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Ha debuttato nel 2022 con un inno per ogni ascoltatore che si sente un "Reietto", dando prova della sua abilità espressiva e di un flow da fuoriclasse nell'album d'esordio "Riccardo". Successivamente, nel 2023, ha sorpreso il pubblico con la provocatoria "Ave Maria" e ha aperto il 2024 con il suggestivo e malinconico romanticismo di "1, 100, 1000" (feat. Golden Ale), seguito dalla spensierata leggerezza di "Adriatica". Ora, Erre torna con "Fuori di testa", un brano che rappresenta la sua opera più ambiziosa e complessa. La traccia nasce dall'esigenza artistica di Erre di non dover rilasciare necessariamente una hit estiva, ma di cercare qualcosa di più profondo. Da qui, la volontà di trasporre in musica un rapporto difficile che, nonostante tutto, lascia un segno indelebile facendo crescere e maturare entrambi i partner. Un amore estivo, sì, ma di quelli che ti mandano letteralmente “Fuori di testa”. Erre ha scritto il pezzo quest’estate ad Ibiza, tra gli scenari mozzafiato dell’incontaminata scogliera di Punta Galera, una delle spiagge più affascinanti d'Europa. Dopo un mojito ghiacciato, ha seguito la sua vena creativa, dando vita a quella che considera una delle sue release più intense e riflessive. «Sarà che sopra quel banco non ci potevo stare, sarà che sono troppo stanco ma mai di sognare, sarà che a scuola ti deprimi se non tra i primi»: fin dai versi di apertura, che delineano la difficoltà di adattarsi e allinearsi alle aspettative sociali che rivestono gli individui dai primi passi nel cammino della vita, Erre cattura e racchiude in liriche la sensazione di alienazione e il desiderio di evadere, temi che molti ascoltatori possono riconoscere e sentire propri. Proseguendo nel testo, l’artista descrive un amore che giunge inaspettato diventando istantaneamente travolgente e totalizzante: «poi sei arrivata tu, bella e triste come Milano d'estate, d'estate, come senza parenti a Natale, come quando sei al mare e viene il temporale». Erre utilizza immagini di immediata evocazione e al contempo contrastanti per dipingere un quadro di bellezza e malinconia, di momenti preziosi e fugaci. Milano d'estate diventa la perfetta metafora per descrivere simultaneamente solitudine e incanto struggente, un’istantanea di una città vuota, calda e desolata, carica di nostalgia. Paragonare l'amore ad un temporale improvviso che si staglia sul mare, richiama l'idea di qualcosa di magnifico e devastante allo stesso tempo, un evento che ti sorprende e ti lascia senza parole. Erre riesce a condensare in poche righe tutta la complessità e l'intensità di un incontro che sconvolge la vita, rendendolo un'esperienza unica che trova eco e rifugio tra orecchie e cuore. Il ritornello del brano delinea l'ossessione e la trasformazione che questo amore porta con sé: la reiterazione incalzante di «Mi fai andare fuori di testa», sottolinea la perdita di controllo e l'intensità delle emozioni provate. Ogni ripetizione è come un'onda che si infrange sulla riva, portando con sé un carico di sentimenti inarrestabili. In questa frase, è racchiuso egregiamente il tumulto interiore di chi ama con tutta l'anima, mettendo in luce la potenza di un amore che domina e, nel farlo, rivoluziona. Una rivoluzione che non stravolge mutando l’essenza di ciò che siamo ma ci cambia «in meglio, lasciando tutto al proprio posto», corroborandoci di una forza, di un’energia, pura e positiva. La copertina di “Fuori di testa” raffigura una rosa rossa, posata su un tavolo accanto a un telefono, con i petali che sembrano fluttuare nell'aria, rappresentando anche graficamente la fragilità e la bellezza di un amore che sconvolge e trasforma. La scelta dei colori, con il rosso intenso del fiore e i toni scuri dello sfondo, enfatizza l'intensità emotiva del brano. La cover invita l'ascoltatore a immergersi nelle emozioni raccontate da Erre, creando un collegamento visivo con le parole della canzone. «Ho scritto “Fuori di testa” durante una notte magica a Ibiza – dichiara Erre -. Ero sulla scogliera di Punta Galera, ispirato dalla bellezza del paesaggio e dalle emozioni forti che provavo in quel momento. Questo brano è un viaggio tra le emozioni, un'esperienza che spero possa toccare il cuore di tutte le persone che hanno sofferto per amore, ma grazie a questo sentimento sono diventate una versione migliore di se stesse. È il mio invito a lasciarsi andare, a vivere intensamente e ad abbracciare ogni singolo istante, anche quelli che ci mandano fuori di testa.» L’artista riesce a raccontare con sincerità e profondità le contraddizioni e le complessità di un rapporto che, pur essendo difficile, lascia un segno indelebile nella vita dei suoi protagonisti. Con "Fuori di testa", Erre non solo conferma il suo talento autorale ed interpretativo, ma dimostra anche di possedere una sempre più rara capacità nel tradurre le emozioni, specialmente quelle dolorose e complesse, in forma canzone, in musica che colpisce, commuove e guarisce. Il brano simboleggia un passo avanti significativo nella sua carriera, una testimonianza della sua maturità artistica e della sua abilità di raccontare e raccontarsi.

Martina Marchetti, la giovane promessa della musica italiana che ha incantato il pubblico dell'RDS Summer Festival nella tappa di Palmi lo scorso 20 luglio, torna nei digital store con "Illusa" (Daylite/ADA Music Italy/Warner Music Italy), il suo nuovo singolo presentato in anteprima nazionale proprio sul palco calabrese davanti a migliaia di spettatori. Nota per le sue interpretazioni toccanti sia in lingua italiana che inglese, Martina conferma il suo talento con un brano che è un vero e proprio itinerario emotivo tra il bianco e nero dell’amore e della disillusione. Un’odissea di battiti e note che sviscera con intensità le dinamiche di una storia d’amore giovane e complicata, in cui la protagonista vive le contraddizioni di una relazione ingannevole, tra speranze infrante e delusioni che lasciano cicatrici indelebili. “Illusa” nasce da un periodo di introspezione che ha condotto l’artista a dar vita alla narrazione di una storia universalmente condivisibile attraverso la lente della sua esperienza personale. La ricerca della verità dietro l’illusione di un amore che ferisce ma incanta è un tema che tocca molti, e la giovane cantautrice bergamasca è riuscita a catturare queste emozioni con una sensibilità unica. «Il brano è nato da un periodo di riflessione profonda sulla mia vita e sulle relazioni – dichiara Martina -. È molto personale, parla di momenti difficili e di come trovare la forza per superarli. Spero che chi lo ascolta possa sentirsi compreso e meno solo.» «É notte qui è buio, sola troppe volte per andare via. Lui mi scrive “esci, non essere chiusa”, rivelami la lampada senza paura». Sin dai versi iniziali il pezzo parla al cuore, dipingendo con delicatezza una scena di solitudine e vulnerabilità, in cui la protagonista cerca disperatamente una via d’uscita dalla sua situazione di impasse. La melodia avvolgente, perfetta culla di un testo elegante e malinconico, riesce a trasmettere un senso di isolamento e di speranza, di forza e fragilità, che sono caratteristiche del percorso artistico di Martina. «Pensi che sia facile mostrarmi come sono, rendi tutto facile. Non mi perdono, ci credi, dopo essermi mostrata la fiducia se n’è andata, l’hai distrutta senza cura, ora credimi hai paura»: in queste liriche, la cantautrice mette a nudo la fragilità e il conflitto interno di chi cerca di essere autentico in una relazione, solo per vedere la propria fiducia tradita. Martina riesce ad esprimere con parole semplici ma incisive l’essenza del dolore e della disillusione che accompagnano un amore complicato. Ma in “Illusa” c’è ampio spazio per un’introspezione che culmina nell’attestazione di indipendenza e autovalorizzazione: «Ma guardati ora, mi parli, sì, mi guardi, non credi sia un po’ tardi? Sto bene anche da sola, piango, urlo, ballo, non sai quanto valgo». Questa strofa riflette la forza ritrovata della protagonista, che afferma la sua indipendenza e il suo valore nonostante le difficoltà affrontate. È un grido di liberazione e riconoscimento di se stessi come individui autorevoli che empatizza con tutti coloro che, nella vita, hanno avuto a che fare con un amore idealizzato e ingannevole. L’esperienza all’RDS Summer Festival ha segnato un momento cruciale nella carriera di Martina. Il festival, noto per essere un’importantissima vetrina di talenti emergenti e affermati, ha fornito alla Marchetti una piattaforma straordinaria per presentare il suo nuovo lavoro. La reazione del pubblico è stata sorprendente, con applausi e ovazioni che hanno sottolineato il successo della sua esibizione. «Essere parte dell’RDS Summer Festival è stato un sogno che si realizza – conclude l’artista -. Cantare “Illusa” davanti a così tante persone e vedere il brano prendere vita tra il pubblico è stato davvero emozionante. È incredibile condividere la propria musica con una platea così vasta e sentire la loro energia e il loro supporto.» La giovane cantautrice bergamasca ha saputo conquistare il pubblico con la sua voce autentica e le sue emozionanti interpretazioni. "Illusa" si rivela un brano capace di catturare le dinamiche e le sfumature più intime delle relazioni amorose, rendendo più nitide e tangibili le emozioni di chi ascolta. Martina Marchetti invita tutti noi ad immergerci in questa esperienza sonora che conferma il suo talento e la sua capacità di trasformare la sua introspezione in musica, musica destinata a lasciare un segno permanente nel panorama musicale italiano.... Continua a leggere

Nell'incantevole scenario di una Roma notturna e desolata, i Rivera tornano ad emozionare con il loro nuovo singolo, "Non è finita" (Newphonix/Universal Music Italia). Michele Marinelli e Claudio Cecalupo, le anime dietro il progetto musicale nato tra i banchi di un liceo di Frascati, regalano al pubblico un pezzo che è un vero e proprio viaggio onirico attraverso le strade della loro città natale, in un racconto di libertà e leggerezza. "Non è finita", prodotta dal tocco impeccabile di Renato Patriarca e Alessandro Fava, nasce in un periodo in cui il duo sentiva il bisogno di alleggerire il peso della quotidianità e di espandere gli orizzonti mentali, spesso troppo stretti. In una notte d'estate come tante, nel cuore di una capitale che è più di una semplice città, ma un vero e proprio luogo dell'anima, i Rivera trovano la forza di lasciarsi andare. I pensieri vagano, sognano di liberarsi dei pesi che, spesso inconsapevolmente, ci chiudono in spazi angusti, impedendoci di respirare la vita a pieni polmoni. Il viaggio notturno in macchina, con il vento tra i capelli e la Città Eterna sullo sfondo, desolata ma stupenda e romantica, culmina nel sogno di raggiungere il mare per assaporare l'alba. Una metafora toccante e suggestiva, che si snoda tra le note e le parole del brano. «"Non è finita" – dichiarano i Rivera - è il nostro modo di dire che c'è sempre una via d'uscita, che la bellezza si trova nei momenti più inaspettati. Abbiamo scritto questo pezzo con la speranza di trasmettere una sensazione di libertà e di rinascita, che sentiamo ogni volta che ci lasciamo andare e ci perdiamo tra le strade di Roma. Avevamo necessità di voltare pagina dalla frenesia quotidiana, senza preoccuparcene troppo. Una notte d’estate come tante, nel cuore della città che da sempre è un luogo dell’anima e a cui siamo indissolubilmente legati; l’unico posto dove avremmo potuto veramente sentirci liberi.» Il testo di "Non è finita" è intriso di immagini evocative e sentimenti profondi. Le parole di Michele e Claudio dipingono un quadro vivido di una notte trascorsa in macchina, mentre l’incanto della città scorre accanto a loro: «Soffia via la polvere dalla mia vecchia faccia Ho bisogno delle tue carezze in questa giornataccia Parlami di tutto il bello che che c’è in questa vita Fammi uscire, dimmi che la notte non è finita» Questi versi iniziali racchiudono un senso di stanchezza e bisogno di conforto, un desiderio di scoprire il bello che la vita ha da offrire, nonostante le difficoltà quotidiane. La metafora della polvere che viene soffiata via suggerisce un rinnovamento, un lasciarsi alle spalle il passato per abbracciare nuove possibilità. «Roma è più di una cornice per noi – prosegue il duo, concludendo -, è una protagonista delle nostre canzoni e del nostro vissuto. In "Non è finita" volevamo catturare l'essenza di quelle notti estive, quando la Capitale si svuota e sembra nostra ed ogni angolo racconta una storia.» "Non è finita" è un'esperienza sonora che invita l'ascoltatore a lasciarsi andare, a sognare, e a trovare la propria strada verso la libertà e la felicità. Con una melodia che avvolge il cuore ed un testo che tocca e culla le corde più intime dell’anima, i Rivera dimostrano ancora una volta la loro capacità di raccontare storie in maniera unica e suggestiva.

