trovare il sostegno emotivo di cui avrebbero bisogno all’interno delle mura di casa. Non è un atto d’accusa, ma una riflessione sincera su un’ombra invisibile più comune di quanto si creda. Lo dimostrano i numerosi messaggi che l’artista ha ricevuto da ragazzi e ragazze che si sono riconosciuti nelle parole delle sue canzoni. Giovani che hanno trovato nella sua musica quella comprensione e vicinanza che non riescono a trovare in famiglia. Per loro, la musica diventa un rifugio, uno spazio sicuro in cui sentirsi visti e ascoltati. E “Mi avevi perso già” è anche per loro, come afferma la stessa Vi Skin: «Con questo brano ho cercato di dare voce alle grida silenziose dei molti giovani che mi scrivono, raccontandomi di non sentirsi compresi, capiti, accettati dai propri genitori. Spero che i versi e le note che ho scritto, possano rompere quei muri di incomprensione e indifferenza che sembrano insormontabili, portando le persone a riflettere e ad avvicinarsi, convertendo i silenzi in parole comprensive e accoglienti.» La mancanza di dialogo in famiglia è una carenza che, secondo le ricerche più recenti, lascia cicatrici profonde sulla salute mentale e sulle relazioni future. Secondo uno studio dell’Università di Harvard, infatti, il legame affettivo con la figura paterna influisce direttamente sull’autostima, sulla sicurezza emotiva e sulla capacità di costruire legami sani. Chi cresce senza quel riconoscimento può sviluppare insicurezze, ansie e difficoltà relazionali. Vi Skin riesce a dare voce a tutto questo con un realismo che non fa sconti, in un pezzo che potrebbe diventare il punto di riferimento per chi ha vissuto esperienze simili, offrendo un senso di riconoscimento e appartenenza. Perché la musica ha questo potere: far sentire meno soli. E quando le parole restano bloccate in gola, quando un mancato confronto si tramuta in vuoto, c’è chi si lascia sopraffare e chi, invece, trova un modo per sopravvivere e poi rinascere. Vi Skin ha scelto di ripartire da se stessa, e lo esprime in un verso che racchiude straordinariamente l’essenza dell’intero brano: «Ti ho sostituito con uno spartito.» Ed è così che l’eco di distanza che chiedeva di essere colmata si riempie di suono, dando forma al silenzio e diventando, finalmente, qualcosa che può essere ascoltato, accolto e, per la prima volta, davvero compreso. L’artista non cerca risposte, non cerca vendetta, ma esprime una consapevolezza maturata nel tempo: essere genitori è difficile. Anche quando ci si impegna al massimo, non sempre si possiedono gli strumenti - emotivi e relazionali - per farlo al meglio. Ogni genitore offre ciò che può, e a volte questo non è sufficiente. Ma riconoscerlo è parte del percorso di crescita. «Da bambini vediamo i nostri genitori come eroi – conclude Vi Skin -. Crescendo, ci rendiamo conto che sono persone, con fragilità, limiti e storie non sempre semplici. E, come tutte le persone, commettono errori. Ma fanno del loro meglio con ciò che sanno e possono dare. Spetta a noi riconoscere ciò che abbiamo ricevuto, liberarci dei fardelli che non ci appartengono e provare a migliorare quello che possiamo. Solo così possiamo davvero crescere e costruire la nostra felicità.» In un’epoca in cui il dibattito sulla salute mentale è più acceso che mai, canzoni come questa non sono solo musica: sono una terapia emozionale, uno strumento di sensibilizzazione, una cura per l’anima. Il dolore esiste, è reale, ma può tradursi in forza. E spetta soltanto a noi avviare questa conversione. "Mi avevi perso già" è come uno specchio. Ti ci guardi dentro e ci trovi un'assenza, un nodo in gola, un'emozione che non sapevi di avere. Non sempre la sofferenza si può spiegare, ma può essere cantata. E quando una voce riesce a farlo, non resta che ascoltarla. È un brano che lascia il segno, scavando a fondo, senza paura di toccare corde scomode e far male. Perché solo facendo i conti con il proprio passato e dando un nome a ciò che ci ha segnato possiamo, finalmente, voltare pagina e iniziare a vivere.... Continua a leggere

Ciò che non uccide fortifica. Quante volte ci si trova accanto a qualcuno senza sapere più se ci stia davvero guardando? È da questa domanda che nasce “MOMENTO”, il nuovo singolo di KAWAKAMI, disponibile su tutte le piattaforme digitali per Keyrecords/KMusic con distribuzione ADA Music Italy. Dopo l’ibridazione culturale di “Gitana”, l’artista milanese classe 1999 torna con una traccia intima ma lucida, in bilico tra malinconia e resistenza, che racconta cosa accade quando il sentimento si ritrova imbrigliato nella routine, e l’amore non basta più a coprire le crepe del quotidiano. Un brano che mette a fuoco l’esatto momento in cui si smette di essere certi e si comincia a cercare conferme. Quell’istante in cui le parole si fanno preghiera, la consuetudine diventa abitudine e l’unico appiglio resta chiedere: «Per un momento, chiedimi che cosa penso». Una domanda che non riceve risposta, uno sguardo che sfugge e parole trattenute troppo a lungo. E in amore, così come nella vita, c’è chi resta e chi si allontana, anche stando nella stessa stanza. Ed è così che alla fine, quella voce che prima confortava, ora confonde: «Lasciami stare, perdo il respiro, voglio sbagliare, sono sola per un po’». In un’epoca in cui il tempo sembra sfuggire dalle nostre mani e le relazioni soffrono la pressione di questa velocità, “MOMENTO” diventa parte di un discorso urgente: secondo l’Istat, quasi un terzo delle giovani coppie italiane si separa entro i primi 5 anni di relazione, e il 68% cita come causa principale “l’incapacità di comunicare e condividere”. In questo senso, il brano assume i tratti di un racconto generazionale, collettivo, in cui il disincanto affettivo si intreccia con l’incapacità diffusa di stare davvero dentro il presente emotivo di sé e dell’altro. “MOMENTO” intercetta il punto in cui ci si sente più soli: non quando l’amore finisce, ma quando comincia a trasformarsi in qualcosa che non riconosciamo più. Secondo un'indagine condotta dall’Università Cattolica di Milano, oltre il 70% dei giovani adulti italiani dichiara di avere difficoltà nel parlare apertamente con il partner dei propri bisogni affettivi. In questo contesto, il silenzio non è più solo una pausa, ma una voragine. KAWAKAMI restituisce questa frattura senza alcuna sovrastruttura, scegliendo la nudità del dubbio come forma narrativa. E proprio perché non forza un significato e non offre facili soluzioni, il pezzo lascia spazio a quel margine sottile in cui si smette di comprendere l’altro, ma non si ha ancora il coraggio di ammetterlo. È lì che “Momento” si ferma: in quel punto cieco dove le cose cambiano senza che nessuno riesca a dirlo ad alta voce. «Scrivere “MOMENTO” è stato come fermare un fotogramma di qualcosa che stava per sfuggirmi – racconta l’artista -. Avevo bisogno di capire se quella persona mi vedeva ancora per davvero, o solo per abitudine. È difficile restare, ma è ancora più difficile sentirsi dimenticati mentre si è presenti.» La produzione, firmata da Luigi “CALMO” Ferrara e Luca Notaro, veste il brano di un abito essenziale e caldo: un’anima R&B attraversata da scale blues, su cui la voce di KAWAKAMI si muove con misura e consapevolezza. Tra radici urban, venature soul e aperture melodiche che sfuggono alle etichette, frammenti quotidiani si intrecciano a pensieri quasi sussurrati che sembrano una confessione. Perno del progetto resta la direzione artistica di Kaizèn, capace di accompagnare l’artista in un’alternanza di pieni e vuoti, prendendo per mano l’ascoltatore e guidandolo in uno spazio disarmato, non protetto ma sicuro e privo di giudizio, dove anche il non detto ha un peso. In questo equilibrio sottile tra presenza e assenza, tra parole dette e trattenute, si coglie e si fa sempre più evidente una scelta precisa: il tono. La decisione di mantenere una scrittura sobria ma diretta, anche nei versi più netti, è una delle cifre distintive di “MOMENTO”. KAWAKAMI attraversa il disorientamento con parole semplici, mai gridate, ma che restano addosso: «Stessa bocca con lo sguardo perso, mi cerchi ancora ma... siamo tutte prese male». Una frase che descrive non solo la crisi della coppia, ma una generazione che fatica a comunicare davvero, risucchiata da automatismi, burn-out affettivi e una quotidianità che spesso spegne il desiderio prima ancora di dichiararne la fine. «"MOMENTO" non è un addio – conclude la cantautrice milanese -. È il tentativo di capire se esiste ancora un punto d’incontro prima che tutto svanisca. È quel minuto di silenzio tra due persone che si sono amate, in cui si decide tutto.» Con un tono maturo, mai retorico, “MOMENTO” mostra un lato più vulnerabile e riflessivo dell’artista, già protagonista con “Gitana”, "Altrove" e "Fiori di Carta", brani che le hanno permesso di conquistare playlist editoriali di spicco come "Scuola Indie" e "Anima R&B”. Il suo stile unico e fortemente riconoscibile, minimalista nelle immagini ma intenso nel significato, riesce a raccontare incrinature, fragilità e distanze affettive senza costruzioni. Con “MOMENTO”, KAWAKAMI ci guida in uno spazio silenzioso e necessario, in cui ci si può permettere di vacillare senza sentirsi sbagliati. Un invito a fermarsi, sedersi uno accanto all’altro, e ricominciare a chiedersi a vicenda cosa si prova. Perché a volte, basta un solo momento per cambiare tutto.

Il silenzio, il rumore, le sensazioni amplificate e le parole che sfuggono. Un universo che spesso sembra troppo veloce, troppo caotico, troppo difficile da decifrare. Con "Dove tutto è possibile" (Pako Music Records/Believe Digital), il nuovo singolo di Giordano Amici, il cantautore romano si fa interprete dell’esperienza vissuta da chi convive con il Disturbo dello Spettro Autistico, restituendo uno sguardo intimo e rispettoso su una condizione che riguarda un bambino su 77 solo in Italia, secondo gli ultimi dati dell'ISS. Disponibile su tutti i digital store dal 2 aprile, in occasione della Giornata mondiale per la consapevolezza sull'autismo, il brano non vuole spiegare, ma accompagnare, in un cammino di sensibilizzazione e comprensione. E lo fa con la delicatezza che contraddistingue da sempre la scrittura di Amici, da anni impegnato nella narrazione di tematiche sociali: una canzone che racconta l’autismo dall’interno, in prima persona, dando voce a chi troppo spesso resta inascoltato. Il testo di “Dove tutto è possibile” è una finestra aperta su un orizzonte fatto di percezioni sottili, dettagli che diventano essenziali e sensazioni che sfuggono alle definizioni comuni - «Nel mio mondo silenzioso di colori e sfumature, diverso è il rumore, nella mente più di un fiore» -. Parole che portano l'ascoltatore dentro una quotidianità differente, quella di un ragazzo autistico, traducendone le difficoltà e la bellezza della sua visione del mondo, fatto di suoni amplificati, gesti che assumono significati propri e una ricettività che segue traiettorie tutte da scoprire. «La folla è un grande mare» e il silenzio può diventare assordante, ma ogni cosa ha un proprio ritmo, una propria logica, un proprio spazio di libertà. Quello di Giordano è un approccio che non si ferma alla superficie, ma ci spinge a riflettere su quanto il nostro modo di percepire la realtà sia solo uno dei tanti possibili. «OGNUNO HA IL PROPRIO MODO DI SENTIRE, COMUNICARE E VIVERE – SPIEGA -, E CREDO SIA FONDAMENTALE PROVARE A COMPRENDERE QUESTE DIVERSITÀ, ACCOGLIERLE, RISPETTARLE.» L'autismo è definito "spettro" per la sua vastissima gamma di sfumature. Chi vive questa condizione sviluppa un’interpretazione unica di ciò che lo circonda, e il brano di Amici evita qualsiasi semplificazione, scegliendo piuttosto di trasmettere un'emozione autentica, senza retorica. Molti studi dimostrano che l’autismo altera la percezione sensoriale, facendo sì che suoni, luci e contatti fisici vengano elaborati in modo amplificato o, al contrario, quasi ovattato. Secondo la National Autistic Society, oltre il 70% delle persone a cui è stata diagnosticata una forma di autismo sperimenta un’ipersensibilità o un’iposensibilità agli stimoli, un aspetto che influisce profondamente sulla loro interazione con il mondo esterno. Questa caratteristica trova riflesso nella costruzione sonora di “Dove tutto è possibile”, dove gli arrangiamenti guidano l’ascoltatore in un alternarsi di quiete e impeto, di leggerezza e immersione totale, proprio come accade a chi convive con un’elaborazione sensoriale diversa. Il risultato è un’esperienza musicale che non si limita a raccontare, ma fa vivere l’essenza del brano. Non è un caso che la musica, da sempre, rappresenti un canale privilegiato di espressione per chi ha difficoltà a comunicare con le parole. La musicoterapia, infatti, ha evidenziato effetti positivi nel migliorare l’interazione sociale, facilitando una connessione più spontanea con l’ambiente circostante e riducendo significativamente i comportamenti ripetitivi e ansiosi associati all'autismo. Una ricerca pubblicata nel 2023 ha confermato che l’ascolto e la pratica musicale possono stimolare entrambi gli emisferi cerebrali, favorendo una maggior consapevolezza emotiva e potenziando le capacità relazionali. “Dove tutto è possibile” utilizza la musica non solo come linguaggio artistico, ma come mezzo per avvicinarsi a chi merita di essere ascoltato. Se da un lato il testo descrive la quotidianità di chi vive questa condizione, dall'altro porta con sé un messaggio di fiducia e libertà. Il volo metaforico citato nel ritornello - «Prendi le mie mani, entra nel mio mondo, guarda è magico. Prendi le mie ali, insieme ce ne andiamo dove tutto è possibile» -, simboleggia la possibilità di andare oltre le barriere imposte dagli schemi sociali e dalle difficoltà di comunicazione, riconoscendo la ricchezza di ogni punto di vista. Un'immagine che esprime il desiderio di leggerezza, di libertà, la necessità di potersi muovere senza il peso delle aspettative, in un equilibrio che non ha bisogno di essere giustificato. «L'OBIETTIVO NON È CAMBIARE CHI È DIVERSO – CONCLUDE AMICI -, MA IMPARARE A VEDERE LA BELLEZZA DI QUESTA DIVERSITÀ. CIASCUNO DI NOI HA UN’INTERIORITÀ CHE PUÒ ESSERE COMPRESA SOLO SE CI SI PRENDE IL TEMPO DI OSSERVARLA CON ATTENZIONE.» “Dove tutto è possibile", prodotto da Alessandro Di Somma, rappresenta una delle pagine più toccanti del percorso artistico del cantautore. Un brano che, pur mantenendo un taglio personale, si lega a un tema di attualità sempre più presente nel dibattito pubblico, ponendo l'accento sull'importanza della consapevolezza e dell'inclusione. Giordano Amici non è nuovo a progetti di stampo inclusivo. Con "Lara", ha raccontato il dramma delle dipendenze giovanili, mentre "Fiocco Viola" ha portato alla luce il tema spesso taciuto dell'anoressia maschile. "Dove tutto è possibile" prosegue questo percorso, dimostrando ancora una volta l'urgenza narrativa del suo autore. "Dove tutto è possibile" è un'opportunità di guardare oltre, di mettersi in ascolto, di accogliere nuove prospettive. Perché quando scegliamo di tendere la mano a chi vede il mondo con altri occhi, tutto può davvero diventare possibile.

Una doppia personalità, imprevedibile, manipolatoria. È questa l'immagine che Bennyvi immortala nel suo nuovo singolo, "Gemini" (DelmaJag Records). A pochi mesi dal successo di "I Know What You Are", che ha riscosso numerosi consensi sui principali media italiani, europei e statunitensi e l’ha consacrata come una delle voci più interessanti della nuova scena internazionale, la cantautrice ticinese di origini venete torna con un brano ancora più diretto e graffiante sulle relazioni segnate da ambiguità e narcisismo. Secondo recenti dati pubblicati da Psychology Today, il 45% dei giovani tra i 18 e i 30 anni ha vissuto almeno una volta nella vita un rapporto sentimentale tossico, caratterizzato da manipolazione, disequilibrio e forte instabilità. Mai come oggi, le relazioni affettive si giocano su un terreno scivoloso, dove il fascino può trasformarsi in controllo e le promesse in strumenti di dominio. La costruzione dell’identità – amplificata dai social e dalla costante esposizione – crea legami più fragili e volatili, rendendo più difficile riconoscere chi si nasconde dietro una maschera. Il narcisismo è sempre più radicato. Tra manipolazione affettiva, gaslighting e giochi di potere, molte persone si trovano intrappolate in rapporti in cui l’altro costruisce una versione di sé affascinante e irresistibile, salvo poi rivelare il proprio lato più freddo e calcolatore. L’incertezza e la contraddizione diventano pericolose armi di controllo, che alimentano dipendenza e senso di inadeguatezza. Un fenomeno amplificato dall’iperconnessione digitale, dove l’apparenza regna sovrana e le emozioni vengono spesso distorte o mercificate. Un ciclo di attrazione e distruzione che segna chi ne rimane coinvolto, rendendo sempre più complesso distinguere tra sincerità e strategia. È proprio su questa dinamica, così reale e attuale, che Bennyvi ambienta la narrazione di "Gemini": la storia di un amore che si rivela ingannevole, fino a sgretolarsi sotto il peso della sua stessa ambiguità, in cui l'altro mostra due volti opposti, capaci di sedurre e ferire con la stessa rapidità. Su una produzione dal respiro internazionale, che richiama le hit d’Oltreoceano, “Gemini” intreccia pop ed elettronica con un ritmo incalzante scandito da clapping ritmici. Il sound si muove a mezz’aria tra le atmosfere confessionali di Taylor Swift, l’energia ruvida di Olivia Rodrigo e la fluidità sofisticata di Sabrina Carpenter, creando un contrasto netto, un gioco di specchi che ribalta gli equilibri. Bennyvi mette in scena un protagonista che cambia volto con una facilità disarmante, alternando lusinghe e menzogne. Una stabilità precaria che prende forma nei versi «Good lie, bad guy. Funny how the more you talk the less I believe you. Good time, good bye. For someone that's two faced you're terribly heartless.» («Bella bugia, cattivo ragazzo. Curioso come più parli meno ti credo. Bei momenti, addio. Per essere una persona con due facce sei terribilmente senza cuore.») C’è qualcosa di familiare per molti in questa storia, una trama sottile e ricorrente che si insinua nelle relazioni e le svuota dall'interno. Il confine tra carisma e inganno è labile, e spesso si riconosce solo a posteriori, quando le parole che ammaliavano diventano schemi, gabbie che limitano, soffocano. «Scrivere “Gemini” è stato catartico - racconta Bennyvi -. Ho voluto mostrare come facilmente possiamo cadere nella trappola di chi ci mostra solo una parte di sé, nascondendo un'anima opposta e pericolosa. È fondamentale imparare a riconoscere questi meccanismi per proteggere sé stessi e la propria indipendenza.» Questa dualità spietata si fa strada nei versi, tra richiami ripetuti e immagini che si contraddicono, restituendo il senso di un’attrazione ambigua, che affascina e spaventa al contempo: «Gemini gemini. Which one of you will make me cry, make me cry? You're such a gemini, gemini. For someone that's two faced you're terribly heartless.»(«Gemelli gemelli. Quale di voi mi farà piangere, mi farà piangere? Sei proprio un gemelli, gemelli.») "Gemini" è anche il penultimo tassello prima della pubblicazione del tanto atteso EP d’esordio, che Bennyvi lancerà entro l'anno e che porterà alla luce una visione musicale ancora più matura e identitaria. «La musica deve anche far riflettere e aiutare a comprendere – conclude la cantautrice svizzera -. "Gemini" racconta esperienze che molti vivono senza riuscire a dare loro un nome. Riconoscerle è il primo passo per riprendere il controllo della propria emotività e della propria vita, diventando più consapevoli di sé e del proprio valore, anche nelle situazioni più difficili.» "Gemini" è un promemoria per una generazione che deve imparare a riconoscere le maschere dietro i sorrisi. Bennyvi utilizza la musica come strumento di lucidità, perché spesso ci rendiamo conto troppo tardi della vera natura di chi abbiamo accanto e del nostro valore personale. Aspetti imprescindibili da riconoscere in tempo, per proteggersi e vivere rapporti che non tolgano, ma arricchiscano entrambe le parti.

Cosa conta di più: il brivido della novità o il valore di ciò che già abbiamo? È il dilemma che tormenta una generazione cresciuta con tutto a portata di mano, e che oggi si interroga sul valore della fedeltà. Giuseppe Incorvaia lo racconta in musica con “Evoluzione” (Greyscompany), un singolo che non parla solo d’amore, ma di una scelta che ognuno, prima o poi, si trova ad affrontare: resistere alla tentazione o lasciarsi tentare? Viviamo nell’epoca dell’"usa e getta sentimentale", in cui il 67% delle persone tra i 25 e i 40 anni, secondo recenti sondaggi sulle dinamiche relazionali, ha ammesso di aver messo in discussione una relazione stabile per un’attrazione improvvisa. E non è solo un pensiero passeggero: l’infedeltà è un fenomeno in crescita. Un’indagine europea del 2024 rivela che il 58% degli italiani ha tradito almeno una volta il proprio partner. Nel Belpaese, inoltre, i casi di infedeltà coniugale sono aumentati del 18% nell’ultimo anno, con il 64% dei tradimenti attribuiti a donne che hanno tradito il proprio marito o fidanzato. E se questi numeri fossero la prova che il protagonista di “Evoluzione” non è solo? Che quel dubbio, quel bivio, è più diffuso di quanto pensiamo? Questi dati lo confermano: oggi più che mai, il fascino di qualcosa di nuovo può mettere in crisi ciò che già si ha. “Evoluzione” è il racconto di quell’istante, l’esatto momento in cui la testa dice no, ma il cuore esita. «Sei la più bella del mondo, ma non sei uguale a lei», canta Incorvaia. Perché la tentazione può essere forte, ma il confronto con la realtà è inevitabile. «Viviamo in un’epoca in cui tutto si brucia in fretta – racconta l’artista -. Cambiare sembra più facile che restare, ma siamo sicuri che sia davvero così? Questa canzone non dà risposte, ma racconta quel contrasto di emozioni che tanti hanno vissuto. Non è solo una storia d’amore, è una storia di scelte.» E proprio sulle scelte si gioca tutto. A volte basta un attimo per cambiare il corso di una storia: un incontro inaspettato, uno sguardo, una scintilla. Il cuore accelera, la razionalità vacilla. Buttarsi o fermarsi? “Evoluzione” è il suono di una passione che dura tre giorni, ma lascia dentro un fremito che non svanisce. Tre giorni sospesi, in cui tutto sembra possibile, fino a quando la realtà si fa spazio tra il desiderio e la razionalità. «Stasera lasciami stare, non te lo dico più», prosegue il brano, descrivendo l’incanto che si infrange e l’euforia iniziale che si scontra con il peso delle conseguenze. Il trasporto lascia spazio alla lucidità, il fuoco della tentazione si affievolisce per spegnersi davanti alla consapevolezza. Il protagonista sa di dover scegliere, e quella scelta pesa più di quanto avrebbe immaginato. Il titolo “Evoluzione” non è casuale. Non è solo il tema del brano, ma anche il percorso musicale che Incorvaia ha scelto di intraprendere. Il sound è più pulito, più essenziale, con uno xilofono sintetizzato che accompagna la narrazione senza sovrastarla. «Non volevo un pezzo che suonasse come i precedenti – spiega -, volevo che si sentisse il cambiamento. La musica è fatta di evoluzioni, proprio come la vita.» Il dilemma raccontato nel pezzo non è solo personale, ma generazionale. In un’era di scelte rapide e connessioni fugaci, la canzone tocca una fragilità tangibile: quanto vale ancora la fedeltà ai sentimenti? “Evoluzione” è la colonna sonora di questo dubbio. Senza moralismi, senza giudizi. Solo con la realtà nuda e cruda. Il singolo segna un punto di svolta anche per Giuseppe Incorvaia. Cantautore con oltre trent’anni di carriera, ha iniziato giovanissimo grazie all’intuito di Gianfranco Busnelli, che lo scoprì a soli 15 anni. Nel 1993 pubblica i suoi primi inediti con i fratelli La Bionda, entrando poi nella Cecchetto Gang. Negli anni, scrive oltre 30 brani, e oggi sente il bisogno di tornare in prima linea con una canzone che rappresenta il suo nuovo capitolo artistico. Con una carriera che attraversa tre decenni, Incorvaia ha sempre avuto un obiettivo chiaro: raccontare storie vere, con parole essenziali, dirette, senza artifici. «Ogni mia canzone nasce da una verità – conclude -. “Evoluzione” è quella scelta che prima o poi tocca tutti. C’è chi la fa d’istinto, chi la rimanda, chi la subisce. Ma nessuno può evitarla.» Un ritorno, un passo avanti, un cambiamento reale. Incorvaia porta avanti una ricerca artistica che non si è mai fermata, e che oggi trova una nuova direzione. “Evoluzione” è un racconto di scelte e contraddizioni che spinge a farsi domande. E forse, anche a trovare qualche risposta.... Continua a leggere

Nel diritto penale, l’articolo 110 stabilisce il concorso di persone in un reato. Per Lecicia Sorri, anagramma e pseudonimo di Cecilia Rossi, è invece la dichiarazione di un “crimine” musicale condiviso con Otus_Medi, il produttore con cui ha dato vita a "art. 110, 1° co.", il suo debut EP che sovverte le regole e trasforma la musica in un manifesto politico e sociale. Sei tracce che, tra elettronica, cassa dritta e liriche taglienti, mettono in discussione il concetto stesso di confine: politico, sociale, interiore. Dall’emergenza ambientale alla critica delle frontiere geopolitiche, dal transfemminismo alla lotta contro l’oppressione, ogni brano è una miccia accesa sotto i dogmi culturali. «L’arte è un atto di sovversione, ma anche di costruzione – spiega Lecicia -. In un momento storico come questo, non può essere fine a se stessa. Questo EP nasce da una necessità urgente, quasi un obbligo morale: non posso restare in silenzio mentre l’umanità va verso l’estinzione. Ho il privilegio di poter parlare, di avere un tetto sopra la testa, e credo che chi può farlo abbia il dovere di amplificare le voci di chi non viene ascoltato.» Il disco nasce dall’incontro con Otus_Medi, produttore e musicista napoletano che ha saputo dare forma sonora alle visioni dell’artista bolognese, creando una dimensione musicale che oscilla tra pop, techno, ambient, industrial ed elettronica sperimentale. Un dialogo a distanza, un incastro perfetto tra liriche dirette e sound ibrido, che ha reso questo progetto un terreno di sperimentazione e libertà creativa. Anche l’immagine visiva del progetto nasce da un processo di collaborazione spontaneo. La copertina dell’EP è frutto dell’incontro tra l’illustratore toscano naturalizzato bolognese Claudiano.jpeg ed Elena Marrone, in arte Ananpoptosi, disegnatrice e amica dell’artista. La loro elaborazione grafica ha aggiunto un ulteriore livello di interpretazione, decorando e arricchendo l’artwork senza snaturarne l’essenza. Per Lecicia Sorri, scrivere e cantare non sono solo una forma di espressione artistica: sono anche un mezzo per immaginare e costruire un cambiamento concreto. Da tempo sogna di portare la sua visione oltre il palco, fino alla politica. Perché, se l’arte può scuotere coscienze e abbattere barriere, allora può anche aprire la strada a nuove possibilità di trasformazione sociale. Un principio che si riflette anche nel titolo del progetto: "art. 110, 1° co.", richiama il concetto di collaborazione, ma lo trasforma in un gioco di senso: la musica come atto collettivo, il suono come azione sovversiva, la parola come strumento di resistenza. L’EP è un viaggio attraverso storie e immagini che spaziano dall’introspezione più profonda alla critica sociale più feroce, mantenendo sempre un tono ironico e consapevole, capace di alleggerire anche i temi più spigolosi senza mai banalizzarli. Oltre la musica ci sono i numeri di una crisi che attraversa il mondo: "art. 110, 1° co.", infatti, non è un semplice intreccio di brani racchiusi in un concept, ma è uno sguardo sulla realtà attraverso il suono. Ogni traccia tocca un tema caldo e cruciale del nostro tempo, supportato da dati che raccontano la portata globale di questa crisi: Crisi climatica. Secondo il rapporto IPCC, le temperature mondiali sono aumentate di oltre 1,1°C rispetto all’era preindustriale, con il 2023 tra gli anni più caldi mai registrati. Nel brano "Ghiacciaio", l’amore diventa il riflesso della fragilità del pianeta: «Bombardan l’amore, anche all’ombra si muore.» Confini e migrazioni. L’ONUstima che nel 2023 oltre 110 milioni di persone siano state costrette a lasciare la propria casa a causa di conflitti, persecuzioni o cambiamenti climatici. "Sorri not sorry" – titolo che gioca con il cognome anagrammato della cantautrice -, denuncia il ruolo dei media nella narrazione distorta delle crisi migratorie e delle ingiustizie globali. Violenza di genere. In Italia, nel solo 2023, si sono registrati oltre 120 femminicidi, e nel mondo una donna su tre subisce violenza fisica o sessuale nel corso della vita (dati OMS). Il transfemminismo e la resistenza femminile sono l’anima del disco. Sovversione e resistenza. Dal #MeToo alle rivolte giovanili, la musica ha sempre avuto un ruolo di amplificatore del dissenso. "VLFDM (RMX)" – acronimo che sta per Voglio La Fine Del Mondo - traduce il caos dell’epoca contemporanea in un sound distopico e parodico. Questi numeri non sono solo statistiche: sono storie, persone, vite. "art. 110, 1° co." non vuole dare risposte, ma accendere domande, spingere a riflettere, e di conseguenza, agire. Un progetto che nasce dal bisogno di dire qualcosa, di scuotere. Un EP che non si accontenta di suonare, ma chiede di essere ascoltato davvero. Non è solo musica, è un punto di vista sul mondo, un modo di resistere e di immaginare nuove possibilità. E forse, anche di ballarci sopra. A seguire, tracklist e track by track del disco. “art. 110, 1° co.” – Tracklist: 1. Universo Rapi 2. Sorri not sorry 3. Senza Nome 4. Ghiacciaio 5. Rafiki 6. VLFDM RMX “art. 110, 1° co.” – Il disco raccontato dall’artista: “Universo Rapi”, l’introduzione che serve per lasciarsi andare: Otus_Medi mi ha mandato la base con una domanda: «Che sensazioni ti trasmette?». La mia risposta è stata una donna in abito rosso, che attraversa una metropoli dopo una grande fatica. Il rischio di immobilizzarsi è forte, ma l’universo trascina comunque avanti. «Magnum gaudium est cum universo rapi» è la lezione di Seneca che riecheggia tra i beat elettronici: accettare il movimento, lasciarsi portare. “Sorri not sorry”, la rabbia contro le ingiustizie: è la traccia più cupa dell’EP. È un flusso di parole recitate, un monologo interiore che si fa grido politico. «Ho partorito un’idea tutt’altro che mesta», canto nel pezzo, denunciando il genocidio e la censura, la violenza sistemica e il ruolo distorto dei media. Ma oltre alla rabbia, c’è la visione di una rete capace di accogliere tutte le creature viventi, abbattendo confini e costruendo legami. “Senza Nome”, il peso del senso di colpa: ogni disco ha il suo brano più malinconico, e questo è quello di "art. 110, 1° co". «Non ti vuoi bene per niente», ripeto come una sentenza, cercando di mettere in musica quel vuoto esistenziale che può spegnere anche la voglia di sopravvivere. È un pezzo che attinge alla profondità delle emozioni senza scadere nella retorica, ma con una cruda consapevolezza. “Ghiacciaio”, l’amore come riflesso della crisi climatica: in principio doveva essere una canzone d’amore, ma la realtà ha preso il sopravvento. «Bombardan l’amore, anche all’ombra si muore», dico nel brano, mentre il ghiaccio si scioglie e il mondo si disgrega. Un pezzo, prodotto da K Er M, che mette a confronto il dolore personale con l’irreparabile danno ambientale, ricordandoci che l’amore può essere un’illusione, ma la crisi climatica è una certezza. “Rafiki”, la libertà della danza e la danza della libertà: un brano arrogante, spudorato, sfacciato. Questa è la traccia per chi vuole solo ballare, senza scuse e senza distrazioni. «Please don’t ask me once again, I’ll keep dancing till I’m dead», canto su un beat martellante che sembra rifiutare ogni interruzione e ogni compromesso. “Rafiki”, in lingua swahili, significa “amico”. L’unico invito valido è unirsi alla festa. Il brano è stato prodotto da K Er M. “VLFDM RMX”, distopia e parodia dell’apocalisse: ho preso il primo brano registrato live e l’ho trasformato in un’invettiva dissacrante sul declino della società contemporanea. Un mix tra denuncia e sarcasmo, tra ansia collettiva e ironia feroce. Il remix spinge il pezzo in una nuova direzione, con una produzione che guida in un viaggio caotico tra il presente e il futuro. "art. 110, 1° co." è un’esperienza. Lecicia Sorri costruisce un immaginario, un’idea di musica che diventa azione politica, pensiero critico, spazio di libertà. Non è un punto di arrivo, ma solo il primo capitolo: il disco anticipa infatti la pubblicazione del secondo extended play, “art. 110, 2° co.”, che porterà avanti questa ricerca sonora e concettuale. Un EP d’esordio che non si lascia incasellare, che non cerca facili consensi, ma rivendica la necessità di guardare il mondo con occhi diversi. "art. 110, 1° co." è un EP che non offre risposte semplici, ma pone le domande giuste, quelle necessarie per comprendere il mondo in cui viviamo e, perché no, attivarsi per renderlo migliore.

Si può essere lontani, ma mai davvero distanti. Alcuni legami resistono al tempo, ai chilometri e ai cambiamenti. “Aspettami”, il nuovo singolo dei Ferrinis, è il racconto di un viaggio, di una promessa mantenuta nonostante le partenze. Il duo forlivese, che ha conquistato pubblico e critica con un sound dinamico e testi che sono lo specchio della società in cui viviamo, torna con il terzo estratto dal loro prossimo album “Twins”. Se con “Coca e Malibù” hanno denunciato l’ossessione per l’apparenza e il senso di vuoto generato dalla cultura dell’immagine, e con “Lussuria e Desiderio” hanno affrontato senza filtri il tradimento, non limitandosi a evocare passioni proibite ma restituendo una fotografia lucida di una crisi relazionale diffusa e documentata, Maicol e Mattia, con “Aspettami”, cambiano registro, senza rinunciare alla loro cifra stilistica: si concentrano sulla resistenza degli affetti, sul valore di chi resta e di chi va via senza dimenticare da dove viene. Più che una semplice ballata, “Aspettami” è il ritratto di una generazione in movimento, alla ricerca di nuovi orizzonti con un filo invisibile che la riporta sempre a casa. Una generazione che, dati alla mano, continua a spostarsi, ma sceglie di non recidere mai il legame con le proprie origini. Secondo un recente report dell’ISTAT, negli ultimi dieci anni il numero di giovani italiani che si sono trasferiti all’estero è aumentato del 30%, un fenomeno che racconta le ambizioni di chi cerca altrove opportunità che spesso mancano nel proprio paese, ma anche la nostalgia di chi parte portandosi dietro il peso – e la bellezza – delle proprie radici. Lontani per necessità, ma vicini per volontà. Il viaggio, in “Aspettami”, non è solo una decisione, ma una condizione sempre più comune. Se un tempo vivere altrove significava chiudere un capitolo, oggi la distanza non spezza, ma ridefinisce i rapporti. I giovani italiani che scelgono di trasferirsi non si allontanano davvero: restano legati alla propria terra, la portano con sé nelle abitudini, nella lingua, nella musica. I Ferrinis raccontano questo bisogno di andare oltre senza dimenticare ciò che ci ha formati in uno dei versi più rappresentativi del brano: «Cresciuti in questo posto in periferia che ci sembrava stretto, sognando di cambiare tutto.» Un frammento di vita reale, il ritratto di chi guarda avanti senza perdere ciò che lo definisce. “Aspettami” è un’istantanea di questa realtà: il ritornello, «Aspettami dove sorge il sole, dopo una notte da ricordare, con una storia da raccontare» – racchiude l’essenza di una promessa. Quella di riconoscersi, nonostante la distanza, il tempo e i cambiamenti. Le comunità italiane all’estero crescono e si rafforzano, grazie anche ai nuovi mezzi di comunicazione e alla volontà di mantenere viva l’identità culturale. Dall’aumento di festival italiani in giro per il mondo, alla crescita delle comunità digitali di expat, fino al ritorno alle tradizioni da parte di chi vive fuori, il senso di appartenenza si esprime in modi nuovi, più dinamici e consapevoli. E la musica, che è da sempre il linguaggio del dinamismo generazionale, è la forma d’arte perfetta per raccontare questo legame sospeso tra sogni e radici. Se in passato le canzoni di emigrazione raccontavano nostalgia e malinconia, ora si fanno portavoce di una nuova consapevolezza: quella di chi sceglie di esplorare nuovi sentieri, ma non si sente mai davvero lontano da quello originario. I Ferrinis riescono a tradurre questa condizione con un linguaggio immediato, privo di retorica, restituendo un’idea di distanza che non divide, ma unisce. Un brano come “Aspettami” non parla solo di chi va via, ma anche di chi rimane. Di chi aspetta un ritorno, di chi tiene vivo un legame anche quando le coordinate cambiano. È un messaggio che mai come oggi echeggia forte, in un’epoca in cui il concetto di "casa" è sempre più fluido e il senso di comunità non è più solo geografico, ma identitario. «Quando parti, pensi che tutto resti uguale – spiegano Maicol e Mattia Ferrini -, ma quando torni ti accorgi che anche le persone cambiano. Noi volevamo raccontare quella sensazione di straniamento, ma anche la certezza che certi legami restano indissolubili. Ci sono rapporti che vanno oltre il tempo e lo spazio: quelli che, anche a distanza, continuano a farti sentire a casa.» I Ferrinis non inseguono tendenze, ma percorrono un tragitto chiaro, basato su una cifra musicale riconoscibile e una scrittura che parla in modo diretto al pubblico. La loro capacità di unire melodia e storytelling li ha resi una delle realtà più interessanti del panorama musicale italiano, e “Aspettami”, non si limita a un discorso discografico, ma si fa linguaggio ed emblema di un’epoca, il punto di contatto con chi vive la propria evoluzione senza dimenticare chi è davvero, tra chi cambia e chi resta fedele a sé stesso. Il singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale - girato al Misano World Circuit Marco Simoncelli sotto la direzione di Alessandro Murdaca e in uscita venerdì 28 marzo - anticipa “Twins”, secondo progetto full length del duo che raccoglierà dieci tracce, ognuna con una direzione ben definita. Un progetto che va oltre la semplice sequenza di brani, costruendo un percorso sonoro e narrativo in equilibrio tra elettronica e pop. Gli arrangiamenti non cercano la superficie, ma la sostanza, puntando a un impatto che resta anche dopo l’ultimo ascolto. «Con "Twins" vogliamo raccontare le nostre esperienze, le nostre sensazioni, il nostro modo di vedere il mondo - concludono i Ferrinis -. Ogni canzone è un pezzo di noi.» “Aspettami” è un manifesto di appartenenza, una canzone parla a chi ha vissuto il distacco, ma sa che certi legami non si dissolvono. Perché chi è parte di noi non se ne va mai davvero.