«Cresciuto lontano da casa, disperso tra gente non mia. Voglio l'amore non cerco il rispetto. Ho una storia però la rinnego». Con queste parole inizia "Lettera di un Afroitaliano", il nuovo singolo di Gilles Yahfa. Un'opera che mette a nudo l'anima dell'artista, raccontando l'esperienza degli afrodiscendenti in Italia. Attraverso liriche crude e incisive posate su un beat cupo dal forte impatto emotivo, Yahfa ci invita a riflettere sulla ricerca di identità, sull'amore per se stessi e sulla necessità di riscoprire le proprie radici. “Lettera di un Afroitaliano” è un grido di denuncia e risveglio di coscienza, in cui il suo autore comunica con fermezza la condizione della comunità afrodiscendente in Italia. Il rapper bergamasco, noto ai più per aver partecipato alla dodicesima edizione di X Factor Italia, cerca di sensibilizzare e scuotere anime e menti, incoraggiando gli ascoltatori, specialmente gli afroitaliani, a sapersi amare, rispettare e valorizzare, senza sentire il bisogno di venire considerati italiani al pari degli italiani stessi, poiché questa accettazione non arriverà mai in modo autentico e pieno. Yahfa sottolinea la necessità di cercare il rispetto degli italiani, ma senza rinunciare alla propria cultura. Come gli italiani sono fieri della loro identità, anche gli africani dovrebbero esserlo della propria, senza cercare di essere altro, altro da se stessi. Un invito autentico e toccante a riconnettersi con le proprie radici: nel pezzo emerge chiaramente l'immagine di africani nati in Italia, totalmente disconnessi dalla loro storia, che si sforzano costantemente di essere identificati come italiani. «Pretendo l'amore di chi mi odia senza manco amare me stesso» è uno dei passaggi più toccanti del testo, che evidenzia quanto gli afrodiscendenti non siano solidali tra di loro, ma pretendano la solidarietà dell'Italia. Una critica diretta e senza mezzi termini, in cui viene messa in luce l'ipocrisia di chi è pronto a solidarizzare con cause lontane, trascurando il dramma della propria terra. «Se riguarda gli altri sono solidale, non parlo del Congo ma della Palestina»: qui, Yahfa, accusa con coraggio e senza filtri la sua stessa gente per il mancato sostegno alla Repubblica Democratica del Congo, che subisce un genocidio con più di 6 milioni di morti e milioni di sfollati. Gli afroitaliani, secondo l’artista, sono impegnati unicamente a parlare del genocidio in Palestina, senza domandarsi: quanti arabi hanno mai parlato del Congo? La verità è che non esistono guerre di serie A e di serie B. È impensabile pensare di essere solidali verso gli altri quando il proprio popolo, come in Congo, Sudan, e nella schiavitù dei neri ancora attuale in Libia, Mauritania e Tunisia, continua a soffrire ogni giorno senza trovare voce ed eco nelle parole e nel cuore della propria gente. Altro punto importante sollevato nella traccia riguarda gli africani che si vergognano della loro pelle, comprando prodotti per schiarirsi, ignorando che tali preparati sono cancerogeni. «Le mie sorelle scambiate per prostitute, senza parrucche non sanno uscire» recita uno dei versi più suggestivi del brano, parlando delle donne africane che fanno di tutto per nascondere i loro veri capelli, indossando unicamente parrucche per sentirsi accettate. La mancanza di accettazione, secondo Yahfa, è il motivo principale che spinge gli africani ad odiare se stessi e fare di tutto per somigliare ai bianchi. Questo è un trauma della schiavitù, ma Gilles ci invita a riflettere: «Come può il bianco rispettarti se tu per primo ti vergogni di ciò che sei? Bisogna essere onesti: nessuno porta rispetto a chi non si rispetta né si valorizza». L'importanza della diversità è il fulcro del pezzo: la diversità esiste ed è una ricchezza. «Diciamo sempre che il mondo è bello perché vario – prosegue l’artista -. Gli Afroitaliani non saranno mai italiani. Ogni popolo ha la sua storia e le sue caratteristiche, le sue tradizioni, usi e costumi. Ma l'africano in Italia non conosce nulla di tutto ciò perché troppo impegnato a farsi accettare dagli altri e voler essere ciò che non sarà mai: un italiano. E finché esisterà questo complesso di inferiorità, il rispetto non ci sarà mai.» “Lettera di un Afroitaliano” è anche un toccante omaggio alle vittime di razzismo. Gilles Yahfa, nelle sue barre, ricorda africani caduti a causa dell’ignoranza e della discriminazione come Mohamed Sow, Alika Ogochukwu, Abdul William Guiebre "Abba", uomini e donne che hanno perso la vita per mano della stessa gente a cui molti africani vogliono per forza somigliare in tutto e per tutto. Insensibili alle guerre del proprio continente, secondo Yahfa gli Afroitaliani non ne parlano mai. E tutto questo, per essere più italiani possibili, per un pezzo di carta: la cittadinanza italiana. La copertina del singolo è un'opera d'arte a sé stante. Il rapper è ritratto con uno sguardo intenso, marcato da simboli che richiamano l'antica tradizione africana. Il volto dipinto, i dettagli dei gioielli e del vestito, tutto parla di una cultura ricca e profonda, che l'artista vuole portare alla luce. Seduto con dignità e orgoglio, Yahfa rappresenta un richiamo visivo alla necessità di riscoprire e abbracciare le proprie radici. «L'idea di “Lettera di un Afroitaliano” – afferma, in conclusione - è nata dall'osservazione delle difficoltà quotidiane che molti di noi afrodiscendenti affrontano. Volevo creare qualcosa che parlasse direttamente alla nostra comunità, per risvegliare la consapevolezza e l'orgoglio delle nostre radici. Dobbiamo imparare ad amarci e rispettarci per primi, solo così potremo ottenere il rispetto che meritiamo dagli altri.» Con "Lettera di un Afroitaliano", Gilles Yahfa non solo racconta la sua esperienza, ma dà voce a un'intera comunità che lotta per trovare il proprio posto in un mondo che spesso la etichetta come estranea. Una canzone che invita alla riflessione, alla consapevolezza e all'azione, per costruire un futuro in cui ogni identità culturale sia rispettata e valorizzata.... Continua a leggere

Ha accarezzato l’anima e cullato i battiti del cuore con il singolo d'esordio "Firenze-Roma", ed ora, il cantautore toscano michiamanojack torna sui digital store con "Domenica", brano con cui intreccia autoironia e melodie scanzonate per raccontare le sensazioni agrodolci che caratterizzano questo particolare giorno della settimana, da sempre simbolo di conclusioni e nuovi inizi. Posato su una produzione impeccabile curata dalla maestria creativa del tastierista degli Zen Circus, Fabrizio “THE GEØMETRA” Pagni, "Domenica" si presenta come un pezzo autobiografico che riflette sulle ansie e le paure che spesso accompagnano le 24 ore più contemplative della settimana. Una raccolta di fotogrammi che immortalano le emozioni vissute da michiamanojack in varie domeniche, tutte tessute tra loro da un filo sottile di ansia. Narrando la lotta interna tra il desiderio di uscire e la paura di sprecare la giornata rimanendo a casa, questa traccia sfiora con delicatezza ed eleganza anche la F.O.M.O (“Fear Of Missing Out”, letteralmente “Paura di essere tagliati fuori”), ovvero la forma di ansia sociale caratterizzata dalla paura di essere esclusi da eventi, esperienze, o contesti collettivi gratificanti, in poche parole, il timore di perdere esperienze significative. «Il brano – dichiara michiamanojack - è nato per caso in un pomeriggio di domenica, proprio durante uno di quei momenti di ansia e indecisione tra uscire e restare a casa. Ho cercato di esorcizzare questo disagio chiudendolo in una canzone allegra e affrontandolo con leggerezza.» Il testo di "Domenica" è un affresco di momenti quotidiani e sentimenti contrastanti. La canzone si apre con un'immagine forte e simbolica: «Mi son lavato la faccia con il malumore, anche il sapone aveva il tuo sapore». Un verso che racchiude la percezione di iniziare la giornata con un peso sul cuore, un sentimento che molti possono riconoscere nelle loro domeniche solitarie. L'artista dipinge un quadro di alienazione e desiderio di controllo, esprimendo un conflitto interiore che, nel corso del testo, si fa strada tra la dualità: «Ma infondo questa domenica mi mette ansia. È ansia di uscire? O paura di restare?». Qui, michiamanojack coglie perfettamente il concetto di F.O.M.O. e l’ambivalenza provata da chi la vive. Ma “Domenica” porta con sé anche un messaggio di speranza e leggerezza - «Ma infondo mi diverto sempre quanto basta, come il sale per cucinare, come il sale nel mare» -, ricordandoci che a volte basta poco, un pizzico di autoironia e spensieratezza, per ritrovare la serenità nell’oceano delle proprie incertezze. La metafora del sale, usato nella giusta quantità per insaporire i piatti, rappresenta il modo in cui l'artista cerca di trovare un equilibrio tra ansia e divertimento. Questa traccia dal sapore grintoso e al contempo introspettivo, è un invito a guardare la vita con il sorriso, a non sprofondare nelle piccole ansie quotidiane che accomunano tutti noi. «Con "Domenica" volevo raccontare una sensazione comune a molti di noi  -. L'idea era di prendere qualcosa di pesante come l'ansia della domenica e trasformarlo in una canzone leggera, quasi terapeutica. Più che raccontare una storia, volevo condividere una sensazione, perché penso che molte delle nostre emozioni e disagi siano universali.» La produzione musicale enfatizza la dualità del testo, combinando elementi di leggerezza e profondità. La struttura-canzone, semplice ma incisiva, permette all'ascoltatore di immedesimarsi facilmente nelle emozioni descritte, rendendo il brano un'esperienza condivisa. Ascoltare "Domenica" è come guardarsi allo specchio, riconoscendo le proprie ansie e trovando conforto nella musica. Con la sua leggerezza e la sua ironia, questo brano ci ricorda che non siamo soli nelle nostre paure e che la musica può essere uno strumento efficace e potente per esorcizzarle. michiamanojack ci regala così un altro pezzo del suo mondo, esortandoci a vivere le nostre domeniche con un sorriso e un pizzico di ironia.

Dopo aver incantato il pubblico catturando orecchie e cuore con il suo groove da fuoriclasse nel singolo d'esordio "Pensieri d'Inchiostro" – brano che lo ha condotto alla finale del Fatti Sentire Festival su Rai2 -, il giovane cantautore filippino d’adozione bolognese Settimo7th punta ancora una volta dritto all'anima con "Ricordi di te", un pezzo che riconferma il suo talento, la sua originalità e la sua straordinaria capacità espressiva, rendendolo una delle voci più belle e riconoscibili della nuova scena musicale italiana. Nato quasi per caso, nella stanza dell’artista, durante un momento di riflessione personale, “Ricordi di te” è una polaroid dell'incertezza e del sentimento non ancora del tutto spento nei confronti della persona amata. Settimo7th desidera trasmettere un importante messaggio con questo brano: «Volevo ricordare a me stesso e a chi mi ascolta l'importanza di non prendere alla leggera le relazioni significative. Le occasioni perdute possono trasformarsi in ricordi dolorosi e nostalgici. La musica è il mio modo di esprimere questi sentimenti complessi, e credo che il brano riesca a comunicare ciò che le parole spesso non possono.» L'artista e il co-autore di musica e testo, Leo Sartoni, hanno posto minuziosa attenzione ai dettagli, convinti che la musica possa esprimere sentimenti che le parole non riescono a trasmettere. Andando oltre gli schemi e le dinamiche del pop attuale, hanno deciso di introdurre elementi che richiamano l'R&B degli anni '00. Questa scelta stilistica, non solo rende il brano unico, ma mette in luce la versatilità e la profondità artistica di Settimo7th, che riesce a distinguersi e farsi apprezzare offrendo qualcosa di diverso rispetto al mainstream, pur rimanendo accessibile ed estremamente coinvolgente per il pubblico di ogni età. La collaborazione tra Settimo7th e Leo Sartoni, iniziata nel 2020, si è rivelata profondamente arricchente per entrambi, provenienti da realtà musicali differenti. La produzione di "Ricordi di te" è stata particolarmente stimolante, poiché gli ha permesso di esprimere liberamente la loro personalità e le loro competenze. Questo brano rappresenta un perfetto equilibrio tra la sensibilità emotiva di Settimo7th e l'abilità tecnica di Sartoni, creando una traccia che è tanto emotivamente coinvolgente quanto musicalmente sofisticata. Il testo di "Ricordi di te", intriso di emozioni e nostalgia, è come benzina versata su sentimenti ancora accesi che si irradiano dal cuore alla mente e dalla mente prendono vita su un nero su bianco che scalda l’anima. Il “Mi ritorni in mente” ripetuto per tutto l’arco del brano quasi come un mantra, riflette la presenza costante di una persona amata che non si riesce a dimenticare, sottolineando l'insistenza di pensieri che continuano a riaffiorare, creando un loop cerebrale e sensoriale difficile da spezzare. L'immagine suggestiva di "cadere dalle nuvole" evocata nel passaggio «Cado dalle nuvole quando penso a lei», suggerisce uno stato di confusione e disorientamento, evidenziando come i ricordi possano destabilizzare e riportare a galla sentimenti nascosti, immobilizzandoci su un giaciglio interiore di rimorsi e rimpianti. Questo stato di alienazione è ulteriormente amplificato nei versi «Ti scrivo poi ti aspetto, disteso qua sul letto, ti penserò», che sottolineano la speranza e l'attesa, il desiderio di riconnettersi con la persona amata, anche solo nei pensieri e nei sogni. L'atto di scrivere e aspettare simboleggia la volontà di mantenere un legame, per quanto tenue, con chi ha avuto un impatto significativo sulla propria vita. La struttura del testo, semplice ma incisiva, permette all'ascoltatore di immedesimarsi facilmente nelle emozioni descritte, rendendo il brano qualcosa che va oltre la canzone per diventare un'esperienza condivisa. La copertina del singolo, è un'opera d'arte visiva che racchiude l’essenza stessa del brano, rappresentando un cielo onirico su cui si stagliano nuvole dense fuse ad un'atmosfera eterea, dominata da un sole abbagliante al tramonto. Questo scenario, richiama al contempo nostalgia per ciò che termina e speranza per ciò che inizierà, riflettendo il tema centrale del pezzo: il ritorno costante dei ricordi e la ricerca di un senso di chiarezza interiore. Le nuvole, con la loro densità e le linee morbide, simboleggiano i pensieri e i ricordi che affollano la mente dell'artista e la loro transizione raffigura il viaggio dall'incertezza verso la chiarezza. Il sole, con i suoi colori caldi e avvolgenti, si fa emblema della luce verso un nuovo inizio, assumendo una posizione lontana ma centrale che rispecchia il tempo che passa, ma anche la necessità di tornare a se stessi per aprirsi a nuove opportunità. Il tutto, reso con toni aranciati e blu che creano un contrasto visivo capace di generare emozioni in antitesi: il calore dei ricordi passati e la freddezza dell'assenza presente. Questo dualismo cromatico riflette perfettamente la dicotomia dei sentimenti espressi nel brano, dove l'amore passato e la nostalgia si mescolano con la speranza di un futuro diverso. "Ricordi di te", con foto e grafiche curate da Adel Malaguti, rappresenta un ulteriore passo avanti nella carriera di Settimo7th, dimostrando la sua abilità nel tradurre in musica le emozioni con un tocco unico e inconfondibile. La sua collaborazione con Leonardo Sartoni ha dato vita a un brano che parla direttamente al cuore degli ascoltatori, confermandolo come una delle voci più autentiche e promettenti del panorama musicale italiano, in grado di distinguersi con originalità e talento.... Continua a leggere

Dopo il successo di "Il mondo collassa", Pare, al secolo Michele Pasquali, torna con un nuovo singolo carico di emozioni e introspezione: "Giorni di Pare". Questo pezzo, un conscious rap dai tratti nostalgici avvolto da un dark beat ipnotico, rappresenta un tuffo nelle inquietudini dell’artista, un racconto crudo e sincero delle sue giornate trascorse a combattere con le proprie ansie ed i propri demoni. Nato da un’esperienza diretta del giovane rapper lucchese, il brano – il cui titolo ha una duplice accezione, riflettendo sia le paranoie dell’artista che il suo pseudonimo -,  è un vero e proprio fraseggio interno con le paranoie, un dialogo aperto con quei pensieri che martellano la mente e da cui ci si vuole liberare. Il testo, ricco di incastri evocativi, mette in evidenza la solitudine e la ricerca di una via di fuga attraverso la musica: «Ricordo i giorni da solo, avevo bisogno di un fuoco che mi scaldasse le tempie; sopra un foglio il mio unico sfogo». Questi versi iniziali, ci trasportano immediatamente nel mondo di Pare, un luogo in cui l’isolamento e il bisogno di esprimersi diventano urgenza, una necessità di evasione palpabile e incalzante. La musica diventa l'unica via di salvezza, un modo per scaldare l'anima e trovare un rifugio dalle proprie paure, dalle proprie incertezze e da un mondo che spesso ci relega «in un angolo buio, sempre distante». Nel silenzio assordante di questa battaglia interiore che strappa voce, parole ed energie, “Giorni di Pare” diventa il grido di chi è prigioniero di se stesso, un grido che si trasforma in resistenza e determinazione: «Sentivo le voci dentro di me cantare, tu sminuivi il problema, io mi sentivo affondare. Farò musica per farle parlare». In questo verso, personale e toccante, Pare esprime la difficoltà di vivere con le paranoie, la frustrazione di sentirsi incompreso e la risolutezza di utilizzare l’arte come strumento per dare forma alle proprie inquietudini, per rendere udibili le urla nascoste tra le ferite dell’anima. È una dichiarazione di intenti che mostra la volontà di trasformare il dolore in rinascita, liberandosi dalle proprie catene. Nel suo stile inconfondibile, Pare non manca di lanciare uno sguardo critico alla società, sottolineando le sue contraddizioni e falsità: «Siamo in una stanza senza luce, per l'Italia è ancora il Duce che ti illude di essere qualcuno, ma davanti a Caronte prenderai solo schiaffi e tu non sei nessuno». Liriche che racchiudono un duro attacco alle illusioni e alla superficialità che pervadono la nostra epoca. Un invito in musica a guardare oltre le apparenze e a cercare una verità più profonda, nonostante le difficoltà che questo comporta. «”Giorni di Pare” – dichiara l’artista - è nato sentendo i cori del beat, che ho voluto usare proprio come se fossero le varie paranoie che cantavano dentro di me.» Questo approccio gli ha permesso di creare un pezzo capace di parlare non solo della sua esperienza, ma di diventare una catarsi per tutti coloro che lo ascoltano. I cori in sottofondo si fanno emblema di un Io distorto che ciascuno di noi può conoscere nei momenti di difficoltà, rappresentando un'evocazione poetica di un conflitto che si può vincere solo con il coraggio di guardarsi dentro, senza filtri e senza giudizio. "Giorni di Pare" è un invito a confrontarsi con le proprie paure, a trovare la propria voce in mezzo a tante e a non arrendersi mai. È un richiamo a non lasciarsi sopraffare dalle avversità, convertendole in opportunità per crescere e riscoprire se stessi. Pare ci guida in questo cammino di scoperta, ricordandoci che solo affrontando le nostre ombre possiamo trovare veramente la luce.

Il fenomeno internazionale Manuel Aspidi torna con un nuovo elettrizzante singolo, "Wildfire", rilasciato per la celebre etichetta discografica statunitense Bentley Records. Questa traccia, intensa, toccante e suggestiva, segna un significativo allontanamento dai precedenti brani melodici di Aspidi, introducendo un cambiamento artistico che promette di incantare ed entusiasmare il suo pubblico offrendo un’ulteriore e magistrale prova del suo eclettismo. Scritto dalla fulgida penna del dublinese Aidan O'Connor, uno dei più apprezzati autori del Vecchio Continente grazie alle sue molteplici collaborazioni per l’Eurovision Song Contest, e portato in vita attraverso la composizione dinamica di Miro Markus e Imad Eljattari, “Wildifre” ha rappresentato per Manuel un incontro unico, come lui stesso racconta: «Il primo approccio con la canzone è stato un momento di grande fascino e intensità. Ho accettato la sfida, uscendo dalla mia zona di comfort per offrire una performance ricca di carattere, determinazione e nuove sfumature artistiche.» Lavorando a stretto contatto con lo staff della celebre Bentley Records, Aspidi si è avventurato in territori musicali inesplorati. «Fino ad oggi le mie performance erano sicuramente più intime e melodiche – prosegue -. “Wildfire” mi ha permesso di attingere ad un livello di energia e vivacità che fino ad oggi non avevo mai tirato fuori, guidato dall'esperienza di grandi autori e compositori. Questa collaborazione è stata un'esperienza trasformativa che mi ha permesso di conoscere ed esprimere gli aspetti più potenti della mia identità musicale.» "Wildfire" incarna un importante messaggio di resilienza e positività. Manuel Aspidi tende la mano agli ascoltatori per far sì che percepiscano la canzone come una chiamata ad affrontare le sfide della vita con il sorriso e una forza incrollabile. Il testo e il ritmo incoraggiano collettivamente una risposta attiva e briosa alle avversità. Il titolo stesso del singolo, “Wildfire", traducibile come "incendio incontrollato" o "fuoco selvaggio”, viene comunemente utilizzato per descrivere un incendio che si diffonde rapidamente in un'area vasta, spesso in ambienti naturali come foreste o praterie. In senso figurato, può anche riferirsi a qualcosa che si diffonde rapidamente e intensamente, come un'emozione o un fenomeno. Nel contesto della canzone, "Wildfire" simboleggia un'energia travolgente e una forza inarrestabile, atte ad affrontare con coraggio le complessità quotidiane. «Possiamo scegliere di farci abbattere oppure possiamo affrontare le cose con uno spirito più combattivo», conclude Aspidi, mentre sta già lavorando al nuovo album di prossima uscita. «Trust your intuition, break the chain, 'Cause when everyone is falling, we remain» («Fidati della tua intuizione, spezza le catene, perché quando tutti stanno cadendo, noi rimaniamo in piedi») canta Manuel, riflettendo perfettamente in musica il messaggio di "Wildfire": rimanere forti e determinati di fronte alle difficoltà. "Wildfire" sta battendo un record dietro l’altro: dopo aver debuttato nella top ten delle iTunes Canada Charts ed essere stato inserito nell’illustre Celebrity Compilation, da pochi giorni è in rotazione radiofonica in ben 54 Paesi tra Europa, Cina e America, ed il videoclip ufficiale d’accompagnamento al singolo è trasmesso su Apple TV, Amazon, Fire TV, TV Zik e Roku. Una bella soddisfazione per questo fuoriclasse dell’espressione artistica, che dopo la grande celebrità guadagnata qualche anno fa con la sua indimenticabile partecipazione ad Amici di Maria De Filippi, ha sempre mantenuto un profilo elevato, preferendo la qualità alla quantità, operando con attenzione, con l’arte del saper aspettare per cogliere la giusta occasione, ascoltando il cuore e fidandosi di un estro che lo rende un personaggio davvero unico. Ma non solo musica: l’amatissimo cantante livornese, oltre al successo oltreoceano per le sue release, debutterà infatti nei prossimi mesi anche come attore. La nota casa di produzione Settembre Produzioni, che ha diretto il videoclip di “Wildifire”, desidera portare avanti il meraviglioso sodalizio artistico e professionale che ha instaurato con Aspidi. All'orizzonte, due progetti di prossima realizzazione; nello specifico, un lungometraggio con nomi di rilievo del panorama cinematografico televisivo che vedrà Manuel coinvolto in qualità di attore protagonista - un film musical di grande respiro, in cui Aspidi, oltre ad essere uno degli attori protagonisti, avrà modo di esprimersi anche a livello musicale -, ed un film che verrà girato nei prossimi mesi nel nord Italia, tra l'Alto Adige e il Trentino. Carla Finelli, CEO & founder della Settembre Produzioni, ha dichiarato: «Manuel è un interprete con un talento distintivo, una voce unica e potente. È un artista poliedrico con competenze trasversali nell'ambito dello spettacolo, oltre che una persona autentica, che sa vivere fino in fondo, che sa esprimere se stesso attraverso la musica, che sa emozionare con la voce. Con lui è nata una sincera e profonda amicizia, condividiamo molte passioni e valori e i valori sono fondamentali in questo panorama, perché ci permettono di confrontarci e di rimanere saldi a terra. Questi due progetti cinematografici, insieme al videoclip, sono solo l’inizio di una lunga serie di collaborazioni.» Una trasversalità, quella di Manuel Aspidi, che lo rende a tutti gli effetti una delle personalità artistiche più complete e preparate. "Wildfire" è una testimonianza di questa versatilità, una rappresentazione auditiva e visiva di una crescita personale e professionale in continua evoluzione. Insieme alla Bentley Records, Aspidi è destinato a raggiungere nuovi traguardi, diffondendo messaggi di gioia, tenacia e resilienza attraverso la sua potenza e raffinatezza vocale ed espressiva. I fan vecchi e nuovi sono incoraggiati ad abbracciare questo brano di svolta, trovando ispirazione per cambiare, per ballare sul dancefloor delle sfide e vivere la vita al massimo.

Dopo aver dato prova della sua versatilità nel debut album “Contromano”, che l’ha vista muoversi con delicatezza, eleganza e carisma tra introspezione, grinta e differenti sonorità che spaziano dal pop al latin fino ad abbracciare l’elettronica, la cantautrice e vocal coach veronese d’adozione mantovana Elena Camo torna ad incantare il pubblico con il suo nuovo singolo, "Colombia" (CamofanRecords). “Colombia” è l’emblema in musica dell’evasione, delle serate sfrenate e del rinnovamento personale; un invito travolgente a lasciarsi trasportare dalle onde sonore di un viaggio verso la Colombia. Con una carriera consolidata e una voce unica che arriva dritta al cuore, Elena ci regala la colonna perfetta per un’estate dall’insegna della libertà e della scoperta di sé. Il brano nasce dalla volontà di mettere in pausa la frenesia quotidiana, dalla voglia di mare e delle serate in discoteca animate dal desiderio di conquistare il mondo e fare nuove conoscenze. Super radiofonica ed estremamente ballabile, questa traccia insegna come, anche dopo una rottura, sia possibile – e necessario – ritrovare se stessi, partendo per un viaggio metaforico o figurato. L’artista canta l'importanza di rinnovarsi e di evolversi, trovando la parte migliore di sé nonostante il cambiamento possa a volte spaventare. Un’esortazione a spalancare le braccia al cambiamento per aprire le ali verso nuovi orizzonti, con la curiosità accesa negli occhi e nel cuore nei confronti di ciò che ci circonda. Famelici di vita, pronti ad esplorare nuovi territori, sia fisici che emotivi. Una trasposizione in musica dell'energia inesauribile che scaturisce dal coraggio di vivere appieno ogni momento, di abbracciare il nuovo con entusiasmo e fiducia. La Colombia diventa così non solo una destinazione geografica, ma anche un simbolo di rinascita e scoperta. Elena ci sprona a lasciarci trasportare dai ritmi incalzanti della musica, a sentirci vivi e vibranti, a cercare sempre qualcosa di più, qualcosa che ci faccia sentire completi e in armonia con il mondo. La canzone è un tributo alla vitalità, alla capacità di adattarsi e di crescere, anche quando le circostanze sembrano lasciarci all’impasse. È un promemoria del fatto che siamo tutti in grado di trasformarci e di trovare nuove strade, di rinascere dalle ceneri del passato e di volare verso nuovi itinerari con il cuore leggero e la mente aperta. Prodotto dalla stessa Elena Camo a quattro mani con Graziano Fanelli, "Colombia" è un biglietto di sola andata verso un luogo in cui il mare caraibico si mescola con l'oceano Atlantico, dove la flora e la fauna della foresta amazzonica convivono con la regione del caffè, la musica e i balli tipici. Un mix di elementi che rendono il pezzo un'esperienza, un’esperienza unica e ringenerante. «"Colombia" – dichiara l’artista - è il mio modo di celebrare la vita e il cambiamento. Volevo creare, insieme a Graziano Fanelli, qualcosa che fosse non solo una canzone, ma un vero e proprio viaggio emotivo. La Colombia rappresenta per me un luogo di libertà e di rinascita, un posto dove si può ritrovare se stessi e scoprire nuove possibilità.» Il testo del brano, evocativo e intriso di una forza liberatoria che si percepisce fin dalle prime battute, narra il desiderio di evadere, di lasciare alle spalle il passato e le sue difficoltà. Un invito a partire, a cercare nuovi orizzonti per ritrovare la propria serenità, che nelle liriche audaci e decise «Ora che non ci sei mi sento più sexy, sexy, se mi hai lasciata meglio così», evidenzia la ritrovata autostima e il piacere di essere liberi, liberi di sentirsi sensuali e sicuri di sé anche dopo una rottura. Un messaggio importante di empowerment e autodeterminazione che rende “Colombia” un pezzo leggero ma al tempo stesso ricco di significato. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, girato tra le spiagge e le vie di Medellín, cattura ed amplifica l'energia e la bellezza del brano, con ballerine strepitose che danzano al ritmo delle sonorità pop caraibiche, trasportando lo spettatore in un mondo colorato e festoso. "Colombia" è un'esperienza sensoriale che celebra la vita, l'energia e la capacità di rinnovarsi. Con la sua voce unica e una produzione impeccabile, Elena Camo ci invita a ballare, sognare e abbracciare il cambiamento. Un viaggio musicale che ci ricorda che, ovunque ci portino le nostre avventure, la voglia di vivere a pieni polmoni non deve mai mancare.... Continua a leggere

Dopo il trionfo di “Peggiore Mostro”, che ha debuttato nelle playlist editoriali New Music Friday e SangueGiovane di Spotify Italia, GRACE preme il “Tasto Replay” e ci trasporta in un’estate all’insegna della riscoperta. Con questa nuova release, l’artista ci invita a riflettere sulle scelte passate e ad immaginare come sarebbe poterle rivivere con la consapevolezza di oggi. Rilasciato per Meraki e Keyrecords, “Tasto Replay” racconta con coraggiosa sincerità le sfumature più complesse dell'amore, offrendo una prospettiva unica sulla natura dell'innamoramento e delle emozioni che lo accompagnano. Una combinazione elegante di suoni dance e liriche toccanti e personali che riflette l'intensità di un sentimento profondo e totalizzante. Il brano, scritto dalla stessa GRACE e composto e prodotto da Andrea Castelli, riesce a creare un equilibrio perfetto tra leggerezza e introspezione, e rappresenta un’immersione in noi stessi, per riscoprire e rivivere i momenti cruciali del nostro cammino fino ad oggi, evocando le emozioni passate e meditando su come esse ci abbiano plasmato. Immaginare di poter tornare a quei momenti con la saggezza che possediamo oggi; una fantasia avvincente che GRACE ci incoraggia a trasformare in realtà con sensibilità, carisma e maestria. Sin dal verso di apertura, «Ho fatto male di un male che io annego le lacrime, Volevo essere giusta per i tuoi primi passi, il fiume s’innalza se penso agli sbagli», la cantautrice piemontese d’adozione lombarda narra il desiderio struggente di riparare gli errori del passato, pur riconoscendo la difficoltà di ottenere perdono. Un’immagine nitida del soffocamento emotivo in cui le lacrime, che simboleggiano il dolore e il rimorso, si alternano al desiderio di essere di supporto e di fare le cose nel modo corretto per il proprio partner. La metafora del fiume che si innalza evoca il fardello interiore dei ricordi degli errori commessi, che con il passare del tempo, anziché svenire, diventano una forza naturale e travolgente, difficile da controllare. Un quadro di auto-riflessione, rimpianto e necessità di redenzione dipinto delle lotte interne e delle complicate dinamiche che si generano dai momenti di errore e distacco in una relazione di coppia. Il ritornello, con la ripetizione di «Cerco il tasto Replay, il tasto Replay», diventa un mantra in cui è racchiuso il bisogno di poter rivivere il passato per correggere il tiro, calibrandolo e mirando ad arricchire se stessi e l’altro, anziché distruggersi e annientarsi in una guerra di insicurezze, gelosie, delusioni e tradimenti. Una tensione tra amore e autodistruzione che nella frase «Ho rimpianti se non so fingere. Io mi odio, tu mi ami, lasciami andare», mette in luce la vulnerabilità ed il mancato equilibrio tra l’autocritica e l’amore ricevuto. Un messaggio semplice ma potentissimo, che parla dritto al cuore di tutti coloro che desiderano una seconda possibilità. «”Tasto Replay” – dichiara GRACE - è un viaggio nel tempo delle emozioni. Ho voluto esprimere il groviglio di sentimenti che si prova quando ci si ferma a pensare ai propri errori passati e si desidera ardentemente una seconda possibilità. Questo brano è una riflessione su come ogni scelta, giusta o sbagliata, contribuisca a formarci e a farci crescere». La traccia non si limita però a guardare indietro con rimpianto, ma delinea anche il processo di autoaccettazione e di perdono. GRACE riesce a ritrarre questo acquarello emozionale che si espande dal cuore ad ogni singolo pensiero attraverso una scrittura sincera e suggestiva, che trova eco in chiunque, almeno una volta nella vita, abbia avuto il coraggio di guardarsi dentro e rendersi conto di aver commesso degli errori, ferendo, volontariamente o meno, se stesso e gli altri. Con “Tasto Replay”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Chiara Bettiga e Gabriele Mastrolonardo, GRACE ci offre un nuovo capitolo della sua evoluzione artistica, continuando a raccontare e a raccontarsi con sincerità. Questo singolo è una mano tesa per fare un viaggio nella nostra anima, per riconoscere le nostre ferite e trovare la forza di guarirle. Ogni passo compiuto, ogni errore e successo, fa parte del nostro percorso unico, e GRACE ci esorta a riviverlo, capirlo e accettarlo attraverso la sua musica.