In Italia, il 65% dei giovani si sente in un periodo di transizione, sospeso tra sogni e paure, tra opportunità e incertezze. È un’intera generazione che cerca il proprio posto nel mondo, divisa tra il desiderio di stabilità e la necessità di reinventarsi. Un equilibrio fragile, che Ninfea cattura nel suo nuovo EP “Oltremare” (1901Studio). Sei tracce che ci portano all’istante esatto in cui smettiamo di guardarci indietro e scegliamo di partire. Un momento preciso in cui il peso delle ombre si dissolve e rimane solo il richiamo del mare. Non un punto di arrivo, ma un nuovo inizio. La giovane cantautrice calabrese d’adozione bergamasca, che ha incantato il pubblico ed è stata definita dalla critica “una voce angelica”, torna con la sua scrittura diretta e priva di retorica per raccontare storie in cui riconoscersi. Questo progetto ha il suono del cambiamento, ed è composto da brani che ci guidano, esortandoci ad attraversare il confine tra ciò che è stato e ciò che sarà, tra la paura di rimanere ancorati alle aspettative – proprie e altrui - e il coraggio di seguire i nostri desideri e le nostre ambizioni. La trasformazione, il passaggio tra chi si era e chi si vuole diventare. Senza artifici, Ninfea restituisce emozioni e paure del “diventare grandi”, rendendo tangibile il viaggio di crescita, un viaggio unico che non finisce mai ed accompagna ogni nostra scelta. Secondo un recente studio dell’Osservatorio Giovani dell’Istituto Toniolo, il 65% della popolazione italiana tra i 18 e i 30 anni si sente in bilico tra possibilità e insicurezze, in cerca di una direzione chiara. Incertezze che si riflettono nelle scelte di vita, lavorative e personali, in un contesto sociale ed economico sempre più fluido, dove i giovani cercano nuovi modi per esprimere la propria identità e sentirsi rappresentati. Ninfea si dimostra capace di tradurre questa necessità in musica: in “Oltremare”, ogni canzone diventa una finestra aperta su emozioni reali, rese con una delicatezza che non rinuncia alla profondità. L’artista dà voce a una condizione collettiva, quella di chi sente di appartenere a un tempo che ancora non è definito. “Oltremare” è un concetto, una meta, una ripartenza: «Guarisco dalle ombre che ho qui dentro, luna piena. Sotterro tra le ceneri, illusi demoni», canta l’artista nella title track dell’EP, consegnando alla musica il potere di curare, di sciogliere i nodi del passato per lasciare spazio a una nuova direzione. Non è solo un viaggio, ma un rito di passaggio. Il peso delle ombre svanisce, lasciando spazio a una spinta inarrestabile: quella di proseguire, di andare avanti. «”Oltremare” è il mio punto di svolta - racconta Ninfea -. Ogni traccia è un frammento di strada percorsa, un passaggio che mi ha portata fin qui. Per molto tempo ho avuto la sensazione di essere sospesa, bloccata in un limbo tra ciò che ero e ciò che volevo diventare. Questo disco è la mia presa di coscienza, il momento in cui ho smesso di farmi domande e ho iniziato a camminare. Spero che chi lo ascolta possa ritrovarsi tra queste storie, sentirsi compreso e trovare il coraggio di scegliere la propria direzione.» Sei capitoli, un’unica storia, in un percorso tra memoria e futuro, dove ogni brano lascia all’ascoltatore la libertà di riconoscersi nelle sue sfumature. Sei prospettive diverse su quando tutto cambia e si è chiamati a scegliere: restare immobili o seguire il richiamo di qualcosa di nuovo, di sconosciuto, di inesplorato. Il disco, scritto e composto dalla stessa Ninfea in collaborazione con Mirko Bruno, prodotto da FJD (Francesco James Dini) e Luca Belotti e registrato presso la 1901 Factory di Alzano Lombardo (BG), si apre con "Oltre il Tempo", dove l’amore si fa eterno e attraversa le epoche: «È cucito nell’universo questo nostro passaggio che non passa mai». Prosegue con "Viaggio Astrale", un invito a lasciarsi andare e credere nelle possibilità del cambiamento: «Se ci credi tutto può accadere, come in un viaggio astrale». La title track, "Oltremare", è accompagnata dal videoclip ufficiale e rappresenta il punto di svolta, il momento in cui si sceglie di andare avanti: «Mi vedo correre, ho bisogno di sentire, di volere e poi volare libera». Il percorso continua con "Stelle da Dipingere", una riflessione su come il buio possa rivelare nuove prospettive, nuove possibilità di trasformare il dolore in una leva per proseguire il proprio cammino: «È solo grazie al buio se ho imparato che siamo stelle ancora da dipingere». "Dolceamara Eufonia" racconta la delicatezza di un addio, il confronto tra chi resta e chi sceglie di partire: «Tu che negli occhi mi specchi a metà e non vedi la mia fragilità». Infine, a chiudere il viaggio, "Elettrica (Demotape)", una scarica di energia ribelle che porta con sé la sensazione di un nuovo inizio: «La tua iride è magnetica, ogni tuo sguardo mi solletica». “Oltremare” è un EP che suona come un atto di consapevolezza, raccontato attraverso una voce che non ha paura di mettersi a nudo e che non si limita a raccontare la sua storia, ma accompagna tutti coloro che ne stanno scrivendo una propria. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Oltremare” – Tracklist: 1.Oltre il tempo 2. Vaggio Astrale 3. Oltremare 4. Stelle da dipingere 5. Dolceamara Eufonia 6. Elettrica (Demotape) “Oltremare” – Il disco raccontato dall’artista: Oltre il Tempo: questo brano racconta un amore che sfida le regole del tempo, un legame che esiste oltre le epoche. È una ballata intensa, che si muove tra ricordi e speranze future. Viaggio Astrale: un’immersione in un mondo sospeso tra sogno e realtà. Le sonorità eteree accompagnano un testo che invita a lasciarsi trasportare dalla propria intuizione, senza resistenze. Oltremare: il cuore dell’EP, un manifesto di cambiamento. Rappresenta il momento della svolta, quando si sceglie di ricominciare. Stelle da dipingere: un inno alla capacità di trovare luce anche nei momenti più bui. La produzione delicata enfatizza il contrasto tra oscurità e speranza. Dolceamara Eufonia: Un dialogo tra passato e presente, tra chi resta e chi sceglie di andare. La dolcezza della memoria e l’amarezza di ciò che non è stato si susseguono su una melodia a mezz’aria tra malinconia e incanto. Elettrica (Demotape): l’EP si chiude con una scarica di energia, un brano che celebra la libertà e l’istinto. Un pezzo diretto e vibrante, che lascia un senso di movimento e cambiamento. “Oltremare”, impreziosito dalla partecipazione dei talentuosi musicisti Marco Morabito, Luca Belotti, Francesco Dini e Valerio Baggio, fonde introspezione e carisma, confermando Ninfea come uno dei talenti più raffinati del panorama cantautorale contemporaneo. Ogni brano dell’EP racchiude un frammento di vita, un istante di crescita e consapevolezza, regalando all’ascoltatore la possibilità di rivedersi e riconoscersi. Non si tratta di un semplice concept, di un raccoglitore di tracce unite da un fil rouge, ma è qualcosa di diverso: è una direzione, una scelta, una nuova partenza.... Continua a leggere

Ci sono storie che non si spiegano, si attraversano. Storie che diventano musica, perché l’unico modo per farle arrivare lontano è scriverle nero su bianco, intrecciarle al ritmo, inciderle e dar loro un suono. DannyZ, lo sa bene. Nato prematuro di 25 settimane, ha trascorso l’infanzia tra interventi chirurgici, fisioterapia e tutori per imparare a camminare. Ogni passo, una conquista. Ogni metro in più, una sfida vinta. Oggi, a 20 anni, percorre chilometri a piedi senza mai fermarsi. Con i suoi tempi, ma ci arriva. E con la stessa mentalità affronta la musica. Il suo nuovo singolo, “Sempre Più Su”, non è il classico banger, è una dichiarazione. A se stesso, al pubblico, a chiunque abbia mai pensato di mollare. Difficilmente si può parlare di rap senza parlare di strada. DannyZ racconta la sua, fatta di ripartenze e ostacoli superati, con una direzione ben chiara. In “Sempre Più Su” canta: «Sto correndo su una linea fra', non guardo giù. Tutto quello che cercavo ora è sempre in più. Non è un caso, sono sogni e notti svegli, ogni passo mi avvicina al mio successo». Non è retorica, è vita vissuta. Ogni singola barra è figlia di un’esperienza reale, il risultato di anni di lotta. “Sempre Più Su” non parla solo di lui, ma di tutti coloro che, davanti a un ostacolo, non lo aggirano: lo affrontano, lo superano, e vanno avanti. Per DannyZ, la disabilità non è mai stata un confine, ma un punto di partenza. E il suo percorso capovolge le convenzioni, aprendo una riflessione più ampia: quali sono i limiti che esistono davvero e quali, invece, sono solo il frutto di costrutti mentali? Quante persone, senza alcuna difficoltà fisica, rinunciano semplicemente perché non vedono risultati immediati? «Molte persone, senza alcun impedimento motorio o di altro tipo, mollano solo perché incontrano qualche battuta d’arresto e non vedono subito i risultati – dichiara l’artista -. Io no: anche se ci metto più tempo, arrivo fino in fondo. Questo è il mio messaggio.» Ed è proprio qui che “Sempre Più Su” smette di essere un semplice racconto personale e diventa una provocazione. Non è un brano sulla resilienza, è un invito all’azione. A non fermarsi, a spingersi oltre, a cambiare mentalità. L’infanzia e l’adolescenza di DannyZ sono state scandite da interventi, terapie e strumenti che lo hanno costretto a reimparare a camminare da zero. Nonostante piccoli problemi di equilibrio, oggi percorre lunghe tratte a piedi, con i suoi tempi, dimostrando che la determinazione è più forte di qualsiasi impedimento. "Sempre Più Su", racconta proprio questo: lo switch mentale che separa chi si arrende da chi sceglie di andare avanti, perché non importa da dove parti, conta dove scegli di arrivare. «Da bambino camminavo sulle punte – racconta -, poi a 11 anni il primo intervento, i tutori, la fisioterapia fino ai 14. Ho dovuto reimparare a camminare, ma questo mi ha fatto rinascere. Oggi ho solo piccolissimi problemi di equilibrio, ma mi ritengo molto fortunato. Il limite è solo quello che scegli di vedere.» Il panorama urban italiano è saturo di racconti di rivalsa. Ma la storia di DannyZ ha una voce nuova, un peso diverso, perché non nasce da una formula, ma da un percorso reale, fatto di conquiste quotidiane. Dopo i singoli “Non Ti Riscriverò” e “Ricordi Bruciati”, il giovane artista capitolino si spinge in un territorio ancora poco esplorato nella scena: quello della crescita personale vissuta senza filtri. Non è un caso che le playlist dedicate alla motivazione e alla forza interiore stiano crescendo esponenzialmente sulle piattaforme di streaming: Spotify ha registrato un aumento del 30% nell’ascolto di brani a tema motivazionale negli ultimi due anni. Ma mentre tanti cantano la voglia di farcela, DannyZ lo dimostra. Ma il fenomeno non si ferma allo streaming. Sempre più giovani cercano modelli di ispirazione, figure in cui riconoscersi al di là degli stereotipi tradizionali. Sui social, i contenuti motivazionali stanno registrando una crescita esponenziale: su TikTok e Instagram, video che parlano di determinazione e crescita personale accumulano milioni di visualizzazioni, segno di un bisogno reale di messaggi concreti, che vadano oltre le frasi fatte. Allo stesso tempo, il percorso di DannyZ apre una questione cruciale: quanto spazio ha la narrazione della disabilità e della forza di volontà nella musica? Il rap, che è da sempre il genere della rivalsa, raramente affronta le difficoltà fisiche e il superamento dei propri limiti con questa prospettiva, ma ha tutte le carte in regola per farlo. DannyZ porta qualcosa di nuovo: non racconta solo il desiderio di farcela, ma il cammino effettivo di chi, ogni giorno, trasforma quelli che solitamente vengono considerati limiti in nuove traiettorie. Questa prospettiva lo distingue nel panorama italiano. Mentre tanti raccontano la strada, lui racconta la scalata personale, portando nel genere un punto di vista diverso, più intimo e concreto. Non è un dettaglio secondario, ma una chiave di lettura che rende la sua voce unica e necessaria. DannyZ non vuole essere visto come un'eccezione, né cerca compassione nel raccontare la sua storia. Il suo obiettivo è un altro: ispirare le persone ad andare oltre le difficoltà, indipendentemente da quali siano. Non un modello irraggiungibile, ma un esempio tangibile di come, con dedizione e tenacia, sia possibile dare il massimo e superare le proprie barriere, senza cercare scorciatoie o alibi.  «Se posso farcela io, può farcela chiunque. La differenza non sta nelle difficoltà che affrontiamo, ma nella scelta di superarle.» - DannyZ... Continua a leggere

Non tutto ciò che chiamiamo amore lo è davvero. Mariateresa, la voce pantesca che ha già emozionato pubblico e critica con la sua finezza interpretativa, lo sa bene e nel suo nuovo singolo, “Maledetto Cuore”, ci regala un’istantanea di tutte quelle storie in cui il confine tra passione e possesso diventa pericolosamente sottile. Già presentato a Sanremo Giovani 2025 attraverso il percorso di Area Sanremo, il brano porta la firma della stessa Mariateresa, del cantautore e produttore Massimo Galfano e del maestro Giuseppe Denaro. Un trio di talenti siciliani che ha dato vita a una narrazione cruda e penetrante, in cui la musica si intreccia con la verità più scomoda dei sentimenti, restituendo un’immagine nitida e disillusa di ciò che accade quando l’amore smette di essere luce per trasformarsi in ombra. «Maledettissimo amore, maledettissimo cuore. Io che ho creduto in questo amore», un verso che incide come una ferita aperta, lasciata da una relazione tossica, dominata dal controllo e dalla dipendenza emotiva, con un lui descritto come un principe estroverso, misterioso e benestante, che trattiene la sua lei in una prigione dorata, ma pur sempre una prigione. «L’amore non può essere catene, né compromessi soffocanti – dichiara Mariateresa -. Deve essere scelta, fiducia, respiro. Ho voluto raccontare il momento esatto in cui una persona prende coscienza di questo e decide di riprendersi la propria libertà.» Dopo aver conquistato una lunga serie di recensioni e feedback positivi dalle principali testate di settore con il precedente singolo “Strada Vuota”, rimanendo stabilmente nelle classifiche italiane e indipendenti fino a entrare nella Top 10 pop/rock, Mariateresa si conferma con “Maledetto Cuore” tra le voci più eleganti ed espressive della nuova scena italiana femminile. La sua presenza alla prima edizione del Festival Internazionale Voci dal Mediterraneo di Pantelleria, dove ha ottenuto il terzo posto nella categoria inediti, e le apparizioni su Rai 2 e Rai Radio 2 hanno reso evidente il suo crescente impatto sul panorama musicale che guarda al futuro. Con questa traccia, l’artista va ben oltre il racconto di una storia, una storia personale in cui è facile identificarsi, accendendo una riflessione su quei rapporti che si mascherano da amore, ma che in realtà feriscono e consumano, lasciando dietro sé lividi, macerie e un profondo senso di vuoto. Un tema che oggi assume un peso ancora più rilevante, in un’epoca in cui si parla sempre di più di relazioni tossiche e della difficoltà di riconoscerle prima che sia troppo tardi. «Vorrei che chi ascolta questa canzone trovi la forza di chiedersi: “sto vivendo un amore che mi rende felice o che mi imprigiona?” – conclude l’artista -. A volte si rimane intrappolati in dinamiche che sembrano normali, ma che logorano lentamente. Se anche solo una persona, ascoltando questo brano, troverà il coraggio di guardare la propria storia con occhi diversi, allora avrò dato un senso a questo pezzo.» “Maledetto Cuore”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto dalla Eventi e Management Italia, è un brano che si insinua sottopelle, che si fa ascoltare e rileggere più volte, perché nella sua narrazione non c’è solo l’esperienza della sua interprete, ma un frammento di vita condivisa da molti. Ma soprattutto, è un promemoria necessario: l’amore non è possesso, e chi ama davvero non trattiene, ma lascia libero.

Un architetto innamorato dell'arte e della cultura, uno scrittore che racconta con ironia e intelligenza il mondo delle relazioni interpersonali: Luca Fiocca è tutto questo e molto di più. Il 2 aprile 2025, in occasione del trecentesimo anniversario della nascita di Giacomo Casanova, verrà presentato ufficialmente il suo saggio “Se è tortora all'acqua torna”, un compendio semiserio che affronta con acume e leggerezza il tema della seduzione contemporanea. La data coincide con il lancio internazionale dell’edizione in lingua inglese, “If It Is Turtledove To Water Back”, segnando un nuovo traguardo per un progetto che sta già catalizzando l'attenzione del pubblico e dei media. Quella di Fiocca è un'idea che lo stesso definisce essere “nata dal disagio del maschio contemporaneo”. Il saggio prende spunto da una realtà che in pochi osano raccontare: il maschio latino, un tempo emblema di sicurezza e fascino, oggi sembra attraversare una crisi. I dati di un recente studio condotto dal Consiglio Nazionale delle Ricerche (2020) ha rivelato che il 40% degli adolescenti italiani ritiene ancora che debba essere l'uomo a mantenere la famiglia, e un maschio su quattro pensa che l'uomo debba comandare in casa. Questi dati allarmanti dimostrano come stereotipi di genere persistano tra i giovani, evidenziando non solo il riflesso di una mentalità anacronistica, ma anche un ritardo culturale preoccupante, che ostacola una visione più equilibrata e paritaria delle relazioni tra uomini e donne. La situazione si presenta anche nelle dinamiche relazionali degli adulti. Un'indagine condotta da Ipsos per Save The Children nello stesso anno, ha evidenziato come questa realtà stereotipata influenzi le opinioni e i comportamenti degli adolescenti italiani, con una significativa porzione che associa determinati comportamenti e capacità emotive al genere femminile, mentre le competenze logiche e assertive vengono percepite come più equamente distribuite tra i generi. Questa rigidità nei ruoli può portare a difficoltà nelle relazioni interpersonali, rendendo la seduzione un'arte da riscoprire con nuove regole e una sensibilità aggiornata ai tempi moderni. Una visione che contribuisce a una crescente timidezza e mancanza di iniziativa nelle dinamiche sentimentali e sociali. Anche la star internazionale Charlize Theron ha recentemente evidenziato questa problematica con una dichiarazione che ha fatto discutere: "Sono single da dieci anni. Qualcuno dovrebbe farsi avanti! Sono scandalosamente disponibile". Un'affermazione che, più che un caso personale, sembra un sintomo di un cambiamento epocale nelle dinamiche di coppia: se anche un personaggio iconico e di spicco come lei, riconosciuta a livello globale come una delle donne più belle, eleganti e sensuali fatica a trovare uomini disposti a prendere l’iniziativa, è evidente che qualcosa nel modello maschile tradizionale si sia incrinato. È proprio in questo contesto che “Se è tortora all'acqua torna” si inserisce con lucidità e ironia: non un manuale di seduzione nel senso classico, ma un invito a riscoprire l’incontro nella sua accezione più autentica e pura, oltre gli stereotipi, con sensibilità, consapevolezza ed una prospettiva fortemente inclusiva. Luca Fiocca non è solo un teorico della seduzione, ma un vero interprete del suo tempo. Durante la recente Milano Fashion Week, ha collaborato con la stilista Carmela Luciani e il sarto Geza Berez di Dress Meand You nell'iniziativa benefica collegata all’evento “Fashion for Good” – diretto da Alex Belli e condotto da Marianna Miceli di Mad Mood Milano -, presentando uno show e contribuendo alla donazione di 20 parrucche all'ospedale Humanitas. Un gesto che unisce il mondo dell'apparenza a quello dell'essenza, sottolineando il valore della bellezza, nel suo significato più intimo e nobile, anche in contesti di difficoltà e sofferenza. La riflessione di Fiocca ha già conquistato i media italiani. Per sei mesi, Novella 2000 ha dedicato una rubrica settimanale al suo saggio, con articoli che spaziano dai consigli pratici alle analisi psicologiche dell'arte della conquista. Gianni Ippoliti ha dedicato un siparietto su Rai 1 nella sua rassegna stampa di Uno Mattina in Famiglia, consacrando il manuale come un caso editoriale capace di unire cultura pop e ricerca sociologica. L'idea alla base del titolo del saggio è profondamente radicata nella cultura salentina: la tortora che torna all'acqua simboleggia il ritorno di un amore autentico, un legame che supera le difficoltà e ritrova la sua strada. L’antico detto della Terra d’Otranto, “Ci è tòrtura all'acqua li tocca”, descrive proprio questo: una tortora che, per istinto, torna sempre alla sua fonte, così un sentimento sincero valica ostacoli e distanze. Questo concetto si trasforma ora in un vero e proprio brand, con il lancio di una linea di t-shirt che riportano la frase sia in italiano che in inglese, “If It Is Turtledove To Water Back”. Un gioco dal significato importante, tra passato e modernità, che conferma il desiderio di Fiocca di rendere il suo messaggio qualcosa di tangibile e quotidiano. Perché la seduzione non è solo un’arte del linguaggio, ma anche un modo di porsi nel mondo, di esprimere un’identità. Ed è qui che entra in gioco Palascia, il marchio di occhiali interamente made in Salento, nato per raccontare tradizione, artigianalità e carattere. Disegnato da Margherita Plenilunio, che con il marito Valerio Furone guida F & P Occhiali, Palascia rappresenta un’idea di eleganza che affonda le sue radici nella cultura salentina, esattamente come il libro di Fiocca. L'evento di presentazione del 2 aprile sarà solo il primo passo di un percorso di approfondimento su un tema che continua a evolversi con la società. Luca Fiocca non si limita a scrivere: con la sua capacità di osservare e reinterpretare la realtà con eleganza e ironia, sta costruendo un nuovo modo di parlare d’amore e di relazioni, adattandosi perfettamente ai cambiamenti sociali e alla sensibilità del pubblico contemporaneo. La sua figura si delinea come un vero e proprio punto di riferimento per chiunque voglia comprendere e vivere con stile l'arte dell'incontro. «In un mondo in cui l'amore sembra aver perso la leggerezza del gioco e la profondità del sentimento, ritrovare il coraggio di guardarsi negli occhi è il primo passo per riscoprirsi.» Luca Fiocca. ... Continua a leggere

Il fascino intramontabile della dance anni '90 incontra le tendenze sonore di oggi. Adrian e DJ Ramezz, dopo aver conquistato le radio europee con il remix di "Because the Night" - reinterpretato in tre versioni distinte, Radio Edit in stile Eurodance, Extended e una speciale Italo Disco pensata esclusivamente per i club italiani – firmano "High in the Sky" (Milleville Music), riportando al centro della scena il cult di Carl del 1999. Un brano che torna con una linfa rinnovata, ancora più energica e carica di magnetismo. Una traccia che, proprio come promette il titolo, porta in alto, alzando il volume dei ricordi e intrecciandoli a vibes contemporanee. Perché "High in the Sky" e perché proprio ora? Il brano arriva in un momento in cui la nostalgia degli anni '90 domina le classifiche e le tendenze, come vero e proprio fenomeno globale. Secondo un recente report di IFPI - International Federation of the Phonographic Industry (Marzo 2024) -, la riscoperta delle hit dance di quell'epoca è in forte crescita, con un +35% di streaming rispetto all'anno precedente, segno di un’ondata nostalgica che domina classifiche e playlist. Un revival che non si limita alla musica: dalla moda alle serie TV, gli anni '90 stanno vivendo una seconda giovinezza. Adrian e DJ Ramezz si inseriscono in questo trend globale, offrendo però una proposta unica e contemporanea: la loro versione di "High in the Sky" non si accontenta di omaggiare il passato, ma lo reinventa, attraverso arrangiamenti sofisticati e un sound attuale, pensato per conquistare sia i nostalgici che le nuove generazioni. A confermare la forza del progetto, i numeri delle loro recenti produzioni parlano chiaro: oltre 25.000 passaggi radiofonici in 90 paesi e migliaia di visualizzazioni per il remix di "Because the Night", che è diventato rapidamente uno dei brani più trasmessi nel circuito dance europeo. Con "High in the Sky", i due DJ producer puntano a superare questi traguardi, proponendo un immaginario, una dimensione ritmica, che non si limita a seguire le tendenze, ma punta a ridefinirle, fondendo memoria e modernità in un’unica esperienza sonora destinata a trasformare ogni ascolto in movimento. “High in the Sky” parla il linguaggio del presente e il suo ritorno racconta una storia, quella di una generazione che non smette di ballare. Adrian e DJ Ramezz hanno scelto questo brano per la sua capacità di evocare e trasmettere spensieratezza e libertà, valori che, oggi più che mai, tornano ad essere essenziali in un mondo che ha bisogno di leggerezza e positività. «Abbiamo voluto dare nuova vita a un brano iconico, senza stravolgerne l’essenza, ma aggiungendo il nostro tocco per renderlo attuale e connesso al presente - racconta Adrian -. La musica dance ha il potere di unire e far sognare. Con questa versione vogliamo regalare un momento di leggerezza e libertà.» DJ Ramezz aggiunge: «La sfida era quella di creare qualcosa che parlasse a chi ha vissuto gli anni '90 e a chi li sta scoprendo ora. Crediamo che questa nuova versione abbia la forza per farlo.» Il valore del progetto "High in the Sky" va ben al di là della cover, diventando un ponte tra generazioni: porta con sé un messaggio di libertà, di evasione e leggerezza, temi che oggi trovano nuova espressione attraverso la musica. Adrian e DJ Ramezz dimostrano come il passato possa dialogare con il presente, generando qualcosa di nuovo, attuale e in grado di catturare l’attenzione del panorama dance internazionale. Con "High in the Sky", Adrian e DJ Ramezz firmano un ritorno che profuma di passato ma segue il ritmo del presente. Un progetto che conferma come la musica dance possa essere senza tempo, capace di parlare a generazioni diverse con la stessa, inarrestabile, voglia di ballare.... Continua a leggere

Alessandro Rossi, imprenditore edile, DJ e marito della showgirl Francesca Cipriani, torna sotto i riflettori con "Rica Morena", un singolo rivoluzionario che combina sonorità internazionali e tradizione italiana in un remix unico nel suo genere. Il pezzo, rivisitazione del celebre brano afro del 2007 di DJ Stefan Egger, contenuto nell’album “Cosmic Evolution”, porta con sé la volontà di far sorridere e alleggerire il cuore di chi lo ascolta, parlando con semplicità e immediatezza a tutte le generazioni. "Rica Morena" cattura l’attenzione per l’uso inedito della fisarmonica, strumento simbolo della Romagna, terra che ha plasmato Alessandro con la sua ricca cultura musicale e folcloristica, sposandosi perfettamente con le sonorità house commerciali e il testo in lingua spagnola, interpretato da un talentuoso cantante madrelingua. Questo mix straordinario dà vita a un intreccio sonoro che trascina grandi e piccini in un'esperienza di festa e condivisione. Alessandro Rossi spiega: «Ho voluto creare qualcosa che portasse gioia e leggerezza, soprattutto ai giovani, che dopo la pandemia sembrano aver perso l’entusiasmo per le piccole cose. La musica è ancora una scintilla che accende emozioni, e con "Rica Morena" spero di regalare sorrisi e momenti di spensieratezza.» Alessandro, che ha ripreso in mano la sua carriera musicale dopo anni di pausa dedicati alla sua attività imprenditoriale, racconta come questo progetto sia stato il frutto di un lungo percorso di crescita personale e artistica: «È un brano che avevo nel cassetto da oltre dieci anni. L’esperienza maturata mi ha permesso di dargli la forma che sognavo: melodie ballabili, strumenti che parlano all’anima e una produzione curata nei minimi dettagli.» Ma le sorprese non finiscono qui. Francesca Cipriani, in un’intervista rilasciata a Monica Setta nel programma di Rai 2 “Storie di donne al bivio”, ha annunciato che la coppia sta lavorando a un brano insieme, la cui uscita è prevista per la prossima estate. Questo esordio musicale promette di fondere la solarità di Francesca con l’energia creativa di Alessandro, dando vita ad un intreccio di complicità e passione, pronto a diventare il simbolo di una sintonia artistica e personale. Il brano segnerà una nuova tappa nel loro percorso, consolidando la loro presenza nello show-biz italiano e regalando al pubblico una collaborazione che saprà sorprendere e conquistare. Intanto, con "Rica Morena", Rossi tesse un filo conduttore tra passato e presente unendo generazioni e culture, e ci esorta a riscoprire la bellezza dei piccoli momenti e a lasciarci trasportare dalla forza liberatoria della musica. Alessandro, che oltre ad essere un imprenditore è anche docente occasionale per i ragazzi delle scuole superiori, ha dichiarato di essere stato ispirato proprio dalle nuove generazioni: «Spesso vedo ragazzi tristi e demotivati, ma la musica è un linguaggio universale che può restituire loro la spensieratezza. Con questo brano ho voluto creare un momento di allegria e unione.» "Rica Morena", oltre a segnare il ritorno di Alessandro Rossi sulla scena musicale, si diversifica dall’attuale produzione facendosi portavoce di una promessa. Una promessa di leggerezza in un mondo appesantito, un invito a ballare anche quando i passi sembrano pesanti, un’occasione per ricordare che tra le pieghe della quotidianità si nasconde ancora il ritmo della felicità. E se è vero che la musica ha il potere di trasformare un istante in un ricordo indimenticabile, allora Alessandro Rossi, con questo come back, ci ricorda che la vita non aspetta: va vissuta, cantata, ballata.

Quando la tecnologia incontra il cambiamento culturale, nascono iniziative in grado di trasformare la società. È il caso di F.L.Y. - Free Like You, startup FemTech nata nel 2024 con una missione chiara: creare una rete di supporto ibrida tra online e offline per migliorare l’accesso alla cura e al benessere femminile. Con un approccio innovativo e inclusivo, F.L.Y. lancia "Quel giorno del mese", un format di eventi mensili pensato per anticipare il debutto della loro app ufficiale. L'obiettivo? Sradicare lo stigma sulle mestruazioni, creare consapevolezza e offrire strumenti concreti per contrastare la povertà mestruale, un fenomeno che, a livello globale, colpisce circa 500 milioni di persone. Un tema sempre più centrale nel dibattito pubblico, considerando che solo recentemente in Italia si è iniziato a discutere seriamente di tampon tax e accesso gratuito ai prodotti mestruali, seguendo l’esempio di Paesi come la Scozia, prima nazione al mondo a renderli disponibili gratuitamente per tutte. Con “Quel giorno del mese”, F.L.Y. intende portare questo dialogo nella vita quotidiana, offrendo soluzioni pratiche e creando spazi dove la salute mestruale non sia più un tabù, ma parte integrante del discorso sociale. Ogni appuntamento si articolerà in tre momenti distintivi: • Talk ispirazionali con esperti del settore e attivistə, per aprire un dialogo su salute mestruale, benessere psicofisico e sostenibilità. • Networking e DJ set per favorire connessioni reali in un ambiente rilassato. • Live performance di artiste emergenti, per sottolineare l’importanza della rappresentazione femminile nella cultura contemporanea. «Vogliamo normalizzare conversazioni che da troppo tempo sono rimaste marginali - dichiara Eleonora La Monica, Co-Founder e CEO di F.L.Y. -. Quel giorno del mese non è solo un evento, ma un punto di incontro per chi crede che il benessere femminile debba essere al centro del discorso pubblico.» Nell’ambito di questa iniziativa, il prossimo appuntamento sarà sabato 8 marzo, in occasione della Festa delle Donne, con un evento speciale a Roma: "Aperitivo in Rosso", in collaborazione con Il Talento di Roma. Dalle 19:30, presso il Tartarughe Bar & Bottega (Piazza Mattei, 7), si terrà un aperitivo tematico dal forte valore simbolico, pensato per sensibilizzare sul tema della salute femminile, in un’atmosfera di condivisione e consapevolezza. La serata prevede un DJ set di Flaxsa, momenti di networking e riflessioni sui diritti e il benessere delle donne. Il format di eventi che accompagnerà il lancio dell'app F.L.Y. è un ecosistema digitale pensato per fornire supporto concreto alle donne, o, per citare la filosofa femminista Adriana Cavarero, “alle persone con utero”. Tra le sue funzionalità: • Calendario mestruale interattivo con notifiche personalizzate. • Mappa geolocalizzata dei dispenser F.L.Y. per accedere facilmente ai prodotti igienici. • Sistema di FLYCoin, valuta virtuale per ottenere sconti su visite specialistiche e servizi wellness. Un dato significativo sottolinea l'urgenza del progetto: 2 persone su 3 in Italia temono di non avere a disposizione prodotti mestruali al momento del bisogno, mentre il 95% del campione analizzato da Ipsos e WeWorld sostiene la distribuzione gratuita di tali prodotti nei luoghi pubblici. F.L.Y. si inserisce in un contesto internazionale in cui il settore FemTech sta rivoluzionando il modo in cui viene affrontato il benessere femminile. Se in Nuova Zelanda e Francia il dibattito sulla distribuzione gratuita dei prodotti mestruali ha portato a importanti riforme, in Italia il percorso è solo all’inizio. Con l’app F.L.Y., l’obiettivo è rendere disponibili oltre 500 dispenser nelle principali città italiane nei prossimi 18 mesi, a partire da scuole, coworking e spazi pubblici. Una risposta concreta a un’esigenza che non può più essere ignorata. Il FemTech al servizio dell'empowerment: il mercato globale del FemTech è stimato a 50 miliardi di dollari (2023) e si prevede in crescita tra il 12% e il 15% annuo. In questo contesto, F.L.Y. - Free Like You si posiziona come una delle startup italiane più promettenti, combinando tecnologia, educazione e impegno sociale. «Crediamo che benessere significhi accesso, informazione e libertà di scegliere - aggiunge Jacopo Leonardi, Co-Founder e Commercial Strategist di F.L.Y -. Con Quel giorno del mese e la nostra App vogliamo offrire non solo servizi, ma strumenti di emancipazione.» F.L.Y. - Free Like You affronta un tema urgente e attuale, in un Paese dove l’unica ricerca specifica sulla giustizia mestruale è stata condotta solo nel 2024. Un progetto che, attraverso un linguaggio diretto e accessibile, abbatte i tabù e promuove un cambiamento culturale necessario. "Quel giorno del mese" ci invita a ripensare il concetto di benessere, consapevolezza e inclusività. Perché parlare di mestruazioni significa parlare di uguaglianza, salute e diritti. ... Continua a leggere

Dopo aver conquistato oltre 12 milioni di stream con "Via Libetta" ed aver collaborato con artisti internazionali come him$ e Street Active, Naver, ex membro della Shangai Blood, torna sulla scena musicale con "530" (Millenari), un intreccio di street culture e simbolismi che riflette l'essenza della sua generazione. In un’Italia in cui, secondo dati ISTAT, oltre il 20% dei giovani si trova in condizioni di inattività lavorativa o scolastica, intrappolato in una società che offre verdetti e poche possibilità, "530" si propone come la colonna sonora di chi non vuole più aspettare. Naver racconta la corsa di chi cerca riscatto, il confronto con giudizi costanti e la rinascita di chi sceglie di costruire il proprio destino. "530", infatti, non è solo un titolo: è un manifesto generazionale. Un numero, tre capitoli della stessa storia. È un canto di battaglia urbana per chi vive in bilico tra sogni che spingono verso l’alto e realtà che tirano verso il basso. È la lotta per essere assolti da sentenze che non si meritano, la rivalsa di chi sceglie di scrivere il proprio percorso. Un progetto in cui sonorità trap innovative, curate dalla giovane promessa Shard, si intrecciano con testi taglienti e riferimenti che nessuno aveva mai osato unire prima. «”530” è un viaggio, una liberazione e una rinascita. È quel momento in cui capisci che il parere degli altri non può bloccarti. Devi andare, e basta.» - racconta Naver. "530" è un numero che racchiude in sé una molteplicità di significati e riferimenti: La Yamaha TMax 530 – scooter simbolo di libertà e velocità nelle metropoli, che è per Naver l’emblema della urban culture e della costante ricerca di movimento -, l’Articolo 530 del Codice di Procedura Penale – che riguarda la "sentenza di assoluzione", rappresentando per l'artista la rivincita dai giudizi e dalle etichette imposte dalla società – e, il significato numerologico del 530, che, nella simbologia angelica, indica cambiamenti positivi, transizioni necessarie e incoraggiamento a intraprendere nuove strade, un segno di maturazione e crescita, perfettamente in linea con il percorso artistico e di vita di Naver. Tutti questi significati trovano la loro massima espressione nelle barre di "530", nelle quali Naver mette a nudo le contraddizioni e le difficoltà quotidiane di chi vive al margine. Parole crude, ritmi serrati e immagini forti raccontano un microcosmo rapsodico e convulso, in cui fermarsi non è mai un’opzione. «Bevo finché non sto sobrio, fumo fino a che sto alto, corro finché non mi schianto»: "530" è il ritratto sonoro di chi vive sempre con il piede sull’acceleratore, senza tempo per un pit stop, con l’urgenza di trovare un senso tra sogni e realtà. Naver utilizza la velocità e l’adrenalina del TMax 530 come metafora della vita, quella di chi cresce in quartieri in cui ogni frenata può costare cara e l’unica possibilità è tenere il ritmo al massimo, senza voltarsi indietro. La produzione di Shard, avvolgente e pulsante, accompagna liriche dirette che raccontano una Roma notturna e inafferrabile, fatta di strade da percorrere e scelte da compiere. È il fotogramma di chi fugge dalle imposizioni per costruire un futuro, in una nazione che sembra non offrire alternative. Ma ogni corsa ha i suoi ostacoli. E quando le ruote smettono di girare, restano i volti, i giudizi e le condanne non scritte. Perché oltre la strada, quella culla dolceamara in cui il cemento custodisce desideri e delusioni, c’è il tribunale invisibile della società, pronto ad emettere sentenze senza ascoltare le storie di chi sta correndo. E proprio qui, "530" si fa confessione e sfida: nelle sue rime, Naver affronta a viso aperto le etichette e le aspettative preconfezionate da chi guarda senza conoscere: «Chiedo cosa commentate, uno che non conoscete? Non sapete nemmeno cosa combatte». Se il TMax 530 rappresenta la frenesia della vita, l’Articolo 530 del Codice di Procedura Penale introduce un tema ancora più profondo: il giudizio e l’assoluzione. In un tempo in cui il sistema sembra pronto a condannare tutto e tutti, Naver si schiera dalla parte di chi viene etichettato, processato senza appello. Con questa traccia, il rapper capitolino offre una riflessione lucida e attuale su questo aspetto, come lui stesso spiega: «"530 è per chi vive sotto giudizio, sotto accusa. Per strada, sui social, ovunque. Ma non sempre chi è accusato è colpevole. Questo pezzo è per chi cerca la sua assoluzione.» Un messaggio forte, privo di edulcorazioni, in linea con le discussioni contemporanee sulla cancel culture e sul diritto a una seconda possibilità, che rende "530" altamente rilevante e necessario. Naver si propone così come la voce di chi lotta per essere ascoltato in un mondo che preferisce voltarsi dall’altra parte e puntare il dito senza conoscere. Con "530", racconta la quotidianità di chi è sospeso tra il desiderio di affermarsi e la battaglia per essere assolto da colpe che non gli appartengono. Un brano che non chiede permesso, ma pretende attenzione. Perché, a volte, essere assolti significa semplicemente essere compresi. Per Naver, questo brano, segna anche e soprattutto un momento cruciale di rinascita. Dopo la rincorsa frenetica e lo scontro con accuse costanti, arriva il momento di scegliere la propria strada: secondo la simbologia angelica, il 530 è un numero che invita al cambiamento, alla transizione e alla crescita personale. È un incoraggiamento a lasciare il passato alle spalle per intraprendere nuove vie. Un concetto che si lega perfettamente al percorso artistico e di vita del rapper: «Per me, 530 è un segnale – conclude -. È quel momento in cui smetti di correre per scappare e inizi a correre per costruire. È la strada che ho scelto.» Con "530", NAVER supera il racconto della semplice sopravvivenza urbana e apre una nuova fase artistica, più matura e consapevole. La corsa diventa scelta, la fuga si trasforma in un viaggio verso qualcosa di edificante e desiderato. È qui che Naver si differenzia davvero: non è solo la voce della strada, ma di chi, dopo averla percorsa, sceglie di costruire qualcosa di duraturo. "530" diventa così l’inno di una generazione che non vuole più aspettare, che è pronta a prendersi ciò che le spetta. Senza scuse. Senza freni. Senza timori.... Continua a leggere

A soli 14 anni, Melissa, all’anagrafe Melissa Agliottone, è già una delle voci più promettenti della scena musicale italiana. Dopo aver conquistato pubblico e critica vincendo la prima edizione di The Voice Kids su Rai 1, l'artista marchigiana ha avuto l'onore di esibirsi davanti a Papa Francesco allo Stadio Olimpico di Roma, di aprire concerti per icone come Loredana Bertè, Rettore e Rosa Chemical e di essere scelta come rappresentante italiana allo Junior Eurovision Song Contest. Ora, con il nuovo singolo "Mon Cher" (Keyrecords), prosegue il suo percorso artistico con una canzone che fotografa le relazioni basate sull’apparenza e il bisogno di autenticità in un mondo che spesso si ferma alla superficie. In un'epoca in cui le interazioni spesso si consumano tra notifiche e schermi, “Mon Cher” è un ritratto lucido della superficialità nei rapporti di oggi che racconta il vuoto, la sensazione di smarrimento, di chi cerca conferme negli altri senza mai trovare un reale sostegno, di chi colleziona attenzioni senza saper dare valore ai sentimenti. Avvolto dal magnetismo di un sound che alterna toni intimi e aperture più incisive, il brano immortala l’antitesi tra il desiderio di connessione e la leggerezza delle relazioni usa e getta. «Nemmeno uno sguardo, cosa vuoi da me? Se poi fai tutto questo con una, due o tre», canta Melissa in un ritornello che incalza e resta impresso, suggellato tra mente e cuore, mettendo a nudo il disagio di chi si trova a fronteggiare un amore fugace e inconsistente. Una riflessione generazionale su chi confonde il valore personale con il numero di elogi ricevuti, che la stessa giovanissima cantautrice spiega con queste parole: «Oggi sembra quasi che conti più essere notati che essere capiti. Con questa canzone ho voluto raccontare il punto di vista di chi non si accontenta di un legame superficiale, ma cerca qualcosa di vero, anche quando significa dover rinunciare a qualcuno.» “Mon Cher” parla alla Gen Z con un linguaggio diretto, contemporaneo, immediato. Il brano intreccia riferimenti internazionali e immagini di facile richiamo, come nell’ironia del verso «Hai la fila ma sembra diretta a Nizza, occhi azzurri, bionde e basse, ‘Je veux du ketchup sur ma pizza’», che sottolinea il contrasto tra l'apparenza e la sostanza dei rapporti moderni. Il titolo stesso, in francese, gioca con questa ambivalenza, accostando eleganza, significato e leggerezza. Un messaggio chiaro: dietro il fascino effimero si nasconde spesso il vuoto. Quello di Melissa è un percorso in continua crescita, che l’ha vista spaziare tra sonorità ed emozioni diverse. Dall’energia di “Africa” alla riflessione suggestiva di “Un Mondo Giusto” (feat. Ranya), fino all’allure malinconica di “Viole”, ogni brano ha rappresentato una tappa importante del suo viaggio artistico. Con “Mon Cher”, Melissa aggiunge un nuovo tassello alla sua identità musicale, dimostrando una consapevolezza sempre più solida, una padronanza vocale e scenica da vera professionista e una capacità interpretativa che va ben oltre la sua età. Dotata di un’abilità straordinaria per tecnica ed espressività, Melissa è una voce che emoziona e un talento che convince. Il cammino che l'ha portata alla musica è iniziato quasi per caso, come strumento per affrontare attacchi di panico, trasformandosi in una passione che l'ha rapidamente condotta sotto i riflettori. «Nonostante la mia età – conclude -, sento la musica come il modo più naturale per raccontare quello che provo e quello che vedo intorno a me. Con “Mon Cher” ho voluto dare voce a chi non si riconosce in un'idea di amore veloce e senza significato.» Con “Mon Cher”, Melissa dimostra di essere non solo una giovane artista con un potenziale straordinario, ma una cantautrice in grado di interpretare le emozioni della sua generazione con sincerità e forza comunicativa.... Continua a leggere

Cosa spinge una giovane artista a lasciare la strada sicura per inseguire ciò che teme? Michela Baselice lo sa. Dopo aver conquistato l’attenzione del pubblico e degli addetti ai lavori duettando con Giorgia a Stasera c’è Cattelan su Rai 2, la talentuosa cantautrice campana torna con “Comfort Zone” (Daylite/The Orchard), singolo con cui racconta una scelta precisa: mettersi in discussione, quando sarebbe più facile restare immobili. Non è un caso che proprio lei, che ha calcato palchi prestigiosi come la Biennale di Venezia e Villa Ormond durante il Festival di Sanremo, abbia deciso di dar voce al momento in cui si deve smettere di giocare sul sicuro. “Comfort Zone” è la fotografia di quell’istante: il punto di rottura tra ciò che ci fa sentire protetti e ciò che ci permette di evolvere. «Cantare con Giorgia è stato un punto di svolta: un momento in cui ho capito che la paura del cambiamento è una trappola – spiega Michela -. “Comfort Zone” nasce da quella consapevolezza: il vero rischio è restare dove tutto sembra facile.» Ed è proprio da questa riflessione che prende forma un brano capace di raccontare un’intera generazione, sospesa tra il desiderio di esporsi e la paura di fallire. «Tu rimani nella comfort zone, dentro un video ma non è TikTok. Ti fai pare tipo no no stop, è un film che so»: in poche righe, Michela descrive perfettamente la realtà di molti giovani di oggi, intrappolati in un loop digitale, dove scrollare uno schermo sembra sufficiente per sentirsi vivi, ma non lo è. “Comfort Zone” parla di chi si rifugia dietro a un display, dove la ricerca di approvazione online diventa spesso una scusa per non affrontare il mondo reale. Michela lo racconta con un linguaggio diretto, figlio del tempo che viviamo, capace di parlare la stessa lingua di chi ascolta, senza sovrastrutture. A rendere ancora più incisivo il messaggio, è un sound pop-dance elettronico dal ritmo coinvolgente, che richiama le atmosfere da club, con il battito della musica che accompagna i pensieri di chi balla per dimenticare e lasciarsi andare, ma finisce per riflettere. Un mix sonoro che rende un tema intimo un vero e proprio grido generazionale. In un momento storico in cui l’immobilità sembra più rassicurante del cambiamento, “Comfort Zone” diventa il suono di chi sceglie di rischiare, di chi è pronto a uscire dal proprio porto sicuro e affrontare ciò che conta davvero. Ma questa traccia non offre risposte semplici. È un invito a rallentare, a guardarci dentro e trovare il coraggio di varcare quella linea invisibile che separa ciò che ci fa sentire al sicuro da ciò che può realmente farci crescere. Un’esortazione a rompere i confini autoimposti per spingerci oltre ciò che rassicura. Perché, alla fine, la domanda rimane una sola: Quanto siamo davvero disposti a rischiare per tutto ciò che desideriamo? Perché, in fondo, come ci ricorda questa traccia, le cose che contano si trovano sempre un passo oltre la linea di ciò che conosciamo. Abbandonare la superficie per affrontare la profondità delle proprie ambizioni: questo è il messaggio centrale, sottile ma potente, di un pezzo che parte dal dubbio, attraversa la paura e si apre alla possibilità. Utilizzando una relazione complicata come metafora di conflitto - «Prendo coscienza, posso stare anche senza. Questo amore è troppo rock & roll» -, Michela evidenzia l’importanza di scegliere sé stessi, anche a costo di lasciare andare ciò che rassicura ma non arricchisce. Una narrazione quanto mai attuale, se si considera che, secondo un’indagine dell’ISTAT del 2023, il 32,3% dei ragazzi tra gli 11 e i 19 anni dichiara di avere paura del futuro, un sentimento ancora più marcato tra le ragazze (42,1%) rispetto ai ragazzi (23,1%). "Comfort Zone" diventa così un incoraggiamento ad abbandonare ciò che trattiene, per abbracciare l’incertezza del nuovo. Perché a volte, per trovare davvero sé stessi, bisogna avere il coraggio di scegliere l’incognita al posto della sicurezza. Per Michela, rinunciare al rischio è la scelta più pericolosa, come lei stessa dichiara: «Non c’è niente di più difficile che ammettere a sé stessi di essere rimasti fermi per paura. Questa canzone nasce dal momento in cui mi sono accorta che la mia comfort zone non era altro che una prigione dorata. Uscirne è stato doloroso, ma anche necessario. Voglio che chi ascolta capisca che il coraggio non è non avere paura, ma attraversarla.» Con “Comfort Zone” l’artista si posiziona al centro di un discorso più ampio: il bisogno di saper rischiare in un’epoca in cui la paura dell’incertezza domina le scelte di vita. Viviamo in tempi dove l’insicurezza economica, sociale ed emotiva spinge i giovani a cercare rifugi sicuri, anche a costo di spegnere le proprie ambizioni. In questo contesto, “Comfort Zone” è un appello a reagire. La giovane artista campana propone una nuova narrazione nella musica italiana. Michela non ama i percorsi scontati: vincitrice del MYllennium Award 2024 con “Abbassa la Cresta”, ospite in eventi di rilievo come l’Ischia Global Festival e semifinalista a Una Voce per San Marino, si è già fatta notare per la sua abilità tecnica e per saper portare sul palco racconti veri, legati ad un vissuto personale condivisibile da molti giovani. E se il duetto in TV con Giorgia è stato per molti l’inizio di una grande avventura, “Comfort Zone” è la dimostrazione che la cantautrice non ha intenzione di fermarsi. «Quello che ho imparato – conclude - è che non c’è mai un momento giusto per rischiare. Il momento giusto te lo crei tu, quando smetti di pensare a cosa potresti perdere e inizi a concentrarti su tutto quello che potresti trovare.» Con questo brano, Michela Baselice conferma che è qui per restare - fuori dalla comfort zone -, inserendosi tra le voci femminili più interessanti della nuova scena musicale italiana. Non per dichiarazioni roboanti, ma per la capacità di raccontare verità che riguardano tutti. “Comfort Zone” non promette certezze, ma ci ricorda quanto valga la pena provarci. Perché, come dice Michela, «la vera comfort zone è imparare a non averne bisogno». Il cambiamento spaventa, ma la staticità è molto più rischiosa.

Cosa accade quando una città diventa il teatro di una rivoluzione personale? Con “Budapest”, Kiara ci porta sulle rive del Danubio, dove il passato lascia spazio alla rinascita e l’amore trova il coraggio di guardare avanti. Prodotto da Alessandro Di Somma e masterizzato da Stefano Crispino, il nuovo singolo della cantautrice napoletana d’adozione monzese fonde melodia e introspezione in una narrazione che parla di conferme, di scelte e del potere trasformativo dell’autenticità. Dopo aver conquistato con “Portami a ballare”, Kiara torna per convertire i ricordi in slancio verso il futuro. “Budapest”, fuori per PaKo Music Records con distribuzione Believe Italia, è la fotografia di un momento, la testimonianza di come i luoghi e le esperienze possano cambiare la nostra prospettiva. La voce di Kiara si intreccia a una produzione raffinata per raccontare la lotta contro le proprie ombre. «È durante un viaggio a Budapest che ho realizzato quanto fosse importante lasciar andare le zavorre del passato - spiega l’artista -. La città, con la sua bellezza e il suo respiro antico, mi ha permesso di fermarmi e guardarmi dentro, trovando la forza di accettare la mia storia e di costruire qualcosa di nuovo.» Budapest, crocevia di etnie e culture, con la sua capacità di reinventare un passato travagliato in una moderna capitale pulsante di vita, rappresenta per Kiara il luogo ideale in cui affrontare i propri fantasmi e trovare la spinta per ripartire. Tra le rive del Danubio e i suoi ponti iconici, il pezzo ci parla di un viaggio che si snoda tra ricordi, scelte e nuove possibilità, intrecciando l’anima della città a quella di chi trova dentro sé il coraggio di cambiare. In un momento storico in cui il cambiamento e la ricerca di nuove prospettive sono sempre più rilevanti, “Budapest” si presenta come un messaggio di speranza e autodeterminazione: lasciare andare ciò che ci appesantisce per costruire il proprio futuro. La bellezza malinconica della metropoli ungherese, fa da cornice non solo al vissuto personale di Kiara, ma a un’esperienza condivisa, un invito a tramutare il dolore in coraggio e i luoghi in ricordi indelebili. Nel testo, immagini e sensazioni si alternano in un mosaico di emozioni: «Barcollando per capire qual è la mia verità, giusto il tempo di soffrire, sono rotta a metà»; un verso che svela il peso di ferite ancora aperte, di una voce interiore che cerca la sua via d’uscita. Ma è nel passaggio «Pensavo che strano non provare a viverci, noi sul fiume qui a Budapest» che tutto si cristallizza: arriva il punto di svolta, l’istante in cui la consapevolezza diventa scelta, permettendo che i ricordi diventino un nuovo inizio. I suoni elettronici si mescolano a melodie calde, creando un’atmosfera che ricorda la città stessa: un equilibrio perfetto tra modernità e nostalgia. Questa dualità rispecchia l’anima della canzone, che si muove tra passato e presente, tra il lasciarsi andare e il decidere di restare. «"Budapest" è il mio sigillo, la mia conferma che, nonostante tutto, possiamo rinascere - conclude Kiara -. È una dedica a chi si sente bloccato dai ricordi, ma anche un invito a chi ha il coraggio di lasciarsi alle spalle ciò che non serve più. Non è mai troppo tardi per scegliere la propria strada.» Con “Budapest”, Kiara non si limita a cantare un’esperienza personale, ma ci chiama a vivere, spingendoci a riflettere su quanto sia importante non lasciare che il passato impedisca di godere del presente.... Continua a leggere

Esiste davvero il caso? O siamo tutti legati da fili invisibili tracciati molto prima che ci incontrassimo? Domande antiche, ma sempre attuali, a cui il cantautore romano Gemma cerca di dare una risposta con “Le linee delle mani” (Daylite/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo disponibile in tutti i digital store. Un brano che affascina e incuriosisce, perché parla di ciò che tutti, almeno una volta, ci siamo chiesti: quanto di ciò che viviamo è frutto del destino? E se le persone che incontriamo non fossero altro che tappe obbligate di un percorso già scritto, inciso sulla pelle, come tracce segrete da decifrare? Le linee della mano, secondo la tradizione, raccontano il nostro cammino: chi siamo e dove stiamo andando. In molte culture, da secoli, la chiromanzia cerca di leggerle e interpretarle: la linea della vita, quella del cuore, della testa. Linee che sembrano disegnate da un autore invisibile, diverse e irripetibili per ciascuno di noi, come se ogni mano custodisse una storia unica. In base ad alcune credenze, cambiano con il tempo, seguendo le scelte che facciamo e gli incontri che ci segnano, come se la vita riscrivesse continuamente il nostro percorso. Secondo uno studio pubblicato sulla Harvard Gazette, la tendenza umana a cercare spiegazioni “predestinate” per eventi significativi nasce dal bisogno di attribuire un senso all’esistenza. Gemma parte proprio da questa riflessione per raccontare una storia che riguarda tutti: quella degli incontri che sembrano inevitabili, e lo fa attraverso una narrazione fatta di immagini vivide e riconoscibili, dando voce a quegli intrecci personali capaci di cambiare il corso delle nostre vite. «Tu ci pensi mai, se fossi nata dall’altra parte della Terra, tra distanze siderali, ci incontreremmo figli di congiunzioni astrali?»: un interrogativo che suona familiare a chi ha provato a spiegare un legame che appare scritto da sempre. Gemma trasforma queste suggestioni in musica, con un sound avvolgente che accompagna l’ascoltatore in un percorso sonoro tra casualità apparente e trame invisibili tessute dal destino. In un mondo frammentato, in cui viviamo iperconnessi ma spesso distanti, “Le linee delle mani” ci riporta a un concetto semplice e rivoluzionario: le connessioni spontanee (quelle che sentiamo inevitabili) non hanno bisogno di algoritmi. In un recente report del Pew Research Center, emerge come oltre il 60% delle persone creda che gli incontri più significativi della loro vita siano frutto del destino o di una "forza superiore". Forse non sapremo mai se tutto è scritto, ma in una contemporaneità dove tutto sembra calcolato e programmato, “Le linee delle mani” ci ricorda che alcune connessioni sfuggono a qualsiasi schema. «Mi ha sempre affascinato l’idea che determinate persone entrino nella nostra vita per caso, ma poi restino come se fossero sempre state lì – spiega Gemma -. Forse tutto è scritto sulle nostre mani, o forse siamo noi a decidere come leggere quelle linee. La verità? Non lo so, ma credo nella forza di quegli incontri che ti cambiano senza spiegazioni.» Parole semplici, ma ricche di significato. Un invito a osservare le nostre storie personali con uno sguardo nuovo, a chiederci se davvero ciò che accade lo fa per caso o se ci muoviamo, inconsapevolmente, lungo traiettorie già disegnate. Tra poesia e realtà, “Le linee delle mani” è anche una riflessione sui paradossi della vita: «Nello stesso cielo, alla stessa ora, c’è chi nasce e chi muore, mentre noi due, destini che si cercano.» In una sola frase, Gemma mette a fuoco una verità spesso taciuta: mentre il mondo continua il suo ciclo di opposti – vita e morte, amore e odio – ci sono storie che, contro ogni probabilità, si intrecciano. Ed è proprio in questi incontri, apparentemente casuali, che troviamo significato. Gemma, con un percorso musicale tra premi e palchi importanti, prosegue il suo cammino dopo i successi raccolti con “Ogni momento che passa” e "12 tocchi", che ha emozionato per il suo inno alla gratitudine e alla vita. Con “Le linee delle mani”, l’artista romano – già vincitore del concorso europeo Yes We Sing e finalista nel contest Zocca – Paese della Musica promosso da Vasco Rossi – conferma il suo talento nel dare voce a quei pensieri che tutti, prima o poi, ci troviamo ad avere: quanto dipende da noi e quanto, invece, è già deciso?... Continua a leggere

La precarietà economica, le incertezze sul futuro lavorativo, il desiderio di riscatto e il prezzo che si paga per ottenerlo: questi sono i temi che attraversano "Dinero", il singolo d'esordio di LOWBLOW, un brano che ridefinisce il concetto di "successo" nella società odierna, facendo luce su un mondo che idolatra il denaro ma spesso ignora i valori che dovrebbero davvero contare. Con una scrittura che non si risparmia, LOWBLOW si afferma come una delle penne più interessanti della nuova scena italiana, offrendo al pubblico un punto di vista fresco e disilluso, in grado di cogliere e tradurre in barre una tra le più gravi fonti di malessere generazionale. "Dinero" è uno spaccato attualissimo, un ritratto spietatamente disarmante su una realtà fatta di sacrifici, ostacoli e compromessi, in cui il conflitto tra la ricerca di ricchezza materiale e la consapevolezza che, alla fine, ciò che conta davvero non può essere comprato, diventa sempre più marcato. Questo scenario di incertezze e insoddisfazione si rafforza ulteriormente con un dato allarmante: attualmente, il tasso di disoccupazione giovanile in Italia è sopra il 30%, una cifra che rappresenta una crescente difficoltà per i giovani, impegnati nella lotta quotidiana per trovare un posto, il loro posto, nel mondo del lavoro. "Dinero" diventa così un'analisi necessaria, che si fa ancora più concreta alla luce di questi numeri. Inoltre, secondo le ultime ricerche, la percentuale di giovani che vivono sotto la soglia di povertà è in continuo aumento, una condizione che colpisce una vasta fetta della popolazione. LOWBLOW si fa ambasciatore di queste voci, sottolineando l'illusione di una vita che può essere comprata, e spingendo a una rivalutazione dei veri valori, lontano dalla superficialità consumista. In un contesto dominato dalla cultura del "mostrare", che esalta il denaro come misura di realizzazione, ma che, al contempo, svuota l'animo di chi, pur avendo tutto, si ritrova a fare i conti con un vuoto interiore che sembra impossibile da colmare, "Dinero" ci invita a prestare attenzione all'impatto di questo dualismo nelle scelte quotidiane, rivelando il prezzo, psicologico, emotivo e fisico, di questa corsa, come lo stesso LOWBLOW spiega: «Attraverso "Dinero", voglio stimolare un dialogo sui simboli di realizzazione che la nostra cultura promuove incessantemente. Questo brano è un invito a guardare oltre l'aspetto materiale, riscoprendo gli aspetti della vita che arricchiscono veramente l'anima.» Con questa dichiarazione, l'artista sottolinea il suo impegno nel promuovere un messaggio di consapevolezza e cambiamento, e con uno sguardo impietoso sulla condizione di tanti giovani che si ritrovano a inseguire il sogno della ricchezza senza mai trovarne il vero significato, si fa portavoce di chi è stanco di vivere una vita in cui non si rispecchia. Ma la lezione più importante del pezzo è che, nonostante tutto, la conquista materiale non basta. «Che ci faccio se ho solo il dinero, non basterà mai» è il ritornello che accompagna l'ascoltatore in questa riflessione sulla futilità di un benessere che non ha fondamenta morali o emotive. Il concept grafico del singolo, con immagini coerenti e fortemente legate al messaggio del brano, completa il discorso, esaltando visivamente il contrasto tra il benessere apparente e il vuoto che ne deriva. «La mia musica nasce dalla vita che ho vissuto – conclude l'artista -. "Dinero" vuole far riflettere su quanto il denaro possa influenzare le nostre scelte, ma anche su quanto sia effimero, se non abbiamo una base solida di valori. Non voglio dire che i soldi non servono, ma che non sono tutto. Ciò che conta è come affrontiamo le difficoltà e quanto riusciamo a restare fedeli a noi stessi.» Con "Dinero", LOWBLOW non solo si rivolge ai suoi coetanei, ma lancia una sfida al settore musicale stesso e ai media, a promuovere e dare spazio a voci che trattano temi urgenti, piuttosto che limitarsi al puro intrattenimento.

La solitudine è uno dei grandi tempi del nostro tempo, e con “Missing You”, Takao Wazowsky restituisce con precisione l’entità di un’assenza, rendendola tangibile e vicina a chi ascolta. Miscelando differenti texture sonore, la traccia si fa portavoce di una situazione sempre più preoccupante: uno studio recente della London School of Economics, ha infatti rilevato che oltre il 45% dei giovani tra i 18 e i 30 anni si sente più solo rispetto a prima della pandemia. Un fenomeno confermato anche in Italia, dove l’ISTAT ha riscontrato che oltre il 40% dei giovani si sente isolato nella propria quotidianità. Ed è proprio qui, in questo contesto, che “Missing You” trova un significato ancora più rilevante, non solo come progetto musicale ma come spunto per una riflessione collettiva su un tema generazionale. Takao Wazowsky, al secolo Marco D’Atanasio, dopo il successo del precedente singolo “T.M.W.”, continua il suo percorso di evoluzione, spingendo i confini del genere elettronico verso un’inedita dimensione intimista. “Missing You”, unendo la delicatezza del pop alle vibrazioni energiche della musica elettronica, è un pezzo saturo e profondamente legato al concetto di assenza, nato dalla necessità di Takao di sondare un territorio nuovo, mantenendo però sempre salde le sue radici. In un’alchimia perfetta tra ritmi sincopati e linee vocali emozionali, tipiche del pop cantautorale italiano, il brano consente all’assenza di mutare in un elemento palpabile, diventando protagonista indiscussa di un paesaggio sonoro carico di suggestioni. «Woke up alone today, Your side of bed so cold. Heart feels heavy in my chest, life feels grey and old.» («Oggi mi sono svegliato da solo, il tuo lato del letto è così freddo. Sento il cuore pesante nel petto, la vita sembra grigia e spenta.»): sin dal verso di apertura, il dolore, la ferita della mancanza, diventano una forma d’arte che non si limita ad essere ascoltata, ma vissuta per essere interiorizzata, compresa, accettata e superata. Dalle origini rock e metal al passaggio all’elettronica, l’abilità creativa di Takao si evince in questo progetto poliedrico, capace di andare oltre la dicotomia tra musica mainstream e underground. «”Missing You” rappresenta un lato di me vulnerabile, meno protetto - spiega l’artista -. Ho voluto mescolare la forza espressiva del pop con ritmi elettronici, cercando di rendere in suono le sensazioni che nascono da una perdita significativa.» Cresciuto tra le colline umbre, Marco D’Atanasio inizia il suo percorso musicale da adolescente, fondando la band “Burn It Down”. Dopo aver militato nella scena rock e metal, si avvicina alla produzione musicale e, dal 2023, abbraccia il mondo dell’elettronica, ispirato da artisti come Fred Again e Bunt. Questo bagaglio multiforme si riflette in “Missing You”, che riesce ad essere al contempo una ballad malinconica e una traccia da dj set. «La musica elettronica – aggiunge - mi ha dato la libertà di esprimermi in modo nuovo. Con ‘Missing You’ ho voluto creare qualcosa che potesse essere vissuto sia in un periodo di introspezione, sia su una pista da ballo in un club.» La copertina di “Missing You” sintetizza ed enfatizza il messaggio del pezzo più di mille parole: un abbraccio sospeso, intriso di malinconia, con lo sfondo rosso acceso che amplifica la tensione del momento. L’illustrazione rappresenta perfettamente quel vuoto che un’assenza lascia, trasformandolo in un simbolo visivo. Un’immagine che non solo accompagna la musica, ma la amplifica, rendendola chiara e perfettamente comprensibile già al primo sguardo. Nel contesto musicale attuale, dove la contaminazione tra generi è la chiave per raggiungere nuovi orizzonti espressivi, “Missing You” si colloca come un esempio di come il suono possa abbattere le barriere e avvicinare ascoltatori di background diversi. In un’epoca in cui il pop e l’elettronica si incontrano sempre più spesso, Takao Wazowsky non si limita a seguire la tendenza, ma ridefinisce il modo in cui l’elettronica può raccontare storie, stati d’animo ed emozioni. In questo brano, l’assenza non è solo un tema, ma una dimensione che l’ascoltatore è invitato a scoprire, trovando in ogni angolo buio un frammento di qualcosa che ha vissuto o che sta ancora elaborando. Questa riflessione, ci porta a domandarci: quanto di noi stessi resta nelle mancanze che ci segnano? Tra introspezione e sperimentazione, “Missing You” è un viaggio che comincia con il dolore, ma termina con una pista da ballo illuminata, perché la musica non cancella l’assenza, ma ci insegna a ballarci sopra.... Continua a leggere

Tarci, cantautore siciliano d’adozione toscana, torna con “La Terra è piatta” (Greys Production), il suo nuovo singolo che, con intelligenza e ironia, fotografa una società in bilico tra verità e menzogna, tra scienza e fake news. Il titolo stesso – una provocazione che richiama uno dei più celebri complotti moderni –, è solo l’inizio di un racconto musicale che integra una base allegra e orecchiabile a un testo denso di riferimenti all’attualità. Tarci evidenzia la tendenza diffusa a credere in qualunque nuova teoria o “verità”, spesso senza sviluppare un pensiero critico a riguardo. “La Terra è piatta” è il racconto di una contemporaneità disarmante, sempre più retta sul filo distopico del vano e dell’assurdo, un brano che prende forma da un periodo di riflessione post-pandemico, in cui la disinformazione ha trovato terreno fertile, mutando la percezione della realtà. Nel testo, scritto dallo stesso Tarci, l’artista denuncia con ironia il caos informativo che ci circonda: «La terra è piatta, la terra è tonda, ogni teoria è perfetta su tutto ciò che mi circonda e la mia testa confusa sprofonda». Con una scrittura chiara e pungente, la penna di Tarci affonda nel decadimento dell’istruzione - «I professori non sono più gli stessi, prima facevano didattica frontale» - e nell’abuso della tecnologia che spesso confonde più che chiarire. «Non è un attacco o una lezione di moralità - spiega Tarci -, ma un invito a riflettere su quanto siamo pronti a credere a qualunque cosa senza fermarci a pensare. Viviamo in un’epoca in cui avere la “verità in tasca” sembra più importante che ricercarla e comprenderla davvero.» “La Terra è piatta”, con la sua arguta spontaneità, riesce a parlare a tutti, senza presunzione. Grazie a una musicalità leggera e a un testo ricco di spunti, il brano invita gli ascoltatori a prendersi del tempo per osservare criticamente ciò che accade dentro e intorno a noi, sottolineando l’importanza del pensiero indipendente in un periodo storico caratterizzato da polarizzazioni e schieramenti superficiali. «Credo che l’ironia sia uno strumento potentissimo per affrontare argomenti complessi - aggiunge Tarci -. Con questo brano voglio offrire un momento di leggerezza, ma anche un’occasione per fermarsi e analizzare.» “La Terra è piatta” è il risultato della collaborazione con il produttore Massimiliano Cenatiempo, già al fianco di Tarci nel precedente singolo, “Tu”. L’arrangiamento, curato nei minimi dettagli, restituisce un equilibrio perfetto tra il tono ironico del testo e la rilevanza del messaggio. Per Tarci, fare musica non significa solamente intrattenere, ma sollecitare il pubblico ad interrogarsi, a porsi quesiti sulle dinamiche che plasmano il nostro modo di pensare e agire. In un mondo in cui le informazioni si accumulano senza ordine, questa release diventa un vero e proprio richiamo alla consapevolezza e al pensiero critico. «Abbiamo bisogno di ritrovare il gusto di farci domande, di non dare nulla per scontato. Se questa canzone riuscirà a far sorridere e pensare anche solo una persona, avrò raggiunto il mio obiettivo.» - Tarci.... Continua a leggere

Jimmy, il cantautore pavese che ha conquistato il pubblico con l'album "Schegge di 66", torna con "Ricomincio Così", il suo nuovo singolo che combina mito e introspezione per celebrare il coraggio di ricominciare. Una danza di rinascita e affermazione, ispirata al simbolo universale della spirale, emblema di evoluzione e trasformazione: come il pavone perde le sue piume in autunno per rinascere in primavera, il brano, prodotto da Simone “Gone” Bacco, ci ricorda il potere rigenerante della musica, guidandoci in un cammino libero da malinconie e rimpianti. Con una penna abile nel rendere accessibili anche le sfumature più articolate della vita, Jimmy si lascia alle spalle relazioni tossiche, aspirazioni incompiute e sogni rimasti irrealizzati. Partendo da un chiaro riferimento al mito di Menelao, “Ricomincio Così” riflette sulla vanità di rincorrere ciò che non può essere recuperato, scegliendo invece di voltare pagina e abbracciare una nuova strada: «Il passato deve rimanere nel passato – spiega Jimmy – e non vale la pena cercare di recuperare ciò che non può tornare, proprio come Menelao che inseguì invano Elena. Ho scelto di chiudere quel capitolo della mia vita con gratitudine, consapevole di aver dato tutto, anche a chi si è rivelata solo "pazzia" o, come canto nel brano, una "Stronza a Buffet”. Questo nuovo inizio è come un valzer senza sosta, una dedica a me stesso e a ciò che davvero mi appaga, come la musica. Le "scarpe vecchie che non butto," citate in un mio precedente singolo, “Neve Alle Maldive”, ora le metto da parte: non per dimenticare, ma per fare spazio a ciò che conta davvero.» Il vissuto personale dell’artista, diventa così un messaggio che parla a chi, lungo il proprio cammino, ha raccolto i frammenti di sé per riedificarsi e rimettersi in marcia. «E ora vado via, pieno di euforia. Parte da qui la via per questa danza», canta, tracciando con spontaneità una nuova traiettoria. Ogni verso sprigiona leggerezza consapevole, trasformando il gesto intimo di ripartire in un movimento collettivo, un invito a riprendere in mano la propria vita. In un tempo che sembra mettere alla prova ogni certezza, "Ricomincio Così" si fa strada come un canto di rinascita che ci chiede di guardare oltre per ricostruirci. Jimmy, con le sue parole, suggerisce che a volte, il primo passo verso il futuro, nasce dal coraggio di lasciarsi tutto alle spalle. «Scrivere questa canzone è stato come disegnare una linea netta – spiega il cantautore vogherese -. Era arrivato il momento di abbandonare ciò che non mi apparteneva più e di ricominciare. Non dimentico il passato, ma oggi scelgo di guardare avanti, libero e senza rimorsi.» Con “Schegge di 66”, Jimmy aveva saputo raccontare l’amore nelle sue molteplici forme, dal romanticismo all’amicizia, dall’affetto per gli animali all’amor proprio. Ora, con “Ricomincio Così”, segna una svolta in cui il fulcro non sono gli altri, ma il sé: il sapersi mettersi al centro e, da lì, ricominciare a camminare. Gli scatti fotografici di Nicole Scilipoti e Giulia Tuamaini completano l’universo narrativo del brano, restituendo visivamente il percorso di cambiamento che lo permea. I colori e le inquadrature trasmettono la stessa energia catartica del pezzo, offrendo un’immersione completa nel processo di trasformazione. James William Mazza, in arte Jimmy, è riconosciuto come una delle penne più incisive della sua generazione. Con "Ricomincio Così", riesce a parlare a chi si è trovato a ricostruire, a ricostruirsi, facendo delle difficoltà un terreno fertile per nuove possibilità. «La vita è un susseguirsi di cicli e tappe - conclude Jimmy -. E io sono pronto a scoprire ogni sfumatura di questa nuova fase.»... Continua a leggere

Un bicchiere di vino rosso, una melodia nata su una tastiera giocattolo, e una delle voci femminili più emozionanti della nuova scena cantautorale italiana: Khamilla, all’anagrafe Camilla Tetti, torna con “Barbera”, il suo nuovo singolo che si snoda tra radici blues, accenti jazz e incursioni pop, raccontando il bisogno di ritrovarsi in un mondo che chiede sempre di essere qualcun altro. Conosciuta per la sua capacità di toccare il cuore del pubblico e della critica – come dimostrato dalla precedente release “Rocky senza braccia”, vincitrice di numerosi premi in contest nazionali –, l’artista torinese si reinventa mantenendo intatta la sua anima black, e lo fa con un brano che si inserisce perfettamente nel contesto storico attuale, in cui l’importanza di riconoscere e accogliere le proprie fragilità è sempre più centrale, soprattutto tra le giovani generazioni. Nella cultura della performance e dell’apparenza, “Barbera” diventa così un antidoto, un invito a rallentare e a sedersi con le proprie ombre, guardandole dritte negli occhi e affrontandole, per trasformarle in occasioni di crescita. Il richiamo al vino rosso, simbolo di convivialità e introspezione, si intreccia con il bisogno collettivo di ritrovare una connessione sincera con sé e con il prossimo, lontano dalle pressioni dei social e dalle aspettative. “Barbera” nasce in una calda giornata d’agosto, da una semplice melodia su una tastiera giocattolo, che ha poi preso vita in un arrangiamento ricco di sfumature. Tra tromba, pianoforte ed anima, la traccia dalle venature elettroniche plasma un’atmosfera sospesa, capace di accompagnare un racconto tanto dolce quanto amaro. “Barbera” come manifesto della forza interiore e della resilienza, “Barbera” come emblema di un linguaggio musicale iconografico che tramite un elemento semplice, diventa una canzone intensa e complessa, portavoce della volontà di creare bellezza partendo dalle difficoltà. Il testo descrive con precisione sentimenti che si fanno immagini e, dalle immagini, parole, imprimendosi nella mente sin dal primo ascolto: «Spremi il mio cuore, versa Barbera, affogo i ricordi di quel che era»; «Mi lasci qui in bilico, l’amaro in bocca, tutte quelle bugie che mi dai a bere», istantanee che immortalano ricordi e descrivono con lucidità il peso delle delusioni, la difficoltà di lasciarsi andare. Khamilla analizza il rapporto tra la rabbia repressa e la necessità di accettarsi, trovando nella musica una valvola di sfogo, una via per liberarsi e fare pace con se stessa. Se con "Rocky senza braccia" l’artista ha reso omaggio all’iconico personaggio interpretato da Sylvester Stallone, sottolineando come la volontà di andare oltre i propri limiti possa prevalere persino sull’assenza di ciò che appare indispensabile – come le braccia per un pugile –, con questo nuovo singolo firma un manifesto per chi cerca di trovare equilibrio e significato nelle proprie complessità. Sin dagli esordi, Khamilla è un talento poliedrico che non si limita a scrivere e cantare, ma costruisce mondi interiori, microcosmi da cui trarre energia e forza per affrontare e dipingere la propria quotidianità. Nata e cresciuta a Torino, dove ha sviluppato una devozione profonda per la musica, ispirandosi a Lucio Battisti e Ornella Vanoni, attraverso sonorità soul e R&B - apprese ascoltando artisti come Bill Withers, Aretha Franklin ed Etta James -, ha trovato il suo personalissimo linguaggio musicale, che oggi si esprime attraverso liriche che abbracciano e al contempo spezzano, per fare spazio e ricostruire.  Dopo essersi esibita su palchi prestigiosi come quello di Venaria con Aiello e il CAP10100 di Torino, Khamilla si afferma come una delle nuove promesse del cantautorato italiano. Il suo stile richiama la rivoluzione artistica degli anni ’70, ma è fortemente radicato nel presente, raccontando tematiche contemporanee con una voce inconfondibile e un’autentica passione per la condivisione come mezzo di unione, eguaglianza e inclusione. “Barbera” è un brindisi simbolico a ciò che rende unico ciascuno di noi, tra cadute e vittorie personali, e, proprio come un buon calice di vino, porta con sé il sapore agrodolce delle esperienze vissute. È un invito ad assaporare le sfumature, un mix di dolcezza, amarezza e intensità che non si lascia solo ascoltare, ma si fa vivere, accompagnandoci in un momento di intima connessione e consapevolezza.

Quante parole restano intrappolate nel silenzio delle relazioni? L'incomunicabilità, quel vuoto che si crea quando i pensieri si fermano sulla soglia del non detto, è il tema centrale di “Come te” (PaKo Music Records/Believe Digital), il nuovo singolo di Francesco Luz. Con un linguaggio musicale diretto e personale, il cantautore romano racconta la difficoltà di entrare in sintonia con chi ci circonda - un ostacolo che genera conflitti, incomprensioni e solitudine, ma che può diventare anche un'opportunità di crescita e consapevolezza. Prodotto presso Il Piano B Progetti Sonori dallo stesso Luz in collaborazione con Roberto Cola (già per Patty Pravo, Arisa e Lorenzo Lepore), “Come te” combina emozioni in antitesi ad una struttura musicale sorprendentemente dinamica. Il brano si apre infatti con l’intimità di una ballata classica, per poi trasformarsi progressivamente in un’esplosione di sonorità pop-rock e disco. Questa metamorfosi non è solo musicale, ma anche emotiva, seguendo le oscillazioni del cuore nei momenti di conflitto. Il contrasto tra fragilità e forza, tra malinconia e rabbia, rende il messaggio ancora più efficace, spingendo l’ascoltatore a riflettere sulle difficoltà e le possibilità che nascono dall’esprimere sinceramente ciò che si prova. La batteria di Edoardo Guerrazzi e l’esecuzione vocale e strumentale di Francesco Luz si fondono per creare un’esperienza musicale stratificata, dove ogni elemento è curato nei minimi dettagli per trasmettere equilibrio, confermando la capacità dell’artista di unire profondità lirica e maestria tecnica. Il testo si snoda attorno ai temi dell’umiliazione, della frustrazione e della necessità di rompere il circolo vizioso dei conflitti. Nel passaggio chiave «Devo cancellare anni inutili passati senza mai parlare, solo urlare a farsi male», si percepisce l’onestà disarmante di Luz, che descrive con lucidità il confronto con se stesso, con un uomo che sceglie di reagire. Il ritornello, «Non sono come te», diventa invece un grido di autodeterminazione, di resilienza, una dichiarazione di identità che incoraggia a rompere le catene di dinamiche tossiche per seguire la propria strada. «Questo brano rappresenta un momento di consapevolezza—racconta Luz—, in cui ho sentito la necessità di trasformare le parole non dette e i conflitti in un’opportunità per crescere.» Con “Come te”, Luz dà voce al silenzio nelle relazioni, presentando una storia che ci porta a riconsiderare il valore della comunicazione nei rapporti interpersonali. La traccia diventa così una testimonianza sincera di quanto sia complesso, ma necessario, abbattere le barriere dell’incomprensione attraverso il dialogo e ritrovare la forza di aprirsi all’altro. Il brano si inserisce in un percorso artistico che vuole parlare alla società, portando alla luce una riflessione urgente su come i rapporti interpersonali possano essere salvati solo attraverso il coraggio di comunicare, anche quando è più difficile. “Come te” ci invita ad agire, a rendere il silenzio una forza di cambiamento, segnando un nuovo capitolo non solo nella carriera di Luz, ma nella narrazione musicale contemporanea.... Continua a leggere

Una parola semplice, spesso trascurata, sottovalutata e data per scontata, ma capace di cambiare prospettiva, irradiando luce anche nelle giornate più cupe ed ordinarie, con la forza che racchiude in sé: “Grazie”. Con il suo nuovo singolo, disponibile in tutti i digital store per Attic Records/Altafonte Italia, il cantautore, attore e showman torinese Raffaele Poggio invita il pubblico a riflettere sul potere della riconoscenza, restituendo significato ai gesti quotidiani e mostrando come la gratitudine possa mutare in un atto di intima connessione. Ma cosa significa davvero ringraziare? E cosa accade, dentro di noi, quando ci fermiamo a dire “Grazie”? Ringraziare significa rallentare, riconoscere e apprezzare ciò che di prezioso abbiamo ricevuto, riscoprendo la virtù trasformativa di una parola che unisce e accorcia le distanze. E quando ci spogliamo di orgoglio e timori, e ci ricordiamo di esprimere riconoscenza, dentro di noi accade qualcosa di straordinario: attiviamo un processo che stimola la produzione di serotonina e dopamina, i cosiddetti ormoni della felicità, creando un senso di appagamento, gioia e benessere. Ringraziare non è quindi solo un gesto verso chi ci circonda, ma un atto che cambia il nostro stato mentale, aumentando la consapevolezza del presente, e rafforzando i legami. In un momento storico in cui le relazioni si frammentano e la velocità della quotidianità spesso ci distrae dal valore dei gesti più semplici, "Grazie" si fa spazio per la sua immediatezza e per una sincerità d’intenti a cui è impossibile rimanere indifferenti. Il brano, scritto dallo stesso Poggio e composto e prodotto da Stefania Tasca, si sviluppa intorno a un ritornello diretto e memorabile, che, ripetendo 9 volte il suo titolo, diventa un mantra per spostare il focus su quei momenti che spesso passano inosservati, ma che definiscono il senso del nostro esistere. “Grazie” è un progetto che trova il suo effettivo compimento sotto l’aspetto visivo, perché è il videoclip ufficiale che lo accompagna a fare la differenza: diretto dai Knowhere Studios, utilizza il linguaggio dei segni per sottolineare come la gratitudine possa superare ogni barriera. I gesti diventano protagonisti, rendendo una canzone un collante tra mondi che raramente si incontrano nella musica mainstream. «Volevo che questo progetto andasse oltre la musica - racconta Poggio -. Il linguaggio dei segni è un omaggio a chi ogni giorno trova modi alternativi per comunicare emozioni e sentimenti. È nei dettagli che la gratitudine diventa tangibile. Ho tratto ispirazione da una storia personale che mi ha colpito profondamente. Ho avuto il piacere di conoscere Dario, un giovane fan che ha perso l'udito e ha gravi problemi di vista, ma che nonostante ciò è un appassionato di cultura. Non potendo ascoltare la mia musica, Dario legge i contenuti e gli articoli che ne parlano. Per lui, e per tutti coloro che affrontano difficoltà simili, ho cercato rendere il mio messaggio più accessibile, dimostrando che la musica può arrivare anche dove le parole non riescono». Una narrazione sonora e visiva che glorifica l’amore in tutte le sue forme, un simbolo di apertura e inclusione che incoraggia a superare le barriere comunicative e tutti quei confini che, molto spesso, sono definiti solo dalla nostra mente. Ma “Grazie” non è una dedica a senso unico, bensì un invito a chi ascolta a ritrovarsi in quelle frasi che troppo spesso dimentichiamo, o ci vergogniamo a pronunciare, e in quei motti di affetto che quotidianamente passano inosservati, tra priorità accessorie e rincorse utopiche. Frasi e attenzioni che vanno ben oltre l’essere un omaggio alla persona amata, agli amici, alla famiglia, diventando una chiamata all’azione volta a valorizzare i piccoli gesti che rendono speciale ogni rapporto. Contemporaneamente al lancio del singolo, Raffaele Poggio continua il suo percorso artistico con nuovi progetti e appuntamenti live. Tra i più attesi, il “Latin Project”: un’esplorazione musicale che unisce grandi classici latini e brani originali. Inoltre, ogni venerdì sera, l’artista si esibisce al MI AMOR VIP CLUB di Torino nello show Magic Boys, un’esperienza unica che fonde energia, musica e intrattenimento. Torinese di nascita e anima latina per vocazione, Raffaele Poggio è un creativo poliedrico e instancabile, che non smette mai di cercare nuovi modi per raccontarsi e raccontare. Con “Grazie”, conferma la sua capacità di trasformare la semplicità in qualcosa di straordinario, invitando il pubblico a riscoprire il potere di una parola che, oggi più che mai, merita di essere pronunciata, espressa e vissuta.... Continua a leggere