Stefano Rubbino, il giovane cantautore siciliano che ha conquistato il panorama musicale italiano con il suo EP di debutto "Pasticche e Confusione" e con il brano "Eclissi di sole", torna ad incantare il pubblico con "Bolladisapone" (Orangle Records), il suo nuovo singolo che racconta la nostalgia di un amore perduto, trasformando il dolore in una struggente melodia che accarezza il cuore. La canzone è nata da una successione di accordi eseguiti estemporaneamente al pianoforte dal produttore Flavio Magliozzo, accordi che hanno immediatamente risvegliato in Stefano un flusso di emozioni profonde, scaturite da un’esperienza personale dolorosa. Il brano rappresenta un grido nei confronti di una persona amata che ha deciso di allontanarsi, lasciando un vuoto incolmabile nella vita dell'artista. «Quando ho sentito quei primi accordi al piano – dichiara Rubbino -, è stato come se tutto il mio dolore trovasse finalmente un suono. Ho capito che dovevo raccontare questa storia, non solo per me stesso, ma per chiunque abbia mai provato a ricostruirsi dopo una perdita.» Il testo, scritto dallo stesso cantautore palermitano, è intriso di immagini nitide e intense che immortalano l’essenza di una relazione ormai conclusa. «Io e te non abbiamo cosa dirci, non abbiamo più le forze in questa bolla di sapone. Il nostro amore si attivava solo a gettone, e a gettare questi resti di litigi ed ossa rotte»: liriche che diventano tasselli di un mosaico di disillusione e rottura, descrivendo un amore che, proprio come una bolla di sapone, è fragile e destinato a svanire. La sensazione di nostalgia e malinconia si intensifica nel ritornello, dove l'artista esprime il suo tormento: «Non so cosa mi prende, sto ritornando indietro. Adesso no, stai bene senza vestiti addosso, una carezza. Non tornerò». Qui, la sofferenza generata dalla perdita e la lotta contro il desiderio di tornare indietro sono palpabili, rendendo il pezzo un riflesso autentico del groviglio animico che scaturisce dalla fine di una storia d’amore. «Scrivere “Bolladisapone” – prosegue l’artista -, è stato un processo catartico. Ogni parola messa nero su bianco e poi cantata, ed ogni nota suonata, sono state un passo verso l'accettazione e la guarigione.» "Bolladisapone", con le grafiche a cura di Giulia Conoscenti, riflette la difficoltà di elaborare le esperienze più dolorose e la necessità di andare avanti, anche quando tutto sembra spingere verso il passato. La canzone diventa così un inno alla capacità di trovare la forza di non tornare più indietro, nonostante il peso dei ricordi che ci legano a ciò che è stato. Con la sua voce unica, calda, fortemente emozionale ed istantaneamente riconoscibile, Stefano Rubbino entra nell'anima senza chiedere il permesso, avvolgendo orecchie e cuore con sonorità intimiste che fanno centro al primo ascolto. “Bolla di sapone” è un cammino sofferto ma necessario nei meandri delle ferite più profonde, capace di coinvolgere e toccare chiunque ascolti. La produzione suggestiva e impeccabile di Flavio Magliozzo ha aggiunto un ulteriore strato di intimità al brano, con un arrangiamento che esalta l’espressività e l’abilità interpretativa di Stefano Rubbino, creando un’atmosfera elegante e struggente che pervade l’intero pezzo. Note e pause sembrano amplificare il dolore e la bellezza che l’artista ha voluto trasmettere. «Le esperienze che ho fatto, i palchi che ho calcato e le canzoni che ho scritto – conclude Rubbino – mi hanno portato a “Bolladisapone”, una tappa importante del mio percorso, una testimonianza di come la musica possa trasformare il dolore in qualcosa di catartico e condivisibile.» Con "Bolladisapone", Stefano Rubbino ci regala un’eco del suo vissuto, un invito sentito e toccante a confrontarsi con il proprio sentire, le proprie ferite ed i propri dolori. Rubbino dimostra ancora una volta di essere un artista autentico e sensibile, capace di creare una connessione intensa e sincera con chi lo ascolta e facendo della sua musica uno strumento di riflessione e catarsi. La pubblicazione di "Bolladisapone" segna un nuovo capitolo nella sua carriera, offrendo una traccia che diventa un’esperienza, un’esperienza che parla di perdita, speranza, consapevolezza e guarigione.

Udi, il cantautore ciociaro noto per le sue pennellate musicali intrise di emozioni e immagini vivide, ci accompagna in un nuovo viaggio sonoro con “La Curva Lunare” (PaKo Music Records/Believe Digital). Questo brano rappresenta un lido sicuro dove approdare, un rifugio di sensazioni e ricordi, offrendoci un'esperienza che abbraccia sia il cuore che la mente. Tra sensualità e malinconia “La Curva Lunare” si dipana con un sound fresco e accattivante, perfetto per le serate estive, impreziosito da un tocco retrò che evoca la nostalgia di tempi passati. Il testo, scritto dallo stesso Udi, è un tributo alla sinuosità della figura femminile, un omaggio alla profondità e alla generosità dei suoi lineamenti. Le parole, come sempre, non sono esplicite ma ricche di significati sottintesi, metafore eleganti capaci di lasciare spazio all'immaginazione dell'ascoltatore. «Chiama l’idraulico dei sentimenti, sta sgorgando la ruggine, che tra le ipotesi ed i tradimenti, solcherò una voragine» canta Udi, dipingendo con maestria la ricerca del rapporto sincero tra gli esseri umani, come un valico o un solco che si frappone tra congetture e inganni. L’artista ci invita a riflettere sulle luci del nostro quartiere, su quei piccoli dettagli che possono illuminare o spegnere il nostro dolore, come in una scena cinematografica: «Riesci a non vedere, come le luci del tuo quartiere, possono spegnere il tuo dolore, tutto un altro sapore!». In questo verso, l’abilità iconografica del cantautore cattura l'essenza della quotidianità e delle piccole cose che influenzano il nostro stato d'animo. Le luci del quartiere traslano le esperienze e le memorie che ci circondano, trasformando la sofferenza in qualcosa di più gestibile, quasi dolce. La capacità di Udi di evocare immagini così potenti con una semplicità disarmante è ciò che rende la sua scrittura tanto unica quanto emozionante. Non di meno importante, sebbene la canzone sia incontrovertibilmente “estiva”, i rimandi all’infanzia, ai Natali passati, e alla nonna che non c’è più e che l’artista ricorda spesso nelle sue narrazioni, aggiungendo un tocco malinconico alle sue opere. Anche in “Curva Lunare”, vi è infatti un’importante componente di connessione con le proprie radici, che proprio in quelle luci del quartiere trovano il richiamo alla terra d’origine, alla famiglia e alle tradizioni. «Per me, - dichiara Udi - “La Curva Lunare” simboleggia un rifugio, un luogo sicuro dove ritrovare me stesso. È un pezzo che mescola la sensualità con la nostalgia, evocando ricordi d'infanzia e momenti di pura bellezza. Volevo che questa canzone fosse un abbraccio musicale, qualcosa che potesse toccare l’anima di chiunque l'ascolti, portando alla luce emozioni dimenticate». Queste parole, condensano perfettamente la complessità del processo creativo di Udi, che descrive la traccia come un porto sicuro, un luogo in cui è possibile approdare ogni qualvolta si avverte la necessità di ritrovare se stessi. La mescolanza di sensualità e nostalgia costituisce un connubio perfetto che rende questo singolo un’opera capace di risvegliare emozioni spesso dimenticate, abbandonate nei cassetti polverosi della frenesia quotidiana che, come una fitta coltre di nebbia e smog, offusca con la sua irrequietezza i ricordi e le memorie più dolci. “La Curva Lunare” si avvale di un team di eccellenza che ha creato un sound inconfondibile: la produzione del brano è stata curata da Davide Cocco, con gli arrangiamenti di Gianmarco Valente, Lorenzo Simeone e dello stesso Udi. Il mix e il mastering, affidati a Fabrizio Migliorelli, assicurano una qualità sonora che permette di raggiungere l’ascoltatore con chiarezza, intensità e immediatezza. Gli strumenti utilizzati, dalla chitarra acustica alla kalimba, contribuiscono a creare un’atmosfera incantata. “La Curva Lunare” è una celebrazione della vita, un invito a nutrire non solo il corpo, ma anche l’anima. Udi continua a dimostrarsi un talento straordinario nel panorama musicale italiano, capace di toccare le corde più intime del pubblico con la sua scrittura poetica e la sua vocalità intensa e riconoscibile. Con questo nuovo singolo, ci ricorda l'importanza dei legami sinceri e delle radici, regalandoci un brano che avvolge cuore mente nel caldo abbraccio delle connessioni senza tempo.... Continua a leggere

Acudo, l’artista che ha trasformato la sua passione per la musica in un’immersione emotiva straordinaria, torna sui digital store con “TRS”, il suo nuovo singolo. Acronimo di “Tu Resti Solo”, il brano si spinge ben oltre il concetto canzone per narrare ed abbracciare una storia di speranza, resilienza e rivalsa, invitando gli ascoltatori a rinascere dalle ceneri di esperienze negative pregresse. In una suggestiva culla pop-rock innovativa dai richiami anni ’90, la traccia racchiude l’esperienza di un passato che continua a gravare sulla quotidianità e sui sogni, rendendo nitidamente il concetto di quanto rimanervi ancorati possa condizionare presente e futuro. Un capitolo a cui, se non riusciamo a mettere un punto, perseguiterà i nostri pensieri, impedendoci di voltare pagina e scriverne di nuovi. "TRS" è un appello a non rimanere bloccati in questa prigione psicologica che condiziona la nostra esistenza, influenzando i nostri rapporti e facendoci vivere come se ogni giorno fosse una guerra, con noi stessi e, conseguentemente, con il mondo circostante. «Apri gli occhi già stanco pensando: “un'altra guerra”. Ti alzi e vivi evitando che il cecchino ti prenda», questo verso iniziale dipinge magistralmente la battaglia interiore di chi lotta con i demoni del proprio passato. Acudo, con la sua voce penetrante e le sue liriche incisive ed emblematiche, cattura l'essenza di una vita vissuta sotto assedio, in cui ogni passo è un atto di coraggio e resistenza. Il messaggio centrale di “TRS” è indubbiamente la rinascita. La canzone esorta a trovare la forza di alzarsi dalla strada della vita, dove spesso ci si siede per stanchezza o rassegnazione, e a continuare a camminare verso una nuova positività. «Ma io, fossi in te scapperei via da qui, da questo loop nella testa che ti tiene così», canta Acudo, sollecitando a rompere il ciclo di negatività per cercare un finale diverso e sorprendente per la propria storia. Il tormento di chi si sente sopraffatto dal dolore è colto ed espresso nel passaggio «Ti anestetizzi perché sai che le cicatrici bruciano sempre come non mai. E tu mandi giù tutto il dolore che hai, seduto in mezzo ad una strada e non sai cosa vuoi. Ma io fossi in te mi alzerei da lì, e scriverei la mia storia con un grande plot twist», ma è proprio in questo momento di vulnerabilità che Acudo offre un barlume di speranza, chiamandoci a prendere in mano il nostro destino, attuando un colpo di scena che ci ricordi la meraviglia insita nella vita. Ogni cicatrice diventa simbolo di forza, ogni ferita una lezione appresa, trasformando così le esperienze dolorose in momenti di crescita. «Questo brano è nato da un’esperienza vissuta in prima persona – dichiara Acudo -. È tratto da una storia vera di una persona che conosco personalmente e con cui ho collaborato. Il suo modo di vivere come se fosse in una guerra continua mi ha ispirato a scrivere questa canzone. Voglio dare una spinta a chiunque si senta bloccato a rialzarsi e a continuare a camminare verso una nuova positività.» Nato a Latina, città che ha dato i natali ad artisti di spicco come Tiziano Ferro e Calcutta, Acudo ha coltivato la sua passione per la musica fin dalla più tenera età. Sin da bambino, si lasciava ispirare da leggende musicali come i Queen, Elton John e Phil Collins. Nel corso degli anni, ha alimentato la sua vocazione partecipando attivamente a diverse esperienze musicali, unendosi a vari gruppi ed esibendosi in numerosi festival nella zona sud pontina. Le sue influenze, che spaziano dai Linkin Park, Subsonica, Negramaro e Modà fino a proposte più contemporanee come Twenty One Pilots e Pinguini Tattici Nucleari, fluiscono in release che sanno essere al tempo stesso uniche e familiari. Nonostante un breve periodo di distanza dalla composizione, la vita ha portato Acudo a riscoprire il suo talento in modo più intenso, dimostrando che quando l’arte è parte del proprio essere, prima o poi esplode con rinnovata forza. La scelta di non divulgare il proprio nome anagrafico né la propria immagine, è frutto di una riflessione che lui stesso spiega così: «Prendo spunto da Liberato: non si sa chi c’è dietro questo artista. A me piace portare in giro la mia musica, non far comparire me stesso. Da qui, la volontà di assumere un nome d’arte e non apparire in prima persona. Per lo pseudonimo, mi sono ispirato ad un personaggio di cui conosco molto bene la storia: il capo degli zingari spagnoli, Josè Acudo.» Una decisione audace e controcorrente, specialmente in un'epoca in cui tutti cercano visibilità, popolarità e notorietà più personale che professionale. Rimanere nell'ombra e lasciare che sia la sua musica a parlare per lui, riflette una profondità artistica rara e un sincero desiderio di connettersi con il pubblico attraverso l'autenticità delle sue canzoni, piuttosto che con l'immagine. Con questa nuova release, che nasce dal desiderio di liberarsi dal peso del passato e di affrontare il presente con positività, Acudo ci ricorda di non lasciare che le ombre del passato oscurino il nostro presente e il nostro futuro, tendendo una mano per rialzarci e riscrivere la nostra storia con un finale a sorpresa.... Continua a leggere