Ci sono storie che nascono nell’ombra, fatte di segreti, attrazione e bugie che si sedimentano fino a diventare insostenibili. È da queste dinamiche, capaci di incrinare anche i legami più forti e causare crepe che portano al crollo, che nasce “Lussuria e Desiderio”, il nuovo singolo dei Ferrinis. Un brano che si addentra nei lati più oscuri dell’amore, svelando le verità scomode e traducendo in musica il momento in cui il desiderio si trasforma in un fardello intollerabile. Un tema che si intreccia con la realtà attuale: secondo una recente ricerca dell'Osservatorio Infedeltà, la pandemia ha avuto un impatto significativo sulle relazioni di coppia in Italia. Il 31% degli italiani ha dichiarato che il periodo di isolamento ha portato a crisi di coppia, e il 19% ha segnalato una riduzione dell’attività sessuale. Questo contesto ha contribuito a un aumento dell’infedeltà, passando dal 34,5% del 2019 al 41% degli ultimi 2 anni. Seguito di "Coca e Malibù" e secondo estratto dall’atteso album “Twins”, la cui uscita è prevista per la primavera, “Lussuria e Desiderio” racconta un rapporto consumato dalla passione e distrutto dal suo stesso peso, un trasporto accecante che non riesce a sopravvivere alla realtà. «Notte dopo notte lussuria e desiderio, il cuore pesante se il destino ci porta lontano» recita il ritornello, condensando in poche parole il tormento e l’inquietudine di una storia vissuta sul filo del proibito, tanto irresistibile quanto incapace di reggere alla luce del giorno. In questo nuovo capitolo, i Ferrinis offrono uno sguardo diretto sulla relazione tra due amanti, due cuori intrappolati in una danza di attrazione e senso di colpa, dove la necessità di nascondersi finisce per logorare l’anima. Uno spaccato di contemporaneità che mette in evidenza situazioni che molti vivono ma raramente condividono, celate dalla vergogna e dalla paura di essere giudicati. Passione e silenzi si intrecciano, fino a rendere impossibile distinguere ciò che si vuole da ciò che si può avere, lasciando chi li vive sospeso tra ciò che sogna e ciò che è costretto a sacrificare. «Abbiamo voluto mettere in musica la collisione tra l’irresistibile e l’insostenibile - spiegano i Ferrinis -. Non si tratta solo di un legame tra amanti, ma di quel senso di vuoto e di colpa che resta quando una relazione finisce perché non può essere vissuta apertamente.» Se “Coca e Malibù” ha acceso i riflettori sui paradossi di una generazione travolta dai social e dalle apparenze, “Lussuria e Desiderio” si colloca dall’altra parte dello spettro, mostrando una maturità, artistica e personale, che esamina temi più articolati e complessi. «Ogni brano di “Twins” rappresenta una sfumatura diversa delle nostre esperienze e del nostro modo di fare musica - concludono i Ferrinis -. Con “Lussuria e Desiderio”, volevamo fare luce sul lato più oscuro del desiderio, quello che non viene mai raccontato ma che, infondo, è parte della vita di molti.» Come sempre, i Ferrinis dimostrano di essere artisti completi, in grado di dare vita ai loro progetti anche sul piano visivo. “Lussuria e Desiderio” è infatti accompagnato dal videoclip ufficiale – in uscita venerdì 31 gennaio -, che, diretto dalla creatività raffinata e distintiva di Alessandro Murdaca, aggiunge un ulteriore livello narrativo al brano, utilizzando immagini suggestive e dettagli curati per amplificare l’atmosfera e il significato della canzone. “Lussuria e Desiderio” ci invita a riflettere su come l’attrazione e le scelte che ne conseguono possano ridefinire le relazioni. È un pezzo che trova spazio non solo nelle playlist, ma anche nelle conversazioni di chi è pronto a trattare e affrontare il lato più scomodo dell’amore. Il video offre uno sguardo cinematografico sul tema della passione distruttiva, arricchendo e amplificando il significato del brano. I Ferrinis, con questa nuova release, consolidano la loro posizione come una delle realtà più interessanti della scena pop italiana, confermandosi capaci di analizzare argomenti delicati e spesso taciuti, attraverso la lente della loro musica.... Continua a leggere

"Gitana" (KeyRecords/Kmusic/ADA Music Italy) è il nuovo singolo di KAWAKAMI, l'artista milanese classe 1999 che, con la sua anima eclettica e il suo talento fluido, ci trascina in un'avventura musicale carica di suggestioni ritmiche e culturali. Il brano, disponibile su tutte le piattaforme digitali, è un omaggio alla libertà dell'artista e alla sua incessante ricerca di nuove tappe, luoghi e identità. Prodotto da KAIZÈN, "Gitana" unisce sonorità ancestrali e contemporanee, guidando l'ascoltatore tra le colorate vie dei mercati profumati d'Oriente e i portici calienti di Siviglia. Con un mix di lingue e culture, il pezzo celebra l'essenza nomade di KAWAKAMI, come lei stessa racconta: «Sono una "hija de la calle", una figlia della strada. La mia musica nasce dal movimento, dal coraggio di lasciare alle spalle la staticità per inseguire una voce che non smette mai di chiamarmi.» Il testo alterna immagini forti e intime, come «Sono partita sopra a un tram, la vivi loca la vida… qua sempre il solito tran tran» e versi che tratteggiano la tensione tra fuga e libertà - «Corri ma via di qua, la musica, la celebrità» -. Liriche che trasmettono un dinamismo continuo, dipingendo un’avventura carica di energia e trasformazione, elemento centrale del progetto. Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale diretto da Gianmarco Oragano, che offre una narrazione visiva in grado di intensificare e rafforzare il messaggio di "Gitana."; Girato tra atmosfere esotiche e urbane, il video, in uscita lunedì 27 gennaio, vede la partecipazione di attori come Camilla Trotta e Valentina D’Amato, mentre la sceneggiatura, firmata da Antea Zavaglio e Camilla Conte, è incentrata sui contrasti tra tradizione e modernità, richiamando l'idea di un viaggio che è tanto fisico quanto interiore. Quella di KAWAKAMI è la voce di un'artista che si reinventa: già nota per i singoli "Altrove" e "Fiori di Carta," brani che le hanno permesso di conquistare playlist editoriali di spicco come "Scuola Indie" e "Anima R&B," continua ad evolversi con "Gitana", una traccia che abbraccia la contaminazione culturale come elemento distintivo della sua musica. La scelta di mescolare lingue diverse, dall'italiano allo spagnolo, sottolinea la poliedricità dell'artista e il suo desiderio di abbattere confini, non solo geografici, ma anche musicali. «"Gitana" – conclude KAWAKAMI - è il mio manifesto di libertà: non importa quante volte mi perdo, c'è sempre una voce che mi riporta sulla mia strada.» Con "Gitana", KAWAKAMI ci apre le porte del suo mondo nomade, invitandoci a salire sul suo tram, quello che corre tra sogni e realtà, senza una meta definita ma con la certezza che ogni tappa sarà un’esperienza indimenticabile. Perché essere "Gitana" non è solo un modo di vivere, è un modo di essere: liberi, inarrestabili, e sempre pronti a riscrivere la propria storia.... Continua a leggere

In occasione della 39ª Giornata Internazionale dell’Abbraccio, fondata nel 1989 e celebrata ogni 21 gennaio, La volpe Sophia, l'iconico personaggio educativo ideato dal filosofo, artista, musicista e regista Andrea Lucisano, presenta il suo nuovo singolo, "L’Abbraccio". In un’epoca di distanze e divisioni, questo brano invita a riscoprire il valore di un gesto che abbatte barriere, riscalda l’anima, distende le tensioni e rafforza i legami. "L’Abbraccio", come ogni progetto de La volpe Sophia, si caratterizza per un testo immediato e accessibile, che parla simultaneamente a tutte le generazioni. La canzone sottolinea l’importanza di un atto tanto semplice quanto rivoluzionario, «un bene che si dà e che ti ritornerà»: abbracciarsi per creare connessioni rigeneranti. Pensato per bambini e famiglie come momento di incontro e compartecipazione, restituendo rilevanza a una manifestazione d’affetto e accettazione che spesso viene dimenticata, questo singolo si inserisce in un percorso educativo che coinvolge le scuole e va oltre i confini nazionali. Attraverso flash mob e attività speciali, il 21 gennaio 2025 migliaia di alunni, insegnanti e genitori si uniranno simbolicamente sulle note del brano, estendendo il messaggio anche in paesi come Grecia e Tanzania. Un progetto formativo di portata globale che intreccia culture ed etnie, volto a connettere realtà diverse nel linguaggio universale della musica. Andrea Lucisano, che è anche presidente dell’associazione La Danza delle Farfalle, arricchisce questa proposta con l’impegno costante verso la creazione di materiali didattici e artistici. L’associazione, tramite iniziative come "L’Abbraccio", mira a promuovere valori di bellezza, amore e condivisione, offrendo strumenti concreti per un’istruzione emotiva e culturale. «Un abbraccio è una casa portatile: un rifugio che possiamo costruire attorno a noi in ogni momento - afferma Lucisano -. L’arte e la formazione devono camminare insieme per creare un mondo migliore e con "L’Abbraccio", io e volpe Sophia vogliamo ricordare a grandi e piccini che l’azione di stringersi può essere un dono prezioso, capace di trasformare relazioni e portare armonia.» Un’educazione alla bellezza potenziata dall’uscita di tre libri dedicati alla volpe Sophia, alleati preziosi per bambini e famiglie atti a riscoprire i princìpi della meraviglia, della gioia e della semplicità. Disponibili a breve sul sito ladanzadellefarfalle.com, i volumi rappresentano un ulteriore tassello nella missione ispiratrice ed edificante del progetto. Dal suo debutto, il personaggio della volpe Sophia ha conquistato il cuore di migliaia di persone. Protagonista di una serie televisiva educativa, la piccola volpe si è affermata come messaggera di valori senza tempo. Ogni iniziativa, come "L’Abbraccio", incarna un impegno verso un futuro più solidale e sereno. La Giornata Mondiale dell’Abbraccio è anche un’opportunità per le scuole di partecipare attivamente. Gli insegnanti possono organizzare momenti collettivi in classe e inviare i video delle esibizioni all'indirizzo ladanzadellefarfalle@gmail.com. Il video più creativo riceverà in premio uno dei nuovi libri della volpe Sophia. Un concorso che non solo premia l’inventiva e la fantasia, ma diffonde un messaggio di empatia e collaborazione. Andrea Lucisano sottolinea la virtù della semplicità come antidoto alla complessità del mondo moderno: «Credo fermamente che diffondere messaggi di affetto e fiducia possa rendere il mondo un posto migliore. "L’Abbraccio" è il mio modo di contribuire a questa visione, con un gesto che tutti possono fare, ogni giorno. Viviamo in un tempo dove spesso dimentichiamo l’essenza delle cose. Riscoprire la forza immediata di un abbraccio è rivoluzionario, perché ci riconnette con ciò che conta davvero.» In un tempo dove tutto appare sempre più frammentato, riscoprire la forza istantanea di un abbraccio è davvero un atto rivoluzionario. È nella sua immediatezza che risiede il potere di trasformare la quotidianità, rendendo ogni giorno un momento speciale e ispirando fiducia nel futuro. "L’Abbraccio" è disponibile su tutte le piattaforme digitali e accompagnato dal videoclip ufficiale, visibile su YouTube.... Continua a leggere

Iniziare l'anno con un messaggio di connessione e armonia: è questo l'obiettivo di “Love in Time”, il nuovo singolo dei Nexus sull'importanza di vivere pienamente gli istanti che dedichiamo alle persone che amiamo. Il duo, formato da Tommaso e Michele, ci invita a fermarci e a considerare il valore delle connessioni, riscoprendo il tempo come un dono che trascende il suo semplice scorrere. “Love in Time” è un pop-dance dalle linee melodiche calde e dalle bassline marcate, in grado di combinare strofe dinamiche, hook emozionali e drop che catturano l’attenzione. L’obiettivo è trasformare ogni ascolto in un’opportunità, un’occasione per pensare ai momenti che condividiamo con coloro che ci circondano. Il brano trova la sua piena espressione nell’emotività del suo suono e nella riflessione che ci invita a fare: nato da due sessioni in studio, racconta, attraverso la sua architettura musicale, l’evoluzione di un rapporto che, costruito su piccoli attimi condivisi, si trasforma in qualcosa di unico, grazie alla volontà reciproca di essere presenti, non solo per l’altro, ma anche per se stessi. «Abbiamo dato vita a questa traccia riflettendo su come le relazioni evolvono nel tempo, crescendo attraverso i momenti trascorsi insieme - raccontano i Nexus -. Il nostro desiderio è che la musica diventi un catalizzatore di pensieri positivi e connessioni vere.» La genesi di “Love in Time” è il risultato di un processo creativo in studio tra sessioni solitarie e collaborazioni internazionali, con un cantante d’oltreoceano scoperto su Fiverr. Il titolo del pezzo riflette la sua chiave di lettura: il tempo come dono prezioso da offrire a chi amiamo, attraverso gesti semplici, capaci di rendere la quotidianità un’esperienza straordinaria. Nel testo, alcuni passaggi si rivelano particolarmente rilevanti: «I’mma give you all my time» («Ti darò tutto il mio tempo»), descrive il desiderio di dedicarsi completamente all'altro, mentre l’espressione «Wish I could press rewind, so I could give you all my time» («Vorrei poter premere il tasto rewind, per poterti dare tutto il mio tempo») racchiude il rimpianto di non poter tornare indietro per valorizzare meglio le relazioni. Infine, «Every second, every minute, every hour» («Ogni secondo, ogni minuto, ogni ora»), ripetuto più volte, sottolinea l'importanza di vivere appieno, puntando il focus sull’importanza del presente, che non deve mai essere dato per scontato. Questa ripetizione crea un senso di urgenza e di rinnovata percezione, spingendo l’ascoltatore a riconsiderare il proprio rapporto con il tempo. «Questo singolo rappresenta la nostra visione di armonia e benessere – prosegue il duo -, un mondo visto non solo per quello che è, ma per quello che vorremmo che fosse.» Dal loro debutto ufficiale nel 2022, i Nexus hanno ridefinito il panorama EDM italiano, fondendo influenze pop-dance con un approccio narrativo che li caratterizza. Dopo l’album d’esordio “S(he) Be(lie)ve(s)” e i singoli “Feel Without You” e “Honey (Shake It Up)”, “Love in Time” segna la tappa successiva del loro percorso, in cui ogni traccia è un invito a riflettere e connettersi, non solo con la musica, ma con il mondo che ci circonda. I Nexus non definiscono la loro musica né mainstream né underground, ma come un filo conduttore che unisce persone, emozioni e idee. Con “Love in Time”, Tommaso e Michele mettono in luce ancora una volta la capacità delle canzoni di migliorare la vita di chi le ascolta. Nel contesto di un’era in cui il tempo è spesso percepito come un bene fugace, “Love in Time” ci incoraggia a dedicare spazio e attenzione alle persone a noi care, a vivere il presente, a dedicare il nostro bene più prezioso a ciò che veramente conta. È un invito a non rifugiarsi nel passato, ma a vivere ora, con consapevolezza.... Continua a leggere

Cosa significa appartenere a una causa che supera i confini dell’individualismo, del nazionalismo e dell’identità culturale? Con il coraggio di una voce che si assume la responsabilità di essere un ponte tra mondi, la cantautrice italo-egiziana NEIDIA porta avanti un messaggio di inclusione, resistenza e consapevolezza. Il suo nuovo singolo, “Ana Dammi Falastini”, ispirato alla frase araba resa celebre dal brano palestinese di Mohammed Assaf del 2015, censurato dai digital store nel maggio del 2023 e simbolo di resilienza, è una dichiarazione forte e inequivocabile: un’esortazione a prendere posizione, a non voltarsi dall’altra parte di fronte alle ingiustizie. Con questa traccia, NEIDIA lancia un appello a chiunque sia disposto a guardare oltre le barriere, fisiche e ideologiche, e a farsi promotore di un cambiamento concreto in una società assuefatta all’indifferenza, con l’obiettivo di risvegliare il senso di responsabilità collettiva. Nata da madre italiana e padre originario del Cairo, NEIDIA, nome d'arte di Nadia Gomma, classe 1994, fonde nella sua musica sonorità mediorientali e atmosfere occidentali, dando vita ad un linguaggio artistico capace di superare confini geografici e culturali. «Con questa canzone ho voluto fare mia l’ideologia racchiusa nel titolo – sostiene -, superando i confini geografici e religiosi. Non è necessario provenire dallo stesso paese o pregare lo stesso Dio per sentirsi vicini a una causa che tocca tutti.» Scritto a quattro mani con Elya Zambolin, “Ana Dammi Falastini” di NEIDIA è un atto di denuncia contro l’omertà e l’indifferenza, una luce sul buio dell’imperturbabilità e del distacco dei più che mette in discussione le comode zone grigie in cui molti si rifugiano. «Le mani già sporche da tempo, gli occhi bruciati dal fumo di lacrime perse nel vento»: in versi come questo, la cantautrice lancia una critica aperta al sistema che alimenta, prospera ed incoraggia l’omertà e l’indifferenza, come lei stessa spiega: «Stare nel mezzo è una scusa: un comodo scudo per chi non ha il coraggio di schierarsi. Ogni volta che scegliamo di non agire, di non schierarci, stiamo inconsapevolmente dando forza a ciò che vogliamo ignorare. Con questa canzone, ho deciso di denunciare l’apatia e la manipolazione che permeano la nostra società: siamo modellabili come creta, vittime di un sistema che ci propone bugie confezionate come verità assolute. Ho voluto rompere questo meccanismo e invitare chi ascolta a fare lo stesso.» Un’affermazione che sottolinea l’urgenza di abbandonare l’immobilismo e riconoscere la responsabilità di ogni scelta, anche quella di non scegliere. Gli arrangiamenti, curati da Fabrizio Chiapello, bilanciano l’essenza del brano con un sound contemporaneo, capace di catturare l’attenzione di un pubblico trasversale. La produzione mira a mantenere l’intensità emotiva del pezzo, arricchendola di un’estetica sonora che dialoga con le nuove generazioni. Distribuita da Believe Digital per Moovon/Digital Noise, questa reinterpretazione si inserisce in un dialogo più ampio tra arte e impegno sociale, dimostrando come la musica possa ancora essere uno strumento importante per ispirare e mobilitare. Dopo il successo dei singoli “Cosplay” e “Medioriente”, NEIDIA, già nota per il suo ruolo di corista nei jingle di RDS e Discoradio dal 2022, amplia il suo repertorio, dimostrando una maturità e una sensibilità che affondano le radici in un equilibrio perfetto tra tradizione e attualità. “Ana Dammi Falastini” rappresenta per NEIDIA l’urlo di chi non ha più voce, «l’invito a non accettare passivamente le narrazioni che ci vengono imposte, a combattere contro l’apatia che ci rende complici di ingiustizie lontane e vicine». In una contemporaneità segnata dall’egocentrismo e dalla sovrapposizione di narrative preconfezionate, “Ana Dammi Falastini” di NEIDIA non è un semplice omaggio a un brano del passato, ma una chiave di lettura per il presente, un monito agli ascoltatori per interrogarsi sul proprio ruolo nel mondo.... Continua a leggere

«Dio è morto, Nietzsche pure, ed io non è che stia così bene»: questa frase, che ribalta il celebre aforisma nietzschiano, trasforma la riflessione esistenziale in una constatazione pungente. In un mondo in cui i pilastri culturali sembrano crollati, il Rock'n'Roll diventa una possibile via di fuga, un simbolo di ribellione e vitalità. Ed è da questo presupposto, in un intreccio articolato di critica sociale, filosofia e ironia tagliente, che i Sümelga, in collaborazione con Al Vox, pubblicano il singolo "Transustanzione" (PaKo Music Records/Believe Digital), un brano che promette di stimolare il pensiero e suscitare nuove prospettive. La traccia indaga, con un linguaggio intellettuale e provocatorio, temi che spaziano dall’alienazione sociale alla ricerca di nuovi punti di riferimento culturali e spirituali. La canzone si apre riprendendo uno dei pezzi più iconici e nazional-popolari di Mina, "Zum zum zum", qui utilizzato per richiamare il tormento di pensieri insistenti e inarrestabili, che introducono il tema centrale del brano. Le citazioni si estendono con il breve campionamento dell’inno nazionale, “Il Canto degli Italiani”, rafforzando il significato di un'Italia «che non s'è desta» e suggerendo una stagnazione ideologica che fa da sfondo alla narrazione. Nel testo, la frase «Cannibalismo domenicale niente di male» si staglia come una delle immagini più distintive, una metafora che racconta una società imprigionata in abitudini, per loro natura monotone e ripetitive. Questo concetto rimanda ad una routine automatica, quasi meccanica che, come un consumo simbolico, riduce il significato delle esperienze a gesti privi di profondità. L’allusione è a un comportamento iterativo che, pur avendo una funzione concreta, rappresenta un vero e proprio utilizzo vano delle emozioni, riducendole a vacui atteggiamenti e svuotandole della loro essenza. “Transustanzione” è una rappresentazione emblematica di un conformismo dilagante, lontano dalla ricerca di qualcosa di più "trascendentale". Il tutto viene raccontato con una penna ironica e penetrante, che non risparmia colpi. Con un omaggio al teatro dell'assurdo di Ionesco e un'immersione nell'iconografia dantesca, i Sümelga ci conducono in un «girone a senso unico per peccatori precari», un inferno moderno in cui anche le trasgressioni si sono fatte veniali. Un ritratto che si discosta dall'ordine e dalla giustizia divina tradizionali di Dante, per raffigurare invece un caos contemporaneo che ci spinge a riflettere sulla società attuale. Tra alienazione e ironia, "Transustanzione" propone il Rock'n'Roll come antidoto al vuoto esistenziale e alla superficialità dilagante. È un’ode alla ribellione culturale e alla ricerca di significati più rilevanti, sia a livello individuale che collettivo. «Questo brano è nato dalla sensazione di smarrimento che molti di noi provano in una società sempre più frenetica e conformista – dichiarano i Sümelga -. Insieme ad Al Vox, abbiamo voluto usare l'ironia e la provocazione per portare in musica questi temi, unendo riferimenti filosofici e culturali al potere liberatorio del Rock'n'Roll. Speriamo di poter dare spunti di riflessione, ma anche un po' di leggerezza». In un mondo che corre senza sosta, i Sümelga, insieme ad Al Vox, ci invitano a fermarci e guardare oltre, per scoprire nuove prospettive e ritrovare il potere liberatorio del rock. Questo singolo è una sfida a pensare, a cambiare, a vivere senza compromessi; un invito ad interrogarci sulla nostra realtà, lasciando spazio a una visione lucida e consapevole del presente.

Sergio Melone, già noto al pubblico per il ruolo di Eduard Zonte nella celebre serie live action “Maggie & Bianca Fashion Friends”, compie un ulteriore passo avanti nella sua carriera musicale con il nuovo singolo “The Reason Why I’m Broken”. Dopo l’ottimo riscontro del debutto come cantautore con “With Me”, il poliedrico artista barese d’adozione romana torna con un brano che non lascia spazio a compromessi, una ballata cruda e senza filtri sul potere distruttivo delle parole. Ispirata a un episodio personale doloroso, la traccia invita a riflettere sulla responsabilità di ciò che diciamo e sulle conseguenze che le nostre affermazioni possono avere sugli altri, aprendo una riflessione necessaria sul nostro modo di relazionarci. Le parole, quelle lame sottili capaci di incidere l’anima e dividerla a metà, quei coltelli invisibili che affondano silenziosamente nella parte più vulnerabile di noi per lasciare cicatrici che non si rimarginano, ma continuano a pulsare, ricordandoci ogni giorno il loro peso. E da queste ferite prende vita “The Reason Why I’m Broken”, un brano che dà voce al dolore delle frasi pronunciate senza pensare e alle loro conseguenze sulla psiche di chi le subisce. Sergio ha scelto di trasformare la sofferenza vissuta in prima persona in un messaggio da condividere: una chiamata all’accortezza, un monito sul potere del linguaggio, che non si limita alla denuncia, ma apre alla consapevolezza e alla possibilità di rinascere attraverso esso. «Le parole hanno un peso enorme—spiega l’artista—possono costruire ponti o demolire mondi. Con questo pezzo volevo raccontare il dolore che ho vissuto, ma anche dare a chi ascolta la speranza di ritrovare se stesso e andare avanti.» Il testo diretto, privo di artifici, esprime lucidamente il dolore cieco e accecante causato da sentenze scagliate con leggerezza, come sassi che si trasformano in macigni, gravando su una fiducia tradita e su un sentimento infranto: «Wish I had stayed home that night of July, ‘cause now I’m struggling with all the pieces of mine. And maybe you don’t care, you didn’t even notice that the words you said are the reason why I’m broken» («Vorrei essere rimasto a casa quella notte di luglio, perché ora sto lottando con tutti i miei pezzi. E forse non ti importa, non hai nemmeno notato che le parole che hai detto sono la ragione per cui sono distrutto»). Con sonorità che oscillano tra malinconia e introspezione, la canzone racconta le conseguenze del nostro dire, ma apre anche a un messaggio di rinascita: c’è sempre una via per ricostruire ciò che è stato spezzato. Sergio Melone è il classico ragazzo della porta accanto, capace di raccontare con ironia e sincerità le esperienze e le difficoltà del quotidiano. Laureato in Lingue e Letterature Straniere all’Università La Sapienza di Roma e con un Master in Marketing, Sergio è noto anche per il suo impegno accademico e la versatilità artistica. La sua musica è lo specchio di una ricerca costante di equilibrio tra il desiderio di accettazione e la lotta interiore contro le insicurezze. “The Reason Why I’m Broken” rappresenta un tassello importante di questa narrazione, unendo le “scene tagliate” della sua vita, quelle emozioni nascoste che ci portiamo dentro ma non riusciamo mai a condividere, al riconoscimento del valore delle proprie ferite, che mediante l’accettazione e la consapevolezza possono diventare una grande fonte di resilienza. «Voglio che chiunque ascolti “The Reason Why I’m Broken” sappia che non è solo – conclude Sergio -. Le mie canzoni sono come i momenti mancati di un film. Attimi che avrei voluto vivere, conversazioni che ripercorriamo all’infinito nella mente, alla ricerca di un perché. È lì che nasce la mia musica: nella speranza di chiudere un capitolo e ricominciare con una nuova energia. Spero che il testo di questo pezzo riesca a riconnettere le persone con se stesse e le aiuti a ritrovare la forza di andare avanti.» Con questo nuovo singolo, Sergio Melone non offre soluzioni, ma apre spazi di ascolto. “The Reason Why I’m Broken” non si propone di dare risposte, ma di porre una domanda cruciale: cosa lasciamo negli altri con le nostre parole? Sergio non pretende di insegnare o consolare: ci invita a sentire, a fermarci, a riflettere. Il brano diventa un filo invisibile che intreccia il suo vissuto con quello di coloro che stanno affrontando il difficile compito di ricomporre i propri pezzi, ricordandoci che nella fragilità può germogliare e fiorire una forza inattesa.... Continua a leggere

Con "Senza Ritorno", i Frenk & the Ferguson Fog aprono il sipario su un nuovo capitolo della loro carriera, inaugurando l’EP “Fuori Asse per Sfiorarti”. Il singolo, pubblicato per l’etichetta Poison Flag, si fa notare per il suo equilibrio tra il rock italiano di matrice classica e una freschezza espressiva capace di parlare al presente, tratteggiando una storia di rottura e riscatto che trova eco in ogni tempo per abbracciare una nuova consapevolezza. Il brano si immerge nei meandri di una relazione tossica, mettendo in luce il coraggio di spezzare le catene e riprendersi la propria libertà. «Ho camminato dentro a un deserto solo, senza un’altra identità», canta Frenk, frontman del gruppo, evidenziando un processo di cambiamento e maturazione che culmina in una scelta definitiva: «E così senza ritorno, e così vado via e non tornerò da te». Un testo diretto, appassionato e penetrante che trasmette il desiderio e la necessità di ricostruire se stessi nonostante il peso della solitudine e dell’odio lasciati alle spalle. "Senza Ritorno” si addentra nel difficile percorso di lasciare andare ciò che ci trattiene, scavando dentro le emozioni più dolorose per dissipare la nebbia e ricominciare a respirare, sciogliendo quei legami che imprigionano e traducendo delusione e sconforto in un percorso di rinnovamento personale. «Scrivere questo brano è stato un atto di liberazione - racconta Frenk -. Volevo trasmettere che non bisogna temere di lasciarsi alle spalle un amore che ci soffoca. Anche quando sembra di camminare nel deserto, c’è sempre una strada per ritrovarsi.» "Senza Ritorno" è la prima traccia di un EP che comprende sei brani inediti, tra cui “Non sono Superman” e “By the River”, unico pezzo in lingua inglese. Il progetto, prodotto da Frenk, all’anagrafe Gianfranco Bosio, e arrangiato dagli stessi Ferguson Fog, rappresenta una perfetta fusione tra la tradizione del rock italiano e un sound contemporaneo, delineando paesaggi sonori che combinano dinamismo e sfumature emozionali. Registrato presso il Maika Sound Studio e mixato da Marco Negro, “Fuori Asse per Sfiorarti” presenta una cura dei dettagli che valorizza appieno la sua identità musicale. Quella dei Frenk & the Ferguson Fog è un’eredità che guarda al futuro. Con una carriera che affonda le radici negli anni '90 e un approccio intimo e ricercato, Frenk ha trovato nei Ferguson Fog il complemento ideale per dare nuova vita alle sue canzoni. La band, composta da Pier Andrea Resconi (synth) e Nicholas Balteo (basso e programmazioni elettroniche), è il risultato di una sinergia che combina background consolidati e una visione moderna, aperta alla sperimentazione sonora. "Senza Ritorno" arriva in un momento in cui molte persone, dopo anni di incertezze e cambiamenti globali, stanno rivalutando le proprie priorità e relazioni. Il brano diventa così una metafora per chi decide di lasciarsi il passato alle spalle e ricominciare, canalizzando le difficoltà in una spinta verso un nuovo equilibrio. Questa release, e l’intero progetto Frenk & the Ferguson Fog, confermano la band protagonista di una scena musicale capace di reinventarsi con audacia e originalità. Con “Senza Ritorno” e l’EP “Fuori Asse per Sfiorarti”, i Frenk & the Ferguson Fog dimostrano che il rock italiano può ancora sorprendere, emozionare e trovare spazio nel presente. La loro musica, fatta di radici, tradizioni, ma sempre aperta a dialogare con la contemporaneità, è un invito ad affrontare la vita con il coraggio di chi non teme il cambiamento, ma lo abbraccia e lo accoglie come un’opportunità per riscoprirsi e andare oltre i propri limiti.

Legalità e rap si incontrano ancora una volta grazie a Revman, il poliziotto rapper che ha fatto della musica uno strumento di dialogo e cambiamento, unendo l’impegno civico ad un genere spesso considerato controverso. Con due singoli inediti ed il suo primo libro autobiografico, l’artista-agente inaugura il 2025 raccontando la sua storia: quella di un uomo, di una persona che, come ciascuno di noi, coltiva sogni, ambizioni e passioni, intrecciandoli al suo percorso di vita come rappresentante delle Forze dell’Ordine e artista. I due brani, in uscita a distanza di 12 giorni l’uno dall’altro, affrontano due temi complementari: la celebrazione dell’amicizia e la forza di rispondere agli haters trasformando le critiche in occasioni di dialogo. Il primo singolo, “L’amicizia è una cosa seria”, disponibile dal 13 gennaio in tutti i digital store e su YouTube con il videoclip ufficiale, mette al centro il valore delle relazioni sincere e il sostegno di chi ci accompagna lungo il nostro cammino. Revman descrive il brano come un gesto di gratitudine verso chi ha creduto in lui, ma anche come un invito a riscoprire il valore delle relazioni genuine. Perché, come ricorda il titolo, l’amicizia è davvero una cosa seria: un legame che ci rende liberi e che può fare la differenza nei momenti più difficili. Proposto come brano fuori gara a Sanremo 2025, con l’intento di portare un messaggio solidale alla kermesse, il testo si fonda sull’approccio educativo da sempre caro a Revman, lo stesso che anima i suoi laboratori rap per i giovani delle scuole primarie e secondarie nelle periferie milanesi. «Ho scritto questa canzone pensando a quegli amici che mi hanno aiutato a superare gli ostacoli e a trovare la mia strada – racconta Revman -. L’amicizia è una forza che merita di essere celebrata, soprattutto oggi, in un mondo sempre più diviso e divisivo.» Il 25 Gennaio sarà invece il turno di “Legittima Difesa”, un manifesto contro il cyberbullismo e una risposta agli haters. Con rime affilate e un flow distintivo, Revman invita a reagire all’odio online con intelligenza e rispetto delle regole. Il brano nasce dall’esperienza personale dell’artista e vuole essere una voce di sostegno per chi si sente vulnerabile di fronte agli attacchi digitali, dimostrando che è possibile fronteggiarli senza scendere a compromessi. «Essere un poliziotto rapper significa vivere sotto una lente di ingrandimento, giudicato per l’uniforme prima ancora che per la persona – prosegue -. Ho affrontato critiche, attacchi personali e pregiudizi, ma anche le mie insicurezze. Questo brano non vuole essere un contrattacco, ma un invito a guardare oltre: dietro ogni divisa c’è un essere umano, con sogni e battaglie, così come dietro ogni profilo social.» Non solo una risposta ai detrattori, quindi, ma anche un messaggio ispirazionale per chi subisce attacchi o critiche. Revman dimostra ancora una volta che si può reagire con stile, legalità e intelligenza, usando la musica come strumento di connessione, crescita reciproca e riscatto personale. Ad arricchire questo inizio d’anno già denso di emozioni, il poliziotto-rapper palermitano d’adozione milanese annuncia anche l’uscita del suo primo libro, “Un Viaggio tra Legalità, Musica e Ispirazione”. Un’opera autobiografica che svela il percorso di un uomo capace di fondere il rigore della divisa con la passione per il rap, mostrando che è possibile conciliare mondi apparentemente distanti. Il libro svela le esperienze vissute da Revman, alternando momenti di introspezione a riflessioni sulle responsabilità e i sacrifici che il suo ruolo comporta. È un diario intimo che condivide le sue scelte, le difficoltà incontrate lungo il cammino e la forza di continuare a credere nei propri valori. «Questo libro è un pezzo importante della mia vita – conclude Revman -. Credo sia fondamentale raccontare non solo le vittorie, ma anche i momenti di incertezza e crescita; la realtà con i suoi alti e bassi. Non è sempre facile trovare un equilibrio tra dovere e passioni, ma ogni passo compiuto, anche il più incerto, può farci scoprire nuove possibilità e portarci verso qualcosa di grande.» “Un Viaggio tra Legalità, Musica e Ispirazione” è una finestra aperta sul microcosmo di chi ha scelto di abbattere barriere e stereotipi, una narrazione onesta e genuina che invita il lettore a guardare oltre i pregiudizi e a credere che il cambiamento sia possibile. Pagina dopo pagina, Revman si rivela in tutta la sua complessità: un uomo che non ha mai smesso di credere nei sogni, affrontando ogni capitolo della sua esistenza con coraggio e dedizione. Il libro, la cui pubblicazione è prevista per il prossimo marzo, sarà un’occasione per scoprire non solo il suo percorso, ma anche una parte di noi: possiamo tutti imparare a perseguire i nostri desideri, anche quando le circostanze sembrano avverse e complicate. Il 2025 di Revman prende il via con tre progetti e un’unica missione: usare la musica e la parola per abbattere i muri dell’odio e costruire ponti fatti di dialogo, educazione e riflessione. Con i singoli “L’amicizia è una cosa seria” e “Legittima Difesa”, e il libro “Un Viaggio tra Legalità, Musica e Ispirazione”, l’artista-agente ci ricorda che credere nella forza delle idee può davvero fare la differenza. Un messaggio che, tra note, rime e pagine, vuole ispirare azioni concrete e aspetta solo di essere ascoltato, accolto e condiviso.

Un brano registrato in un solo pomeriggio, frutto di un'urgenza creativa inarrestabile: "Gabbia Toracica" è il nuovo capitolo della carriera di Jamie, giovane promessa della scena pop-punk italiana, prodotto da Moka (co-producer dei La Sad insieme a Theø). Secondo singolo nato dalla collaborazione con Moka e ideale continuazione di “Crollo Nevrotico”, questo progetto rappresenta una tappa cruciale per Jamie: in equilibrio tra influenze contemporanee ed echi di pop-punk dei primi anni 2000, arricchisce il suo percorso artistico e ne ridefinisce la visione musicale. Realizzato tra le Marche, terra natale di Jamie, e Torino, fulcro di questa sinergia, “Gabbia Toracica” si presenta come una lettera aperta sul dualismo tra amore e dolore. Jamie racconta un sentimento viscerale e tormentato, accompagnato da chitarre dinamiche dal timbro graffiante, linee melodiche avvolgenti e una ritmica che fonde la delicatezza delle ballad con la carica del pop-punk. Le parole del ritornello, «Niente passa, ho un dolore e non so cos'è, che mi brucia dentro alla gabbia toracica», rappresentano il pilastro dell’intera traccia: un confronto con emozioni irrisolte e il bisogno di elaborarle per voltare finalmente pagina. Dietro "Gabbia Toracica" si cela una narrazione personale ma condivisibile, che affonda le radici nel vissuto di Jamie. Il brano non parla solo di amore romantico, ma si intreccia con il dolore straziante per la perdita della sorella, brillante ed impegnata attivista che si è tolta la vita nell’aprile del 2021. Questo tragico evento ha segnato profondamente l’artista, plasmando la sua musica e rendendola un tributo al coraggio di affrontare la sofferenza, dandole un senso, un significato: uno strumento di catarsi e condivisione. «L’amore non è una prigione – spiega Jamie -, ma spesso ne assume le sembianze. Con “Gabbia Toracica” ho voluto raccontare questo paradosso attraverso la mia esperienza personale. Ho scritto il brano in un periodo particolarmente buio, cercando di dare forma al caos che provavo dentro di me e che mi consumava. Credo che la musica possa essere un rifugio, un modo per sentirsi meno soli, e spero di riuscire a far ritrovare a chi ascolta un frammento della propria storia.» "Gabbia Toracica" è un mix di elementi classici e moderni, con richiami al pop-punk dei Sum 41 e una sensibilità che parla contestualmente ai nostalgici e alle nuove generazioni. La necessità espressiva che ha portato Jamie a registrare la traccia in un solo pomeriggio si percepisce con immediatezza in ogni dettaglio, in ogni sfumatura: è un pezzo che vive e respira l’autenticità di un momento irripetibile. Oltre a rappresentare un capitolo fondamentale della carriera di Jamie, “Gabbia Toracica” punta a collegare passato e presente, costruendo un ponte tra chi ha vissuto l’età d’oro del pop-punk e chi lo scopre per la prima volta oggi. “Gabbia Toracica” non è solo il titolo di una canzone, ma un frammento di vita trasformato in musica, un’immagine che custodisce il peso delle emozioni e la forza necessaria per affrontarle. Jamie porterà questo racconto in tour, con performance che trasformeranno il palco in uno spazio di riflessione e condivisione, dove le emozioni trovano finalmente la loro voce.... Continua a leggere

Con “Prima di Dirsi Addio” ha raccontato la fine, con “Non Cambieremo Mai” ha dato voce alle difficoltà delle relazioni moderne, ed ora, con “Scappare da Noi” (Newphonix/Universal Music Italia), il giovane cantautore torinese BOSIO rompe ogni indugio, rendendo la sua musica lo specchio di un percorso di crescita, segnato da consapevolezza e comprensione. Il brano, prodotto da Faffa per Cosmophonix Artist Development, rappresenta il passaggio chiave dalla tensione all’equilibrio, dall’irrequietezza ad una nuova solidità emotiva. Un riflesso sincero dell’evoluzione artistica e personale di un giovane uomo che si affaccia alla vita con nuove prospettive, un invito a guardare oltre le fragilità per costruire legami che resistano al tempo e alle difficoltà. In un mondo che spesso glorifica l’idea di fuga dai problemi e dall’instabilità, BOSIO propone un’alternativa: accogliere le imperfezioni, abbracciare il disordine e restare, anche quando sembra difficile. “Scappare da Noi” è uno sguardo diretto sulle dinamiche relazionali, una fotografia scattata e pubblicata senza filtri sull'onestà verso se stessi e l’altro, un canto sulla volontà di guardarsi dentro e migliorarsi per costruire rapporti sinceri. Con una scrittura limpida e priva di artifici, l’artista racconta il coraggio di affrontare ciò che è imperfetto, in noi e nel prossimo, rendendo le fragilità punti di connessione, terreno fertile su cui far fiorire qualcosa di duraturo. Un richiamo a non voltarsi indietro, ma a restare, trovando nel confronto e nella condivisione il punto di partenza per relazioni capaci di crescere e resistere, nonostante tutto. «Da te non voglio più scappare, ti porto al mare, stiamo da me, anche se c'è disordine». In questo passaggio del testo, BOSIO dipinge la realtà di un amore vissuto nei piccoli gesti quotidiani. Nella sua musica, la perfezione lascia spazio alla realtà, quella fatta di sguardi complici, momenti condivisi e un’accettazione reciproca che non teme le mareggiate della vita. «Credo che l’autenticità sia l’unico terreno su cui costruire qualcosa che duri davvero - confessa l’artista -. Per me, le cose che contano, nascono dal vivere le relazioni per ciò che sono, senza maschere.» Una dichiarazione che porta in primo piano l’essenza dei legami duraturi, la verità di una sintonia che resiste anche nelle difficoltà, un’intimità costruita su basi solide, capace di trovare valore anche nelle imperfezioni, al di là di ogni turbolenza. “Scappare da Noi” segna un vero e proprio punto di svolta nel percorso artistico di BOSIO. Le sonorità si fanno più mature, unendo delicatezza e intensità in un mix che avvolge l’ascoltatore. La produzione crea un’atmosfera cinematografica che accompagna perfettamente il testo, amplificando le emozioni trasmesse dal cantautore. Questo brano si distanzia dai precedenti per una scrittura più intima e un sound che punta a coinvolgere il cuore e la mente. Nato nel 2003, BOSIO è una voce che parla alla sua generazione. Con questo singolo, si rivolge direttamente alla Gen Z, trattando di accettazione di sé, di relazioni che si muovono oltre schermi e social media e di basi concrete in un’epoca dominata dall’effimero delle apparenze. Il brano coglie e riflette le insicurezze e i desideri dei giovani in cerca di connessioni effettive, regalando un messaggio di speranza per un futuro in cui il virtuale sia il punto di partenza e non il fulcro delle relazioni interpersonali. Con “Scappare da Noi”, BOSIO mette in musica una storia che appartiene a tutti, fatta di imperfezioni, scelte difficili e coraggio. Questo singolo non parla solo alla Gen Z, ma a chiunque creda ancora nella forza della verità e riconosca l’importanza di restare, anche quando tutto sembra spingere a fuggire.

I Ferrinis non accennano a fermarsi: dopo il successo dell’omonimo debut album "Ferrinis", che ha superato il traguardo di oltre mezzo milione di streams in meno di un anno, e il relativo repack "Ferrinis Deluxe Edition", accolto con entusiasmo dalla stampa nazionale e ripreso dalle più importanti testate di settore come Billboard Italia, il duo di fratelli romagnoli composto da Maicol e Mattia Ferrini torna con "Coca e Malibù", primo estratto dal loro attesissimo secondo progetto full length, "Twins". Pubblicata ad ottobre, l’edizione deluxe del loro primo album ha confermato la straordinaria capacità dei due artisti forlivesi di coniugare sonorità pop-dance con testi che raccontano storie personali e al tempo stesso attuali e condivisibili dal pubblico di ogni fascia d’età, consolidando il loro successo e la loro abilità innata nel fondere egregiamente emozione e intrattenimento. Ora, a pochi mesi di distanza, i Ferrinis sono già pronti a stupire nuovamente vecchi e nuovi fan, dimostrando una creatività inarrestabile e una visione artistica in continua evoluzione, sempre più matura. Una creatività che non conosce pause e che fluisce in una sorprendente miscela di pop, dance, latin e cantautorato italiano e che in “Coca e Malibù” trova la sua piena espressione: questo nuovo singolo, infatti, non è solo un pezzo ballabile, ma una riflessione sulla società attuale, dove tutto corre veloce e le apparenze sostituiscono spesso la sostanza. Al centro del brano, una storia d’amore che si scontra con le contraddizioni del mondo moderno: il desiderio di semplicità e genuina connessione viene travolto dalla superficialità e dalla pressione sociale, rappresentate metaforicamente dal cocktail leggero e ingannevole che dà il titolo alla canzone. Nel verso «brillano i diamanti ma non brilla il mondo, vuoto tutto il resto dentro», Maicol e Mattia descrivono un labirinto di lusso e ostentazione che lascia però un vuoto incolmabile. La protagonista femminile della narrazione, inizialmente immune al fascino delle apparenze, finisce per esserne vittima, perdendo il contatto con la realtà, con tutto ciò che conta davvero. E nel ritornello, la canzone esplode con la sua carica pop-dance: «bevevi Coca Malibù, dicevi non ci penso più, ballando come lei in TV, il cielo sembra un po’ più blu»; un’immagine tanto spensierata quanto malinconica, che immortala il desiderio di evasione e leggerezza in un contesto in cui vengono invece amplificati insicurezze e dubbi. «”Coca e Malibù” parla di quanto sia facile perdersi in un mondo che corre veloce e premia l’apparenza - spiegano i Ferrinis -. È un invito a fermarsi e riflettere su cosa conta davvero, senza lasciarsi travolgere dai like e dalle luci dei social media.» Sotto l’aspetto musicale, “Coca e Malibù” si inserisce nel solco della tradizione dance italiana, arricchita da elementi contemporanei che rendono il brano attuale e irresistibile. I ritmi trascinanti e le melodie che conquistano sin dal primo ascolto si intrecciano ad un testo che lascia spazio alla riflessione, dimostrando ancora una volta la versatilità e l’abilità narrativa dei Ferrinis. Il singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Alessandro Murdaca, anticipa il secondo album in studio del duo, “Twins”, un album composto da 10 brani inediti che si preannuncia come un ritratto musicale sincero e immediato, capace di trasformare in forma canzone le differenti e complesse sfumature del mondo contemporaneo. Con 'Twins', i Ferrinis portano avanti un percorso artistico che unisce stile e contenuto, spingendo il loro sound verso nuove direzioni senza mai perdere di vista ciò che li ha resi riconoscibili fin dal debutto: creare musica che parla alle nuove generazioni senza dimenticare la tradizione. “Coca e Malibù” è il segno tangibile di una carriera che non ha paura di rinnovarsi. Maicol e Mattia Ferrini trasformano ogni progetto in una storia che si insinua con naturalezza nel quotidiano del pubblico, rendendo ogni release un tassello significativo della loro crescita. Con l’energia di questo singolo, i Ferrinis ci ricordano che, nella musica come nella vita, sincerità, autenticità e ritmo possono convivere in perfetto equilibrio.

Dopo un anno che lo ha visto protagonista con una serie di release che hanno conquistato l’attenzione del pubblico e della critica, Eric Mormile torna con l’album “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte”, un grido di resistenza che nasce dalle radici e parla al futuro. In un periodo storico dominato da incertezze e contraddizioni, questo lavoro rappresenta una voce lucida e consapevole che parla senza filtri a chi vive e si confronta con il nostro tempo. Con influenze che spaziano dagli Yes ai Rush, passando per Peter Gabriel e Phil Collins, il disco offre una narrativa che sovverte le regole di un gioco sempre più individualista ed elitario, convertendo, con una visione ampia ed inclusiva, le difficoltà in resilienza, parola chiave di un progetto che va oltre la musica, diventando un’importante e necessaria riflessione sulla società contemporanea ed i suoi temi fondamentali: dall’ambiente alle incertezze globali, dal razzismo all’emigrazione, dall’amore per gli animali alla ricerca di identità in un’epoca sempre più frenetica e spersonalizzante. Un concept album che fonde musica e significato, e che oltre a raccontare le esperienze dell’artista si fa portavoce di una collettività in cerca di soluzioni e risposte, abbracciando sonorità moderne e tradizionali con l’inconfondibile impronta cantautorale che contraddistingue l’artista partenopeo sin dall’esordio. La velocità con cui cambiamo, l’impatto delle scelte quotidiane sul nostro futuro e il desiderio di trovare uno spazio incontaminato in cui riconoscerci sono i temi centrali di un disco che è un vero e proprio canto di battaglia ed il cui titolo, La terra suona nei tempi difficili, si fa manifesto del coraggio di affrontare le difficoltà del presente con consapevolezza, invitandoci a ritrovare forza nelle nostre radici e a guardare avanti con determinazione. L’album, interamente prodotto da Nino Pomidoro con artwork a cura di Diana De Luca, si compone di undici tracce e la sua uscita è supportata dal videoclip ufficiale della focus track che dà il titolo al disco, “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte”. Questo brano, il più breve ma anche uno dei più intensi del progetto, rappresenta il punto di convergenza dei messaggi del disco, combinando con maestria riflessione e potenza espressiva in un inno collettivo che invita a combattere le difficoltà del presente con tenacia e coesione. Diretto da Michele de Angelis, il video amplifica la portata simbolica della canzone, aggiungendo una dimensione visiva che esalta il dialogo tra radici e futuro. «Ogni brano di questo album è una parte di me, ma anche uno specchio del nostro tempo – dichiara Mormile -. Spero che queste canzoni possano essere una guida per chi affronta le proprie paure e cerca un futuro migliore.» A seguire, tracklist e track by track del disco. “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte” – Tracklist: 1. Stuta 'a Luce 2. Figlie d’ 'a Fonte d' 'e Suone (feat. friends) 3. 'O Quatto 'e Maggio 4. Ioca Ancora 5. Sciure 6. Lla Ffore 7. Cchiù Vicine 8. Nu Rider 9. Mano e Zampa 10. Guerriero 11. 'A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte (feat. Nino Pomidoro) “A Terra Sona Int’ ‘e Tiempe Stuorte” – Il disco raccontato dall’artista: “Stuta ‘a Luce”: brano che apre il disco e uno dei primi incisi. “’Stutà ‘a luce’” vuol dire spegnere l’attenzione verso quei personaggi di spicco che comunicano solo urlando per dire nulla. È un invito a scegliere cosa merita davvero il nostro tempo. Musicalmente parlando, mi sono ispirato agli Yes di "90125" e ai Rush di "Moving Pictures". “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”: singolo apripista del disco. Un brano autobiografico che racconta come la musica possa diventare l’arma per combattere le difficoltà giornaliere e una forma di unione capace di superare ogni barriera. Si tratta di un brano estremamente autobiografico. In un mondo difficile in cui anche il discorso di fede è confusionario, c’è chi rinuncia a credere in una determinata religione e persino all’amore come forme di unione. Tuttavia c’è anche chi trova nella musica quell’alternativa e quel bene superiore capace effettivamente di unire le persone di ogni etnia, gusto sessuale, e diversità generale. Su questo brano ho avuto la collaborazione ai cori di Milena Setola, Giusy Lo Sapio, Attilio Apa e Giuseppe Toscano. Alle percussioni è presente Luca Guida con lo shaker. Musicalmente è un brano ispirato da Phil Collins e i Mr. Mister di “Pull”. “‘O Quatto ‘e Maggio”: ispirato alla tradizione napoletana del 4 maggio, il giorno delle scadenze dei contratti di affitto e, di conseguenza, dei traslochi. È una metafora per dire che è il momento di cambiare vita e inseguire i propri sogni, con il coraggio di affrontare l’imprevedibile. Da grande tifoso del Napoli quale sono, ho inserito nel testo anche una citazione riguardo al 4 Maggio 2023, data dello storico terzo scudetto, per dire che il coraggio di correre il rischio può anche portare al successo. Una scelta impegnativa che prevede senso di grande resilienza, che mi è però stata ispirata dalla storia di un amico che lo ha fatto davvero, abbandonando il suo lavoro per dedicarsi alla sua arte h24, riuscendoci. È probabilmente il brano che più ha toccato i miei amici artisti che seguono il mio percorso. Musicalmente, è un vero e proprio tributo agli Yes di “90125”. “Ioca Ancora”: un invito a ricordare l’importanza del bambino che è in noi. Il gioco è fondamentale per affrontare le battaglie della vita con leggerezza. Su questo brano ho realizzato un lyric video con tutta una serie di foto di me da piccolo, che vanno da un periodo compreso tra il 1994 e il 1999, e qui compaio con i miei genitori, mia sorella Irene, e i miei nonni Domenico, Anna ed Enrico. Musicalmente, è un pezzo fortemente influenzato da Peter Gabriel, Patrick Leonard, Kevin Gilbert e i Tears For Fears. “Sciure”: traccia che affronta il tema del razzismo con determinazione. Combattere per accogliere e accettare il diverso è essenziale per costruire un futuro migliore. Il razzismo è un problema purtroppo ancora tanto attuale nonostante tutto quello che è stato fatto nel tempo. In particolare, nel nostro Paese, è un cancro che sta tornando e che bisogna estirpare a tutti i costi. Musicalmente, mi sono ispirato ai No Reason Given di Kevin Gilbert e ai Rush. “Lla Ffore”: una celebrazione del coraggio di emigrare per trovare nuove opportunità. Andare via può essere una scelta di amore verso sé stessi. La scrittura del testo viene da tante persone a me vicine che hanno vissuto questa situazione e me ne hanno parlato. Ne ho raccolti così tanti di racconti che a un certo punto l’unico modo per liberare tutte queste emozioni è stato tradurle in musica e parole. Alle percussioni è presente Luca Guida con il sonaglio. Musicalmente, mi sono ispirato a Phil Collins, Patrick Leonard, Kevin Gilbert, i Mr. Mister di “Pull” e i Tears For Fears. “Cchiù Vicine”: questo pezzo celebra la passione, sia nella sua forma amorosa che nella libera pratica. Il sesso è da sempre l’antistress per eccellenza, che sia occasionale o parte di un sentimento consolidato. Alle percussioni è presente Luca Guida con il sonaglio. Musicalmente, è un brano ispirato ai Mr. Mister di “Pull”. “Nu Rider”: un omaggio ai rider e alle loro vite difficili. Un lavoro duro, ma fatto con dedizione e amore per i propri cari. Racconto la storia di un uomo che sotto qualsiasi condizione fisica, psicologica e metereologica, continua a fare questo lavoro difficile per mantenere una figlia, una famiglia o una moglie/fidanzata. Per scrivere, ho avuto bisogno di documentarmi e chiedere a Luca Guida, un mio carissimo amico che ha fatto questo mestiere. Da quello che mi ha spiegato, ne ho ricavato una parte di testo e trovare la motivazione che spinge a compiere certe scelte è stato abbastanza facile. Sopportare anche grande sofferenza pur di sapere che dall’altro lato si sta dando un domani ai propri cari. Una storia fittizia insomma, o forse no, perché ho probabilmente descritto, in modo sensibile e solidale, la situazione di molti rider del nostro Paese. Luca è anche presente su questo brano alle percussioni con lo shaker. Nel lyric video che ho realizzato, ho inserito delle riprese velocizzate di strada per dare quel senso di fretta che prova chi fa le consegne. Musicalmente, è forse il brano tra tutti quelli che ho scritto più influenzato da Peter Gabriel e Patrick Leonard. “Mano e Zampa”: una dedica all’amore per gli animali domestici. Non riuscirei neanche a contare tutte le volte che sono tornato a casa, magari preso male dopo una lunga giornata, dimenticando tutto nel momento in cui ho visto la mia gatta Tiffany accogliermi con le sue fusa perché le ero mancato. La resilienza è anche questo, combattere i malumori che ci vengono dalla quotidianità con l’amore dei nostri animali domestici. Questa è una storia molto personale, ma so di non essere l’unico a pensarla in questo modo. Ecco perché nel lyric video di questa canzone compaiono una ventina di persone a me care, tra amici e parenti, con i loro pelosetti. Musicalmente, è un brano ispirato ai Rush di “Hold Your Fire”. “Guerriero”: secondo singolo del disco, il testo di questo brano risale al 2018, la musica è nata un po’ di tempo dopo, ma per settembre 2020 era sicuramente già la prima demo effettivamente completa. Torna nuovamente il tema del fare affidamento sulle proprie forze come unica via d’uscita da una situazione difficile. Non avendo mai effettivamente specificato nulla nel testo, questo può essere letto su più livelli. Qualcuno mi ha detto come questa canzone sembri un incoraggiamento verso chi prova ad uscire da una tossicodipendenza o combattere una grave malattia, ma ciò che ha ispirato il testo è qualcosa di molto più leggero. Come già anticipato prima, tifo Napoli, e alla fine della stagione 2017/2018 come molti tifosi sentivo quella sensazione di delusione mista a rabbia per quello che tutti pensiamo essere stato il furto calcistico del secolo. Quindi, questo brano, lo scrissi per dire “Ora siamo a terra, ma risorgeremo e torneremo più forti di prima se ci crediamo davvero”, e direi che a giudicare da ciò che è successo nel 2023 la mia predizione è stata corretta. Alle percussioni, è presente Luca Guida con shaker e sonaglio. Musicalmente parlando, è una canzone ispirata a Phil Collins e ai Toy Matinee di Patrick Leonard e Kevin Gilbert. “'A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte”: è il brano che dà il titolo all’album, un canto di battaglia per combattere le difficoltà con determinazione. Una fusione tra canzone popolare e sonorità indiane che invita a prendere consapevolezza dei problemi e del fatto che provare a superarli significa mettersi in prima linea per combatterli. La seconda strofa è un riassunto di tutti i temi testuali trattati nell’album. Avevo in mente questa canzone da un bel po’ di tempo e sono consapevole del quanto sia atipico rispetto a ciò che generalmente scrivo. Prima ancora di concepire l’intero disco, ebbi modo di ascoltare “Wellerman” nella versione di Nathan Evans, e pensai subito che volevo scrivere anche io qualcosa di così melodico e immediato, come se fosse un antico brano popolare, mantenendo comunque una linea musicale e artistica affine a ciò che faccio. Non sapevo ancora di cosa parlare, ma sicuramente, animalista e ambientalista quale sono, non avrei mai potuto scrivere della caccia alle balene come fatto positivo come appunto fece Wellerman. Nel giugno 2023, scrissi il testo, avendo ormai tutte le altre canzoni complete e sapendo come rendere questo un brano musicalmente essenziale, che avrebbe dato il titolo al disco e di fatto lo avrebbe spiegato. Nello stesso anno, curiosamente, spopolò “Malatia” di Ciccio Merolla, un pezzo sentimentale come molti presenti nella cultura napoletana, ma di fatto pensato dal punto di vista dell’arrangiamento nello stesso semplice modo, un coro e una percussione. Mi sono occupato io stesso di tutte le parti corali e volevo inizialmente tenere solo una classica cassa in 4, ma quando Nino Pomidoro, produttore di tutto questo disco, ha sentito il brano, lui che è un percussionista se ne è innamorato a tal punto da propormi un vero e proprio featuring. E devo dire che le sue percussioni hanno dato una visione più vicina al me artista, poiché con una semplice cassa in 4 sarebbe stato un brano popolare a tutti gli effetti, ma con le sue parti di tabla e tamburi vari è diventato un vero e proprio pezzo sperimentale che fonde la canzone popolare con le sonorità indiane. Con "A Terra Sona Int' 'e Tiempe Stuorte", Eric Mormile conferma la sua capacità di raccontare e raccontarsi. È un disco che non è solo una raccolta di canzoni, ma un viaggio attraverso i temi più attuali e significativi del nostro tempo, con uno sguardo rivolto al futuro e radici ben salde nella tradizione.... Continua a leggere

Dopo un 2023 ricco di soddisfazioni e release, tra cui il primo progetto full length “Pop & Ultraslim”, l’EP “Into The Wild” e una lunga serie di fortunati singoli come “Cilecca (Aurora scusa)” - che ha attirato l’attenzione di testate e agenzie nazionali come Leggo ed ANSA – e una magistrale cover pop-punk di “All’ultimo respiro” dei Club Dogo, Extrasistoli torna con “POV” (Daylite), brano che chiude il 20024 per aprire ufficialmente il percorso verso il suo prossimo disco. “POV”, acronimo di Point of View, è una canzone in cui fluisce la nostalgia di un’adolescenza vissuta tra speranze, errori e piccole gioie quotidiane, una riflessione sui ricordi che ci formano e ci accompagnano, anche quando il tempo ci allontana dalle persone e dai luoghi che un tempo ci appartenevano. Il pezzo, nato in una notte di fine ottobre 2023, è il risultato di un’intuizione fulminea tra Extrasistoli e il suo produttore Treccio, trasformata in una melodia che, come un caldo abito in velluto, veste l’anima di un’intera generazione. «Abbiamo scritto “POV” di getto, spinti da una connessione quasi paranormale – racconta l’artista –. È un brano che custodisce momenti preziosi, come quelli in cui la vita era più semplice e le scelte sembravano lontane, una cosa da adulti. Non volevamo che restasse fermo in un cassetto. La musica, quella vera, non può aspettare.» “POV” trova il suo spazio tra orecchie e sentimenti raccontando momenti apparentemente semplici con quella sincerità e quell’onestà appannaggio di chi sa scavare dentro sé privo di filtri e maschere, senza il timore di trasformare le ferite in spiragli di luce, i sogni infranti in opportunità di crescita e i desideri ancora cuciti sul cuore in fondamenta del proprio futuro. Dal verso d’apertura «Il cancello di un garage, la porta dell’Old Trafford e noi tutti Ronaldo» che dipinge l’innocenza delle ambizioni giovanili, fino al ritornello «Point of view, hai 15 anni o poco più, va tutto bene con lo zaino di scuola che pesa e nonna che ti chiede di farle la spesa», il brano si muove tra immagini quotidiane e riflessioni personali che trascendono tempo e mode, restituendo un affresco intimo, capace di riportare alla luce ricordi ed emozioni di un capitolo di vita fatto di genuinità, leggerezza e speranze. Dal punto di vista puramente musicale, la traccia si caratterizza per un arrangiamento che unisce il calore del pianoforte ad una produzione ricercata, in grado di fondere influenze pop e indie in un contesto attuale e avvolgente. Ogni nota è pensata per amplificare il messaggio del testo, creando un equilibrio perfetto tra melodia e parole. Con “POV”, Extrasistoli non solo chiude il 2024, ma apre la strada al suo prossimo disco, un progetto che promette di consolidare la sua posizione tra le voci più promettenti del panorama indie italiano. Dopo un biennio che lo ha visto protagonista tra le audizioni a Sanremo Giovani e le collaborazioni che spaziano dal pop punk alla tradizione cantautorale, l’artista romano dimostra ancora una volta la sua versatilità e la sua abilità nello scrivere e interpretare canzoni che catturano istanti e sensazioni, tessendo narrazioni sospese tra emozione e realtà, confermando così un percorso che guarda avanti senza mai dimenticare le proprie radici. «"POV" è il punto di partenza per raccontare un viaggio più grande – conclude Extrasistoli –. È il primo capitolo di una storia che spero arrivi a chi guarda al passato con malinconia, ma anche con gratitudine.» Unendo la forza della narrazione al desiderio di innovazione, Extrasistoli si conferma come una delle realtà più interessanti della scena musicale indie italiana. “POV” è il suo invito a rallentare e a riscoprire il valore dei ricordi, senza paura di abbracciare ciò che ci ha resi quello che siamo per poter scrivere con consapevolezza nuove pagine della nostra storia.

Dopo aver superato i 240.000 stream su Spotify e le 100.000 views su YouTube con “Amore Toxic”, anche grazie alla partecipazione di Giacomo Giorgio (Mare Fuori) e Brunella Cacciuni (Il Collegio), e dopo la collaborazione con DANDY TURNER nel singolo “Attimo”, zatta è pronto a stupire il suo pubblico sempre più numeroso e variegato con il primo progetto full length, “Vergine d’Amore”, un concept album dalle sonorità urban-pop che si muove con naturalezza tra pop e rap, unendo introspezione e ritmo in otto tracce che tessono il fil rouge di un racconto onesto, fatto di amore, rimpianti e speranza, capace di unire e parlare a più generazioni con una sensibilità e un’eleganza che trovano un legame immediato con gli ascoltatori. Un titolo emblematico per un’opera che si colloca nell’era delle contraddizioni: da un lato, un mondo che corre veloce e vive di superficialità; dall’altro, la ricerca di un amore sincero e privo di filtri e costruzioni, spesso intrappolato tra ricordi e sogni infranti. “Vergine d’Amore” è un progetto che si pone come uno specchio delle emozioni di un’individualità sempre più marcata, ma al contempo sacrificata sull’altare dell’apparenza collettiva, traducendo in musica quei momenti di vita che segnano, trasformano e si imprimono tra le cicatrici e le pieghe dell'anima, spingendoci però a guardare avanti, anche quando tutto sembra fermo dentro di noi e frenetico al di fuori. Ciascuno degli otto brani che compone il disco presenta un’identità ben definita, raccontando frammenti di vita che parlano di relazioni, cambiamenti e del peso delle scelte, in un intreccio magistrale di melodie e parole che resta addosso come un abito cucito ad hoc sul cuore, che segue il ritmo delle emozioni e si adatta ai percorsi unici di chi lo ascolta. «"Vergine d’Amore" – spiega zatta - è un progetto che nasce da esperienze personali, dai miei vent’anni vissuti tra sogni, errori e voglia di guarire dalle ferite del passato. È un viaggio che voglio condividere con tutte le persone che si sono sentite perse, e che ora sono pronte per ritrovarsi.» Un album che si svela traccia dopo traccia, aggiungendo di volta in volta un tassello ad una narrazione sulle fragilità, i legami e i cambiamenti, per restituire un mosaico di vissuto che ci ricorda tutta la strada percorsa per farci scoprire, con meraviglia ed un sorriso, che il passato non va rinnegato né rimpianto, ma convertito in un trampolino di lancio per tuffarsi nel futuro, in un domani più chiaro e consapevole. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Vergine d’Amore” – Tracklist: 1. Vergine d’Amore (Intro) 2. Attimo (con DANDY TURNER) 3. In Due 4. Quinto piano (Remastered 2024) 5. Scusa Mary 6. Parlano di me (feat. Biancamare) 7. Salice 8. Domani “Vergine d’Amore” – Track by track: “Vergine d’Amore (Intro)”: un’introduzione che incanta, con l’eleganza del pianoforte a fare da culla ad un testo malinconico e personale. «Scrivo il mio futuro con una matita, ma due secondi e la mina è sparita»; un’immagine delicata e struggente che racchiude la precarietà dei sogni e delle aspettative, simbolo di una generazione in bilico tra speranza e disillusione. “Attimo” (con DANDY TURNER): la traccia che ha aperto la strada al disco, un pop malinconico ma al tempo stesso ballabile che racconta gli stati emotivi che si susseguono dopo la fine di una relazione. Nel ritornello, «questione di un attimo, poi ripensi a me e io ripenso a te», fluisce la lotta, il conflitto tra orgoglio e nostalgia. “In Due”: il racconto intimo di una storia d’amore che, pur giunta al capolinea, continua a vivere nei ricordi. Versi come «Se stanotte fosse l’ultima che noi passiamo in due, avrò sempre il bel ricordo in mente fisso di noi due» riflettono un’ultima notte tra passione e addio. “Quinto piano (Remastered 2024)”: un brano iconico della carriera di zatta, che con oltre 80.000 stream si presenta in una veste rinnovata. «Ti ho sempre dato il meglio, ma il mio meglio non ti basta»; strascichi di un amore consumato tra rimpianti e orgoglio. “Scusa Mary”: un pezzo di profonda sincerità in cui l’artista si scusa per gli errori commessi: «scusa Mary, forse non sai che mi manchi». Una confessione sincera, amplificata dalla disillusa ammissione «ci siamo incontrati dappertutto ma non c’è mai stato un nostro punto di incontro»; un riconoscimento dolceamaro delle distanze mai colmate, nonostante le occasioni. “Parlano di Me” (feat. Biancamare): la traccia più rap dell’album, un richiamo agli anni ‘90-‘00 che non dimentica di dialogare con l’oggi. «Ogni volta che ci provo sono in bilico», la ricerca equilibrio tra passato e presente, arricchita dalla voce di Biancamare che aggiunge eleganza e profondità, impreziosendo il brano con sfumature che lo rendono senza tempo. “Salice”. Ritmata ma malinconica, “Salice” parla di una separazione difficile: «un salice non fa frutti, ma tu sei chiusa come gusci». Un gioco di contrasti tra musica e testo che amplifica il senso di perdita e distanza, lasciando spazio alla riflessione. “Domani”: l’ultimo brano del disco è un addio intriso di dolcezza: «e oggi penserò a te, però domani chissà se mi passerà». Una chiusura poetica che invita a guardare avanti, nonostante il peso dei ricordi. Con una voce che si muove tra rap e melodia, e una capacità narrativa che intreccia arte e musica, zatta riesce a connettersi con il pubblico in modo unico e del tutto personale, trasformando le proprie esperienze in immersioni musicali per tutti coloro che hanno vissuto l’amore, i suoi contrasti e le sue conseguenze. "Vergine d’Amore" è un ritratto sincero di una generazione che cerca di ritrovarsi tra nostalgia, errori e nuove possibilità. Con questo debutto, zatta si conferma una voce da tenere d’occhio nel panorama urban-pop italiano.... Continua a leggere

Dopo aver incantato pubblico e critica con i suoi primi due album “Dawn” e “Songs”, il chitarrista jazz Edoardo Baroni torna a raccontare la musica fondendo accordi e sentimenti in “By Heart” (Clockbeats), il suo terzo progetto full length. Dieci tracce che celebrano l’essenza della chitarra jazz classica e semiacustica, tra composizioni originali e omaggi a giganti del passato, confezionando un disco che unisce virtuosismo, emozione e una straordinaria sensibilità artistica. Con questo nuovo lavoro, prodotto dall’immancabile tocco di Dario Mollo, il chitarrista bresciano – già apprezzato per la sua versatilità e la capacità di reinventare capolavori della tradizione musicale – culla l’ascoltatore, guidandolo in un percorso intimo, dove tecnica e sentimento si incontrano. Edoardo Baroni intreccia melodie intrise di eleganza, costruendo come un vero architetto del suono un ponte tra passato e presente, e donando nuova vita ad ogni singola nota suonata. Un viaggio di dieci tappe tra originalità e tributi senza tempo, per una tracklist che si distingue per varietà e ricercatezza. “By Heart” si apre con “Let off steam”, un’esplosione di energia che richiama le atmosfere della musica manouche – accompagnata dal videoclip ufficiale diretto da Alberto Baroni e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 -, per poi immergersi nelle trame di uno degli standard jazz più amati, “All the things you are”, reinterpretato con uno stile personale e raffinato. Con “Monsieur G.C.”, Edoardo rende omaggio al M° Gerardo Chimini, suo insegnante di pianoforte complementare, condividendo il suo amore per la musica di Claude Debussy e Maurice Ravel. L’influenza dei grandi compositori francesi traspare con grazia e si avverte come un caldo abbraccio che riscalda e protegge il cuore, creando un connubio magistrale tra jazz e impressionismo musicale. Tra le tracce più emblematiche dell’opera troviamo “Echoes of Spain”, una rivisitazione di Django Reinhardt, chitarrista simbolo per Baroni e argomento della sua tesi di laurea in conservatorio. L’album ospita anche una dedica speciale: “Silvia”, un gesto d’amore e intimità rivolto alla sua compagna, in cui la chitarra si fa voce delle emozioni più sincere. Ulteriore gemma del disco è “While We're Young”, capolavoro di Wes Montgomery che Edoardo interpreta con una chitarra semiacustica, accompagnata dall’inconfondibile amplificatore Fender Blues Deluxe. Questa traccia è una sofisticata celebrazione di uno degli artisti più iconici della storia del jazz, che arricchisce l’album con un tocco di classicità e calore. La title track “By Heart” rappresenta l’anima dell’intero progetto, un brano originale che racchiude gli elementi ricorrenti delle improvvisazioni dell’artista, ora fissati in una forma canonica. Il finale è un omaggio a Johann Sebastian Bach, con due versioni differenti del preludio “BWV 999” e una commovente interpretazione della “Partita BWV 1004”. Per Edoardo, la musica è un atto d’amore, come lui stesso spiega: «Con “By Heart” ho voluto condensare tutto ciò che mi rappresenta. È un album che nasce dal cuore, un lavoro in cui ho cercato di unire tecnica e emozione, omaggiando i grandi compositori che mi hanno ispirato e cercando di esprimere la mia visione musicale attraverso brani che sento miei, anche quando interpretati.» La copertina, un’opera d’arte per un disco d’arte, è un regalo speciale dell’artista serbo Ivan Bjorn, conosciuto da Edoardo in occasione di un concerto in una galleria d’arte a Bergamo. Da quell’incontro è nata una profonda amicizia, culminata in questo gesto di generosità, che racchiude perfettamente l’anima del progetto. Con una carriera che l’ha portato a scalare le classifiche di Amazon Music con i precedenti album e ad insegnare in prestigiosi conservatori italiani, Edoardo Baroni si conferma una figura centrale nella scena della chitarra jazz contemporanea. A conferma della portata internazionale del suo talento, Edoardo Baroni sarà protagonista di sei date in Giappone a fine luglio 2025, tra cui un’esibizione speciale il 24 luglio all’Expo di Osaka. Un’occasione unica per portare la magia di “By Heart” nel Paese del Sol Levante, dove il chitarrista bresciano è pronto ad affascinare il pubblico, confermando l’universalità del suo linguaggio musicale e la capacità di connettere culture attraverso le corde della sua chitarra. Il tour toccherà alcune delle città più affascinanti del Giappone, regalando agli appassionati un’esperienza indimenticabile. “By Heart” è un itinerario emozionale e artistico, un racconto intessuto di virtuosismo e passione che riflette l’essenza di un artista capace di parlare e di toccare le corde del cuore attraverso quelle della sua chitarra.

Prima chitarrista italiana a specializzarsi nello stile jazz manouche, genere che fonde il virtuosismo del jazz con le ritmiche della chitarra francese, Melamanouche si è sempre distinta per il suo approccio innovativo e versatile. Dopo l’esordio nei digital store con “Un dio”, la raffinata artista milanese torna ora con “No Contact”, un singolo che valica i confini del suo genere di appartenenza per abbracciare sonorità pop, senza rinunciare all’eleganza e alla qualità artistica che l’hanno resa un punto di riferimento. Magistralmente arrangiato e prodotto ai Phaser Studios da una prima versione composta con Gabriel Otoya, “No Contact” nasce dall’esperienza della pandemia, quando il distanziamento sociale ha ridefinito il concetto di contatto, sia fisico che emotivo. Una riflessione intima e personale, ma al contempo condivisibile da tutti, che attraverso parole e musica, affronta il vuoto lasciato da relazioni interrotte e il desiderio di ritrovare un’alchimia pura e sincera. «Il no contact si vive quando una relazione non funziona più, ma le sue tracce rimangono dentro di noi, amplificate dall’assenza e dall’immaginazione - racconta Melamanouche -. Questo brano è un invito a credere ancora nella possibilità di un contatto genuino, veritiero e profondo, anche quando tutto sembra perduto.» Il testo si muove tra immagini emblematiche e introspezione, raccontando il limbo emotivo di chi si trova a vivere una “presenza assenza” che destabilizza: «Le tue mani come ali di carne sanno guidare tutto ciò che mi appare, sanno cucire tutto ciò che fa male». Una polaroid dai contorni sbiaditi che nella sua poetica crudezza disarma sensi e speranze, condensando in poche righe il potere del contatto umano, capace di ferire e al tempo stesso di curare. La narrazione si intreccia con la realtà vissuta durante il lockdown: «Tutti in strada a far la fila, sembra una follia collettiva, e mentre tutto il giorno è pandemia, il tuo sguardo vola via». Queste parole racchiudono e danno voce all’alienazione collettiva di un mondo sospeso, dove il bisogno di interconnessione è accentuato dalla distanza forzata. Quello di Melamanouche è un talento che rompe gli schemi: dopo anni di carriera dedicati alla diffusione del jazz manouche in Italia, l’artista lombarda ha scelto di esplorare nuove possibilità espressive, permettendo alla sua musica, e ancora prima a se stessa, di varcare quei confini che ancora troppo spesso ci relegano a definizioni che non ci appartengono; abiti, maschere e corazze che ci cuciamo addosso per proteggerci, difenderci, e a volte, sabotarci. Per Melamanouche questa sperimentazione non è il frutto di una strategia pensata a tavolino, non è una scelta forzata compiuta per moda, bensì una necessità artistica, nata dall’urgenza espressiva di integrare il suo stile unico e fortemente riconoscibile ad elementi pop accessibili a tutti, mantenendo sempre intatta la sua identità musicale. Il jazz manouche, nato nella Parigi degli anni '30 grazie al genio di Django Reinhardt e noto anche come gypsy jazz, combina l'antica tradizione musicale gitana, le ritmiche della chitarra francese e lo scat americano. Un genere ricco di virtuosismi e melodie suggestive, che Melamanouche ha fatto proprio, reinterpretandolo con un approccio originale e contemporaneo. «Non ho mai visto i confini tra i generi come un limite - conclude l’artista -. Con “No Contact” ho voluto raccontare qualcosa di condivisibile da tutti, e per farlo ho seguito l’ispirazione del momento, senza rinunciare a ciò che sento rappresentarmi e mi rende unica.» “No Contact” è un progetto che guarda oltre e, per poterlo fare, entra nell’anima per renderla consapevole della sua natura. È una carezza, un manifesto artistico che riflette la condizione di tutti noi in un mondo sempre più frammentato. In un’epoca in cui la tecnologia ha accorciato le distanze fisiche ma amplificato quelle emotive, il brano invita a riscoprire il valore del vero contatto, quello che va oltre la superficie. L’uscita del singolo è accompagnata da un calendario di live imperdibili: Giovedì 12 dicembre: Le Chat Noir, Milano Sabato 21 dicembre: Frisà Bistrò, Milano Rassegna mensile: Casa di Alda Merini per l'Associazione Acim, Milano Con il suo talento straordinario e la sua capacità innata di emozionare, Melamanouche continua a stupire, confermandosi come una delle artiste più originali e versatili della scena musicale italiana.

Dopo l’emozionante esordio con la ballad “Spine” e la successiva immersione in sonorità deep dalle sfumature elettro-dark “Ballare In Silenzio”, LEONARDO torna con "Sette Minuti", il suo nuovo singolo che affronta un tema intimo e delicato: la teoria secondo cui, nei sette minuti antecedenti alla morte, nonostante il cuore abbia smesso di battere, il cervello continuerebbe la propria attività elettrica, ripercorrendo i momenti più salienti e significativi della nostra intera esistenza terrena. Con sonorità pop attuali e coinvolgenti, impreziosite da un immancabile tocco di elettronica, "Sette Minuti" fonde perfettamente una riflessione malinconica con un ritmo incalzante, invitando l’ascoltatore a ballare anche sulle note di un argomento così sensibile. LEONARDO racconta la sua visione di questo lasso di tempo così misterioso e affascinante, sottolineando quanto ogni istante della vita sia prezioso e quanto sia importante non lasciarsi sfuggire l’occasione di vivere intensamente. «La vita corre e non la puoi fermare» canta l’artista, con una consapevolezza che arriva dritta all’anima, ricordando a tutti che il tempo è tiranno, e ciò che conta davvero sono i momenti che assaporiamo fino in fondo e le persone con cui li condividiamo. «Ho scritto questo brano come terapia personale per elaborare un lutto molto importante – spiega –. I "sette minuti" sono una metafora: ci raccontano che il tempo potrebbe essere poco, quindi dobbiamo smettere di rimandare e agire, senza rimpianti.» Una considerazione che, seppur nata da un momento molto doloroso, diventa un appello a non avere paura di esprimersi e a non sprecare le opportunità che la vita ci offre. Il testo, raffinato e toccante, ci guida attraverso una serie di immagini: «Sospeso, tra l’addio e l’eterno, tra il paradiso e l'inferno, il tempo rallenta fino a sembrare fermo», recita uno dei passaggi più suggestivi e poetici, incarnando quel limbo tra la vita e la morte, tra il passato e il presente, tra ciò che poteva essere e ciò che è stato. LEONARDO riesce a condurre con naturalezza una narrazione che ci porta a riflettere su cosa siamo stati e su quanto ogni ricordo, anche doloroso, abbia un valore inestimabile. «Sette minuti è tutto ciò che rimane, quanto è importante, quanto davvero vale» diventa il mantra di una canzone che ci esorta a cogliere l’attimo e a lasciarci andare senza rammarichi. Un brano per chi vuole vivere fino all'ultimo respiro, un viaggio introspettivo che racconta la voglia di sperimentare e sperimentarsi appieno, ben oltre l’esistere come atto passivo, senza lasciarsi sopraffare dalle paure e dalle indecisioni. LEONARDO riesce, con la sua musica, a trovare il giusto equilibrio tra l'intensità dei sentimenti e la voglia di muoversi, coinvolgendo l'ascoltatore in un mix di emozioni contrastanti ma complementari. «Voglio che questo pezzo spinga chi lo ascolta a non perdersi nei pensieri negativi e nelle paranoie che spesso ci frenano – conclude –. La vita è troppo breve per non viverla fino in fondo.» Il 2023 ha segnato il debutto di LEONARDO con "Spine", una ballad pop che ha subito colpito per la sua indole emotiva, seguita, a maggio 2024, dal più ritmato “Ballare in Silenzio”, che porta alla luce il malessere interiore attraverso sonorità elettro-pop. Ora, con “Sette Minuti”, l’artista riconferma la sua versatilità e la sua capacità di intrecciare testi intensi e personali a sonorità moderne e orecchiabili. Nato nel 1999 a Varese, LEONARDO ha iniziato il suo percorso musicale all'età di 14 anni, per poi spostarsi a Milano, dove ha studiato pianoforte e perfezionato le sue tecniche compositive. Influenzato da generi diversi, dal cantautorato italiano al pop internazionale, il suo stile si caratterizza per la fusione di questi mondi, creando un sound unico e riconoscibile. Con “Sette Minuti”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Greta Frigerio, il cantautore lombardo si afferma ancora una volta come una delle voci più interessanti del panorama musicale contemporaneo, riconfermandosi un artista capace di sorprendere con la sua abilità di raccontare la vita e le emozioni in maniera semplice, ma al tempo stesso profonda e mai banale. Con questo singolo, LEONARDO ci invita a non lasciare che il tempo scivoli via inutilmente, ma a vivere ogni istante come se fosse l'ultimo.