Kose, il talentuoso rapper e insegnante di religione mantovano conosciuto per il suo conscious rap e la sua straordinaria capacità di emozionare attraverso testi profondi e autentici, torna con un nuovo singolo intitolato "Bestseller" (Orangle Records/Mendaki Publishing). Il brano, prodotto da Faffa, rappresenta un vero e proprio inno alla resilienza e alla consapevolezza interiore, raccontando la storia di un uomo che ha trasformato le sue cicatrici in segni tangibili di coraggio e rinascita. “Bestseller” è un viaggio nell’anima di Kose, in cui l’artista utilizza il rap non solo come mezzo espressivo, ma come strumento per risvegliare le coscienze, riportando il genere alla sua essenza originale di connessione, condivisione e messaggi sociali, come lui stesso ha dichiarato: «La musica rap è spesso fraintesa. Per me, è uno strumento per parlare alle coscienze, per risvegliare le anime e portare un messaggio di amore e verità. Insegno religione, ma il rap è il mio modo di raccontarmi fuori dalla classe, di raggiungere le persone con un linguaggio diretto e sincero.» Queste parole accendono i riflettori sul vero potenziale del rap come mezzo di comunicazione diretto e cristallino anche nell’epoca attuale. La musica di Kose mira a parlare direttamente alle anime degli ascoltatori, trasmettendo messaggi che li conducano a riflettere su loro stessi e sulle scelte compiute. Una visione che si riflette chiaramente nel testo del pezzo, intriso di incastri impeccabili e punchlines brillanti, dove vengono affrontati temi di crescita personale, perseveranza, resilienza, gratitudine e rivalsa. Nella barra «Conosco l’ascesa e il declino, sono prof come J Cole e Smino», Kose propone una sagace analogia con grandi nomi della scena internazionale, evidenziando sia la sua capacità di attraversare le sfide e le vittorie della vita mantenendo sempre una visione lucida e consapevole, sia il suo ruolo di guida e ispirazione, proprio come i rapper citati. La carriera dell’artista-insegnante è stata un viaggio di alti e bassi, ma sempre alimentata dal desiderio di voler lasciare un segno. Egli riflette sul suo percorso compiuto finora nel passaggio «Lasciare il segno dopo che ho contato i passi lungo il cammino», puntando così il focus sull'importanza di ogni esperienza vissuta e sulla volontà di imprimere un ricordo duraturo attraverso la sua musica. Il culmine di questa riflessione personale è magistralmente racchiuso in due versi specifici: «Adesso ho tutto quello che mi serve, il tempo ha reso dura questa pelle, il libro di sta vita è già bestseller», in cui Kose mette in luce come, nonostante le difficoltà, sia possibile trovare la pace interiore, riconoscendo che la vita di ciascuno di noi, con tutte le sue vicissitudini e peripezie, è degna di essere raccontata come un bestseller, e «Il tempo è stato un fabbro, spesso è stato hardcore, non ritorna indietro più nemmeno con un Rolex», un’immagine forte e immediata del tempo che forgia il carattere e le esperienze senza concedere possibilità di ritorno, indipendentemente dal proprio status. «Questa canzone è un bilancio della mia vita fino a questo punto – prosegue Kose, concludendo -. Ogni cicatrice, ogni sfida superata, mi ha reso l'uomo che sono oggi. “Bestseller” è la mia storia, una storia di rinascita e di speranza. Spero che il pubblico possa sentirsi ispirato a vedere il proprio percorso individuale come qualcosa di unico e prezioso.» Con queste parole, Kose apre una finestra intima sul significato di "Bestseller". Definendo la canzone come un bilancio della propria vita, l'arista sottolinea l'importanza delle esperienze vissute - sia positive che negative - nel forgiare la sua identità attuale. Le cicatrici e le sfide menzionate non sono semplicemente ostacoli superati, ma parte integrante di un percorso di crescita e trasformazione. Ma il tuffo introspettivo di “Bestseller” non si limita alla sola dimensione personale di Kose, bensì si estende anche alle sue radici musicali. Un richiamo significativo all'Old School emerge infatti nel passaggio «Sognavo New York ascoltando Raekwon». Qui, l’artista riporta in auge l'influenza dell'epoca d'oro del rap sulla sua musica. La menzione a Raekwon, membro del leggendario Wu-Tang Clan, evoca immagini di un'epoca che ha profondamente influenzato il suo stile, mescolando così nostalgia e innovazione. Con "Bestseller", accompagnato dal social video diretto da Tommaso Galloni e Alessandro Guarnieri di Imprinting Video, Kose propone una narrazione intima e personale che invita chi ascolta a trovare valore nelle proprie esperienze e a riconoscere la bellezza nascosta nelle sfide quotidiane. Le liriche del brano, caratterizzate da un linguaggio diretto e incisivo, si combinano con una produzione ipnotica per trasmettere un importante messaggio di forza interiore e verità. La sua capacità di intrecciare temi introspettivi e attualissimi con influenze musicali Old School, rende "Bestseller" un pezzo unico nel panorama musicale contemporaneo, in grado di connettere, sotto l’egida di un rap consapevole e consapevolizzante, tutti coloro che, almeno una volta nella vita, hanno affrontato le difficoltà, uscendone rafforzati.... Continua a leggere

In una scena musicale che troppo spesso evita le verità più scomode, VMC, dopo aver affascinato il pubblico con l’horrorcore tra realtà e fantascienza di “Nellie (from Hill House)”, torna con "Broken Dawn" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo che affronta senza filtri il demone della depressione. L’artista romano, con la sua incredibile potenza espressiva, ci offre una testimonianza cruda e autentica della lotta contro il dolore e la ricerca di significato, dando voce a domande esistenziali, interrogativi spesso inespressi che toccano le sfere più intime della nostra esistenza. “Broken Dawn” fonda le sue radici nell'anima tormentata di VMC. Ogni verso, ogni rima, sono una ferita aperta, un urlo di sofferenza e un tentativo disperato di ottenere risposte. «I’m tired of waking up, uh, life’s not worth it. Another loss, another day in pain, my soul's torn in» («Sono stanco di svegliarmi, la vita non ne vale la pena. Un'altra perdita, un altro giorno di dolore, la mia anima è lacerata»), recita uno dei versi più struggenti e toccanti del brano, trasmettendo istantaneamente la complessa esperienza quotidiana di chi combatte con la depressione. La scelta del titolo, "Broken Dawn", letteralmente “Alba Spezzata”, è emblematica: l’alba, simbolo di un nuovo inizio, è frammentata, distrutta fin dalla nascita, rappresentando un'esistenza marcata dalla sofferenza fin dai primi respiri di vita. Nonostante la tematica cupa e purtroppo più attuale che mai, la traccia non è priva di speranza. “Broken Dawn”, infatti, incoraggia alla resilienza, al coraggio di continuare a combattere anche quando sembra che tutto sia perduto. VMC riversa il suo dolore sul bianco e nero delle pagine, trovando nella scrittura un'ancora di salvezza: «I pour my darkness on pages, that’s my salvation. Only way I feel alive, fighting my damnation» («Verso la mia oscurità sulle pagine, quella è la mia salvezza. L'unico modo in cui mi sento vivo, combattendo la mia dannazione»). La musica diventa così un mezzo per affrontare e superare i demoni personali, donando al contempo conforto e comprensione a chi ascolta. Realizzato presso i Downtown Studios con la produzione di Simone Giorgi e la musica di Ciro Sgo, “Broken Dawn” rispecchia fedelmente la cifra stilistica emotiva di VMC. Il tappeto sonoro, curato nei minimi dettagli, crea un’atmosfera densa e avvolgente, che sorregge e amplifica il messaggio del testo. Ciascuna nota è carica di emozioni viscerali, che guidano l'ascoltatore nell’intricato labirinto della mente. Il ritornello, ripetuto come un mantra ossessivo, è un quesito angosciante ma necessario: «If I died, would I have a choice? Would I live forever, or would I be just frozen?» («Se morissi, avrei una scelta? Vivrei per sempre o resterei semplicemente congelato?». VMC esprime così la lotta per trovare un senso, per essere ascoltati e compresi in un mondo che spesso ignora il dolore altrui. Questo grido di disperazione è anche una richiesta di aiuto, un appello alla solidarietà, un invito a riconoscere e affrontare insieme le battaglie interiori che possono avvolgere in una fitta coltre di nebbia chiunque, in qualsiasi step del proprio cammino terreno. “Broken Dawn” non è quindi solo un affresco sul dolore, ma anche un’esortazione alla riflessione e alla guarigione. È un percorso tra hardcore rap, horrocore e poesia che conduce a confrontarsi con le proprie paure e a trovare una luce nell'oscurità. VMC utilizza la musica come uno specchio, riflettendo i conflitti interiori che molti affrontano quotidianamente e indicando una via per rinascere più forti da ogni cicatrice. La sensazione di essere intrappolati in un destino doloroso, perfettamente racchiusa nel verso «In the shadows you wander, loaded with regret. Conceived in blackness, a fate you cannot accept» («Nelle ombre vaghi, carico di rimpianti. Concepito nell'oscurità, un destino che non puoi accettare»), non è un mero e passivo atto di rassegnazione, ma un richiamo a trovare dentro di sé la forza per riconoscere le proprie vulnerabilità, perché è solo conoscendo i propri limiti che è possibile superarli, trasformando la sofferenza in un percorso di crescita e miglioramento. «Con “Broken Dawn” – dichiara VMC – ho voluto trattare i lati più oscuri della mia anima e della mia esistenza. È un brano che parla di dolore, ma anche di speranza. Attraverso la musica, cerco di dare un senso alla mia sofferenza e di offrire una mano a chi, come me, si trova a combattere contro i propri demoni. Questo brano è un invito a non arrendersi, a trovare una luce anche nelle situazioni più buie.» Dal suo debutto nel 2020, il talentuoso rapper capitolino ha dimostrato di possedere un’incredibile capacità nell’affrontare temi complessi con sensibilità ed empatia. Con “Broken Dawn”, conferma il suo ruolo di voce autorevole nell’Horrorcore italiano, convertendo i demoni in guide e la paura in arte, e regalando a chi soffre un messaggio di forza e resilienza per il futuro.... Continua a leggere

Dopo aver conquistato il pubblico con i suoi precedenti lavori ed aver affascinato la critica per il suo estro creativo e rivoluzionario, il cantautore e polistrumentista partenopeo Eric Mormile torna sulle scene con "Guerriero", un brano che tocca le più profonde corde dell'anima intrecciando abilmente un sound vivace e frizzante a liriche intrise di poesia, passione e sincerità. Ispirato da artisti come Peter Gabriel, Phil Collins, Patrick Leonard e Kevin Gilbert, "Guerriero" si inserisce nel solco della World Music di estrazione Pop, arricchito da strumenti iconici come la Drum Machine Roland CR-78 e lo Stage Piano Yamaha CP-80, elementi che conferiscono al brano una dimensione sonora unica e inconfondibile. La parte testuale, scritta dallo stesso Eric e supervisionata da Salvatore Palomba (autore della celebre "Carmela" portata al successo da Sergio Bruni) si posa su una produzione impeccabile, curata da Nino Pomidoro, che grazie al suo tocco innovativo ha saputo valorizzare ogni sfumatura del pezzo. La genesi di "Guerriero" risale al 2018, traendo dalle vicissitudini sportive della squadra di calcio del cuore di Eric Mormile, il Napoli. Le parole del brano riflettono la delusione e la frustrazione di quella stagione, ma sono state poi rielaborate nel 2020, durante un soggiorno a Ischia, quando la musica ha preso forma e ha trovato la sua strada verso il completamento. La resilienza, tema centrale nella produzione di Mormile, emerge vivida e potente in questo brano, diventando un vero e proprio marchio di fabbrica del suo stile di scrittura. Nella precedente release, "Figlie d’ 'a Fonte d’‘e Suone", Eric ha spiegato come la musica possa essere un valore salvifico, un'ancora di salvezza nei momenti di difficoltà. Con questa nuova traccia, l'artista ci incoraggia a fare affidamento su noi stessi, sulla nostra forza interiore, per superare le avversità. "Guerriero" rappresenta un ponte tra il passato e il presente dell'artista, unendo due versioni di sé: quella che ha scritto il testo sei anni fa, e quella che oggi riesce a dare a quelle parole un significato universale e trasversale. Il brano parla delle battaglie personali che combattiamo ogni giorno, della necessità di aggrapparsi all'orgoglio, alla convinzione e al desiderio di rivalsa per costruire un futuro migliore. Il testo recita: «Mo arape ll’uocchie pe vedè dimane, sulo si ce cride vaie luntano, guerriero ca cumbatte sti titane, aiza n’ata vota ‘ncielo ‘e mmane» («Ora apri gli occhi per vedere il domani, solo se ci credi vai lontano, guerriero che combatte questi titani, alza ancora una volta le mani al cielo»), sottolineando l'importanza di credere in sé stessi e di continuare a lottare. Perché solo attraverso la determinazione e la fede nel proprio percorso si può arrivare lontano, senza dimenticare mai da dove si viene: cittadini del mondo uniti dalle proprie storie di lotta e rinascita, capaci di trasformare ogni sfida, ogni vento avverso, in un trampolino verso la luce, come guerrieri che trovano forza in ogni piccola e grande battaglia vinta. La metafora del guerriero che combatte contro i titani è il cuore del progetto, una rappresentazione fortemente evocativa degli uomini e delle donne di ieri e di oggi che affrontano con tenacia e dignità gli ostacoli che tutti noi incontriamo lungo il cammino della vita. Eric Mormile ci ricorda che, indipendentemente dalle traversie, abbiamo sempre la capacità di rialzarci e di affrontare le sfide con prodezza e determinazione. "Guerriero" è una mano tesa che sfiora le nostre, per stringerle con amore e rammentare a ciascuno di noi di diventare il protagonista della propria storia, trasformando le difficoltà in opportunità per crescere e migliorare. «Ho scritto questa canzone in un periodo di grande sconforto e delusione, ma anche di riflessione – dichiara l’artista -. Questo pezzo è nato dalla necessità di convertire un momento di difficoltà in un'opportunità di crescita. È un invito a tutti coloro che si sentono sopraffatti dalle sfide quotidiane a non arrendersi, a combattere con determinazione e a credere nella propria capacità di superare qualsiasi ostacolo.» Il brano è stato ispirato da un momento difficile, ma il suo messaggio è chiaro: siamo sempre artefici del nostro destino, e tutte le nostre azioni hanno un peso. Così come la metafora del guerriero risuona immediata nelle menti e nei cuori di tutti noi, allo stesso modo, l’analogia calcistica con il Napoli ci permette di comprendere ulteriormente l’anima del progetto: dalle ceneri di uno scudetto scippato, la squadra è rinata come una fenice; allo stesso modo, ciascuno di noi può elevarsi in volo solo dopo essere caduto. “Guerriero” è un inno alla resistenza, che parla a tutti coloro che lottano contro le complessità della vita. Nel testo si trova inoltre un riferimento al noto pugile Rocky Marciano, simbolo di combattente impavido contro le difficoltà per tornare vincenti: «Dalle ‘nfaccia, comme Marciano, e siente ggià ‘o suono d’ ‘a campana, guerriero ca cumbatte sti titane, aiza n’ata vota ‘ncielo ‘e mmane» («Colpisci in volto, come Marciano, e senti già il suono della campana, guerriero che combatte questi titani, alza ancora una volta le mani al cielo»). Questo messaggio è rivolto a tutti coloro che affrontano grandi sfide, incoraggiandoli a non arrendersi mai. «Con “Guerriero” – conclude Mormile - ho voluto trattare il tema della resilienza in modo più personale e approfondito. Le battaglie che affrontiamo ogni giorno, che siano legate a delusioni sportive, difficoltà personali o lotte più profonde, ci definiscono come individui. Questo brano è il mio modo di dire che, indipendentemente da quanto sia dura la battaglia, possiamo trovare la forza dentro di noi per andare avanti e vincere.». La canzone vede la partecipazione del percussionista Luca Guida, che con il suo shaker e sonaglio aggiunge un tocco ritmico distintivo al brano. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, realizzato da Michele De Angelis della Midea Video, vede nuovamente la presenza di Elvira Fiore nel ruolo di modella, mentre Diana De Luca ha curato la parte fotografica e la copertina del brano. Eric Mormile continua ad ispirare il pubblico con la sua musica, spingendo i confini della creatività e della sperimentazione sonora. Con "Guerriero", il poliedrico artista dimostra ancora una volta un talento da fuoriclasse e invita tutti noi a riconoscere e a combattere i nostri "titani" con coraggio e determinazione.... Continua a leggere