Un brano che nasce da una necessità personale e si trasforma in una riflessione condivisa. "Line Art" (Milano Music Records), il nuovo singolo di Simone Berti, racconta la complessità dei rapporti, dove l’autenticità spesso si scontra con il peso delle esperienze passate. Una canzone che parla di distanze, di ricordi che segnano e della difficoltà di trovare una connessione quando si decide di aprirsi davvero. "Line Art", perfetto seguito di “Dentro ai tuoi occhi - Non vedo più”, “Il Diario Dello Stupido” e “Coincidenze Viola”, si muove tra immagini forti e parole che non lasciano spazio a interpretazioni. Simone racconta un momento di rottura, in cui il passato si insinua in una relazione, creando una distanza che appare incolmabile. Il brano, scritto dallo stesso artista a quattro mani con Ilenia Smedile, si apre con una richiesta di perdono: «Scusami, so che è tardi ormai. Non volevo mostrarti le ferite dentro me», quasi un sussurro che svela il lato più fragile di un rapporto. Questa confessione diventa il cuore pulsante del brano, una riflessione su come le cicatrici animiche – quei segni che spesso cerchiamo di nascondere – possano diventare una barriera o un ponte. Ma non sempre chi è dall’altra parte riesce a comprenderle. «In questo caso – spiega Simone – i miei “demoni del passato” non sono stati apprezzati. Questo ha creato una distanza, e nella canzone non si capisce se questa scelta sia stata fatta per proteggermi o per allontanarmi.» In un momento storico in cui il dibattito sulla salute mentale e sull'importanza di accettarsi per ciò che si è assume un ruolo centrale, "Line Art" si inserisce come un racconto sincero e attuale. Con delicatezza ed eleganza, Berti canta il peso delle ferite interiori e il complesso equilibrio tra il desiderio di essere accolti nella propria totalità e la paura di essere respinti. «Mostrare le proprie fragilità è un atto di coraggio – prosegue l’artista – ed è proprio da quel coraggio che nascono i legami più veri. Questo brano vuole essere una mano tesa a chi si sente solo di fronte alle proprie difficoltà.» Nel ritornello, Simone canta le tracce di un legame che non scompare, di un disegno che non si cancella, un tatuaggio nel cuore su cui sembra impossibile fare un cover up: «Lasciami fare una line art, tracce di te, tutto ciò che mi va», una frase che condensa l’intera accezione del pezzo. L’arte lineare, semplice e diretta, diventa una metafora per rappresentare ciò che resta di una storia d’amore, anche quando sembra dissolversi. È il desiderio di lasciare un segno, di catturare un ricordo che, nonostante tutto, continua a vivere. Ma la canzone non offre soluzioni semplici. Il testo si chiude su una nota sospesa: «Vorrei vedere soltanto te, perso tra sorsi di mille sake, ma sono qui e non so il perché». Un’immagine che racchiude il senso di smarrimento di fronte a un rapporto che non si riesce a lasciar andare. Il brano si fa spazio in un panorama musicale sempre più attento a raccontare le sfumature delle relazioni, senza filtri né facili idealizzazioni. In un’epoca in cui la comunicazione è spesso ridotta ad immagini perfette e narrazioni superficiali, "Line Art" spicca per la sua sincerità e per il coraggio di affrontare temi scomodi. «Ho scritto questa canzone inizialmente come un esercizio per sfogare le mie paure e cercare di gestirle – conclude Simone –, ma la realtà ha superato la finzione. Quella che era una situazione ipotetica è diventata concreta, e ho deciso di pubblicare il brano perché credo che in molti possano riconoscersi in queste emozioni. Quando vivi certi momenti ti senti solo, ma non lo sei mai davvero.» La produzione essenziale, arricchita da arrangiamenti che lasciano spazio all’emozione pura, si fonde ad una scrittura visiva e immediata che rende il singolo un piccolo gioiello, una traccia che culla i sentimenti feriti e coinvolge per la sua spontaneità, unendo semplicità e intensità in un equilibrio che cattura l’ascoltatore fin dal primo istante. Attraverso parole semplici ma incisive, "Line Art" trasforma la fragilità in una chiave per connettersi, ricordando a ciascuno di noi che dietro ogni silenzio o distanza c’è una storia che merita di essere ascoltata; una storia che, anche nei suoi frammenti più difficili, può trovare una voce per essere condivisa. Con "Line Art", Simone Berti ci consegna una canzone che va al di là del racconto personale, un’importante riflessione su cosa significa mostrarsi per intero, con tutto ciò che si porta dentro. Un gesto che richiede coraggio, ma che può aprire distese di comprensione e legami più veri. Simone continua a distinguersi per la sua abilità narrativa, lasciando una traccia che resta impressa, proprio come i tratti essenziali e indelebili di un disegno.... Continua a leggere

Ha solo 18 anni, ma Michela Dal Pozzo è già una delle voci più promettenti della nuova generazione musicale italiana. Dopo aver conquistato il primo premio nella categoria New Generation alla 27esima edizione del prestigioso Videofestival Live, la giovanissima cantante di Sondalo (SO) approda sui digital store con una versione personale e toccante di “Not About Angels” di Birdy, iconica colonna sonora del film “Colpa delle stelle” diretto da Josh Boon e interpretato da Shailene Woodley ed Ansel Elgort. Proprio come Birdy, Michela ha iniziato a farsi strada nel mondo della musica da bambina, mostrando un talento naturale e una capacità interpretativa a cui è impossibile rimanere indifferenti. Birdy aveva solo 12 anni quando vinse il talent britannico Open Mic UK, ed anche Michela, con i suoi 18 anni appena compiuti e un approccio alla musica avvenuto all’età di 6 anni, segue un percorso simile: fresca vincitrice di uno dei Festival più importanti del Belpaese – da cui sono partiti artisti come Mahmood, Thomas e Shari -, la Dal Pozzo riesce ad incantare con una vocalità straordinaria. Pur essendo così giovane, riempie il palco e l’anima di chi la ascolta, unendo una presenza scenica già ben definita ad un’essenza artistica che va ben oltre l’età e infonde anima ed emozione in ogni brano. Come Birdy ha fatto con "Skinny Love" e "Not About Angels", Michela porta alla luce un mondo interiore intenso, stratificato e coinvolgente, utilizzando la musica come strumento per raccontare se stessa e il proprio percorso. L’interpretazione che offre del pezzo è avvolta da un’eleganza straordinaria: l’essenzialità dell’arrangiamento, impreziosita dalle linee del pianoforte, permette alla sua voce angelica di esprimersi in tutta la sua pienezza, sfiorando orecchie e cuore con una naturalezza incredibile. Attraverso la musica, conduce l’ascoltatore in sentimenti di perdita, di forza ritrovata e di accettazione, creando un’atmosfera che invita a lasciarsi andare e a riscoprire la bellezza dei sentimenti. Misurarsi con il repertorio di Birdy è tutt’altro che semplice, ma Michela dimostra una maturità artistica che le consente di fare propria una canzone complessissima. “Not About Angels” non è un semplice brano d’amore; è una riflessione sulla sofferenza e sulla forza di ricominciare, un racconto in cui la speranza si affaccia dopo aver attraversato il dolore. «Questa canzone parla di un amore giunto ormai al termine e della sofferenza che questa perdita porta con sé – racconta l’artista -. La frase “It’s not about angels”, suggerisce che non si tratta di qualcosa di ideale, come gli angeli, ma di un’esperienza terrena, complessa e dolorosa. Questo brano per me rappresenta la forza che ognuno di noi possiede e che esercita per andare avanti; è la ripartenza dopo una delusione, più o meno grande, che permette comunque di comprendere meglio noi stessi, la nostra interiorità e il nostro essere vulnerabili, umani.» La giovane cantante fa suo il messaggio del brano, incoraggiando il pubblico ad accogliere tutte le emozioni che il percorso della vita ci dona, anche quelle che spesso vorremmo nascondere. Nata il 5 settembre 2006 a Sondalo, in provincia di Sondrio, Michela Dal Pozzo ha da sempre nutrito una passione per la musica e l’arte. Il suo percorso inizia con la danza classica e moderna, per poi arricchirsi con lezioni di solfeggio, canto e pianoforte. Attualmente frequenta il Liceo Musicale dell’Istituto Superiore Balilla Pinchetti di Tirano, continuando a perfezionare le sue abilità con corsi di canto privati. Negli anni, ha preso parte a numerosi stage formativi e concorsi nazionali, tra cui il Tour Music Fest al CET di Mogol, il premio “Orizzonti di Speranza” e il Tiziano Rossetti International Online Music Competition, portando a casa importanti riconoscimenti. La versione di “Not About Angels” da lei proposta è un momento di pura emozione, in cui talento e sensibilità giungono al cuore in assoluta completezza. Cantare Birdy richiede tecnica e delicatezza, ma Michela riesce a trasmettere una dimensione ancora più personale e autentica, facendo di ogni verso un’occasione per esprimere sé stessa e il proprio mondo interiore. «Voglio trasmettere a chi mi ascolta che provare tristezza, delusione, dolore fa parte del nostro percorso ed è per questo che diventa fondamentale accettare le nostre emozioni senza volerle mascherare o nascondere», conclude, ricordandoci che, per poter guarire, è necessario attraversare il dolore con coraggio, abbracciando ogni sfumatura della propria esperienza. Con questo progetto, Michela Dal Pozzo si conferma una promessa della musica italiana, portando alla luce una voce che sa essere intensa, pura e ricca di anima. “Not About Angels” non è solo una cover per lei, ma un invito a guardarsi dentro e trovare il coraggio di ripartire, senza mai nascondere le proprie emozioni.... Continua a leggere

Con una scrittura diretta ma mai superficiale, “Yang” è una canzone che racconta ciò che resta, muovendosi tra nostalgia, rimpianto e accettazione, tracciando il delicato equilibrio tra ciò che è stato e ciò che non sarà più. Violla mette a nudo i sentimenti in antitesi di chi si ritrova a riflettere su una storia finita, ma ancora nitidamente viva nei ricordi. Il brano si apre con una riflessione disarmante: «Non la sento più, ma lei mi smuove il mood». Queste parole, semplici e incisive, descrivono la persistenza di un legame che continua a influenzare il protagonista, nonostante la distanza. Nel ritornello, Violla tocca il cuore del pezzo con una frase che racchiude al contempo il senso di appartenenza e perdita: «Io e te non siamo rimasti insieme, e sembravi tu il mio yang». L’immagine dello “yang”, che dà il titolo alla release, richiama l’idea di completamento, evocando la sensazione che la persona amata fosse la parte mancante di un tutto, un tutto che senza di lei si ritrova disgregato, incompleto, irrisolto. «Ho scritto “Yang” per dare voce a quel momento in cui ti rendi conto che una relazione è finita, ma i ricordi rimangono vividi - racconta Violla -. Non è un brano sul rimpianto, ma sull’accettazione malinconica di ciò che non può più essere.» In una società in cui il confronto con le emozioni è spesso mediato dai social e dalla superficialità di una comunicazione fugace, “Yang” fa centro con la sua sincerità. Il brano si inserisce nel dibattito attuale sull’importanza di accettare la fragilità e di trovare nella musica uno strumento per elaborare il passato. In un passaggio particolarmente rappresentativo del testo, Violla canta: «Vorrei non sentire la nostalgia dei giorni in cui rimanevi da me, potrei far finta che era tutto un film, senza trama e spazio per i sottotitoli». Un’immagine chiara, di facile evocazione, che immortala il desiderio di semplificare i ricordi per renderli meno dolorosi, ma che al tempo stesso ne esalta e ne amplifica l’intensità. Musicalmente, “Yang” si caratterizza per un arrangiamento essenziale, che lascia emergere la voce di Violla in tutte le sue sfumature. La produzione, curata nei minimi dettagli, accompagna il testo senza mai sovrastarlo, regalando al brano un’atmosfera intima e avvolgente. Classe 1997, Violla si è fatto conoscere per la sua capacità di fondere generi rimanendo sempre autentico, riconoscibile e fedele alla sua identità artistica in ogni pubblicazione. Dal rap al lo-fi, dal metal al boom bap, ogni suo progetto porta con sé un’evoluzione evidente, figlia di un percorso di crescita professionale e personale. Dopo aver condiviso il palco con alcuni dei nomi più importanti della scena italiana, il cantautore e rapper romano continua a farsi strada per la sua scrittura viscerale e la capacità di accarezzare orecchie e cuore con una sensibilità e un’eleganza interpretativa di raro riscontro. “Yang” ci invita a riflettere sul valore delle relazioni e sull’importanza di accettare ciò che ci ha segnato. Perché è solo guardando dentro noi stessi, accogliendo con delicatezza i segni del passato, che possiamo scoprire che, in fondo, sono proprio le cicatrici sul cuore a renderci completi.... Continua a leggere

La musica può scuotere le coscienze, e Mocky lo sa bene. Con il suo nuovo singolo, “Sorriso sulle labbra”, il giovane cantautore e regista si fa portavoce di una delle piaghe più dolorose della nostra società: il femminicidio. Una canzone che non è solo musica, ma un grido d’aiuto, un tributo a chi non c’è più e un appello a chi può ancora fare la differenza. Mocky, nome d’arte di Mario Signorile, ha scritto il brano ispirandosi ad un articolo che raccontava l’ennesima tragedia legata ad un femminicidio. La storia narrata in “Sorriso sulle labbra” prende forma attraverso dettagli simbolici e una protagonista immaginaria, Elena, il cui nome è stato scelto dai fan dell’artista tramite un sondaggio su Instagram, ignari del tema che il progetto avrebbe affrontato. Elena, una ragazza con il sogno di diventare architetto – metafora che rappresenta la volontà di costruire e creare –, ricordata da tutti per il suo sorriso. Un sorriso che non potrà mai più illuminare il mondo, spezzato dalla bruta violenza di chi diceva di amarlo. È proprio questo contrasto, tra la luce del sogno di Elena e il buio che l’ha inghiottita, a rendere il brano così intenso e necessario. Il cantautore racconta con queste parole la genesi del progetto: «"Sorriso sulle labbra" è la prima canzone che pubblico su un argomento tanto delicato, ma che mi sta davvero a cuore. L’ho scritta con la speranza che tragedie come questa non si ripetano mai più. È un pezzo che nasce dal bisogno di dare un senso al dolore, di parlare per chi non può più farlo. Voglio che chiunque la ascolti si fermi, rifletta, e capisca che non possiamo più restare in silenzio.» Il testo di “Sorriso sulle labbra” è un racconto intimo e struggente che traccia la storia della sua protagonista, una giovane donna piena di speranze e ambizioni, e di una relazione che si trasforma lentamente in una prigione. Il ritornello ripete una frase a cui non è possibile rimanere indifferenti: «La luce nei suoi occhi scompare dai suoi occhi». Utilizzando immagini semplici ma estremamente incisive, Mocky dipinge i desideri e le paure di una vita spezzata, le linee di quello stesso sorriso che si è spento per mano di una crudeltà che non può più essere ignorata. Nel verso «Lei, quel sorriso sulle labbra, qualche libro fra le braccia, con un sogno nel cassetto: diventare architetto», l’artista trasla in musica il ritratto di una quotidianità serena, brutalmente interrotta. La seconda parte del testo scivola verso un’oscurità tangibile, raccontando un amore tossico, fatto di controllo e gelosia, dando voce ad una realtà invisibile agli occhi esterni, ma devastante per chi la vive. Un dolore sordo, un silenzio assordante «dentro un cuore che non smette», quel «silenzio che fa male, che nessuno sa ascoltare» che spesso circonda le vittime e rende la loro sofferenza ancora più straziante. L’ultimo verso, «Lei, pioggia fredda sulla pelle, un ricordo della gente, il sorriso di una ragazza che non tornerà più a casa», è un tributo a tutte le vittime, una dedica accorata che invita a non dimenticare, a non distogliere lo sguardo e a non voltarsi dall'altra parte. La produzione del brano è durata mesi, con Mocky impegnato a rendere giustizia alla delicatezza del tema. L’arrangiamento, essenziale e commovente, accompagna il testo, lasciando che la voce dell’artista esprima pienamente il messaggio, il racconto di una storia che, purtroppo, appartiene a tante, troppe donne. «La mia musica nasce sempre dal bisogno di dare un senso alle cose – conclude Mocky -. Ho lavorato a questa canzone per mesi, volevo che il risultato finale fosse rispettoso dell’argomento trattato. Spero che possa far riflettere chiunque la ascolti.» Già noto al pubblico per i suoi lavori come attore e regista, Mocky ha saputo trasporre la sua capacità di raccontare storie nel mondo della musica. Dalla candidatura ai Webbing Award per “Odio il Mio Migliore Amico” fino al fan film “The Last of Us Forsaken”, il poliedrico artista pugliese ha sempre dimostrato una grande abilità nel trasmettere emozioni. Con “Sorriso sulle labbra”, oltre ad aggiungere un nuovo capitolo al suo percorso artistico, dimostra che la musica può ancora essere uno strumento di denuncia e sensibilizzazione, che non si tratta solo di una forma di intrattenimento, ma anche di educazione e responsabilizzazione, svegliando le coscienze per combattere le ingiustizie. “Sorriso sulle labbra” è un appello che non può essere ignorato, un invito ai media a dare spazio al tema della violenza di genere, alle istituzioni a fare di più per prevenire i femminicidi, e ad ognuno di noi a rompere il silenzio. Perché ogni piccolo gesto, ogni riflessione può essere un importante passo verso il cambiamento, un interruttore interiore attraverso il quale accendere una luce sulle ombre e fare la differenza.... Continua a leggere

La musica può scuotere le coscienze, e Mocky lo sa bene. Con il suo nuovo singolo, “Sorriso sulle labbra”, il giovane cantautore e regista si fa portavoce di una delle piaghe più dolorose della nostra società: il femminicidio. Una canzone che non è solo musica, ma un grido d’aiuto, un tributo a chi non c’è più e un appello a chi può ancora fare la differenza. Mocky, nome d’arte di Mario Signorile, ha scritto il brano ispirandosi ad un articolo che raccontava l’ennesima tragedia legata ad un femminicidio. La storia narrata in “Sorriso sulle labbra” prende forma attraverso dettagli simbolici e una protagonista immaginaria, Elena, il cui nome è stato scelto dai fan dell’artista tramite un sondaggio su Instagram, ignari del tema che il progetto avrebbe affrontato. Elena, una ragazza con il sogno di diventare architetto – metafora che rappresenta la volontà di costruire e creare –, ricordata da tutti per il suo sorriso. Un sorriso che non potrà mai più illuminare il mondo, spezzato dalla bruta violenza di chi diceva di amarlo. È proprio questo contrasto, tra la luce del sogno di Elena e il buio che l’ha inghiottita, a rendere il brano così intenso e necessario. Il cantautore racconta con queste parole la genesi del progetto: «"Sorriso sulle labbra" è la prima canzone che pubblico su un argomento tanto delicato, ma che mi sta davvero a cuore. L’ho scritta con la speranza che tragedie come questa non si ripetano mai più. È un pezzo che nasce dal bisogno di dare un senso al dolore, di parlare per chi non può più farlo. Voglio che chiunque la ascolti si fermi, rifletta, e capisca che non possiamo più restare in silenzio.» Il testo di “Sorriso sulle labbra” è un racconto intimo e struggente che traccia la storia della sua protagonista, una giovane donna piena di speranze e ambizioni, e di una relazione che si trasforma lentamente in una prigione. Il ritornello ripete una frase a cui non è possibile rimanere indifferenti: «La luce nei suoi occhi scompare dai suoi occhi». Utilizzando immagini semplici ma estremamente incisive, Mocky dipinge i desideri e le paure di una vita spezzata, le linee di quello stesso sorriso che si è spento per mano di una crudeltà che non può più essere ignorata. Nel verso «Lei, quel sorriso sulle labbra, qualche libro fra le braccia, con un sogno nel cassetto: diventare architetto», l’artista trasla in musica il ritratto di una quotidianità serena, brutalmente interrotta. La seconda parte del testo scivola verso un’oscurità tangibile, raccontando un amore tossico, fatto di controllo e gelosia, dando voce ad una realtà invisibile agli occhi esterni, ma devastante per chi la vive. Un dolore sordo, un silenzio assordante «dentro un cuore che non smette», quel «silenzio che fa male, che nessuno sa ascoltare» che spesso circonda le vittime e rende la loro sofferenza ancora più straziante. L’ultimo verso, «Lei, pioggia fredda sulla pelle, un ricordo della gente, il sorriso di una ragazza che non tornerà più a casa», è un tributo a tutte le vittime, una dedica accorata che invita a non dimenticare, a non distogliere lo sguardo e a non voltarsi dall'altra parte. La produzione del brano è durata mesi, con Mocky impegnato a rendere giustizia alla delicatezza del tema. L’arrangiamento, essenziale e commovente, accompagna il testo, lasciando che la voce dell’artista esprima pienamente il messaggio, il racconto di una storia che, purtroppo, appartiene a tante, troppe donne. «La mia musica nasce sempre dal bisogno di dare un senso alle cose – conclude Mocky -. Ho lavorato a questa canzone per mesi, volevo che il risultato finale fosse rispettoso dell’argomento trattato. Spero che possa far riflettere chiunque la ascolti.» Già noto al pubblico per i suoi lavori come attore e regista, Mocky ha saputo trasporre la sua capacità di raccontare storie nel mondo della musica. Dalla candidatura ai Webbing Award per “Odio il Mio Migliore Amico” fino al fan film “The Last of Us Forsaken”, il poliedrico artista pugliese ha sempre dimostrato una grande abilità nel trasmettere emozioni. Con “Sorriso sulle labbra”, oltre ad aggiungere un nuovo capitolo al suo percorso artistico, dimostra che la musica può ancora essere uno strumento di denuncia e sensibilizzazione, che non si tratta solo di una forma di intrattenimento, ma anche di educazione e responsabilizzazione, svegliando le coscienze per combattere le ingiustizie. “Sorriso sulle labbra” è un appello che non può essere ignorato, un invito ai media a dare spazio al tema della violenza di genere, alle istituzioni a fare di più per prevenire i femminicidi, e ad ognuno di noi a rompere il silenzio. Perché ogni piccolo gesto, ogni riflessione può essere un importante passo verso il cambiamento, un interruttore interiore attraverso il quale accendere una luce sulle ombre e fare la differenza.... Continua a leggere

Bennyvi, la giovane cantautrice ticinese di origini venete cresciuta tra le influenze di Taylor Swift e i classici di Fabrizio De André, varca i confini della scena musicale svizzera con “I Know What You Are” (Delma Jag Records), il suo nuovo singolo. Un brano che strizza l’occhio alle hit d’Oltreoceano, anche grazie alla collaborazione della co-autrice Skyler Wind e del producer Zid, due delle figure più rilevanti della scena pop elvetica ed europea. Con “I Know What You Are”, Bennyvi ci guida in un universo fatto di storie vere e immaginari pop. Il brano, ispirato alla saga cinematografica Twilight, è una perfetta fusione tra ironia e narrazione filmica e rappresenta un’evoluzione sonora che sposa la sua anima cantautorale con un sound più incisivo, segnando una fase della sua carriera che la proietta verso il panorama europeo. Con uno stile che richiama l’intensità di Taylor Swift e la grinta di Dua Lipa, ma che rimane del tutto personale, Bennyvi combina le sue esperienze alla cultura pop contemporanea in una miscela esplosiva di suoni e carisma. Intrecciando la leggerezza della melodia alla profondità di una riflessione, quella sul mistero di un amore fuori dagli schemi, "I Know What You Are" descrive in una metafora inaspettata e originale un incontro speciale: «You stay out of the sun, I think that I should run. You talk to me, I wonder: Are you 20 or a hundred?» («Se stai lontano dal sole, penso che dovrei scappare. Se mi parli, mi chiedo: hai 20 anni o cento?»), suggerendo un fascino enigmatico che sfugge alle definizioni, ma lascia spazio all’immaginazione e alle emozioni che non si possono spiegare, ma solo vivere. «Le mie canzoni sono frammenti della mia vita: nascono da emozioni che voglio raccontare e condividere - spiega l’artista -. Ho iniziato a chiamare questa persona “vampiro”, ispirandomi al personaggio di Edward Cullen. Questo mi ha portata a creare un brano che fosse una sorta di tributo ironico e romantico al mistero che avvolgeva quella relazione.» Il testo fonde la realtà con l’immaginario, creando un’atmosfera giocosa e intrigante. Le linee vocali fluide si intrecciano con ritmi moderni e incalzanti, regalando una traccia che è al tempo stesso leggera e piena di significato e che nella frase chiave del ritornello «Fell in love with a vampire, vampire» («Mi sono innamorata di un vampiro, un vampiro»), trova la sua piena espressione. Una celebrazione in musica di quelle emozioni travolgenti e totalizzanti che, proprio come al cinema, ci catapultano in un mondo dove ogni dettaglio si amplifica, rimanendo indelebilmente impresso nella memoria del cuore. Un racconto fatto di contrasti, tra sagacia e pathos, che invita l’ascoltatore a lasciarsi trasportare senza riserve. Il brano fa da apripista il primo EP della cantautrice, un progetto che rappresenterà un vero e proprio viaggio musicale, ricco di sfumature e di racconti e che la stessa Bennyvi anticipa con queste parole: «Sto lavorando a un EP che racchiude momenti della mia vita, esperienze che mi hanno plasmata sia come artista che come persona. Sarà un percorso, una storia da ascoltare dall’inizio alla fine. Non vedo l’ora di condividerlo con chi ascolta la mia musica, per portarlo dentro il mio mondo.» Una voce incisiva, un’identità artistica distintiva e una narrativa genuina fanno di Bennyvi la nuova promessa della musica pop internazionale con radici italiane. Con una carriera in continua ascesa, che ha già toccato le principali radio europee e statunitensi grazie al brano "People Like You", Bennyvi e le sue performance live, come quella all’XTRA Music Cafè di Zurigo durante le Delma Jag Sessions, la cantautrice ticinese si conferma un talento capace di catturare l’attenzione del pubblico, dimostrando di avere tutte le carte in regola per lasciare un’impronta nel panorama musicale dei prossimi anni. L’artista ticinese porta con sé non solo il talento di chi sa raccontare, ma anche il coraggio di chi vuole lasciare un segno. La sua musica, in cui confluiscono influenze pop con un tocco di storytelling, si candida ad essere un punto di riferimento per una generazione che cerca sincerità, genuinità e visione. Il viaggio di Bennyvi è appena iniziato, ma ogni passo che compie è un promemoria: siamo davanti ad una delle proposte più interessanti della nuova scena pop che non si presenta come una promessa, ma come una realtà inarrestabile che sa già come trasformare il proprio percorso in un racconto musicale che si fa spazio tra il cuore del pubblico. Ogni release di Bennyvi è una pagina di un diario musicale che parla a una generazione e chi la ascolta oggi, ricorderà il suo nome domani.... Continua a leggere

Dopo la vittoria della categoria Senior alla 27esima edizione del prestigioso Videofestival Live, il cantautore lodigiano Emiliano Curioni torna con “Io”, una reinterpretazione sentita e viscerale di “Oggi sono io”, il classico senza tempo di Alex Britti del 1999 ripreso da Mina nel 2009. Una versione intima, essenziale e a cuore aperto sostenuta dall’eleganza del solo pianoforte e intrisa di emozione grazie alla resa struggente e alla voce unica, potente e inconfondibile di Emiliano. Un viaggio musicale attraverso le emozioni e le fragilità che accompagnano l’artista, un racconto che va oltre la narrazione di una storia, per svelare il percorso di vita segnato da esperienze, successi e sfide - di Curioni e di ciascun ascoltatore che si identifichi e si riconosca nelle parole del pezzo. 55 anni, originario di Massalengo in provincia di Lodi, Emiliano Curioni porta con sé un bagaglio di passione e determinazione. La musica è diventata per lui un rifugio e una rinascita, in particolare dopo una fase complessa della sua vita personale. Padre di due figli, Simone ed Elena, ha trovato nella musica la sua vera compagna, una presenza che l’ha aiutato a rimettere insieme i pezzi. «È la mia compagna di viaggio a cui devo tutto, e la ringrazio ogni volta che mi esibisco», racconta l’artista. Con una lunga carriera alle spalle, il cantautore lombardo ha mosso i primi passi nel mondo delle band nel 1991, esplorando inizialmente il mondo latino-americano e la bossa nova, per poi approdare a sonorità funky, rock e blues degli anni ‘60, ‘70 e ‘80. Queste esperienze hanno plasmato la sua versatilità musicale e la sua capacità di spaziare tra generi diversi, una qualità che ha sempre coltivato con naturalezza e apertura. Un talento che non smette di cercare nuovi orizzonti e che, accompagnato da impegno e dedizione, lo ha portato a partecipare a numerosi concorsi e festival di prestigio. Dal casting per X Factor nel 2019, che lo ha spinto a non fermarsi e a mettersi alla prova in altre competizioni come “Una voce per Lodi”, “Premio Mia Martini” e il “Premio Lucio Dalla”, fino alle recenti vittorie nelle edizioni 2024 di “CantaBergamo”, “Je so’ pazzo” e “VideoFestival Live” come miglior interprete senior. Attualmente, Emiliano è in gara al “Festival sotto al Conero” e al “Tour Music Fest 2024” nella categoria Senior, segno di un percorso che non conosce soste. “Io” è un’attestazione di autenticità, mediante cui l’artista propone un’interpretazione sincera e personale, con un arrangiamento ridotto all’essenziale, in cui la sua voce e il pianoforte diventano protagonisti assoluti. È un invito a rivivere una pietra miliare della Canzone Italiana con occhi nuovi, un’avventura musicale che si rivolge a chi, come lui, ha imparato a trovare forza e bellezza anche nelle difficoltà. «Questa canzone è parte di me, sfiora le corde più intime della mia anima – conclude Emiliano – e spero possa trasmettere a chi ascolta lo stesso senso di rinascita e verità che ha donato a me.» La forza della musica nelle mani di un interprete che mette al servizio dei brani la propria essenza e la propria esperienza; Emiliano Curioni è un cantautore che racconta con semplicità la propria vita, regalando emozioni sincere e senza artifici. Con “Io”, offre al pubblico un messaggio che parla a tutti e, al tempo stesso, mantiene una forte intimità personale. La sua voce, intensissima e ricca di sfumature, avvolge l’ascoltatore guidandolo in un’esperienza che va oltre la musica, trasformando una cover in una dichiarazione di intenti, un promemoria che ci invita a restare fedeli alla nostra vera natura, a quell’”Io” che spetta soltanto a noi modellare, custodire, proteggere, migliorare e ascoltare con sincerità, perché il segreto per vivere davvero è avere il coraggio di essere se stessi.

Pare, dopo aver dato prova delle sue abilità da MC e della sua profondità autorale fondendo Hip Hop e filosofia in “Il Mondo Collassa” (feat. Trip) e trasformando le inquietudini in musica con il singolo "Giorni di Pare" rilasciato la scorsa estate, torna sui digital store con “Come Stai?”, un brano ipnotico e catartico che, intrecciando la malinconica eleganza del pianoforte a barre serratissime, racconta il potere che una persona può avere nel migliorare la nostra vita e il peso che porta con sé il non riuscire a restituire gli stessi piccoli ma preziosissimi gesti, le stesse attenzioni, la stessa intensità emotiva. Guidata dalla classe senza tempo dei tasti bianchi e neri che scandiscono perfettamente ogni emozione, la traccia si muove tra rap e melodia, aprendosi con un’atmosfera nostalgica, in cui il piano guida l’ascoltatore tra i pensieri di Pare, mentre riflette sulle dinamiche della sua relazione: «Ricordi quando ero solo, quando dentro avevo il vuoto... ma tu mi hai tirato su, mi hai preso di forza e dato speranza». Fin dai primi versi, l’artista esprime riconoscenza verso una persona che gli ha cambiato la vita, riempiendo quel vuoto e donandogli una visione nuova, facendogli scorgere il mondo, interiore e circostante, da una diversa prospettiva. La canzone ci porta così all’interno di un legame in cui Pare si mostra capace di ammettere le proprie debolezze, riconoscendo il dolore causato dal suo atteggiamento, molto più freddo e distante rispetto a quello della partner. Le sue parole ci introducono alla difficoltà di mostrare affetto, di spogliarsi da corazze che celano insicurezze e paure, soprattutto quando il peso dell’orgoglio si scontra con la volontà di dimostrare amore. Con la frase «So che ti offendi, so che lo senti, sono una bestia ma ho sentimenti», Pare mette a nudo la propria anima, facendo i conti con la battaglia quotidiana di chi è combattuto tra il desiderio di proteggere l’altro e la difficoltà di abbattere le proprie difese. Un’immagine che parla di chi lotta per comunicare i propri sentimenti, e per chi riesce a percepire l’amore anche attraverso silenzi e gesti imperfetti. Una dichiarazione sentita che sa di redenzione, che non si limita a raccontare l’amore come salvezza, ma anche come una lezione che ci insegna a scendere a compromessi con il nostro lato oscuro, con quelle ombre che spesso ci impediscono di donare completamente noi stessi. «Per ogni lacrima che verserai, sarò pronto a toglierti dai guai», recita il testo, confermando l’impegno del suo autore ad esserci, nonostante le difficoltà. Nato a Forte dei Marmi e cresciuto con una formazione musicale che passa dal pianoforte al rap, Pare ha da sempre una visione della musica come strumento di connessione e supporto per gli altri. «La musica è stata il mio rifugio e la mia rinascita – dichiara l’artista – e in questo brano voglio condividere quello che ho imparato: cadere non significa perdere, significa trovare la forza di rialzarsi, di accettare gli errori e cercare di essere una persona migliore.» “Come Stai?”, prodotto da Pxter, è uno sguardo intimo e disarmante sull’amore e sulle fragilità, raccontate con rara onestà. Con la forza comunicativa del rap e la delicatezza del pianoforte, Pare firma una traccia che si colloca a metà tra poesia e confessione, portando l’ascoltatore a riflettere sulle proprie relazioni, con se stesso e con l’altro. È una storia che si racconta oltre le parole, una testimonianza su cosa significhi accogliere i propri limiti e dare importanza a quei gesti che, per quanto imperfetti, costruiscono una connessione vera e sincera.

Con un ritmo esplosivo e un testo che colpisce come un dritto, Masterman MC torna con "Kill The Beat" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo in cui la vera anima del rap si intreccia con la capacità innata di autoanalisi e onestà che da sempre contraddistinguono l'artista irpino. "Kill The Beat" non è solo una prova di stile, ma una dichiarazione di intenti, un manifesto della scena Hip Hop in cui rispetto e autenticità sono la base di tutto. Nato dalla collaborazione tra Masterman MC, al secolo Luca Esposito, e Guido Cioffi, meglio noto come Dr.Gui, che firma il beat, questo pezzo si articola su più livelli, regalando all'ascoltatore un viaggio tra flow e metriche che si rincorrono in un ritmo incessante, un alternarsi di lingua napoletana e italiana che arricchisce il brano di sfumature, pathos e originalità. Masterman MC sfida e si sfida, autocelebrandosi in una battaglia in cui il nemico è il suo alter ego: un diss irriverente, tagliente e intimista, destinato solo a se stesso. Con "Kill The Beat", l'artista porta l'Hip Hop alle sue radici, omaggiando una cultura fondata sul rispetto reciproco e sull'autenticità, come raccontano le sue parole: «Volevo creare qualcosa che rappresentasse il mio personale tributo alla scena. L'unico dissing che mi interessa fare è contro di me, contro le mie paure e i miei limiti, per ricordare a me stesso che solo io posso essere il mio avversario più grande.» Un brano che affonda nelle radici del rap, ma che si proietta nel futuro, mantenendo intatta quella tensione e quella complessità che caratterizzano le tracce più iconiche del genere. Nel testo, Masterman MC gioca con i contrasti, la metrica e il linguaggio, rendendo "Kill The Beat" un pezzo ipnotico, capace di rapire l'ascoltatore fin dai primi versi. La traccia si sviluppa su due strofe differenti, sia per lingua che per intensità. «Io suono leggenda e dong schiaffuni Will Smith», esordisce Masterman MC, nel suo dialetto, la lingua napoletana, parlando di una forza autentica, schietta e viscerale, quella che non si piega mai davanti a nulla. L'italiano si inserisce nella seconda strofa, dove l'artista rivela una direzione di intenti che penetra nei principi del rap originario. È qui che il tema della sfida interna prende corpo, in una lotta simbolica tra sé e sé: «In guerra con me stesso rappo col mio alter ego, uno dissa l'altro e viceversa non so se mi spiego», recita la frase conclusiva, lasciando al pubblico un'immagine nitida e chiara del conflitto, intimo e acceso, tra le parti più vulnerabili e quelle più determinate, in una costante ricerca di equilibrio e autoconsapevolezza. "Kill The Beat" si differenzia da moltissime proposte attuali anche per una varietà di stili e ritmi, che sottolineano la capacità di Masterman MC di spostarsi tra diverse metriche con fluidità e naturalezza. Dal napoletano all'italiano, ogni verso rappresenta una scelta stilistica mirata a mantenere il brano dinamico, evitando ogni banalità o prevedibilità. «Prova ad abbattermi sopra sti palchi lo vedi che non ce la fai, guerra da battlefield parlan di battermi ma sti codardi scappano live», canta, puntando lo sguardo dritto sulla scena contemporanea, senza censure, forte di una presenza scenica che si percepisce anche attraverso le sole parole. Questa traccia non è solo un egotrip, ma una lezione di flow e carisma che riesce a rimanere fedele alla vera essenza del rap anche in un panorama musicale in continua evoluzione e sempre più spesso lontano dalle peculiarità e dai fondamenti del genere. La produzione di Dr.Gui, pulita, moderna e al contempo di richiamo Old School, fornisce una solida base per la forza espressiva di Masterman MC, permettendo ad ogni parola di arrivare all'ascoltatore in modo chiaro e diretto, privo di filtri. Masterman MC porta avanti una missione artistica: riprendere le radici dell'Hip Hop, restituendogli autenticità e significato. E "Kill The Beat" sintetizza perfettamente questa visione, diventando, in poco più di due minuti, un inno a sfidare i propri limiti, a restare fedeli alla propria identità anche quando tutto sembra chiedere il contrario. «Ho sempre creduto nel potere della musica come forma di sfida personale – racconta Masterman MC – e questo brano è il mio modo di ribadire chi sono e quanto sono disposto a mettermi in gioco, a non piegarmi mai davanti a nessuno, nemmeno a me stesso.» "Kill The Beat" è un invito aperto ad immergersi in un sound che si fa spazio con energia e convinzione, capace di risvegliare emozioni e di raccontare una storia di rispetto e crescita interiore. Masterman MC continua a rappresentare, con il suo stile unico e il suo flow inconfondibile, l'anima più autentica dell'Hip Hop, una voce che si fa sentire e che non smette mai di sorprendere. "Kill The Beat" è un vero e proprio banger, lontano dalle dinamiche di un mercato che punta solo a numeri e facciate e vicino alla natura di denuncia, rabbia e desiderio di rivalsa del rap; un brano che va oltre la musica per raccontare una battaglia, la più difficile: quella con se stessi.... Continua a leggere

«Siamo figli del serpente. Papà è uno stupratore. Mamma non ci vuole» Con queste parole crude e coraggiose inizia il grido lacerante di Gilles Yahfa nel suo nuovo singolo, "Figli di Serpente", un’opera che denuncia con straordinaria verità e intensità l’orrore che da troppo tempo si consuma nella Repubblica Democratica del Congo, dove lo stupro viene utilizzato come un’arma di guerra e le donne, siano esse madri o figlie, vengono brutalmente violate. Yahfa, con l’artiglieria più potente che possiede, la sua penna affilata e la sua urgenza espressiva, dà voce a quelle vittime invisibili e a quei figli che portano con sé il peso insopportabile di una nascita generata dall’orrore. Il testo è saturo di immagini forti, ritratti di una lunga serie di abusi che non lasciano spazio ad ambigue interpretazioni: «Siamo vittime, uno sbaglio. Rinnegati da sempre, la gente non ci vuole», un quadro devastante della realtà che migliaia di bambini e madri vivono quotidianamente in Congo. Gli stupri di massa sono all'ordine del giorno, usati come strumento di controllo, violenza e umiliazione in una guerra sporca che si consuma nell’indifferenza globale. Ma “Figli di Serpente” non è solo il tragico storytelling musicale di ciò che accade al di là del Mediterraneo, è una chiamata alle coscienze, un appello a non rimanere in silenzio di fronte ad un orrore che continua a perpetrarsi e a trovare terreno fertile nella non curanza e nel disinteresse collettivo. «Hanno il number 23, non c'entrano con Jordan, pure la M, e non intendo Michael» canta Yahfa riferendosi alla brutalità dei ribelli dell’M23, la milizia che continua a devastare la popolazione locale per lo sfruttamento del Coltan, minerale essenziale per la produzione di tecnologia. «Lo stupro viene usato come arma, la guerra si fa sui corpi delle donne e il mondo guarda altrove - spiega Yahfa -. Un'indifferenza che diventa complicità, specialmente in Occidente, dove il silenzio copre la realtà brutale di chi paga il prezzo più alto.» Una denuncia scomoda e coraggiosa, mediante la quale Yahfa si interroga anche sul ruolo dell’Occidente e dell’ipocrisia globale: «In Occidente stanno in fila per il nuovo iPhone qua scorre sangue, nessuno vive», prosegue il testo, puntando il dito contro il silenzio complice di chi continua a beneficiare di minerali insanguinati per alimentare il mercato tecnologico, senza chiedersi il prezzo reale pagato dalle vittime di questo sistema. Il brano affronta anche la questione delle religioni imposte durante la colonizzazione, che secondo l’artista ivoriano d’adozione bergamasca hanno addormentato lo spirito di ribellione degli africani: «Aspettiamo ancora che un dio bianco ci salvi», un verso che evidenzia come le chiese lussuose sorgano in un paese dove mancano scuole, ospedali e infrastrutture, e la fede venga usata come strumento per mantenere la popolazione in uno stato di rassegnazione. Con questa nuova release, Gilles Yahfa lancia un monito: il mondo non può più girarsi dall’altra parte di fronte ad un genocidio che continua nell’indifferenza generale. «Sono più di 6 milioni le vittime di questa guerra – spiega l’artista – e nessuno sembra voler fermare tutto questo, perché?» Una domanda a cui il cantautore panafricanista non cerca solo risposta, ma con la quale vuole scuotere una società sempre più assuefatta al male. “Figli di Serpente” è una denuncia, un pugno nello stomaco e un appello a riflettere in maniera attiva. Gilles Yahfa, già noto per le sue precedenti release volte a smuovere la coscienza insita in ciascuno di noi, oltre che per la sua partecipazione ad X Factor Italia nel 2018, continua il suo percorso di sensibilizzazione attraverso la musica, dando luce e dignità a chi le ha perduta e portando sotto i riflettori le tragedie dimenticate, o volutamente non trattate, del nostro tempo. Concludendo il suo progetto con una riflessione amara sulla condizione umana e la necessità di un risveglio collettivo, Gilles Yahfa dichiara: «Non sarà un brano a cambiare le cose, ma se anche solo una persona si fermerà a riflettere, avrò raggiunto il mio obiettivo. La musica può essere un veicolo potente per la verità, ma tocca a noi, come esseri umani, agire.» Con “Figli di Serpente”, Gilles Yahfa riconferma di essere non solo un artista, ma una voce scomoda e necessaria nel panorama musicale contemporaneo, che sfida l'indifferenza e chiama alla responsabilità collettiva. Mentre noi ci godiamo i frutti di un mondo iperconnesso e distratto, milioni di persone continuano a pagare il prezzo più alto. Yahfa ci ricorda che la scelta di agire, o di restare in silenzio, è nelle mani di ciascuno di noi.... Continua a leggere

Dopo aver toccato il cuore del pubblico con le sue precedenti release, tra cui “Rimarrò tua” - brano in cui la perdita si trasforma in un messaggio di amore eterno -, Kimele torna con “Cadere”, il nuovo singolo che mette al centro il coraggio di affrontare la vita e le sue complessità. La voce di Kimele, definita dai media una delle più belle voci maschili del nuovo cantautorato italiano, sa evocare e rendere tangibili quelle emozioni che ci uniscono, cantando di cadute e risalite, di quella ricerca di stabilità che appartiene a tutti noi. “Cadere” è un riflesso delle esperienze quotidiane, una considerazione sul bisogno di trovare forza nelle difficoltà e di accettare e accogliere l’aiuto di chi ci ama. Il racconto di un percorso di rinascita, di quel cadere «senza mai cadere» davvero, in cui non è la battuta d’arresto a definirci, ma la determinazione nel proseguire, rialzarsi e ripartire. Il singolo si articola come un dipinto musicale sul potere dell’amore condiviso, un amore che non è solo passione, ma anche comprensione e sostegno reciproco, quella magica fusione di gesti, sguardi e parole che entrambi i partner scelgono di mettere in campo ogni giorno. È un legame fatto di dedizione, in cui ogni piccolo atto diventa parte di un’intesa più intima, capace di superare le difficoltà e le incertezze. Questo amore è una forza discreta, costruita su fiducia e rispetto, un impegno silenzioso che, anche quando le avversità si fanno sentire, trova il modo di rinascere sempre, oltre ogni caduta. Nel testo, Kimele canta: «Tu che mi tieni la mano nel mio disordine, crescono forti già lo sai, le certezze costruite per noi», convertendo in musica una complicità che sa nutrire i sogni e trasformare le tempeste in quiete, un rapporto che, anche quando il mondo esterno vacilla, ritrova la propria sicurezza in un dialogo sincero e nelle «canzoni che poi ci faranno ricordare, emozioni da riprovare». Kimele, con la delicatezza e l’eleganza che contraddistinguono ogni sua traccia, dà voce alla consapevolezza e alla dualità di una relazione fatta di alti e bassi, e lo fa con la maturità di chi è pronto a fare delle proprie fragilità un punto di forza, comprendendo e supportando l’altro in ogni istante di un percorso da vivere insieme. «Cadere è il simbolo di ogni volta in cui mi sono trovato a terra e ho sentito che solo qualcuno che crede in me mi avrebbe potuto riportare su – dichiara il cantautore partenopeo – È un omaggio a chi resta, a chi sceglie di essere presente anche nei momenti di difficoltà.» Musicalmente, il brano si snoda attraverso arrangiamenti morbidi e avvolgenti, con uno stile moderno che lo rende accessibile e allo stesso tempo intenso e suggestivo. La voce di Kimele guida ogni verso, accompagnando l’ascoltatore in un cammino fatto di parole sincere e di immagini vivide, come nel toccante passaggio: «Fermo il tempo solo se resti ancora qui con me, io che cerco di capire cosa sei per me». In questi versi, l’artista immortala la preziosa fragilità e bellezza di un momento condiviso, un attimo che si vorrebbe fermare e proteggere, come un tesoro che il cuore non è pronto a lasciar andare. La peculiarità di “Cadere”, accompagnato dal videoclip ufficiale girato ai Napoli Net Studios sotto la direzione di Francesco Polise – che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 il prossimo 28 novembre, risiede nel saper raccontare la capacità di non perdere la fiducia nei periodi di sconforto, la speranza di una vita che sa risollevarsi sempre, accanto a chi ci sostiene e ci comprende. In quel «senza mai cadere, in un vuoto dove nessuno di noi due cambierà la sua direzione», Kimele racchiude l’equilibrio imprescindibile di chi si ama sinceramente e non si abbandona, una stabilità che, pur nelle difficoltà, resta immutata. Kimele, che con il successo dei suoi precedenti singoli ha saputo conquistare il pubblico, continua a mettere in luce il potenziale emotivo della musica, regalando canzoni che parlano di vita vera, con tutti i suoi inciampi e le sue risalite. “Cadere” rappresenta per lui un nuovo capitolo, una crescita artistica che affonda nelle radici dell’esperienza personale per renderla in suono, ritmo e significato. «È un brano che nasce da me e per chi, come me, cerca sempre un appiglio per risalire – conclude –. Siamo tutti protagonisti delle nostre storie e, anche se a volte ci sentiamo soli, credo fermamente che la musica sia una mano tesa, pronta a sollevarci e a portarci dove vogliamo essere.» Con “Cadere”, Kimele ci invita a guardare oltre le difficoltà, a scoprire quella forza che ciascuno di noi porta dentro di sé, una forza che sa accettare anche l’aiuto di chi decide di restare, rivelando l’importanza di trasformare la fragilità in bellezza e la caduta in nuovo slancio.

I Purple Shadows, vincitori della 27a edizione del VideoFestival Live nella categoria “Band Originali Cantautori”, tornano sui digital store con “Panic Attack”, il loro nuovo singolo che racchiude tutta la forza di un sound ispirato al rock, al pop e al blues e la trasforma in un’avventura musicale viscerale, carica di energia. Prodotto dall’abilità creativa di Ricky Ferranti, il brano è un ritratto onesto e sincero sulle incertezze, su tutti quei momenti di vulnerabilità che avvicinano l’ascoltatore alle proprie emozioni; una narrazione senza filtri e mezzi termini sulle fragilità che ci rendono più umani e creano un legame immediato con chi ci circonda. Nati dall’unione tra Xaos (batterista e pianista), Trice (cantante) e Lyukes (bassista, chitarrista e cantante), i Purple Shadows hanno iniziato il loro percorso nell’estate del 2022, costruendo in breve tempo un seguito importante grazie alla loro presenza scenica e alle influenze che mescolano generi diversi in uno stile unico. In “Panic Attack”, la band riesce a condurci all’interno di un mondo fatto di ombre e luci, amore e saggezza: «Ci sono momenti in cui tutti ci sentiamo sopraffatti – raccontano -, prigionieri dei nostri pensieri. Con “Panic Attack” vogliamo mostrare che anche queste emozioni hanno un loro suono, uno spazio, e possono essere trasformate in musica.» Il testo si snoda in immagini che trasmettono un senso di confusione, rabbia e fragilità, mostrando i demoni interiori che minacciano di spezzare la nostra anima. Le parole iniziali - «Un mare nero nella mia testa, odio e rabbia, quello che mi resta» - racchiudono e trasmettono un senso di isolamento e tormento, mentre i versi successivi danno voce all’incertezza: «Non so se parlare, non so se gridare… Perché mi chiuderò ancora in me». Il brano procede con un ritmo incalzante che si accompagna all’evolversi delle emozioni, dove tutta la tensione si trasforma in suono, lasciando che ogni battito parli di un disagio reale, concreto e tangibile. In un crescendo di polaroid musicali, “Panic Attack” immortala questo conflitto, l’estenuante ed incessante battaglia di chi vive un attacco di panico. La band lo descrive come un vuoto che riempie l’anima, un’alternanza tra l’angoscia di cadere e la voglia di reagire. La frase finale del pezzo, «Come sentire un vuoto, e poi cambiare, ma se mi lasci andare, provo a non tremare», è una dichiarazione cruda e sincera che evidenzia come la paura e il desiderio di liberarsi si intreccino, rappresentando un richiamo che arriva dritto a tutti coloro che, nella vita, hanno provato una grande sofferenza e sono alla ricerca di una via per risalire. Con questo brano, i Purple Shadows offrono un esempio di autoanalisi musicale e di consapevolezza. I suoni, quasi sinestetici nella loro sospensione tra luce ed ombra, portano a galla il tema della metamorfosi e del riscatto. «“Panic Attack” – conclude il trio - è nato dall’urgenza di dare un suono alla paura, di trasformare qualcosa di oscuro in uno spazio condiviso, dove non c’è vergogna o solitudine. È il nostro modo di ricordare che anche il dolore può essere trasformato in qualcosa di unico.» La band, che ha già incantato il pubblico con brani come l’omonimo “Purple Shadows”, “Legame”, “Ansia Pura” e “You Mean”, ha saputo affermarsi nel panorama italiano, arrivando tra i 9 finalisti di Sanremo Rock e ottenendo un seguito crescente nelle zone di Piacenza, Cremona e Brescia. Il loro simbolo, il viola, rappresenta la fusione tra amore e saggezza, una perfetta metafora per il loro stile unico e per la loro visione artistica, che fonde sfumature diverse, ricercando il significato di ogni emozione. Con una dedizione sincera alla musica e una forte amicizia personale, i Purple Shadows incarnano il coraggio di affrontare il lato oscuro della vita e di trasformarlo in una scintilla di luce. “Panic Attack” diventa un vero e proprio manifesto per chi, ogni giorno, cerca la luce nelle ombre; un inno per tutti coloro che lottano contro se stessi e un invito a ricercare, nella purezza della musica, un’àncora e un rifugio.... Continua a leggere

Ruggero Ricci, una delle penne più raffinate e delle voci più potenti e versatili della scena musicale italiana contemporanea, dopo aver conquistato il pubblico radiofonico e delle piattaforme di streaming con il successo estivo “Limonata” (feat. Isotta & Lolloflow), torna nei digital store con “Sereno Variabile” (Senza Dubbi/ADA Music Italy), il suo nuovo singolo che mescola con eleganza l’incisività unica della sua scrittura ad un sound country-pop moderno e al contempo intramontabile, confermando la sua capacità di unire stile e contenuto in maniera impeccabile. Prodotto dall’immancabile e preziosissimo tocco di Massimiliano Giorgetti (Majorizm Lab), il brano rappresenta una nuova e significativa evoluzione nella carriera di un artista che non smette mai di sorprendere. Ancora una volta, Ruggero dimostra una versatilità straordinaria, intrecciando generi e stili con naturalezza, mantenendo però sempre al centro la potenza espressiva dei suoi testi. L'ennesima conferma del suo talento nel raccontare le emozioni, anche nelle loro sfaccettature più complesse, rendendole accessibili e vicine al pubblico. "Sereno Variabile" racconta lo strascico di una storia d’amore che poteva essere vissuta in modo diverso, con scelte migliori e forse con più consapevolezza. Tuttavia, nonostante i rimpianti, c’è una nota di speranza che attraversa il pezzo, un invito a non perdere di vista il proprio valore e a dare importanza al tempo, uno dei beni più preziosi che abbiamo. Il perfetto mix di emozione e ritmo che svela luci ed ombre di un amore mancato e che, con il suo arrangiamento up-tempo e una produzione eccellente, è in grado di far ballare e riflettere, coinvolgendo l’ascoltatore su più livelli. Il piacere della musica si fonde all’intimità del testo, e il ritornello, con il suo «Sereno variabile, sereno variabile come io e te», diventa una metafora esemplare per le oscillazioni e le incertezze che caratterizzano le relazioni amorose, tra momenti di felicità e temporali improvvisi. Ruggero descrive la canzone con queste parole: «Questo singolo è un invito a lasciare andare i rimpianti, a guardare avanti e a vivere pienamente il tempo che abbiamo, sia con gli altri che con noi stessi. Ogni momento che sprechiamo rincorrendo ciò che poteva essere è un’occasione persa per vivere il presente, che è l’unico vero tempo che abbiamo a disposizione per crescere, amare e rinascere.» Un viaggio interiore che gioca con parole e traslati volti a trasmettere ogni cromia emotiva con la massima efficacia: «Potevamo camminare sulle nostre scelte, ridere tutta la notte come deficienti», un passaggio che evoca un’idea di libertà frenata da incertezze e scelte sbagliate. La narrazione si snoda tra il passato e il presente, in un equilibrio delicato tra malinconia e speranza che in quel «Potevamo essere quelli che si amano, una scia di luci squarcia il nulla cosmico», racchiude e simboleggia il potenziale di un amore che poteva brillare ma è stato offuscato dalle circostanze e dalle insicurezze. Tra le frasi-chiave del testo, troviamo indubbiamente «E non lo so se sai che ho messo il cuore su Amazon con la scritta "vendesi"», un'immagine immediata e ironica che sottolinea la difficoltà di riappropriarsi di se stessi dopo una delusione, quando si è disposti a tutto pur di ritrovare un equilibrio personale. «”Sereno Variabile” – conclude Ricci - è una canzone che rappresenta una sorta di bilancio emotivo, uno sguardo al passato per capire il presente. Credo che tutti, almeno una volta, abbiano pensato a cosa sarebbe successo se avessero preso decisioni diverse, ma ciò che conta davvero è il valore che diamo al tempo che abbiamo e come scegliamo di spenderlo.» Con questa release, accompagnata dal videoclip ufficiale girato a Milano nei prestigiosi Multiset Studio Bicocca, sotto l’attenta direzione di Andrea Artioli e di Bronny alla fotografia, Ruggero Ricci si cimenta su nuovi sound, mantenendo però quella vena intima e sincera che lo ha reso una delle voci più apprezzate del panorama musicale italiano. Dopo il successo dei suoi precedenti lavori, continua a dimostrare una straordinaria capacità di spaziare tra generi diversi, senza mai perdere la sua identità. In “Sereno Variabile”, l’artista romagnolo si avvicina a sonorità internazionali, rendendo omaggio al country-pop, ma al tempo stesso mantenendo ben salda la sua cifra stilistica. Un’ulteriore conferma del suo eclettismo e della sua volontà di non essere mai scontato, prevedibile o banale. La musica di Ricci diventa un rifugio, un modo per affrontare il passato e trovare il coraggio di andare avanti. Il brano ci ricorda che, nonostante i rimpianti e le incertezze, abbiamo sempre l’opportunità di vivere pienamente il presente e di dare valore ad ogni momento. Ruggero, con abilità ed empatia, riconferma che non c’è bisogno di fronzoli o artifici per raccontare una storia sincera e toccante. La sua voce, piena ed elegante, riesce a trasmettere la carica emotiva del testo con una semplicità che arriva dritta al cuore. Con "Sereno Variabile", l’artista ci invita a riflettere sul tempo che abbiamo e su come lo spendiamo, ricordandoci che, anche nei giorni di pioggia, c’è sempre spazio per un arcobaleno.... Continua a leggere

Manuel Aspidi, una delle voci più intense del panorama musicale italiano, torna con “Eternal Echoes”, un brano toccante e significativo che celebra l'amore in tutte le sue forme. Con parole delicate e cariche di emozione, Aspidi dà vita ad una canzone che travalica le barriere del pregiudizio e diventa un manifesto di libertà, rispetto e uguaglianza. «L’amore non ha sesso, religione o colore», dichiara con fermezza l’artista toscano d’adozione statunitense, raccontando la sua esperienza personale. “Eternal Echoes” è nato in una notte d’estate, ispirato dalla sua storia d’amore con il compagno, un ragazzo che Aspidi descrive come il suo sostegno quotidiano, l’altra metà del suo cuore. «Insieme sosteniamo ogni passo dell'altro, come se ci conoscessimo da sempre» racconta, ricordando quel legame profondo che caratterizza le loro vite. Ma in un mondo che dovrebbe essere evoluto e inclusivo, l’amore tra due persone dello stesso sesso è ancora bersaglio di critiche e minacce. «Quando ho pubblicato una foto con il mio compagno, siamo stati travolti da insulti e persino minacce di morte» rivela Manuel, quasi incredulo di come un sentimento così puro e autentico possa ancora oggi generare odio e incomprensione. Un’esperienza che lo ha spinto a riflettere ancora di più sull'importanza di parlare, di condividere e di lottare contro la discriminazione. «Per fortuna – prosegue -, l’amore e il supporto ricevuti hanno superato di gran lunga le voci negative, ma è assurdo che nel 2024 certi pregiudizi esistano ancora.» “Eternal Echoes” è quindi una risposta a quell’odio: un inno che invita alla riflessione e al cambiamento, soprattutto per i giovani che, come Manuel, si trovano ad affrontare il peso dell’omofobia. «Ho le spalle larghe, ma per alcuni ragazzi più fragili non è così facile e poi accadono fatti che non vorremmo mai leggere», sottolinea il cantautore che ha scalato le classifiche internazionali, con la consapevolezza di quanto le parole possano ferire e condurre a tragiche conseguenze. Il brano, con la sua melodia raffinata e avvolgente ed un testo meravigliosamente poetico, celebra la bellezza dell’amore in tutte le sue sfumature. Nonostante sia ispirato dall’esperienza personale dell’artista, “Eternal Echoes” parla di un amore universale, che trascende ogni limite o etichetta. È una canzone per chiunque creda nella forza dell’amore incondizionato. Le parole di Manuel toccano profondamente l’ascoltatore: «In every dream, in every sleep. We’ll search and find, a love so true, in a million lives, I’ll choose you» («In ogni sogno, in ogni sonno, cercherò e troverò, un amore così vero. In un milione di vite, ti sceglierei ancora»). È un messaggio di eternità, in cui due anime si incontrano e si ritrovano, vita dopo vita, sfidando il tempo e le avversità. “Eternal Echoes” tesse tra le note un amore che va oltre il presente, che risuona nelle vite passate e future, perché due anime unite brillano di luce eterna. Questa narrazione tocca uno dei temi più importanti della nostra epoca: la necessità di accettazione e di rispetto reciproco. «Non credo che amare una persona sia un crimine; lo è piuttosto maltrattare una donna, prendersela con i più deboli. L’amore, invece, dovrebbe essere sempre celebrato», dichiara Aspidi con forza, convinto che la musica possa essere uno strumento di cambiamento. Il progetto – accompagnato dal videoclip ufficiale in uscita il 18 Novembre, girato a Pescara sotto la direzione di Antonio Di Luca con riprese e montaggio a cura di Daniele Cipriani e co-prodotto dalla Settembre Produzioni - rappresenta anche una continuazione naturale del percorso artistico di Manuel, che già con singoli come “Wildfire” ha conquistato il pubblico internazionale, arrivando in vetta alle classifiche estere e dimostrando di avere una finezza capace di toccare le corde più intime e delicate del cuore. “Eternal Echoes” si presenta come un ulteriore tassello di questo viaggio, che intreccia sonorità pop internazionali con una sensibilità tutta italiana, in grado di raccontare storie vere e vissute. Per Manuel, traslare in musica la propria storia significa offrire una speranza a chi si sente solo, discriminato, invisibile. Dopo il suo coming out in diretta televisiva, molti ragazzi hanno scritto all’artista per ringraziarlo, raccontando di come la sua storia li abbia aiutati a trovare il coraggio di essere se stessi. «Se il mio lavoro riesce a dare conforto e forza alle persone, è per me una gioia immensa – confessa, in conclusione -. La musica ha il potere di rompere i muri più spessi e raggiungere i cuori. Se “Eternal Echoes” può dare voce a chi non ne ha, allora è il mio più grande successo.» Un pezzo che diventa rifugio per chi si sente solo e invisibile, una carezza musicale per tutti coloro che devono ancora combattere contro l’ignoranza e la cattiveria per sentirsi accettati. Con questa release toccante, poetica e suggestiva, Manuel Aspidi conferma di essere non solo un talento indiscusso, ma una voce che si alza contro l’ingiustizia e la discriminazione, un esempio di coraggio e di amore incondizionato. “Eternal Echoes” è un manifesto musicale alla vita, alla libertà di essere se stessi senza paura. Un messaggio forte e necessario, un richiamo al rispetto e all’accoglienza che tocca ognuno di noi, perché solo attraverso l’amore possiamo sperare di costruire un futuro migliore.

Cheez, il giovane artista mantovano che ha già saputo farsi notare con brani come “Tenero”, “Sunset Boulevard” e “Light Blue”, torna sui digital store con il suo primo progetto full length, “Feeling Blue”, un concept album che si muove sul filo sottile tra amore e depressione, raccontando le sfumature più oscure e delicate di questi due mondi che spesso si intrecciano. Un percorso intimo e personale, una sorta di diario musicale ove ogni traccia rappresenta una tappa specifica di un viaggio interiore, in cui l’amore, la perdita e la lotta contro la depressione diventano protagonisti di una storia che chiede di essere ascoltata. Sette canzoni, ciascuna corrispondente ad una delle sette fasi della depressione, sovrapposte alle medesime fasi di una relazione d’amore: euforia, costruzione, innamoramento, disillusione, stabilità, sperimentazione e amore maturo. Il disco guida l’ascoltatore attraverso momenti di shock, rabbia, negoziazione e accettazione, per poi arrivare ad una tenue ma sincera speranza di rinascita, regalando un racconto che parte dal caos per arrivare ad una luce, lontana ma raggiungibile. Il viaggio di "Feeling Blue" si apre con “Virus - Shock”, brano che mette subito in chiaro il tono del progetto: lo scompiglio e la confusione interiore tipici dello shock iniziale, sia in amore che nella lotta contro la depressione. Con versi in inglese e italiano, Cheez riesce a catturare ed esprimere l’alienazione e la destabilizzazione che nascono dall’innamoramento, una condizione travolgente e a tratti pericolosa che lascia l’artista in balia delle sue stesse emozioni. Il secondo atto arriva con “Tenero - Rifiuto”, una traccia già nota e apprezzata dal pubblico, in cui Cheez affronta il tema del rifiuto e della disillusione. La metafora del fuoco vendibile e l’atmosfera cupa riflettono una relazione che non trova un vero equilibrio e una condizione depressiva che avvolge tutto in una nube di distacco. «L’amore, in questa fase, è qualcosa da cui ci si allontana», spiega l’artista, sottolineando l’impossibilità di creare una connessione autentica, sincera, sentita. Si prosegue con “iPhone - Negoziazione”, un pezzo che narra il tentativo disperato di trovare un equilibrio, di negoziare sia con se stessi che con l’altro. Qui l’artista dà voce all’idea di anestetizzazione emotiva, provando a convincersi che il dolore non lo colpisca più, anche se la ferita è ancora aperta. «Mi hanno calpestato da tempo, ormai se fai male non sento», recita un passaggio del brano, aggiungendo un senso di rassegnazione misto a resistenza. È un grido silenzioso di chi cerca di adattarsi al dolore, ma nel profondo sa che le cicatrici non sono ancora guarite. L’album assume toni più accesi con “Caldo - Rabbia”, in feat. con BadLarry, brano intriso di immagini forti e di un linguaggio crudo, con i due artisti che trasmettono un’inquietudine chiara e palpabile. Il ritornello gioca su un doppio senso, trasformando quella che sembra una minaccia in un atto di liberazione, con il grilletto dell’accendino che accende lo spinello, simbolo di una ricerca di libertà e condivisione. Questa traccia, che al primo ascolto potrebbe sembrare brutale, dando l'impressione di una violenza esplicita, ad una più attenta analisi si rivela essere la rappresentazione di una forte tensione, sentimentale e sessuale, vissuta dal protagonista in un momento di conflitto con la partner. Il ritornello, sebbene suoni minaccioso a primo impatto, è in realtà una metafora legata non solo al consumo di sostanze, ma anche al desiderio di vicinanza e abbandono. Cheez ci tiene a sottolineare che l’uso di un linguaggio forte, dal quale è facile attingere e richiamare una serie di immagini violente, è volto esclusivamente ad evidenziare la collisione tra rabbia, desiderio sessuale e frustrazione, piuttosto che descrivere atti di violenza vera e propria. “Sorry - Depressione” segna il punto più cupo del disco, un momento di profonda depressione e apatia. Qui l’artista si trova a fare i conti con il vuoto interiore e con la sensazione di essere intrappolato in un ciclo di autodistruzione. «In questo pezzo racconto la fase più buia, dove tutto sembra insuperabile e l’amore diventa solo un’altra fonte di dolore», spiega Cheez, portando l’ascoltatore nel cuore della sofferenza. Ma il viaggio non si ferma alla disperazione. Con “Ho Fatto Bene - Accettazione”, Cheez inizia ad accogliere il proprio dolore, riconoscendo che, anche se la situazione non migliora, c’è una forma di pace nell’accettazione. L’amore finisce, ma la vita continua, e la frase «Brindo, però lo faccio da solo» cattura perfettamente l’ambivalenza di questo stato d’animo. Infine, “Light Blue - Speranza” chiude l’album con una luce di speranza. Anche se il dolore e la perdita sono ancora presenti, l’artista intravede la possibilità di guarire, di andare avanti. «Non si tratta di un lieto fine - spiega Cheez -, ma di un momento in cui finalmente vedi che il cambiamento è possibile, anche se non sai ancora come e quando arriverà.» Per Cheez, la musica è una finestra sulla sua anima, come lui stesso racconta: «“Feeling Blue” è il mio modo di raccontare un viaggio che molti di noi conoscono. È un album personale, ma credo che chiunque abbia vissuto momenti di difficoltà possa riconoscersi in queste canzoni. La mia musica è una finestra sulla mia anima, e con questo disco volevo essere il più sincero possibile, senza filtri.» Con “Feeling Blue”, il rapper mantovano non solo dà prova della sua versatilità autorale e della sua capacità di fondere i generi musicali in armonia con i temi trattati, ma dimostra di essere un artista in grado di trasmettere emozioni tangibili e sincere. Ogni traccia del disco rappresenta un capitolo di una storia complessa, ma al tempo stesso molto vicina alla realtà di ciascuno di noi. “Feeling Blue” è un album che, senza mai essere scontato, riesce a parlare dell’amore e del dolore con autenticità e senza compromessi. Cheez ci offre un’esperienza musicale che, tra parole, suoni e sentimenti, ci invita a non avere paura delle emozioni e a percorrere quel viaggio, a volte difficile, verso la guarigione.

“Quale momento vorresti rivivere?”: è da questa domanda semplice e diretta che nasce “Ogni momento che passa” (Daylite/Altafonte Italia), il nuovo singolo del cantautore romano Gemma, che torna sui digital store con un brano che mette al centro la gratitudine e la bellezza delle piccole e grandi cose della vita. “Ogni momento che passa” è stata la sua risposta, e con queste parole ha trovato l’ispirazione per raccontare, su un tappeto melodico ipnotico e avvolgente, un encomio alla vita e alla voglia di assaporarne ogni attimo, senza lasciarsi sfuggire nulla. Prodotto con cura e sensibilità da Siccome, “Ogni momento che passa” si presenta come una narrazione musicale che attraversa i momenti di cambiamento, le scelte che costruiscono e definiscono il nostro percorso e la consapevolezza di voler vivere intensamente tutto ciò la vita ha da offrirci. Nel testo, l’artista riflette con onestà e trasparenza: «Siamo figli delle nostre scelte, incomprensioni perfette, tra tutto quello che non abbiamo e tutto quello che vorremmo essere»; parole che si fanno specchio dei pensieri e dei ricordi che abitano in ciascuno di noi, e che si muovono tra ciò che avremmo voluto e ciò che, invece, abbiamo. Nato dalla penna di un artista capace di convertire in musica le pieghe e i colori dell’anima, questo brano è una fotografia sonora che abbraccia simultaneamente passato, presente e futuro, una rappresentazione di quei frammenti che ci hanno plasmato e che, nel tempo, hanno dato forma al nostro percorso. «Avevo bisogno di fare un punto della situazione – dichiara Gemma -, di guardare a cosa avevo ottenuto e a ciò che avevo lasciato indietro, ma soprattutto di ricordarmi che ogni momento della vita è prezioso e merita di essere vissuto. Non dobbiamo avere paura del futuro o rimpiangere il passato: siamo il risultato di ciò che abbiamo scelto e di come abbiamo vissuto ogni esperienza.» La sua voce, caldamente ruvida e capace di emozionare, accompagna l’ascoltatore in un’immersione in se stesso, attraversando mente e cuore, e consentendogli di rivivere la storia di tutti coloro che, pur desiderando qualcosa in più, sono in grado di godersi ogni attimo per come viene. Con radici musicali ben salde e una lunga esperienza tra concorsi, premi e un percorso costante di crescita, Gemma, all’anagrafe Marco Gemma, è un cantautore che vive la musica come un mezzo per esprimere verità, emozioni e sentimenti. Il suo viaggio, iniziato nei locali e tra le piazze della capitale, lo ha visto farsi strada grazie alla capacità di raccontare e raccontarsi in maniera diretta e sincera. Nato artisticamente come leader del gruppo Civico 8 e proseguito come solista, il cammino di Gemma è stato segnato da riconoscimenti importanti come la vittoria al concorso europeo Yes We Sing, il premio Radio Emergenti e una finale nel concorso Zocca – Paese della Musica promosso da Vasco Rossi. “Ogni momento che passa” rappresenta, dunque, il capitolo successivo del percorso dell’artista, un’evoluzione musicale che abbraccia sonorità nuove, con il desiderio di condividere gioia e gratitudine per ciò che c’è e per ciò verrà. Il brano è costellato di immagini che si imprimono nella memoria, regalando un ritratto della vita come una raccolta di istanti preziosi. Il verso «Ci siamo fatti di vita, noi cresciuti nella strada, quella che non ti giustifica» racchiude magistralmente la durezza del percorso e la tenacia, la resilienza necessarie per affrontarlo. E ancora, «Ogni giorno è solo l’inizio di quello che verrà» diventa un mantra, una luce di speranza, che invita a guardare avanti con fiducia e ad accogliere il futuro senza timore. “Ogni momento che passa” ci ricorda che ogni istante conta e che ogni passo compiuto ci avvicina a ciò che vogliamo essere. È un brano che entra sottopelle e diventa il compagno di viaggio di chi vuole vivere intensamente, senza lasciarsi sfuggire l’occasione di essere davvero presente. Con questo singolo, Gemma ci offre un pezzo di sé, invitandoci a restare presenti, a non lasciare che i giorni scivolino via senza essere vissuti fino in fondo. La sua musica diventa un messaggio vivo, che trova espressione in ogni singolo verso, trasformando la quotidianità in qualcosa di prezioso, da celebrare e custodire.... Continua a leggere

Dopo aver affascinato con il loro sound unico e psichedelico, dimostrando talento, versatilità e determinazione, i 3nema tornano con "History", un brano che racconta la loro storia in modo intimo, personale ed emozionante. Oltre 5 minuti di pura immersione nella vera essenza della band gardesana: “History” non si limita ad essere una semplice canzone, ma diventa un viaggio, un racconto sonoro delle loro radici, dei loro sogni, delle loro lotte e del loro percorso musicale. Una finestra aperta su un mondo fatto di sperimentazione continua, di contaminazioni e di scelte artistiche audaci e coraggiose. Ogni nota del brano svela un frammento della loro storia, e ogni battito di cassa segna un nuovo passo in un cammino che non si esaurisce mai e non smette di evolversi, incarnando quella che loro stessi chiamano la “3nema Way”. La “3nema Way” rappresenta per il gruppo un vero manifesto artistico, una missione che va oltre la musica, traducendosi in una costante ricerca sonora capace di sorprendere e stupire, coinvolgere e far riflettere. I 3nema non si accontentano di rimanere fermi in un genere, preferendo mescolare le sonorità del rock, del funk e dell’elettronica, con incursioni psichedeliche che creano un sound unico ed istantaneamente riconoscibile. Questo approccio li ha resi una delle realtà più interessanti della scena musicale indipendente, dove innovazione e autenticità espressiva si incontrano in una fusione inedita e accattivante. La musica, per i tre talenti bresciani, è il veicolo perfetto per trasmettere emozioni e sentimenti, a tratti crudi e viscerali, che si intrecciano con una produzione raffinata e qualitativamente impeccabile. “History”, pur essendo un pezzo strumentale per gran parte della sua durata, riesce a raccontare una storia intensa e suggestiva, alternando momenti introspettivi ad esplosioni di energia; un mix che trasporta l'ascoltatore in una dimensione in cui il tempo sembra sospeso e il suono è parte integrante di un’esperienza che da personale diventa condivisa. Con una partenza intima, quasi confessionale, "History" inizia raccontando come tutto ebbe inizio nel 2020, quando i 3nema unirono le forze e le loro differenti influenze musicali per creare qualcosa di unico. «Coming from different genres, our goal is to experiment and involve the fusion of these to another level» («Provenendo da generi diversi, il nostro obiettivo è sperimentare e coinvolgere la fusione di questi ad un altro livello»), recita il testo, introducendoci alla loro filosofia artistica, che mira a spingere i confini del pop, del rock e della psichedelia oltre ogni aspettativa, regalando emozioni forti, pure e dirette. “History” è un’esperienza unica di musica e passione, un progetto che mette a nudo l’essenza dei 3nema, non solo come musicisti, ma come persone. È una canzone che parla di amore, di lotte, di sacrifici e di scelte fatte per seguire la propria strada. «This love is nothing when everything is alright. This love is nothing when you can hold me tight» («Questo amore non è niente quando tutto va bene. Questo amore non è niente quando puoi tenermi stretto»): una riflessione sulla fragilità dei rapporti e sulla costante ricerca di significato dietro ogni legame. L'intenzione del brano è chiara: trasmettere la passione che i 3nema mettono in ogni loro creazione, e invitare il pubblico ad unirsi a loro in questo viaggio sonoro. “History” è stata concepita in modo da permettere all'ascoltatore di perdersi nel ritmo, lasciandosi guidare dalle melodie e dai suoni che accarezzano e galvanizzano al contempo. «"History" è la nostra storia – dichiara Okram, frontman della band -. Volevamo creare qualcosa che rappresentasse davvero ciò che siamo, quello che abbiamo attraversato e la direzione in cui stiamo andando. È un modo per dire: questo è ciò che facciamo, questa è la nostra vita, e questo è ciò che vogliamo condividere con il nostro pubblico.» I 3nema, con le loro release, non raccontano solo storie, ma creano veri e propri mondi, partendo dal loro che, dal 2020, non li ha mai visti smettere di crescere, di evolversi, di sperimentare. Le loro radici affondano nel rock, nel funk e nell’elettronica, ma ogni nuova canzone è un passo in avanti, una nuova scoperta. Il loro debut album, “Verità”, ha segnato l’inizio di un cammino che ha sorpreso e conquistato il pubblico. Ora, con “History”, la band lombarda si racconta senza filtri e ci regala un assaggio di quello che è e di quello che sarà.... Continua a leggere

Dopo aver calcato i più prestigiosi palchi italiani, aprendo i concerti di artisti del calibro di Loredana Bertè, Emma Marrone, Patty Pravo, P.F.M. e Fausto Leali, e dopo aver raggiunto oltre due milioni di stream sulle piattaforme digitali, Marino Alberti torna con “Monalisa”, un brano che mescola il suo talento di polistrumentista e la sua scrittura tagliente alle sonorità più intime e cupe del rock. In “Monalisa”, Alberti si addentra nei meandri delle relazioni che segnano e feriscono, con quella capacità di evocare immagini forti e ricche di significato che lo contraddistingue sin dalla sua prima release. Con un arrangiamento attualissimo e una produzione impeccabile, entrambi minuziosamente curati dallo stesso artista, “Monalisa” svela la natura ambivalente dell’amore tormentato, ove attrazione e conflitto combattono e convivono, mettendo a nudo il vigore di un sentimento che scava e consuma. Un percorso, una rappresentazione realistica e sincera delle emozioni contrastanti che affiorano nelle storie più intense che sa trasmettere il senso di tensione e di passione che solo un amore travagliato sa far affiorare. «Questo pezzo è un tuffo nel cuore dei rapporti che ci consumano, che ci tolgono il sonno ma che, alla fine, ci fanno capire chi siamo veramente - racconta Alberti -. È la mia risposta a quelle storie che lasciano il segno, e non necessariamente in modo positivo.» Con strofe e ritornelli che restano impressi, “Monalisa” non si limita a raccontare una storia d’amore conflittuale, ma va oltre, offrendo una riflessione sulla ricerca della propria identità nelle relazioni di coppia. Nel testo, emerge sin dalla prima strofa una figura enigmatica che riflette il tormento, rappresentata da un gioco di luci e ombre che incarna i conflitti interiori tra ciò che si mostra e ciò che si nasconde. «Amo il modo in cui mentirai, prima al mondo e poi a te stessa» canta Marino, sottolineando la tensione tra la maschera che indossiamo per il mondo e il bisogno di autenticità che spesso teniamo celato. «Monalisa, mi odi tanto e sai perché, Monalisa, sei uguale a me»: queste parole sono un richiamo a quei legami in cui si tende a proiettare paure, desideri e insicurezze, svelando le nostre verità più profonde. Un’immagine che diventa lo specchio da cui scorgere le fragilità e le difficoltà dell’accettare, prima di tutto, se stessi. Per la realizzazione del brano, Marino si è avvalso della collaborazione di alcuni tra i migliori musicisti della scena contemporanea: al basso Faso di Elio e le Storie Tese e Trio Bobo, alla chitarra Riccardo “Castelli” Kosmos (chitarrista di Achille Lauro) e Lewie Allen (chitarrista di Sam Smith ed Elton John), alla batteria Corrado Bertonazzi (del canale Youtube Suonarelabatteria) e al piano Lorenzo Bertelloni (pianista di Francesco Gabbani). “Monalisa” segna quindi non solo un ritorno musicale per Alberti, ma anche un’evoluzione artistica, che si esprime con sonorità rock graffianti e intime. Marino racconta come, spesso, nelle relazioni, si combatta una lotta silenziosa con se stessi e con l’altro, alla ricerca di un senso e di un equilibrio tra libertà e attaccamento. «Questo brano – conclude - è nato dal desiderio di mettere in musica quelle contraddizioni che spesso viviamo: amiamo e odiamo, desideriamo e respingiamo. La musica diventa così il riflesso delle nostre emozioni più vere e spinose.» Prodotto interamente dallo stesso Alberti e accompagnato dal videoclip ufficiale, girato nello studio di registrazione House of Glass di Viareggio sotto la direzione di G Man, il pezzo è stato concepito per trasmettere tutto l’impeto di un racconto visivo oltre che sonoro. Nel video, Marino cattura lo spirito stesso di “Monalisa”, tra luci e ombre, con una regia che enfatizza l’essenza tormentata e affascinante della canzone, regalando agli spettatori un’immersione completa nel mondo dell’artista. Marino Alberti, cantautore e polistrumentista con anni di esperienza sui palchi, ha saputo portare la sua musica al cuore del pubblico. Con una gavetta costellata di successi e riconoscimenti, ha sempre messo il pubblico al centro di ogni performance, trasformando ogni esibizione in un momento di condivisione e di empatia. “Monalisa” è una conferma della versatilità di Alberti, e della sua abilità di coniugare un suono moderno e ricercato con testi sinceri, autentici e a tratti pungenti. È un brano che intreccia melodie e parole per dipingere un vivido affresco sull’amore e i suoi contrasti; un brano che racchiude tutta l’esperienza di un artista che sa raccontare e raccontarsi senza mai rinunciare all’eleganza di un sound ricercato, grintoso contemporaneo. Con “Monalisa”, Marino Alberti firma una nuova dichiarazione tra le note, portando in primo piano tutta la potenza espressiva di chi sa come trasformare le emozioni in musica.

«Respiro a stento in mezzo a sta città, col fumo denso che è nell’aria», con queste parole dirette e senza filtri si apre "Respiro", il nuovo singolo di Mpatia, cantautore e produttore brianzolo che torna con un messaggio forte e liberatorio. In un mondo che corre veloce, tra ansie e pensieri che spesso sovrastano ogni emozione, Mpatia ci invita a fermarci, prendere fiato e ritrovare il nostro centro, lontano dal caos che ci circonda. Il singolo nasce da un'esperienza personale dell’artista, in un momento in cui i pensieri negativi si erano fatti densi e pressanti: «In un periodo di grande malessere, una persona mi ha consigliato di fermarmi e respirare. Ho scritto una parola su un foglio, “Respiro”, e quella stessa sera è nata la canzone. Scrivendo, ho sentito come se stessi lasciando andare tutto il peso che avevo dentro», racconta, sottolineando il potere catartico della musica come forma di terapia. Le sonorità punk-rock che sorreggono il pezzo, generi che per loro natura incarnano ed esprimono ribellione e libertà, si trasformano qui in un’esortazione alla calma, a rallentare, anche solo per qualche istante. I riff di chitarra e i ritmi veloci si intrecciano ad un testo ricco di significato, rendendo "Respiro" una traccia che resta impressa, non solo per il sound, ma per il messaggio che porta con sé: imparare ad ascoltare sé stessi, per poter poi prestare orecchio a ciò che ci circonda. Nel testo, Mpatia tocca un tema attualissimo, la necessità di trovare un equilibrio interiore in una vita sempre più frenetica, e lo fa senza nascondersi dietro metafore complicate: la sofferenza viene affrontata a viso aperto. «E faccio ancora un bel respiro per sentirmi meglio, mentre vomito l’anima sul pavimento», recita una delle frasi più forti del brano, che racchiude il senso di lotta, di conflitto interiore che lo stesso artista ha vissuto. Non c'è il timore di mostrarsi vulnerabili, perché è proprio nel riconoscimento, nella consapevolezza del proprio dolore, che si può iniziare a guarire. Il carismatico talento lombardo, utilizza la musica come un mezzo di espressione puro, autentico, che riflette i tormenti e le difficoltà della vita senza mai cedere al vittimismo. La scrittura di canzoni, per lui non è mai stata una ricerca di consenso, ma un atto terapeutico personale, una finestra sulla sua anima: un modo per dialogare con se stesso, un processo attraverso cui liberarsi dai propri fardelli emotivi. «Scrivo per me stesso – spiega -, ma se la mia musica può aiutare qualcuno a riflettere o a sentirsi meno solo, allora ho davvero fatto qualcosa di significativo.» La copertina di “Respiro” ritrae un Buddha immerso nel caos, ma sereno, una scelta che lo stesso Mpatia racconta con queste parole: «Ho scelto di rappresentare il Buddha perché mi sento sempre più vicino a quella filosofia. È un simbolo di calma e di equilibrio, anche quando tutto intorno sembra crollare.» Un’immagine che riassume perfettamente il messaggio del brano: trovare pace, anche nel mezzo delle difficoltà. Ma non solo: l’intero progetto musicale Mpatia nasce da una storia di dolore e rinascita. Dopo aver vissuto una relazione fortemente tossica, al limite del patologico, l’artista ha scoperto quanto i traumi del passato possano influire sulle relazioni presenti e future. Da questa esperienza, la necessità e la decisione di creare release che non siano solo la narrazione, lo specchio di una sofferenza vissuta, ma che possano soprattutto trasformare tutto quel dolore in qualcosa di costruttivo, in grado di empatizzare e sostenere tutti coloro che si trovano a fare i conti con situazioni difficili. Le sonorità che caratterizzano "Respiro", richiamano le influenze musicali che hanno segnato l’adolescenza di Mpatia, legandosi ad un percorso di crescita e di evoluzione che lo ha visto maturare sia professionalmente che personalmente. «Sto finalmente trovando il mio suono – afferma, in conclusione –, e attraverso i miei brani voglio trasmettere i miei pensieri, con l’obbiettivo di far riflettere le persone e contribuire, nel mio piccolo, a rendere il mondo un posto migliore.» Con “Respiro”, Mpatia offre uno spazio di ascolto e riflessione in un mondo sempre più rumoroso. Il singolo è un richiamo all'importanza di ascoltare se stessi e di trovare la forza di rialzarsi ogni volta, perché anche nelle fasi più difficili della vita, possiamo scegliere di fermarci, respirare e ritrovare la nostra direzione.