I LUMIED, trio musicale apulo-romano che ha saputo conquistare il cuore del pubblico con energia e autenticità, sono pronti a farci volare verso nuovi orizzonti con il loro nuovo singolo, "Hawaii". Dopo il successo di "Samurai", un incredibile viaggio musicale nel coraggio e nella resilienza degli eroi di ogni giorno, Luana Montone, Edoardo Schiaffi e Michele Penisola tornano sulle scene con un brano che surfa sulle calde onde dell’estate, un’escursione emozionante e sognante verso un paradiso tropicale fatto di musica, amore e ricordi indelebili. "Hawaii" è un invito a lasciarsi andare, a dimenticare per un attimo le preoccupazioni quotidiane e ad immergersi in una dimensione in cui la bellezza dei momenti condivisi è la sola cosa che conta. Un biglietto di sola andata verso i mari sconfinati della libertà e dei sentimenti, nuotando tra le profondità di uno sguardo che profuma di casa anche dall’altra parte del mondo, in quegli «occhi blu» che ci tengono a galla il cuore, impedendogli di «naufragare in un mare di parole». Spensieratezza e dolcezza si fondono e diventano le fondamenta di un rifugio in cui l'amore e la musica si incontrano, creando un'atmosfera unica che permea ogni nota del brano. Il testo di “Hawaii”, scritto dagli stessi artisti, sfiora e accarezza temi di nostalgia e desiderio con una delicatezza che solo i LUMIED sanno trasmettere. «Vorrei fingere e fare l’opposto, cancello foto e puntualmente posto. Di te mi resta ciò che non conosco. Le mani in tasca e questo disco rotto…», sono versi che parlano di cuori spezzati e di speranze rinnovate, di istanti vissuti intensamente e di sogni che non vogliono spegnersi come falò in riva al mare, illuminando la notte con la loro incrollabile ed incantevole luce. Uno dei passaggi più suggestivi ed emblematici del pezzo è senza dubbio il ritornello: «Ruberò la notte e le tue Lucky strike, balleremo insieme al Keoki’s Paradise. Fuoco sulla dance floor, labbra sulle labbra. Ci s’innamora ancora al Keoki’s Paradise». Qui, i LUMIED ci portano nel cuore dell’arcipelago bagnato dal Pacifico, in un luogo in cui le notti si accendono di passione e la musica diventa il filo conduttore di storie d'amore e di amicizia. Queste liriche leggere, e al tempo stesso intrise di poesia, sono un richiamo a vivere il presente con intensità, a ballare fino all'alba, a lasciarsi travolgere dalle emozioni che troppo spesso soffochiamo nella frenesia dell’ordinario. “Hawaii” non si limita ad evocare paesaggi esotici e momenti di intensa connessione, ma sottolinea anche l’importanza della spontaneità, di aprirsi all’avventura cogliendo ogni occasione di felicità e benessere. Un inno alla libertà di seguire il proprio cuore, di prendere decisioni audaci e di assaporare il presente senza rimpianti. «Facciamo l’ultima cazzata, ho due biglietti in business class. Facciamolo stasera, domani poi chi se ne frega» cantano i LUMIED, incitando a lasciare alle spalle le incertezze per abbracciare con coraggio l'incognito. La musica dei LUMIED non è solo un mezzo di intrattenimento, ma una vera e propria filosofia di vita. Ogni canzone è un capitolo di una storia più grande, una narrazione che riflette le esperienze, le sfide e le vittorie quotidiane. Con "Hawaii", il trio ci invita a riscoprire la bellezza dell'imprevisto e la magia dei piccoli momenti. È un appello a vivere con passione, a non avere paura di osare e a trovare gioia nella semplicità. «Siamo entusiasti di condividere “Hawaii” con tutti voi – dichiarano gli artisti -. Questo brano rappresenta per noi un viaggio non solo musicale, ma anche emotivo. Vogliamo che chiunque lo ascolti possa sentirsi trasportato in un luogo dove le preoccupazioni si dissolvono e rimane solo la bellezza dell'attimo presente.» Dal debutto nel 2020, il trio ha saputo farsi strada nel panorama musicale italiano con una serie di successi che hanno conquistato sia il pubblico che la critica. Con "Hawaii", Luana, Edoardo e Michele continuano a dimostrare un’importante crescita artistica e la capacità di reinventarsi, mantenendo sempre intatta la loro essenza. Con sonorità che spaziano dal pop, alla dance al latin-pop, la loro musica è un invito alla gioia e alla riflessione. Con "Hawaii", i LUMIED non solo riconfermano il loro straordinario talento, ma offrono anche una nuova prospettiva su come affrontare la vita: con leggerezza, passione e una buona dose di follia. Questo singolo è destinato a diventare un punto di riferimento nella loro discografia, un brano che ci ricorda che, nel viaggio della vita, c'è sempre spazio per un nuovo inizio, per un'avventura da vivere senza riserve.... Continua a leggere

Dopo aver scaldato l'inverno con la magistrale reinterpretazione de "Il Dicembre degli Aranci" di Mango e Laura Valente (feat. Stefania De Francesco) e accarezzato la primavera trasponendo in musica l'essenza dell'amore con "Così Non Finirà" (feat. Patrizia Kolombo), Gianni Negri abbraccia l'estate in "E partirò" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che celebra la voglia di viaggiare, di realizzare i propri sogni e di vivere la vita con leggerezza e spontaneità, toccando il cuore di chi ascolta. Prodotto da Valerio De Rosa e arrangiato da quest’ultimo con lo stesso Gianni Negri, "E partirò" è un manifesto pop di libertà e di vita, un invito a vivere ogni giorno come un viaggio, con la leggerezza e la curiosità che questo comporta. L'idea del brano è nata una domenica mattina, quando Gianni, in cerca di ispirazione, ha deciso di scrivere qualcosa di leggero ma non banale. Insieme ai giovani e talentuosi musicisti Joele Ghezzi (batterista e percussionista) e Federica Arcopinto (chitarrista), con i quali collabora da anni, ha trovato il mood perfetto per esprimere questo desiderio di seguire e realizzare i propri sogni sotto la brezza calda, vivace e ispiratrice dell’estate. «Il messaggio che ho cercato di lanciare con questo singolo – racconta Gianni Negri - è quello di non fermarsi mai, di vivere una vita sempre piena di scoperte e ricca di stimoli nuovi, proprio come avviene durante un viaggio. La vita, infatti, per quanto possa essere programmata, è spesso imprevedibile. Incontri persone di passaggio, visiti luoghi che forse non rivedrai mai più. Se vivessimo come viaggiamo, tutto sarebbe più leggero, tutto sembrerebbe più semplice.» L’energia e la libertà che si sprigionano durante un viaggio, quella voglia di arrivare, di sentire l'estate sulla pelle, di essere felici e spensierati, viene racchiusa egregiamente nel ritornello: «E partirò e sentirò il suono della libertà, e come un canto universale mi attraversa e non fa male». Il “suono della libertà”, una metafora emozionante e potentissima che echeggia come un grido di incoraggiamento per chi non ha ancora trovato il coraggio di essere veramente libero, libero di essere se stesso. Questo è “È partirò”, un’esortazione a vivere secondo le proprie regole, ad essere liberi e liberanti per non cadere in un circuito di congetture astratte e senza senso. Sin dall’apertura - «Se cominci a realizzare un sogno tutto cambierà, e all’estremità di un continente, tra i confini fragili di una città, troverai pezzi del tuo passato e allora capirai!» – il brano stimola a seguire i propri sogni, a scoprire nuovi orizzonti e a trovare se stessi lungo il cammino. Gianni Negri ci ricorda che siamo pronti per cambiare il senso che ci tiene legati a terra - «Siamo pronti per cambiare il senso che ci tiene qua» -, per partire verso nuove avventure e scoprire il mondo con occhi nuovi. Il perfetto mix di chitarre elettriche e acustiche, basso, batteria e pianoforte elettrico, regala una dimensione unica, sorretta da un sound avvolgente e dinamico. Il mix e il mastering, curati nei dettagli da De Rosa, garantiscono una qualità sonora che esalta le capacità vocali di Gianni e la potenza emozionale del pezzo. Nell’«onda di questa corrente che trascina e balla», il cantautore napoletano che ha incantato l’Italia con la sua capacità espressiva e il suo talento da fuoriclasse ci sprona a non fermarci, ad avere fiducia in noi stessi, negli altri e nel mondo, perché basta guardarsi dentro e poi allo specchio con sincerità per capire che «per la strada non c’è alcuna faccia che ti tradirà», perché siamo tutti uguali, ognuno alla ricerca del proprio «angolo di paradiso» «tra paesaggi distesi e mari sconfinati». “E partirò” è la rappresentazione in musica dell’energia vitale che si sprigiona quando si è in movimento; Gianni ci invita a seguire il battito delle sue mani a tempo, a non mollare mai, a stringere i denti e a procedere con determinazione verso i nostri obiettivi. L’estate, che l’artista stesso descrive come una stagione di rinascita e di nuove possibilità - «L’estate addosso sentirò, il ritmo scoppia sulla pelle e sento il sole tra le stelle» –, si fa emblema di una vita vissuta intensamente, con il sole che scalda la pelle e la musica che fa da colonna sonora alle nostre avventure. Gianni ci rammenta che si tratta di un momento perfetto per lasciarsi andare, per assaporare il presente e per lasciarsi trasportare dalla bellezza della vita. Con questo brano, allegro e frizzante ma al tempo stesso profondo e ricco di significato, Gianni Negri dimostra ancora una volta il suo talento nell’arte di raccontare la vita attraverso la musica, regalandoci un’esperienza sonora che incoraggia all'evasione e all’introspezione. Un tuffo emozionale fatto di sogni, speranze e libertà che ci ricorda di vivere intensamente, ogni giorno; un inno alla libertà, alla scoperta di sé e alla bellezza del viaggio della vita.... Continua a leggere

Ha esordito raccontando la sua esperienza tra la vita e la morte nel toccante e riuscitissimo hardcore rap di  "Ancora Vivo", per poi toccare il cuore di molti con la commovente dolcezza di "Ma tu lo sai che", e dedicare "La canzone più bella" al paradiso coperto di fiamme dell'amore, e ora, Drama, il giovane artista varesotto la cui voce e penna stanno rivoluzionando il panorama musicale italiano, torna nei digital store con “Patologia” (La Maison Factory/Believe Digital), un capolavoro che nasce dalle viscere del dolore per raccontare le pieghe più oscure, intime e sofferte delle relazioni distruttive. Nato nel 2002 nella provincia di Varese, Drama porta con sé un bagaglio di esperienze oltremodo trasformative, che si riflettono nella sua musica carica di pathos e autenticità. Nonostante la sua giovane età, l’artista ha vissuto sulla propria pelle l'intensità della lotta per la vita: sei giorni di coma, un trapianto di cuore e la cicatrice che porta sul petto sono testimonianze tangibili di una battaglia che lo ha smosso nel profondo, cambiandolo e rendendolo l’uomo che è oggi. Eventi personali che conferiscono alle sue opere l’universalità delle emozioni, con una sincerità e un’immediatezza di raro riscontro che rendendo ogni release un prezioso tassello nel mosaico policromatico della vita. “Patologia”, nato sul pavimento di una casa vuota, con le luci spente e le tapparelle abbassate, è un brano che si espande come un soffio di luce che filtra nella stanza, socchiudendo gli occhi e lasciandosi trasportare dai ricordi di un amore sfiorito. In questo pezzo, in cui Drama è al contempo narratore e protagonista, si dispiegano una serie di immagini nitide e contrastanti, che nella frase-chiave del ritornello «Il nostro non è amore, è una patologia. Prendi a pugni sul volto la mia apatia», ne svelano l’intera essenza, sviluppando la polaroid in bianco e nero di un sentimento diventato malattia, equiparabile ad un'ossessione che costringe a sentire, ad osservare, a vivere e rivivere nelle pagine di un album di ricordi sbiadito, anche se fa male, anche se distrugge. «Credo che ognuno di noi possa aver avuto un amore “patologico” – dichiara l’artista -, aver incontrato una persona da cui si è incapaci di scollarsi. Qualcuno che, anche solo con il pensiero, ci tiene legati, costantemente, indissolubilmente. “Patologia” è una canzone molto intima e personale, a cui sono follemente legato, così come l’amore tossico ci incatena e ci trascina in un vortice di sensazioni ed emozioni penetranti e discrepanti. Ecco, io ho voluto esprimere questa complessità attraverso la mia musica, raccontando una storia che mi vede narratore e protagonista.» Il testo di “Patologia” mette in luce l’accettazione incondizionata dell’altro, anche nei suoi lati più oscuri - «sai che mi piacerà anche il tuo lato peggiore» - liberando tra le note l’intimità di battiti non espressi, custoditi come segreti tra i chiaroscuri del cuore - «Scrivi frasi d’amore che non mi dirai» -. Ma l’amore che persiste anche nei momenti più difficili, quelli in cui i partner condividono «il cuscino per fare gli stessi sogni, mentre la città va a fuoco, mentre il mondo crolla a pezzi», si fa via via sempre più cupo, autoritario e nocivo. Questo legame, inizialmente passionale e avvolgente, si trasforma in una trappola emotiva, dove le dinamiche di potere e controllo prendono il sopravvento. Drama spiega egregiamente questo passaggio nel verso «sono diventato un mostro per sconfiggere i tuoi mostri. Tutto ciò che odio, tutto ciò che ami tu», evidenziando come l'amore possa diventare una battaglia interna, in cui ci si perde nel tentativo di accontentare e salvare l'altro, finendo per non riconoscersi più e disprezzare ciò che si è diventati. Questo sentimento totalizzante e distruttivo, che monopolizza e consuma, è il cuore pulsante del progetto. Il suono della voce di Drama, intensissimo e quasi spezzato, enfatizza ogni parola, donando alla traccia una profondità emotiva che non lascia indifferenti. Ciascuna nota, ciascuna lirica, è un colpo al cuore, un richiamo alla realtà nuda e cruda di un amore che svilisce e soffoca, trasformando il legame in una prigione da cui sembra impossibile fuggire. In tale contesto, il brano diventa un cammino doloroso ma necessario, una catarsi musicale che offre sollievo attraverso la comprensione e la condivisione del dolore. “Patologia” è il racconto di una fiamma interiore che brucia e consuma, ma che al tempo stesso rende vivi. Drama ci incoraggia a guardare dentro noi stessi, a riconoscere le nostre fragilità e a trovare la forza per affrontarle, rammentando che non importa quanto difficile possa essere l’amore, perché è e sarà sempre una parte essenziale di ciò che siamo stati, siamo e saremo. Con un percorso artistico in continua evoluzione, Drama segna un ulteriore passo in avanti in questa crescita, grazie ad una canzone che, come una cicatrice sul cuore, ricorda le ferite passate ma anche la forza di andare avanti, di lottare e di trovare la propria voce in mezzo al caos delle emozioni. La sofferenza si converte in arte, dando parole ai sentimenti silenziati dal dolore. “Patologia” è una finestra aperta su un mondo fatto di luci ed ombre, di amore e distruzione, di forza e fragilità. Un brano che non lascia indifferenti, capace di scuotere e far riflettere, di far sentire meno soli coloro che, almeno una volta nella vita, hanno vissuto l’amore come una “Patologia”.... Continua a leggere

Una serata memorabile ha animato Piazza Conciliazione durante il terzo appuntamento del Desio Summer Music Festival, grazie alla straordinaria performance di Tormento, frontman dello storico gruppo Hip Hop Sottotono. Il concerto di un'ora ha entusiasmato il pubblico presente, consolidando ancora una volta la sua posizione di fuoriclasse del genere. L'artista, affiancato alla consolle dal producer romano d'adozione milanese ProMo L'Inverso, ha regalato ai fan una scaletta di brani che hanno segnato la storia dell'Hip Hop italiano. Tormento ha sapientemente mescolato pezzi del primo album del duo, "Soprattutto Sotto", come "La Mia Coccinella", a capolavori senza tempo tra cui "Tranquillo", "Amor De Mi Vida", "Dimmi di sbagliato che c'è", fino ai più recenti "Acqua su Marte" e "Mastroianni". L'evento, diretto e condotto dalla vivacità comunicativa di Dj Mitch (celebre speaker di Radio 105 e produttore televisivo), ha preso il via con la performance del giovane cantautore e rapper bolognese Rayan Seventeen17, idolo dei giovanissimi, seguita da quella del talentuoso e carismatico rapper capitolino di fama nazionale Davide Borri. Una serata indimenticabile che, sotto il cielo stellato di Desio, ha unito grandi, giovani e piccini in nome della musica e di una cultura, l'Hip Hop, che continua ad incantare e rappresentare tutti coloro che sentono il bisogno di ascoltare e vivere una canzone al di là della semplice esperienza auditiva; una cultura che continua a dimostrare di non aver bisogno di turpiloqui, cliché e status symbol per arrivare al cuore del pubblico. «L'Hip Hop è amore, anche se ultimamente è pieno di rabbia. La rabbia in fin dei conti è amore, amore senza genitori cresciuti vicino.» - ha dichiarato Tormento durante il concerto, sottolineando la profondità del messaggio trasmesso attraverso la sua musica da oltre 30 anni ed evidenziando che è ancora possibile fare un certo tipo di musica in maniera sincera, autentica e pulita. Una scommessa che si è rivelata vincente quella dell’amministrazione comunale: il sindaco Simone Gargiulo e il Vice sindaco Andrea Villa hanno richiamato in piazza un vasto pubblico che si è riversato nel territorio arrivando anche dalla Svizzera per la data brianzola di Tormento. Il Desio Summer Music Festival continua mercoledì prossimo, 10 Luglio, con uno degli artisti più geniali, eclettici e iconici della discografia italiana: Morgan. Non mancate!... Continua a leggere

Dopo l'emozionante debutto con "Resta" e l’elegante malinconia espressa in "Ore", la cantautrice napoletana d’adozione brianzola Chiara Amici, in arte Kiara, torna con un brano dal sapore estivo avvolto da un sound fresco e travolgente: "Portami a ballare" (PaKo Music Records). Ritmato e vivace, questo singolo mostra il lato più giocoso e dinamico di Kiara, evidenziando la sua versatilità, pur mantenendo il fascino e l’incanto che solo una vocalità limpida, intensa e raffinata sono in grado di offrire ad ogni interpretazione. Prodotta da Alessandro Di Somma e masterizzata da Stefano Crispino, "Portami a ballare" è una canzone che invita a lasciarsi alle spalle lo stress e i problemi della vita quotidiana per abbracciare la leggerezza e la gioia dell’estate. «L'estate è il momento giusto per lasciarsi andare - spiega Kiara -. Basta un drink e della buona musica per divertirsi e vivere il momento. La compagnia è importante, ma si può stare bene anche da soli.» Nel testo, l’artista coglie e cattura questo spirito di libertà e spensieratezza in maniera impeccabile: «E stanotte tutto va via, un drink e portami a ballare, dei problemi solo la scia, respira e continua a urlare». Con queste parole, Kiara pone l’attenzione sulla necessità di vivere pienamente, facendo tesoro di ogni istante senza farsi sopraffare dalle difficoltà quotidiane. La realizzazione di "Portami a ballare" è frutto di un lavoro meticoloso e appassionato: «Durante la produzione, ho cercato di infondere nel pezzo le sensazioni di leggerezza e libertà che provo in estate - prosegue l’artista -. Mi sono ispirata ai suoni che evocano immagini di spiagge, tramonti e notti stellate, per creare una colonna sonora perfetta per questa stagione.» La produzione di Alessandro Di Somma e il mastering di Stefano Crispino hanno conferito al singolo una qualità sonora che esalta le capacità vocali di Kiara, rendendo "Portami a ballare" una traccia irresistibile e coinvolgente. Con la sua energia positiva e la sua melodia accattivante, questo brano promette di diventare un vero e proprio tormentone dell'estate 2024. Un'estate che non ha necessariamente bisogno di compagnia per essere vissuta appieno. Kiara ci ricorda infatti che possiamo trovare la nostra forza interiore e godere della nostra stessa presenza, come si evince dal testo: «E non ti preoccupare, puoi lasciarmi andare, io non ho bisogno di te, posso stare sola con me». Questa affermazione di indipendenza e autostima sottolinea che, nonostante le difficoltà, ognuno di noi dovrebbe dire a se stesso «ce la farò, sì, me la caverò», e, in caso di necessità, è sempre possibile «dare forfait». Questi versi, ironici ma profondamente sinceri, riflettono la capacità di Kiara di affrontare la vita con fiducia e apertura, apprezzando i momenti di solitudine e trasformandoli in opportunità di crescita personale. Il ritornello del pezzo, con il suo ritmo trascinante e le sue melodie fresche e catchy, è un inno alla voglia di ballare e di sentirsi vivi, liberandosi dalla morsa di una frenesia che corre ma ingabbia e dalla pressione di quel «lavoro dei sogni» che forse è soltanto «magia», «forse è solo utopia», per fare un tuffo nella follia di una serata in cui tutto sembra possibile ed ogni preoccupazione svanisce a ritmo di musica. Come canta Kiara, «ogni volta lo stesso film, finisce sempre così, grazie a Dio, è venerdì», racchiudendo nell’attesa del fine settimana il desiderio di stacco e relax che l’estate porta con sé. La quotidianità e le sue frustrazioni sono rappresentate con ironia e leggerezza, sottolineando la necessità di ritagliarsi momenti di gioia e di spensieratezza. «La musica è sempre stata il mio rifugio - conclude Kiara - e con "Portami a ballare" ho voluto creare un brano che potesse essere un rifugio per tutti, un momento di pausa dalla frenesia quotidiana. Volevo che fosse una canzone capace di far sorridere, ballare e sentirsi liberi. Spero che chiunque la ascolti possa provare un po' di quella gioia e di quella leggerezza che ho cercato di infondere incidendola.» Con "Portami a ballare", Kiara riconferma il suo talento e la sua capacità espressiva. La sua voce, limpida e avvolgente, sorretta da una produzione musicale impeccabile, guida l'ascoltatore in un mondo dove la musica diventa la colonna sonora perfetta per ogni momento di evasione. Questa canzone, oltre ad essere una ventata di freschezza e di allegria, è un importante promemoria per tutti noi: è essenziale ritagliarsi del tempo per sé stessi, godere dei piccoli momenti e ballare, sempre, al ritmo della propria felicità.

Dopo aver raggiunto i vertici delle classifiche radiofoniche indipendenti con “Fiori di ceramica”, il cantautore, attore e showman torinese dall’animo cosmopolita Raffale Poggio torna nei digital store con “La canzone che parla di te” (MoovOn/Altafonte Italia), singolo con cui celebra un ritorno alle sue radici musicali latine, proponendo un'evoluzione di genere con sfumature elettroniche e una nuova espressione vocale che incanta sin dal primo ascolto. Prodotto, registrato e mixato da Fabrizio Cit Chiapello presso i celebri Transeuropa Studio, “La canzone che parla di te” è un brano che nasce da un'esperienza di vita vera e autentica che Raffaele ha voluto condividere con il suo pubblico, come lui stesso racconta: «Ho vissuto amori importanti che, dopo la fine, sono rinati ancora più intensi e consolidati con l'impegno di entrambe le parti, consapevoli che non si poteva proseguire insieme nel modo in cui tutto era iniziato ma si poteva crescere ulteriormente, costruendo una forte amicizia.» Il brano rappresenta la volontà di esprimersi in modo sincero e genuino nei rapporti personali, per rispetto non solo del partner, amico o familiare, ma anche, sopra e prima di tutto, per sé stessi. In questo modo, un rapporto può evolvere, evitando di implodere di fronte alle difficoltà. Nel testo, Raffaele canta «Portami nei sogni tuoi, ricorda chi eravamo noi, voliamo sulle nuvole, diversi da ieri, occhi sinceri», immortalando tra le note l’essenza di un’affinità che dall’innamoramento, sognante, romantico e passionale, si trasforma in amore, consolidato e maturo, in qualsiasi sua declinazione. Questo passaggio ricorda la trasformazione di un fiore, leggero, vivace ma al tempo stesso esile e fragile, in una pianta solida e robusta, annaffiata con dedizione e cresciuta con pazienza, volontà di condividere e sincerità, sottolineando così la capacità di convertire un amore perduto in una nuova, profonda relazione. “La canzone che parla di te” è un invito a riscoprire la bellezza delle connessioni autentiche, quelle che, nonostante le avversità e i cambiamenti, riescono a svilupparsi e progredire, potenziandosi e migliorando significativamente chi ne fa parte, arricchendo la vita di tutti coloro che vi partecipano con nuove prospettive e una rinnovata forza interiore. Raffaele Poggio, con la sua voce calda e avvolgente, ci accompagna in un cammino emozionante che fa luce sulle varie sfaccettature del cuore. La canzone è un tributo alla resilienza dei sentimenti, alla capacità di adattarsi e di trovare nuove forme di espressione e di connessione, con sé stessi e con gli altri. L'arrangiamento musicale, curato con maestria da Fabrizio Cit Chiapello, fonde armoniosamente le radici latine di Raffaele con moderne sfumature elettroniche, creando un sound fresco e coinvolgente che rispecchia perfettamente la maturazione artistica dell'autore. Le sonorità vivaci e trascinanti del brano trasportano l'ascoltatore in una dimensione estiva e spensierata, in cui la musica diventa un mezzo per celebrare la vita e le relazioni. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, girato ai Knowhere Studios, amplia questo concetto con un altro obiettivo: esprimere la necessità di svincolarsi da maschere e artifizi per presentare il lato umano nella sua complessità e autenticità. Raffaele si libera dalle catene che spesso lo hanno imprigionato nella figura del businessman o del sex symbol, per lasciare spazio al lato più giocoso e autentico della sua personalità, in una vera esplosione di energia ispanica. «Questa traccia – conclude Poggio - rappresenta con la sua freschezza di brano estivo una mia evoluzione, sia personale che artistica: ad oggi mi sento libero e sereno e lo esprimo pienamente con sonorità allegre e trascinanti ed un videoclip così energico e comunicativo da sposarsi bene con il ritmo ed il concetto del pezzo.» Inoltre, Raffaele Poggio sta lavorando al nuovo live “Latin Project”, che vedrà in scaletta i classici latini di sempre e i brani della sua produzione, accompagnato da Steve Cucchi, Miki Rossi e Donato Donvito, rinomati musicisti del panorama musicale torinese. Attualmente, l'artista è impegnato con l'intrattenimento musicale nel wedding, essendo un punto di riferimento musicale nel territorio piemontese con il suo “LIVE WEDDING SHOW”. "La canzone che parla di te" rappresenta un nuovo capitolo nella carriera di Raffaele Poggio, un talento poliedrico che continua a sorprendere e a innovare. Con questo brano, Poggio non solo celebra l'evoluzione dei sentimenti e delle relazioni, ma dimostra anche una crescita personale e artistica che lo porta a esplorare nuove sonorità e a condividere con il pubblico la sua visione autentica della vita e dell'amore. Il nuovo singolo ed il progetto live "Latin Project" promettono di portare questa energia e passione direttamente al cuore del pubblico, confermando Raffaele Poggio come una figura di spicco nel panorama musicale contemporaneo.... Continua a leggere

Giugno 2024 segna l'uscita di "Stanotte", il nuovo e attesissimo singolo di Ladrone00. Con questo brano, l’artista marchigiano che sta conquistando pubblico e critica per la sua versatilità e la sua urgenza espressiva, torna a sorprenderci con un mix irresistibile di dance anni ’90, pop e rap destinato a dominare le classifiche estive e a farci ballare e sognare sotto le stelle, unendo generazioni diverse sotto il segno del divertimento e della leggerezza senza età. Sin dal primo play, si viene immediatamente trasportati in un mondo allegro e spensierato, dove la voglia di rilassarsi e rinascere si fonde alle sfumature nostalgiche e sognanti della traccia, riportando istantaneamente alla memora la dimensione sospesa degli anni '90, in bilico tra speranza e aspettative, rispecchiando così le emozioni degli attuali 30enni negli uomini e nelle donne di domani. Prodotto dall’abile tocco di Massimiliano Giorgetti, "Stanotte" intreccia la vivacità del dance-pop agli inconfondibili incastri rap che solo la voce unica di Ladrone00 può offrire, riconfermandolo un vero maestro nel creare atmosfere che catturano il cuore e la mente del pubblico. Un viaggio musicale che parte dalla pista da ballo e si estende fino alle prime luci dell'alba, un'esperienza sensoriale che celebra la vita, l'amore e la gioventù in ogni loro forma. Il brano si apre con un ritmo incalzante e coinvolgente, sostenuto da batteria e accordi di synth che invita a vivere il presente senza pensieri, lasciandosi alle spalle lo stress e la frenesia quotidiana. Questo spirito, perfettamente catturato nel verso «Stanotte, io ti ritroverò, ci vediamo nel privé e balliamo finché è giorno. Stanotte, mi rinnamorerò, vorrei fare centro nel tuo corazón», trasmette un senso di libertà tipico della giovinezza, evocando un ritorno alla semplicità e alla gioia di vivere indipendentemente dalla propria età anagrafica. Passato e presente danzano in perfetta armonia grazie alla maestria di Massimiliano Giorgetti, che ha saputo tessere un sound fresco e moderno e al contempo ricco di richiami agli anni '90, creando così un'altalena musicale che è sia nostalgica che innovativa. Le barre, posate con eleganza e grinta sulle strofe, aggiungono ritmo e intensità, rendendo ogni notte in riva al mare un quadro suggestivo e romantico, dove sentimento, divertimento ed euforia prendono il sopravvento; un'alchimia irresistibile che seduce e incanta. Ladrone00 riesce a connettersi con il pubblico grazie a testi che parlano di esperienze comuni e universali, facendo sì che ciascun ascolto diventi un momento di riflessione e celebrazione della vita. «Con “Stanotte'” – ha dichiarato - volevo creare un brano che potesse far sentire tutti giovani e spensierati, anche solo per una notte. Volevo che chiunque ascoltasse questa canzone potesse tornare indietro nel tempo, ai momenti più felici della propria giovinezza. La collaborazione con Massimiliano Giorgetti è stata fondamentale per dare vita a questo sound fresco e nostalgico allo stesso tempo. Spero di poter far ballare e sorridere più persone possibili.» In "Stanotte", Ladrone00 riesce a racchiude l'essenza di un'epoca e a trasformarla in una festa senza fine, una glorificazione della giovinezza e della spensieratezza. La sua musica, intrisa di emozioni autentiche e carica di energia, diventa un rifugio sicuro dove il passato incontra il presente e ogni momento si riempie di significato. Con questo nuovo singolo, il cantautore maceratese classe 2004 segna un altro importante passo nella sua carriera artistica, regalando al pubblico una colonna sonora perfetta per le notti dell'estate 2024.