È la regina italiana del country internazionale, una delle voci più magnetiche e delle penne più affascinanti degli ultimi anni ed ora, Mikol Frachey, dopo aver incantato il pubblico con brani come “Cowgirl Dance”, “Valley Girls Blues” ed il recentissimo apripista “Dream Back”, presenta al mondo un progetto straordinario, “Stories To Tell” (Delma Jag Records), un EP che fonde il suo talento da fuoriclasse a sonorità country dalle sfumature rock e blues, raccontando storie che commuovono immergendosi nella bellezza e nelle sfide della vita. Questo nuovo lavoro è un vero e proprio mosaico di esperienze vissute, di frammenti di anima che si intrecciano per dar forma ad una narrazione musicale toccante, in cui ogni brano si fa specchio di una delle tante fasi attraversate negli ultimi tre anni dalla cantautrice valdostana dall’attitude internazionale. Con una sensibilità e un carisma incredibili e una carriera che l’ha portata ad esibirsi sui più prestigiosi palchi internazionali, Mikol Frachey è diventata la voce italiana più rappresentativa del country moderno: dall’uscita dell’album pubblicato in piena pandemia, un lavoro che l’ha portata al #39 della classifica UK dei dischi country più ascoltati, Mikol ha trovato il coraggio di raccontarsi, di mettere a nudo le sue esperienze e di trasformarle in musica. “Stories To Tell” rappresenta la sua capacità di trasmettere i sentimenti attraverso le sue storie, storie che si fondono con quelle del pubblico, perché, come lei stessa ricorda, «tutti abbiamo quella casa che abbiamo dovuto lasciare, quell’amore tormentato, quel sogno custodito fin da bambini.» Con una produzione curata insieme al team di Delma Jag Records, che ha garantito all’artista il pieno controllo creativo, “Stories To Tell” alterna momenti di puro country allegro e spensierato a momenti più introspettivi e profondi, rendendo ogni traccia unica e carica di un’energia sincera e diretta. Un disco intimamente emozionante, capace di arrivare dritto al cuore a tratti come un pugno e a tratti come una carezza; un abbraccio che avvolge l’ascoltatore in una stretta di condivisione, comprensione e accettazione. «Questo EP – spiega Mikol - è un viaggio che mi ha portata a comprendere la bellezza delle storie, perché anche i ricordi più difficili e le esperienze più dure un giorno diventano “stories to tell”, da condividere e da cui imparare.» Per celebrare l’uscita di questo piccolo capolavoro dal respiro internazionale, Mikol Frachey è pronta a portare la sua musica oltre confine, con un tour che attraverserà diverse città della patria del country, nato nelle zone rurali del continente nordamericano. Dalle pianure del Texas alle atmosfere uniche di Nashville, fino a varcare l’Oceano per raggiungere il pubblico europeo in Svizzera e nel Regno Unito, l’artista è pronta per un viaggio che, con l’energia e la finezza che la contraddistinguono, la porterà a sfiorare nuove scene e cuori in un crescendo di emozioni, toccando città iconiche del genere. “Stories To Tell” – Le date del Tour: 31/10 – Houston, USA 02/11 – Dallas, USA 03/11 – Birmingham, USA 11/11 – Nashville, USA 17/11 – Nashville, USA 11/12 – Baden, CH 15/03/25 – Glasgow, UK 16/03/25 – Glasgow, UK 22/03/25 – Zürich, CH 31/05/25 – London, UK Ogni tappa sarà l’occasione per condividere i ricordi e i sentimenti che hanno plasmato questo EP, portando “Stories To Tell” a contatto con chi ha ispirato le sue storie, le sue esperienze e le sue riflessioni più intime. «Oggi si parla tanto di successi e numeri – afferma Mikol, in conclusione -, ma le storie che portiamo dentro meritano di essere condivise, anche quelle più difficili e dolorose, perché alla fine, ogni ricordo è una storia da raccontare.» A seguire, tracklist e track by track dell’EP. “Stories To Tell” – Tracklist: 1. Valley Girl Blues 2. Dream Back 3. Stories To Tell 4. My Whole Life In A Memoriy 5. Miss Roulette 6. Hangover Like Love “Stories To Tell” – Il disco raccontato dall’artista: “Valley Girl Blues”: il primo brano dell’EP è un country-rock dalle sfumature blues, nato da un profondo senso di frustrazione. Ero stufa di sentirmi dire che ho solo avuto fortuna, mentre lavoro duro da quando avevo 15 anni. È una risposta schietta a chi sottovaluta le sfide che molti artisti indipendenti affrontano ogni giorno. Ispirata da figure come Loretta Lynn e Carrie Underwood, mi sono lasciata andare, mettendo a nudo il mio lato più combattivo e audace. La seconda traccia del disco è “Dream Back”, una ballata malinconica ed evocativa che ripercorre i sogni di una giovane Mikol, cresciuta con la passione per la danza e la disciplina del movimento. Tra bullismo e difficoltà, sono sempre rimasta fedele a quella bambina che danzava oltre il dolore e le difficoltà. Non sarò mai un’étoile, ma la determinazione che ho imparato mi accompagnerà per sempre. La produzione elegante del pezzo riecheggia le sonorità dei Lady A; ci tenevo che fosse carica di emozioni. “Stories To Tell” è il brano che dà il titolo all’EP e rappresenta un punto di svolta nella mia carriera. L’ho scritta mentre riordinavo i miei diari, riflettendo sulle lezioni apprese e sulla bellezza del processo che ognuno vive. Credo serva toccare il fondo per spingersi più in alto, mescolando nostalgia e resilienza. Flavia e Momo, i musicisti che mi hanno accompagnata fin dagli inizi, hanno contribuito a creare un arrangiamento intimo e vibrante. “My Whole Life In A Memory” è una canzone che nasce da un ricordo profondo e toccante, vissuto accanto ad un albero di amarene nella casa dei miei nonni, luogo dove ho imparato a suonare ed in cui ho trascorso le mie estati più felici. Mi sono chiesta: “Come posso far stare tutta la mia vita in un ricordo?” Ho trovato come sempre risposta nella musica ed è così che è nato questo brano. La penultima traccia dell’EP è “Miss Roulette”, un ritratto immaginario di un’agente segreto femminile, forte e letale, che si prende gioco dei cliché e dei limiti imposti. Ho affidato la produzione a Kate Malone, artista di Nashville, che ha saputo dare al pezzo un tocco rock-pop in stile Lindsay Ell. “Ripeti ancora che una ragazza non può essere” è la frase con cui Miss Roulette, con eleganza e strategia, sfida le convenzioni di genere. È un inno alla forza e all’indipendenza femminile. “Hangover Like Love” si ispira al documentario su Amy Winehouse “Hangover Like Love” e racconta il tormento dell’amore attraverso la metafora di una sbornia. Volevo trasmettere come le emozioni e l’amore, simili a una sbornia, possano rivelarsi dolorose al risveglio, ma con un fascino irresistibile che coinvolge e travolge. È una canzone dal sapore rock, in cui ogni strumento “soffre” all’unisono. Mi sembrava il modo perfetto per chiudere l’EP con una nota di struggente intensità. “Stories To Tell” è un’opera che incanta sin dal primo ascolto, ma che assume nuovi strati di significato ad ogni nuovo play. È un disco che va oltre la musica, per regalare all’ascoltatore un racconto che parla di sogni, difficoltà, e della bellezza del percorso. Mikol Frachey, ancora una volta, dà prova di essere una delle voci più autentiche e talentuose della scena country internazionale. È un EP che invita a riflettere sul valore delle esperienze, sulla resilienza e sulla forza di condividere le proprie storie per sentirsi parte di qualcosa di più grande, in un mondo che spesso ci mostra solo la sua faccia migliore. “Stories To Tell” è un abbraccio, una stretta di comprensione e un invito a ricordare che ogni momento vissuto ha un valore inestimabile ed ogni singola esperienza è parte di una storia più grande.... 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Adrian, artista del sud della Francia che ha saputo lasciare un segno nel panorama musicale internazionale, debutta nel Belpaese con il suo nuovo singolo “Because The Night”. Il brano, realizzato in collaborazione con DJ Ramezz, è un remix fresco e accattivante del capolavoro del 1978 scritto da Bruce Springsteen e reso celebre dalla leggendaria sacerdotessa del rock Patti Smith. Con un passato ricco di successi alle spalle, Adrian fa rivivere uno dei pezzi più iconici della storia della musica rock, riportandolo alla ribalta in una veste tutta nuova. "Because The Night", già riscoperto nel 1993 dai 10,000 Maniacs, oggi torna in tre versioni, l’Extendend Version, la Radio Edit in stile Eurodance ed una specialissima Italo Disco version realizzata esclusivamente per i club ed il pubblico italiano. Tre differenti abiti cuciti ad hoc su un pezzo immortale, tre adattamenti capaci di unire il passato con le nuove tendenze musicali. Il messaggio resta quello imperituro dell’originale: la notte come spazio in cui le emozioni e i desideri prendono vita, creando una dimensione sospesa che il giorno non riesce a toccare. «Ho fortemente voluto lavorare su questo brano per ricordare che l'amore, la notte e il desiderio sono concetti senza tempo, sempre contemporanei - spiega Adrian -. Quello che succede di notte, non capita mai durante il giorno; la notte è una dimensione a sé, è come se il tempo si fermasse e tutto diventasse possibile.» Un messaggio semplice ma ricco di significato che trova la sua piena realizzazione nelle atmosfere elettrizzanti di queste tre nuove release, pronte ad accendere le piste da ballo e accarezzare i cuori dei nostalgici e degli appassionati della musica dance. Quello di Adrian, è un percorso musicale che parte dagli anni ‘90 per conquistare il presente: ha iniziato la sua carriera musicale lavorando come manager per artisti, immergendosi completamente nell’energia travolgente dell’ultimo decennio del secolo scorso. Nel 2022, durante un soggiorno in Svizzera, presso gli studi di registrazione The Hana Road, ha dato vita a tre delle sue prime pubblicazioni di successo: “All Night Long”, “Stranger (Your Love)” e “Go & Go”. La sua crescita artistica è stata costante, conducendolo a firmare con l’etichetta inglese Driving Wheel Records, con la quale ha lanciato un remix del celebre brano “Summer is Crazy”, realizzato in collaborazione con Rinaldo Montezz, DJ Sansi e DJ Ramezz. L’incontro con DJ Ramezz è stato il punto di svolta. I due artisti hanno creato insieme “Run to Me” e la cover di “Don’t You Want Me”, raccogliendo risultati straordinari: oltre 9.000 passaggi radiofonici per “Run to Me” in 90 paesi, più di 600.000 visualizzazioni su YouTube e l’inserimento in oltre 1.200 playlist Spotify. Un successo replicato con “Don’t You Want Me”, che vanta 6.000 passaggi radiofonici e più di 400.000 visualizzazioni. Ora, Adrian e DJ Ramezz puntano a superare questi numeri con “Because The Night”, soddisfacendo i gusti di ogni tipo di pubblico e mercato grazie a tre versioni; tre versioni per un’unica esperienza sonora. La missione di Adrian e DJ Ramezz è chiara e definita: unire, sotto l’egida della musica e di intramontabili evergreen, generazioni e stili, facendo ballare con la stessa intensità chi ha vissuto la golden age della dance anni '90 e chi, oggi, scopre queste sonorità per la prima volta. «Con questo remix – afferma Adrian, concludendo - ho voluto creare qualcosa che rimanesse fedele allo spirito originale, ma che al contempo potesse parlare alla generazione attuale.» Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, un viaggio visivo che amplifica l'energia del brano e ne valorizza l’atmosfera iconica e grintosa. Tra luci pulsanti e scenografie urbane, il video cattura il fascino senza tempo del pezzo, in uno spazio sospeso, dove desideri ed emozioni trovano piena espressione. Adrian si presenta all’Italia come un artista capace di connettere mondi musicali diversi, dando vita ad adattamenti e cover che mantengono intatta l’anima dei brani originali, reinventandoli con un tocco fresco e contemporaneo. Il suo è un viaggio che ripercorre il passato con un piede nel presente, in grado di far sognare, ballare e riscoprire per riscoprirsi, guardando al domani con una nuova consapevolezza.... Continua a leggere

Marika Socionovo, la cantautrice marchigiana che ha fatto della sua musica uno strumento di riscatto e consapevolezza, torna con “Non Cambiarmi”, un brano che si staglia con decisione e delicatezza nel panorama musicale attuale. La sua storia è una di quelle che non si può ignorare: nata con la spina bifida, Marika ha affrontato la vita a testa alta, trasformando ogni sfida, ogni ostacolo, in uno strumento di riscatto, in un’occasione per crescere e affermarsi. La sua musica, così come la sua vita, è un percorso continuo alla ricerca di sé, e "Non Cambiarmi" simboleggia un passo importante in questo percorso, racchiudendo la sua volontà di restare fedele a se stessa, senza piegarsi alle aspettative altrui. Marika descrive questa release - che segue successi come “Canzone del mare”, “Importante” e “Il sarto dell’anima” -, come la trasposizione in musica di una profonda riflessione sulle pressioni della vita quotidiana e sulle attese che spesso ci vengono cucite addosso e imposte dagli altri. «Ho capito che non posso e non voglio essere diversa da ciò che sono – racconta l’artista – e questo pezzo è la mia dichiarazione di indipendenza. Sostenere gli altri è importante, ma bisogna imparare a sostenere anche se stessi. Io l’ho fatto, e non ho intenzione di tornare indietro.» Con sonorità contemporanee che fondono elementi pop e dance senza dimenticare l’emozione, “Non Cambiarmi” conquista con la sua sincerità e con una produzione che bilancia perfettamente intensità e ballabilità. Il testo, scritto dalla stessa artista, è un vero e proprio manifesto di presenza attiva e resistenza: «Non cambierò, io resterò, questa sono io, non ti seguirò». La cantautrice si rivolge a tutti coloro che, nel corso degli anni, hanno cercato di modificarla, di spezzarla, di farle mettere in dubbio il suo valore. Marika non nasconde le sue fragilità, ma le trasforma in forza, una forza che permea ogni nota della sua vita e di questa canzone: «Ogni volta che cadiamo a pezzi, io mi rialzerò», canta, con l’assoluta determinazione di superare ogni avversità come una guerriera che, pur nelle difficoltà, ha trovato il coraggio di camminare nella propria luce. Questa frase, forse la più rappresentativa del brano e del percorso di rinascita della sua autrice, è un monito per tutti coloro che lottano per trovare la loro vera voce in un mondo che spesso ci fa sentire inadeguati. «Ho perso qualcosa, ma ho trovato me stessa, in mezzo a questo caos, sono una guerriera senza resa», recita un altro importantissimo passaggio del brano, evidenziando una tenacia che non conosce tregua. Questa canzone si spinge oltre la narrazione in musica di una donna che si rifiuta di piegarsi, diventando un invito rivolto a tutti coloro che quotidianamente lottano per affermare la propria identità. In “Non Cambiarmi”, infatti, Marika coverte la sua vulnerabilità un grido di libertà di espressione, esortando ciascuno di noi a fare lo stesso. «Scrivere "Non Cambiarmi" – conclude l’artista - è stato per me come liberarmi di un peso. In passato ho spesso cercato di compiacere gli altri, adattandomi a ciò che volevano da me, ma ho capito che l’unico modo per essere felici è restare fedeli a se stessi. Questa canzone è la mia risposta, il mio no deciso a chiunque cerchi di modificarmi o farmi sentire inadeguata.» "Non Cambiarmi" dà il via ad nuovo capitolo nella carriera di Marika Socionovo, un’artista che ha sempre saputo coniugare la sua sensibilità musicale con la sua forza interiore. Con il suo stile inconfondibile, ha conquistato il pubblico raccontando la vita nella sua forma più vera, senza maschere. Marika, attraverso la sua musica, continua ad essere un esempio per chi lotta per la propria indipendenza, per chi cerca di svincolarsi dai condizionamenti e per chi, come lei, ha imparato a rinascere, ancora e ancora. "Non Cambiarmi" è un appello a guardare dentro noi stessi, ad abbracciare le nostre imperfezioni e a non aver paura di difendere chi siamo davvero.

«Sai che mamma è l’altro nome di Dio, un mare chiuso dentro un bicchiere di vetro». Con queste parole, Giordano Amici apre il cuore nel suo nuovo singolo, “L’Immenso” (PaKo Music Records/Believe Digital), un omaggio intimo e poetico alla figura più importante della nostra vita: la mamma. Un brano che attraversa le corde più profonde delle emozioni, riportando alla luce quel senso di protezione, amore incondizionato e gratitudine che solo una madre può offrire. “L’Immenso” – che arriva dopo “Lara”, brano che tratta con assoluta delicatezza la storia di una ragazza alle prese con la lotta contro la dipendenza, e "Fiocco Viola", singolo che racconta la complessa realtà dei disturbi alimentari, con particolare attenzione alla prospettiva maschile - nasce in un momento speciale della vita del cantautore capitolino, un momento in cui ha deciso di fermarsi, osservare il mondo che ha costruito intorno a sé e rendere omaggio a ciò che conta davvero: la famiglia. In questa traccia, Giordano racconta la figura materna come il primo punto di riferimento nella vita di ogni essere umano, un porto sicuro che ci accompagna sin dall’infanzia. La mamma, viene rappresentata come l’albero della vita, come lo stesso Amici racconta: «La mamma è come un albero, le sue radici affondano nel passato, mentre i rami ci indicano la strada per il futuro. È l’esempio di forza, saggezza e dolcezza che ci guida, anche quando siamo ormai adulti.» Con queste immagini, l’artista invita l’ascoltatore a riflettere sul ruolo essenziale della madre, non solo come rifugio durante l’infanzia, ma come presenza costante che continua a guidare, anche quando si è adulti. L’idea alla base del progetto è quella di celebrare l’essenza stessa dell’amore materno, sia mediante l’esperienza personale di Giordano, sia rendendo omaggio a tutte le madri che, con sacrificio e dedizione, modellano le vite dei loro figli; figure che, nonostante le difficoltà della vita, offrono sempre un amore incondizionato e una protezione silenziosa. Una delle sorprese più toccanti del brano è la partecipazione speciale della famiglia dell’artista. Giordano Amici ha voluto coinvolgere sua moglie e i loro figli nei cori, creando così un vero e proprio ponte, un legame autentico tra la musica e la vita personale che aggiunge un ulteriore livello di autenticità e intimità ad una canzone che nasce dal cuore. «Ho voluto che le voci più importanti della mia vita fossero parte di questo progetto – prosegue – perché “L’Immenso” non è solo una canzone dedicata a mia madre, ma una celebrazione di tutto ciò che di prezioso ho costruito fino ad oggi: la mia famiglia.» Le voci della moglie e dei figli si fondono con la sua, rappresentando l’amore e l’unione familiare, valori centrali nella vita dell’artista. Dal punto di vista sonoro, “L’Immenso” si snoda su un tappeto melodico delicato, magistralmente prodotto da Alessandro di Somma, dove le parole di Giordano danzano con armonia sulle note, accompagnando l’ascoltatore in un cammino che attraversa momenti di tenerezza, nostalgia e gratitudine. Versi come «Sento qui l’immenso, tra le tue braccia uno spazio perfetto» o «Ogni battito del mio cuore porta il tuo nome, e dona luce dove sole non c’è», rappresentano con delicatezza l’immensità di un legame unico che non può essere ricercato e riprodotto altrove, descrivendo la madre come una presenza divina, capace di donare coraggio e speranza anche nei periodi più cupi. Un «cerotto di vita», in grado di curare le ferite invisibili che ci accompagnano lungo il percorso con gesti semplici ma importanti, come le carezze che confortano o i consigli che orientano. Il brano si chiude con un verso che congloba il senso stesso della missione artistica di Giordano Amici: «Scrivo di te in questa canzone, è il dovere di un cantautore». Con queste parole, l’artista mette in luce l'importanza di dare voce alle emozioni più vere, sentendo il dovere morale di trasformare i propri sentimenti in musica. Per Giordano, il ruolo del cantautore non è solo quello di intrattenere, ma di raccontare, condividere e lasciare una traccia indelebile di ciò che davvero conta nella vita. Nel presentare “L’Immenso”, l’artista spiega quanto questo progetto sia personale e significativo per lui. «Ho scritto questa canzone in un momento in cui sentivo il bisogno di fermarmi e guardarmi intorno. Mi sono reso conto che, spesso, siamo talmente presi dal rincorrere obiettivi e successi che dimentichiamo di apprezzare quello che abbiamo già costruito. La mamma, per me, è sempre stata il punto fermo della mia vita, e con questo brano ho voluto restituirle tutto l’amore che mi ha donato». Giordano non nasconde la commozione nel parlare dell’amore materno, un sentimento che tocca corde molto intime e che, grazie alla sua penna delicata ma incisiva, riesce a trasformarsi in un racconto condivisibile dagli ascoltatori di ogni fascia d’età. Con “L’Immenso”, Giordano Amici tocca ancora una vola il cuore del pubblico con una sincerità che va ben al di là di note e parole. Questo brano è una celebrazione della famiglia, dell’amore che unisce, e del potere dell’affetto incondizionato che ci accompagna per tutta la vita.... Continua a leggere

Red, artista marchigiano dalla voce unica e inconfondibile, noto per la sua partecipazione al Fatti Sentire Festival andato in onda su Rai 2, torna con "Coffee Shop", il suo nuovo singolo che tocca il cuore, parlando di ricordi, di rimpianti e della necessità di andare oltre. Dopo aver ottenuto plausi e consensi per brani come "ILLUDIMI" e "Come sei te", il brillante talento classe 2000 continua a raccontare emozioni e sentimenti, dando voce ai momenti di riflessione che ci colgono quando ci fermiamo a pensare al passato. "Coffee Shop" è nato in una fase di grande introspezione per l’artista, durante la quale ha sentito il peso del tempo e delle responsabilità che la vita adulta porta con sé. Tuttavia, il pezzo non si limita a dipingere i tratti sfumati della nostalgia, ma è anche e soprattutto un invito a reagire. «Poi ti senti un lampione che nel buio sfarfalla e te ne resti lì seduto con un tè all’early grey», canta Red, evocando un momento di solitudine in cui i ricordi riaffiorano insieme al desiderio di recuperare le connessioni perdute. Il testo è sincero e diretto, intriso di parole che racchiudono le difficoltà nel far fronte al presente, senza però perdere la speranza di riscoprire se stessi, gli altri e l’amore. «A volte passa il momento, al treno ci resti sotto. Ora se ti alzi hai un sorriso un po’ finto, lo so, ma a mentire non riesco»: frasi che echeggiano come una confessione, ma anche come una sfida a non arrendersi. «Questa canzone è nata quando ero sopraffatto dai pensieri negativi. Scrivere mi ha aiutato a liberarmi, a lasciar andare quella sensazione di pesantezza», racconta Red, sottolineando come la musica per lui rappresenti un modo per ritrovare la pace interiore. Il ritornello, con il suo rimando a riavvolgere tempo, pensieri e ricordi – «Tornerò da te, dai giorni che non ho più da riavvolgere come uno yo-yo» – rivela la necessità Red di ricongiungersi con il passato, di mettere in pausa e far ripartire dal principio la pellicola della sua vita, in modo da poter rivivere i momenti di spensieratezza ormai perduti. Questa frase non è solo una riflessione malinconica, ma un vero e proprio grido di rivalsa: il desiderio di tornare a vivere con leggerezza, lasciandosi alle spalle il peso delle responsabilità adulte e ricostruendo un presente in cui i ricordi si fondono con nuove possibilità. In questo ritornello c’è la promessa di tornare all’essenza, di riappropriarsi di quei giorni, come uno yo-yo che torna indietro solo per prendere slancio verso il futuro con rinnovata energia e consapevolezza. La voce di Red, riconoscibile e ricca di colori e sfumature, è una coccola per l’anima, una carezza che trasmettere emozioni con una delicatezza straordinaria. Il suo timbro unico, combinato ad una sensibilità artistica di raro riscontro, rende tutte le sue release un percorso intimo, in cui chi ascolta può ricollegarsi a parti di sé dimenticate e lasciarsi trasportare da un’emozione sincera. Questa intensità vocale ed espressiva, si ritrova in ogni sua canzone, e "Coffee Shop" non fa eccezione. Il brano che tocca corde intime, ma offre anche una finestra di speranza. La nostalgia e la malinconia non sono mai fini a se stesse, bensì diventano il motore per guardare avanti, per dar vita ad un’identità più matura e consapevole e per costruire nuove memorie. Red riesce, con eleganza e autenticità, a parlare di esperienze condivise da molti, ma lo fa con un linguaggio semplice, capace di arrivare dritto al cuore. Con "Coffee Shop", Red ci incoraggia a prendere in mano la nostra vita, a fermarci, a prenderci del tempo e, soprattutto, a non aver paura di ripartire, perché anche dopo aver attraversato periodi bui, non dobbiamo mai perdere di vista la luce che avvolge ciò che conta davvero.... Continua a leggere

Si intitola “Fatti sentire” (MoovOn/Altafonte Italia) il nuovo singolo del cantautore torinese Raffaele Poggio, un brano che dà voce agli artisti indipendenti, coloro che ogni giorno affrontano sacrifici e sfide enormi per portare avanti la propria musica senza scendere a compromessi. Il brano, un manifesto di lotta e resistenza dedicato a tutti coloro che cercano di farsi ascoltare in un mondo che spesso li ignora o tenta di farli tacere, racconta il percorso artistico di Raffaele, mettendo in luce non solo le difficoltà del suo cammino, ma anche il coraggio di non cedere a pressioni esterne, di qualunque tipo e natura esse siano. Il testo, scritto dallo stesso Poggio, si apre con un’accusa forte e chiara: «Valori e ambizioni buttati in qualche letto, lasciati a soffocare con i sogni in un cassetto». È qui che Raffaele denuncia apertamente di essere stato vittima di avances sessuali in cambio di promesse lavorative nel mondo dello spettacolo, come lui stesso racconta: «Diversi brutti episodi hanno segnato la mia gavetta; persone che si sono approfittate del mio sogno per rubarmi montagne di soldi, o che mi hanno fatto proposte indecenti per farmi entrare in certi contesti. Questi episodi mi hanno profondamente ferito, al punto da farmi dubitare se valesse la pena continuare. Ma non sono mai stato disposto a scendere a compromessi, e alla fine ho scelto di far sentire la mia voce senza piegarmi». “Fatti sentire”, prodotta da Transeuropa e masterizzata da Energy Mastering, non è solo una canzone per gli artisti che lottano, ma per tutte le persone che sentono il bisogno di far valere i propri diritti, denunciando qualsiasi ingiustizia subita. Raffaele ha voluto mantenere un suono semplice e diretto, senza troppi effetti, per sottolineare la sincerità del messaggio. Il pezzo, con le sue influenze pop-latin, risulta ballabile e accessibile, pur rimanendo autentico e fedele al panorama musicale italiano contemporaneo. La voce è la nostra forza: non importa se si tratta di una lotta artistica o personale, tutti devono sentirsi liberi di esprimere chi sono. In questo senso, “Fatti sentire” è un inno alla libertà d’espressione e un incoraggiamento a vivere senza paura del giudizio altrui, come magistralmente espresso nel verso-chiave «La voce è la nostra forza», che esorta tutti a non tradire i propri sogni e i propri valori. Nel videoclip ufficiale del brano, realizzato da Knowhere Studios, Raffaele utilizza la metafora del tempo, rappresentata da una clessidra, per enfatizzare l'importanza di farsi sentire prima che sia troppo tardi. Il video traspone in immagini il percorso artistico del cantautore, tra live e clip, con un tocco futuristico che si fonde perfettamente con l’accezione del singolo: agire prima che il tempo scorra via e ci scivoli dalle mani. Fronte live, il 12 ottobre, al Jazz Club di Torino, si è tenuta la prima data di LATIN PROJECT, il nuovo tour di Raffaele Poggio. Lo show è un viaggio musicale tra i grandi classici della tradizione latina, che hanno fortemente influenzato la sua carriera, e i suoi brani originali, che negli ultimi anni hanno raggiunto le vette delle classifiche degli artisti indipendenti italiani e stranieri. Con lui sul palco, una band di musicisti d’eccezione: Mel Contino alla batteria, Steve Q alle tastiere, Donato Donvito alla chitarra e Michele Rossi alle percussioni, ognuno con un’esperienza consolidata nei rispettivi campi. Nonostante le difficoltà che la musica latina e gli artisti indipendenti affrontano in Italia, dove le grandi emittenti radiofoniche spesso ignorano queste produzioni, Raffaele crede fortemente nel potere del suo sound. Il pubblico del Jazz Club, composto da fan affezionati e nuovi ascoltatori, ha partecipato con entusiasmo, confermando la forza del progetto. Raffaele, con la sua energia e la sua sensibilità, riesce sempre a creare una connessione emotiva con il pubblico, conducendolo in una dimensione musicale unica. Ora, con lo sguardo rivolto oltre i confini nazionali, Poggio spera di portare la sua musica e il suo spettacolo anche all'estero, continuando a far sentire la sua voce e quella di tutti gli artisti che, come lui, lottano per la propria verità.... Continua a leggere

Dopo una gavetta costellata di soddisfazioni e palchi importanti con la band ed il successo dei suoi primi singoli da solista, “Ibisco" e "Metalli", che hanno affascinato pubblico e critica per la sua versatilità e la sua voce inconfondibile, Manuel torna con un nuovo brano carico di emozioni, "Àncora". Una traccia che tocca il cuore e ci trasporta nel mezzo di un rapporto di coppia fatto di alti e bassi, di difficoltà e scelte, in cui si cerca il proprio equilibrio tra sentimento e separazione; una traccia che va oltre il concetto di “canzone d’amore” per diventare un confronto sincero con se stessi e con l'altro. «Dalla cima di un battito lento, ti dicevo "se cadi io ti prendo", ma non sono mica un'àncora, sprofondata nell'oceano dei tuoi sbagli», canta l’artista, con una sincerità che colpisce fin dal primo ascolto. Queste parole ci riportano alla consapevolezza che in ogni relazione c’è un momento in cui ci si rende conto di non poter essere l’àncora per qualcun altro, se prima non si trova la propria dimensione, la propria stabilità emotiva. “Àncora” si posa su sonorità moderne e internazionali, fondendo elementi RnB e new soul, ma mantenendo una chiara identità artistica che contraddistingue da sempre il lavoro di Manuel. Il testo, scritto dallo stesso cantautore lombardo, è un racconto sincero che porta alla luce le difficoltà di un amore che fa vacillare, ma che al tempo stesso fortifica, consentendoci di interiorizzare un’importante lezione: in un rapporto, non impariamo solo a conoscere l’altro, ma anche noi stessi, gli inevitabili compromessi che siamo a disposti ad accettare e tutto ciò che, invece, stride totalmente con la nostra personalità e con la nostra concezione di vivere in coppia. «E non sono mica un’àncora, appesa alla tua barca, sono il mare in cui nuotavi o solo un’onda, che salutavi dalla riva», recita un’altra frase-chiave del brano, sottolineando un senso di libertà ritrovata, pur riconoscendo il dolore della separazione. Ma “Àncora” è solo un frammento di un progetto più ampio. Manuel ha lavorato per oltre due anni al suo primo album, che vedrà la luce il prossimo anno: «Le canzoni mi hanno salvato la vita – racconta –. Sono state stata la mia terapia, il mio rifugio. L'energia che ci dona la musica è infinita; io ci sto mettendo tutto me stesso nell’essere un semplice "tramite" che possa concentrare certe emozioni e farle arrivare a tutti, perché ognuno di noi ha bisogno di sentirsi compreso e di rendersi conto che non siamo mai davvero soli.» Il disco, scritto, prodotto, arrangiato e registrato da Manuel stesso, è il risultato di un percorso personale e professionale che ha richiesto tempo e dedizione. Un lavoro che lo ha visto confrontarsi non solo con i sentimenti più intimi, ma anche con le difficoltà di dare forma alle proprie emozioni in musica. Al mix e al mastering, Cristiano Messina del MacLovin’ Studio, mentre Matteo Stella al pianoforte ha contribuito a dare un tocco di eleganza ad alcune tracce. «Capita spesso che, per amore, ci facciamo carico dei problemi che stanno affrontando le persone che amiamo e che possono essere gestiti e risolti unicamente da loro – conclude l’artista -. Spesso ci prendiamo delle responsabilità che vanno oltre il nostro controllo e creiamo un meccanismo di auto-sabotaggio, incolpando noi stessi per non riuscire a “sistemare tutto”. Se amiamo davvero una persona, dobbiamo essere forti e consapevoli, comunicando in modo chiaro ed essendo sempre sinceri. Quando ci si rende conto che qualcosa non va, proprio lì c’è una grande possibilità di evoluzione; dobbiamo lasciare libere le persone a cui teniamo, libere di essere, libere di sbagliare, libere di scegliere, libere di poter superare le loro battaglie personali senza pressioni. È proprio vero che alla base dobbiamo amare noi stessi e pensare al nostro benessere, per trasmettere sicurezza e fiducia.» Questo nuovo singolo rappresenta un momento di sincera introspezione nella carriera di Manuel, un brano che va oltre la semplice narrazione per accompagnare l’ascoltatore verso una nuova consapevolezza. Con la sua musica, Manuel non cerca risposte facili, ma invita a fare un tuffo dentro se stessi, lasciando spazio al coraggio di vivere per affrontare ogni avversità senza filtri. "Àncora" è una guida tradotta in canzone che, attraverso le note, ci ricorda di affrontare le tempeste interiori senza perdere di vista la rotta verso noi stessi.

I Ferrinis, il duo di fratelli romagnoli che ha saputo conquistare il cuore del pubblico con uno stile inconfondibile e la capacità di dare vita a canzoni senza tempo, torna a grande richiesta con “Ferrinis Deluxe Edition”, l’edizione estesa del primo omonimo album “Ferrinis” che, pubblicato a gennaio 2024, ha ottenuto oltre mezzo milione di visualizzazioni in meno di un anno. Il progetto rappresenta un vero e proprio percorso musicale attraverso sentimenti contrastanti, alternando momenti di gioia a riflessioni, ricordi e desideri. Un disco che abbraccia stagioni e stati d'animo e che con la sua anima caleidoscopica, principalmente pop ma impreziosita da sfumature latin, dance, urban e dembow, presenta una struttura sonora capace di andare ben oltre: ogni brano racconta un’esperienza, un ricordo, una fase della vita. Oltre alle 8 tracce presenti nella versione originale del disco - “Ballami Sul Cuore”, “Un altro Giro”, “La Volta Buona”, “Nessuno”, “Baby Baby”, “Cuore Matto”, “Brivido” e “L’ultima Canzone” -, il duo romagnolo ha aggiunto i 3 singoli che hanno scandito le stagioni italiane del 2024, facendo ballare e commuovere il pubblico. Troviamo infatti “La Voglia Che Mi Fai”, pezzo che ha infiammato la primavera con i suoi ritmi dance travolgenti, "Forte!", la hit estiva che ha mescolato sapientemente il dembow alla passione italiana, e "La Fine Dello Show", la struggente ballad settembrina che ha aggiunto un nuovo tassello ad un anno intenso e pieno di successi. Ma non è tutto. Il progetto include anche una versione acustica de "La Volta Buona", traccia che nella sua semplicità disarma l'ascoltatore con una delicatezza unica, e "Per Non Farti Male", l'attesissimo nuovo singolo che farà battere i cuori di tutti coloro che, almeno una volta nella vita, hanno vissuto il dolore di ferire una persona amata, nonostante la sincerità dei propri sentimenti. "Per Non Farti Male" è una canzone intrisa di rimpianto e consapevolezza, in cui il protagonista riflette sul fallimento di una relazione, chiedendo scusa per non essere riuscito a mantenere viva la connessione con la partner. Nonostante ciò, riconosce che quello che è stato vissuto era autentico e prezioso: passaggi come «Ti chiedo scusa se ho il cuore nero, quello che c’è stato è sempre stato vero» rendono perfettamente un rimorso interiore profondo, mentre nella frase «Non basteranno mai neanche mille parole per non farti male» è racchiusa la consapevolezza che, per quanto sincere, le scuse non saranno mai sufficienti a cancellare la sofferenza causata. La narrazione è malinconica e struggente, con immagini che richiamano il senso di colpa e una sensazione di perdita irrecuperabile. La traccia trasmette l’idea di un amore che, pur essendo autentico, è finito per incomprensioni e fragilità. Il protagonista analizza gli errori commessi, consapevole che il suo comportamento ha ferito la persona amata, anche se non era sua intenzione - «Non ho mai voluto farti del male, ma è successo lo stesso» -. Amore e rimorso si intrecciano in un singolo che tocca con delicatezza il tema delle relazioni complicate, dove il carattere e le debolezze spesso portano a ferire chi amiamo, e che riconferma la sensibilità autorale e interpretativa dei Ferrinis. Quella di “Ferrinis Deluxe Edition” è una tracklist che emoziona dal primo all’ultimo brano: tra le tracce più iconiche, "Ballami Sul Cuore" è un’esplosione di energia, una dichiarazione di passione travolgente che invita a lasciarsi andare completamente al ritmo dell’amore. “Un altro Giro”, mette in musica il desiderio di vivere ogni momento come se fosse l’ultimo, mentre "Brivido" mescola sentimento e sensualità, donando all'ascoltatore un’esperienza completa e totalizzante. Le voci dei Ferrinis sono un marchio di fabbrica che incanta, uno dei punti di forza di questo progetto, insieme alla loro abilità di raccontare storie personali in cui qualsiasi ascoltatore può facilmente identificarsi: «La nostra musica parla per noi – raccontano Maicol e Mattia -, per le nostre emozioni e per le esperienze di tutti quelli che ci ascoltano». Con "Ferrinis Deluxe Edition", il duo non solo celebra il passato, ma guarda con determinazione al futuro, come spiega in conclusione: «Abbiamo voluto includere brani che ci hanno accompagnato durante tutto il 2024, ma anche aprire nuove strade con "Per Non Farti Male" e la versione acustica de "La Volta Buona". Siamo sempre in movimento, cercando di creare nuove connessioni con il pubblico». “Ferrinis Deluxe Edition” è un album che, come un diario musicale, attraversa il tempo e lo spazio, regalando nuove emozioni ad ogni ascolto. Un disco che segna un percorso di crescita per i Ferrinis, che dimostrano ancora una volta la loro capacità di raccontare la vita in musica, in modo semplice, diretto e coinvolgente. "Ferrinis Deluxe Edition" – Tracklist: 1- Ballami Sul Cuore 2- Un altro Giro 3- La Volta Buona 4- Nessuno 5- Baby Baby 6- Cuore Matto 7- Brivido 8- L’ultima Canzone 9 - La Voglia Che Mi Fai 10 - Forte! 11 - La Fine Dello Show 12 - La Volta Buona (Acoustic Version) 13 - Per Non Farti Male... Continua a leggere

Dopo il successo ottenuto ad Italia’s Got Talent con il Manzella Quartet e l’importante progetto “Donna”, ispirato a storie vere di violenza sulle donne raccolte in un centro antiviolenza, il cantautore e musicista bergamasco Alex Castelli torna a far parlare di sé con "Tremenda" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo che, con ironia e sincerità, racconta una relazione in cui l'amore diventa il campo di battaglia tra caratteri opposti, ma inevitabilmente complementari. «Sei tremenda, nessuno può competere con te. Non c'è dialettica che tenga, ogni mia scusa nel confronto è solo un ponte per non cadere e non uscire con le ossa rotte», canta Castelli, regalando una delle frasi più emblematiche non solo del pezzo, ma di una relazione che, fondata su un sentimento vero, puro e cristallino, sa andare oltre le differenze, l’orgoglio e le difficoltà. Il ritratto vivido di chi, pur riconoscendo di essere in una posizione di “svantaggio” emotivo, sceglie comunque di restare. Perché alla fine, in amore, quello che conta davvero non è vincere, ma accettarsi per ciò che si è, con pregi e difetti. Il protagonista della narrazione si sente sempre un passo indietro rispetto alla sua compagna, ma è felice di esserlo, perché riconosce il valore del sentimento che li unisce: «Ho capito che non ci sono relazioni perfette, ma c'è amore quando c'è fiducia e accettazione – spiega l’artista -. "Tremenda" parla proprio di questo: di quell’equilibrio strano e meraviglioso che si trova solo in un amore autentico.» Il brano arriva dopo il singolo d’esordio solista "C’è di mezzo il mare" e l'album "Caduti Liberi", riconfermando la capacità di Alex di miscelare elementi pop-rock con una sensibilità cantautorale e un’eleganza espressiva di raro riscontro. Le sue parole scorrono leggere, ma non per questo meno incisive: raccontano, con una genuinità disarmante, le dinamiche di coppia, tra umorismo e consapevolezza. Con il suo stile narrativo fluido e coinvolgente, Castelli mette in musica un rapporto in cui ci si scontra e ci si ritrova continuamente. I momenti di leggerezza si alternano a riflessioni più intime, ma il filo conduttore resta sempre lo stesso: l'amore come forza motrice che supera ogni ostacolo. «Mi avvicino, ti allontani. Non ti cerco, tu mi chiami. Poi parliamo per due ore, ci vediamo e litighiamo. Non riusciamo a stare senza, troppo forte la presenza di un amore che più grande non si può» recita un altro importante passaggio del testo, sintetizzando perfettamente l’andamento di un rapporto, fatto di alti e bassi, ma anche di una profonda connessione che non può essere ignorata. È proprio questa forza invisibile che unisce i due protagonisti, rendendo ogni scontro e ogni riavvicinamento parte integrante di un amore che, nonostante i contrasti, non smette mai di crescere e rigenerarsi. Il tappeto sonoro di “Tremenda” accompagna accuratamente il testo, con sonorità moderne che richiamano un pop-rock raffinato, capace di catturare l’attenzione al primo ascolto e di rimanere nella mente grazie alla sua immediatezza. La produzione è pulita e diretta, lasciando spazio alla voce inconfondibile di Alex, che riesce a dare forma e vita ad ogni singola parola. Con il suo passato di collaborazioni prestigiose e un’esperienza ventennale nel mondo della musica live, Alex Castelli ha saputo costruire una carriera solida e variegata. Alla base di ogni suo progetto, c’è un mantra che lo accompagna da sempre: “a quitter never wins, a winner never quits” (“chi molla non vince mai, un vincitore non molla mai”). Questo motto, racchiude la determinazione che Alex ha infuso in ogni fase della sua vita. Non importa quante difficoltà si incontrino lungo il cammino, l'importante è non arrendersi mai. «Questo mantra è la mia guida – spiega – e l'ho applicato in ogni aspetto della mia vita, sia personale che artistica. Ogni ostacolo affrontato mi ha reso più forte, e credo che questo si rifletta nella mia musica, dove l’autenticità e il coraggio di mettersi in gioco sono sempre al centro». Le sue influenze musicali sono altrettanto fondamentali per capire il suo stile. Con un background che spazia dagli Afterhours ai Nirvana, passando per artisti italiani come Daniele Silvestri, Niccolò Fabi e Max Gazzé, Castelli ha saputo intrecciare l'indie-pop e il rock d'autore con sonorità moderne, creando un sound unico e riconoscibile. Questa varietà di ispirazioni si riflette in "Tremenda”, che segna per lui l’inizio di un nuovo capitolo: è un brano che parla al cuore delle persone, che racconta la realtà di ogni relazione in cui ci si confronta per crescere insieme. «Scrivere questa canzone è stato un processo catartico – confessa il cantautore lombardo –, mi ha permesso di riflettere sulle dinamiche della mia vita e su ciò che rende una relazione vera. Non importa essere perfetti o vincenti: ciò che conta è esserci, accettarsi e continuare a lottare per qualcosa che vale davvero.» Uno storytelling onesto, senza fronzoli e senza maschere, ma delicato e ironico al contempo, è ciò che rende ogni canzone di Alex Castelli unica. Questo singolo è un omaggio alle relazioni sincere, quelle in cui le parole contano, ma non vincono, perché alla fine, a prevalere è sempre e solo l’amore.