Dopo il successo di "Sangue nelle mani", brano con cui ha catturato l’attenzione di pubblico e critica raccontando la delicata tematica della violenza sulle donne dagli occhi del carnefice, Occhic presenta “Turning Point”, il suo quarto progetto full length; un'opera intensa e riflessiva che attraversa i generi musicali e le tematiche sociali più urgenti. Perfetto seguito dei precedenti lavori in studio "Ribelle", "Nomen Omen" e "Diario dei Pensieri", questo concept-album è un mosaico sonoro che spazia dall'acustico al rock, passando per il cantautorato più classico, l’indie-pop e il latin per giungere al rap, grazie alle collaborazioni con gli artisti Impulso, Haidil e Arel The Beast. Composto da 12 tracce, "Turning Point" affronta tematiche sociali attuali come la crisi geopolitica occidentale, i conflitti internazionali, la violenza di genere e la solitudine. Nonostante gli argomenti complessi, il disco trasmette un messaggio positivo di speranza e cambiamento, invitando il pubblico a porre maggiore attenzione sulla propria interiorità e, di conseguenza, sul mondo circostante, diventando parte attiva di un dialogo e di una trasformazione profondi. Un patchwork melodico di altissimo livello in cui fluisce una varietà di suoni che evidenziano la versatilità di Occhic. Si passa dal pop-rap cupo e drammatico di “Sangue nelle mani” alle sfumature elettroniche di “Dovrei stare calmo”, dal cantautorato di brani come “Inferno Domestico” all'indie-pop di “Invisibili” e “Delusioni”. Il rock potente e commovente dalle ombre dark di “Nessuna Guerra” aggiunge profondità, mentre “Rivoluzione 2.0” mette in contrasto un testo ironico ad una melodia dolce e avvolgente. Infine, l’acoustic dai toni latin di “Sopravvissuti”, utilizza un linguaggio arcaico ma fortemente evocativo, rendendo a tutti gli effetti “Turning Point” un “Punto di Svolta”, un progetto che non solo sottolinea la necessità impellente di discutere e affrontare temi complessi, ma lo fa con una sensibilità e una profondità che lo rendono una delle opere più complete ed eclettiche degli ultimi anni. «Con “Turning Point” – dichiara Occhic - ho voluto mettere in musica argomenti a cui tengo molto, sia come individuo che come artista. Ogni traccia rappresenta un capitolo, una riflessione sulla società e sulle sfide che affrontiamo ogni giorno. Spero che questo album possa essere una fonte di ispirazione e di dialogo, un invito a guardare dentro di noi per trovare la forza di cambiare il mondo che ci circonda. La collaborazione con artisti come Impulso, Haidil e Arel The Beast ha arricchito ulteriormente questo progetto, permettendomi di cimentarmi in nuove sonorità con nuove prospettive. Credo fermamente che la musica abbia il potere di unire e di trasformare, e con “Turning Point” voglio contribuire a questa trasformazione.» Le liriche del disco sono il riflesso dell’abilità autorale di Occhic: versi come «Siamo soli nella nebbia, eppure in mezzo alla folla. Sentiamo un isolamento emotivo, che ci rende tristi e vulnerabili», catturano con empatia e delicatezza il senso di alienazione e solitudine che molti sentono nella società contemporanea. Questo sentimento di isolamento è ulteriormente indagato in “Invisibile”, nel passaggio «Mi sento invisibile, come se non esistessi davvero. Mi sembra che tutti mi guardino, ma nessuno che capisca il mio vero pensiero», in cui l’artista evidenzia la frustrazione e il vuoto interiore di tutti coloro che si sentono trasparenti, incompresi. In “Inferno Domestico”, nel suggestivo verso «Cicatrici nascoste e l’anima che grida: no!», il cantautore sardo dà voce al sentimento di vulnerabilità, insicurezza, paura ed oppressione di una donna all'interno delle proprie mura domestiche, mura che dovrebbero rappresentare un baluardo contro le minacce esterne, un luogo di protezione e sicurezza. Questa dichiarazione, particolarmente struggente, sottolinea come la violenza di genere possa trasformare un luogo intimo e sicuro in un teatro di terrore e pericolo. Occhic non esita a lanciare messaggi di risveglio e cambiamento: frasi-chiave come «La verità ha un suono, svegliatevi!» e «La verità ci porterà alla vittoria», sono un chiaro invito all'azione, esortando gli ascoltatori a non restare passivi di fronte alle ingiustizie e a cercare sempre la verità come guida. Anche il tema della fine dei conflitti internazionali assume un ruolo importante nella narrazione di “Turning Point”: «Mai più battaglie, chiudiamo agli orrori, e apriamoci all'umanità», è un appello alla pace e all'umanità che funge da un fil rouge per l’intero album, mostrando la visione di Occhic per un domani migliore. “Turning Point” è un album che ci insegna ad aprire menti e cuori a noi stessi e agli altri, permettendoci di osservare oltre, al di là del giudizio, dell’inerzia, dell’ingiustizia e di una tolleranza alla violenza che non può più essere concessa. Un manifesto sincero di attualità e necessità di cambiamento, che nell’emblematica frase «Non vergognarti di mostrare il tuo cuore», racchiude il senso di un’era dominata dall’indifferenza, dall’individualismo e da un torpore, da una nebbia sul cuore che ci impedisce di scorgere i reali bisogni, nostri e del prossimo. Un'era in cui l'autenticità, la comprensione e il coraggio di affrontare le verità scomode sono le uniche chiavi per aprirsi ad un futuro più giusto e inclusivo.

Dopo l'emozionante introspezione del suo primo singolo "Io", in cui ha dimostrato che i limiti sono solo nella mente e che, anche in un mondo bianco e nero, si può traslare dall'essere sognatori che non vedono l'orizzonte a fare del cielo la propria casa senza confini, Mocky torna con "Non ci scotta più". In questo brano, il cantautore, attore e regista italiano, noto per le sue web serie come "Odio il Mio Migliore Amico" e il fan film "The Last of Us Forsaken", si ispira alla celebre “Africa” dei Toto per ricreare atmosfere tranquille e spensierate, trasportando l’ascoltatore in una dimensione sonora di libertà e serenità. “Non ci scotta più” nasce in una domenica di aprile, mentre Mocky rifletteva sull'estate e su ciò che rappresenta per lui. L'estate, sin da bambini, è il traguardo più ambito, simbolo di relax, tranquillità e stacco dalla routine. Tuttavia, spesso porta con sé vecchi ricordi e una nostalgia difficile da superare. Con questa canzone, il giovane artista pugliese celebra il superamento di quei ricordi, dichiarando con forza, consapevolezza e maturità che finalmente "non ci scotta più". Prodotto dal talentuoso Saverio Autorino, in arte SaverreO, il brano è un mix perfetto di suoni che richiamano il mare e le vibes estive. Una canzone leggera che accarezza il cuore, perfetta per un ascolto rilassato mentre si è diretti verso il mare. Mocky e SaverreO hanno lavorato insieme per creare un suond che evocasse la sensazione di essere sulla spiaggia, chiudendo gli occhi e lasciandosi trasportare dalle onde sonore. Nel testo, i sentimenti di nostalgia e liberazione, vengono espressi mediante immagini vivide e poetiche. Liriche come «Il sole sulla pelle, una spiaggia di perle, e i tuoi occhi sempre più blu» richiamano momenti di pura bellezza, di quella meraviglia che bussa alla porta dell’anima con l’arrivo della bella stagione. Il ritornello, «E chiudiamo l'ombrellone, tanto non ci scotta più», simboleggia il superamento del passato e l’abbraccio di un nuovo inizio. La canzone si configura così come un piccolo inno alla rinascita e alla gioia di vivere, trasmettendo un messaggio di positività che invita a guardare avanti e a lasciarsi alle spalle i vecchi dolori. «Innamorate sere d'estate, quelle che non finiscono mai, quelle calde un po' come a Dubai», canta Mocky, sottolineando come le esperienze estive, seppur fugaci, siano intrise di magia e intensità. Mocky non si limita a raccontare l'estate come un semplice momento di pausa, ma ne fa l’emblema della rinascita, personale e collettiva. Quegli «occhiali da sole per le anime da sole, che non si cercano più» richiamano, con un’incredibile profondità mascherata da leggerezza, la solitudine che a volte accompagna le nostre vite e come l'estate possa essere un'occasione per riconnettersi con se stessi e con gli altri. «La musica ha troppe sfaccettature per essere descritta in poche righe – dichiara Mocky -. È una delle cose più presenti nella nostra vita, non c’è giornata senza che ascoltiamo musica. Persino il suono del traffico che ci accompagna la mattina a lavoro è musica. Con le mie canzoni, vorrei poter trasmettere me stesso. Durante il lavoro con SaverreO, ho provato a sedermi e chiudere gli occhi finché non riuscivamo a tirare fuori un suono che mi facesse sentire al mare. Quando scrivo una nuova canzone, non penso tanto alla commercialità che potrebbe avere, ma al senso di ciò che sto facendo. Le frasi che scrivo, ogni minima parola, hanno un peso enorme per me. Il mio obiettivo è sempre quello di trasmettere me stesso e poter essere di conforto, sollievo a chi mi ascolta, regalando un’emozione.» Con "Non ci scotta più", Mocky esplora nuovi territori musicali, regalando al pubblico una carezza che profuma di salsedine e di stelle. La sua musica è un rifugio, un luogo in cui le emozioni si trasformano in melodie e parole che toccano il cuore di chi ascolta.... Continua a leggere

L'inventiva e la sensibilità artistica di Andrea Tramacere tornano a sorprendere dopo il successo di “Se Potessi” e “Finalmente”. Con il suo nuovo singolo, “La Felicità” (SL Music Production), il cantautore rodigino ci regala un messaggio di positività e speranza, invitando tutti a riscoprire la gioia nelle piccole cose della vita quotidiana. Fuori dal mainstream, dentro la gioia, Andrea si rivolge al mondo dei "looser", a quel pezzo di mondo senza la patina, a tutti coloro che Paolo Vallesi, negli anni '90, definiva "inutili": persone che non si vedono, non si sentono, ma che esistono e nel loro silenzio fanno rumore. Prodotto e co-scritto da Steve Luchi (già per Articolo 31, J-Ax, Irene Grandi e molti altri) in collaborazione con Andrea Casamento, “La Felicità” è una canzone che si distingue per la sua apparente leggerezza e spensieratezza, ma che in realtà porta con sé un significato profondo. Il brano, nasce da una riflessione di Andrea: vivere al meglio il quotidiano con positività, serenità e un pizzico di ironia. Come afferma lo stesso artista: «Fortunatamente sono una persona felice e vorrei che lo fossero tutti. Certo, la vita non è sempre e solo felicità, ma credo che approcciarsi il più positivamente possibile alle cose belle e a quelle meno belle possa essere un buon presupposto per essere felici. Questa canzone vuole dare un messaggio di positività a tutti, affinché si possa essere felici nonostante le avversità.» Il testo della canzone è uno scrigno di racconti, storie ed immagini suggestive che narrano la gioia di vivere attraverso le difficoltà. Un esempio emblematico è il passaggio «Tutti diversi ma uguali, facciamo gli stessi errori, intrappolati sospesi felici ma solo a metà, siamo creature speciali, voliamo senza le ali, cercando quello che poi abbiamo già». Questi versi, capaci di emozionare sin dal primo ascolto, riflettono l'essenza del messaggio di Andrea, sottolineando come, nonostante le differenze e gli errori, tutti cerchiamo la felicità dimenticandoci che, molto spesso, è già nelle nostre mani. Nel ritornello, l’artista gioca con la parola "spasso" per evidenziare la duplice accezione del termine: «La felicità viene a spasso con me» può infatti significare sia che la felicità lo accompagna, ma anche che la felicità è divertimento e leggerezza, uno spasso che possiamo concederci solo se siamo in grado di coglierlo nella semplicità e nella bellezza del momento presente. Questo gioco di parole rafforza il concetto che tutto è dentro di noi e nessuna emozione può essere ricercata e trovata al di fuori del nostro cuore. Il videoclip ufficiale del brano, diretto da Marco Samiolo, vede Andrea percorrere le strade della città, mentre contagia di energia positiva chiunque incontri con fiori, sorrisi, palloncini e abbracci. Un gesto semplice ma potentissimo che ci ricorda come la gioia sia un qualcosa che si può diffondere e condividere, rendendo il mondo un posto migliore. In una scena musicale sempre più dominata da produzioni elaborate e complesse, "La Felicità" si distingue per la sua semplicità e autenticità. Andrea Tramacere ci invita a guardare oltre le difficoltà quotidiane, a trovare significato e gioia nelle piccole cose e a riscoprire la meraviglia e la gioia che risiedono dentro di noi. Con la sua capacità di intrecciare ironia e profondità, Andrea Tramacere si conferma come uno degli artisti più originali e ispirati del panorama musicale italiano contemporaneo.

L'estro creativo e ribelle di Al Vox torna a sorprendere dopo il successo dell'EP "Canzoni MaledettEducate", nel quale ha esplorato differenti sonorità mantenendo la sua cifra stilistica unica. Con il suo nuovo singolo, "La Canzone Minimale" (PaKo Music Records/Believe Digital), il cantautore ligure mette in discussione le convenzioni della musica pop moderna, proponendo una riflessione audace e ironica sulla natura stessa della canzone. Il brano sfida le aspettative del pubblico e dei critici, regalandoci una composizione volutamente semplice che cela un messaggio profondo e provocatorio, generato da un'idea rivoluzionaria, in perfetto stile Al Vox. "La Canzone Minimale" nasce infatti da una considerazione sorta in seguito ad un’affermazione di Claudio Cecchetto, secondo cui le canzoni, col passare del tempo, sarebbero diventate sempre più brevi. Al Vox ha deciso di sovvertire questa previsione confrontandosi con il paradosso di creare un pezzo che, per sua stessa ammissione, non dovrebbe lasciare un segno indelebile: «È una canzone Minimale, nessun annuncio sul giornale. Non è intelligente, non farà cantare la gente». Attraverso questa traccia, l’artista non solo indaga l'idea di semplicità musicale, ma lancia anche una critica sociale. Il brano diventa un esperimento per capire quanto una melodia apparentemente semplice possa in realtà rimanere impressa nella mente degli ascoltatori. Il testo suggerisce infatti che, in un mondo sempre più distratto dal gossip e dalle questioni banali, la musica minimalista potrebbe passare inosservata, ma non per questo andrebbe reputata meno significativa «perché è minimale». Mediante una serie di incisive metafore, Al Vox trasmette il suo messaggio richiamando l'idea di un ritorno alle origini – come si evince nel passaggio «istinto animale perché primordiale» e nella chiusura, «ma che belle stelle, istinto ancestrale» - dove la semplicità si pone in netto contrasto con la complessità e la superficialità del mondo moderno. Il ritornello, ipnotico e iterativo, crea un effetto di persistenza che sfida l'idea iniziale di non lasciare il segno. «"La Canzone Minimale" – spiega l’artista - è nata come un esperimento. Volevo vedere se una canzone semplice, senza grandi arrangiamenti o pretese, potesse ancora toccare il cuore delle persone. È una critica al menefreghismo e alla superficialità della nostra società, ma è anche un invito a trovare bellezza e significato nelle cose semplici. Spero che, nonostante la sua semplicità, questo brano possa rimanere in testa e aprire qualche occhio, o semplicemente divertire.» Cantautore, attore, regista, polistrumentista e scrittore, Al Vox è dotato di una finezza d’animo di raro riscontro e di una versatilità che gli consentono di spaziare agevolmente dal canto alla recitazione, dalla scrittura alla composizione e dalla fase embrionale di un progetto artistico alla sua completa realizzazione. In un panorama musicale sempre più dominato da produzioni elaborate e complesse, "La Canzone Minimale" si fa spazio come una provocazione elegante e intelligente. Il suo autore ci invita a guardare oltre la superficie, a trovare significato nella semplicità e a riflettere su ciò che davvero rimane impresso nella nostra memoria. Con un’incredibile capacità di stupire e smuovere le menti, mescolando abilmente ironia e profondità, Al Vox si conferma come uno degli artisti più originali, completi, eclettici e stimolanti del panorama musicale italiano contemporaneo.... Continua a leggere

Con "Povero Re" ha rivoluzionato il concetto di empowerment femminile nella musica italiana, dando prova di essere una delle voci più potenti e ribelli della scena contemporanea ed ora, a pochi giorni dall'inizio dell'estate, la cantautrice pistoiese dall’animo cosmopolita Giorgia Giacometti, torna in radio e nei digital store con "Chimera", il suo nuovo singolo che sovverte cliché e convenzioni abbracciando un sound ancora più rock, deciso e sensuale. Prodotto dall’inconfondibile tocco di Jason Rooney e arricchito dalle chitarre di Paco Martucci, "Chimera", registrato al Billa Billa Records di Milano, è un mix esplosivo di elettropop e rock anni '80 su cui si articola una storia di desiderio, inganno e libertà. Giorgia Giacometti, insieme a Giuseppe D’Albenzio e Antonella Sgobio, ha scritto il brano per raccontare l’importanza di vivere senza rimorsi e compromessi, catturando l’anima, il carisma, e l’essenza di una giovane donna che da preda fragile e dipendente, da relazioni tossiche e asimmetriche, diventa libera e audace; una vera e propria “Chimera” inarrivabile che trasforma così il cacciatore in preda. «Non voglio rimorsi, soltanto ricordi, no compromessi», canta Giorgia, ribadendo la sua filosofia di vita, priva di rimpianti e orientata alla piena realizzazione personale. Il messaggio è chiaro: vivere intensamente, assaporando ogni momento e rendendo ogni esperienza un ricordo prezioso. Seguendo la scia di “Povero Re”, ed accentuandone il carattere risoluto e sovversivo, Giorgia afferra con le unghie e con i denti una vita vissuta alle proprie condizioni, convertendo la sensibilità e l’emotività, ancora troppo spesso equiparate a debolezza, in astuzia, coraggio e determinazione, ribadendo così la sua indipendenza e la sua capacità di trasformare i limiti in opportunità per dimostrare il proprio valore. Nella suggestiva metafora della chimera, desiderio e inganno diventano sole e luna di uno stesso cielo, luci ed ombre del medesimo dancefloor, su cui le fragilità di una donna si liberano dalle catene degli stereotipi al ritmo dei propri desideri, sogni ed obiettivi, dissolvendosi nell’illusione di una “Chimera” che il cacciatore non può più possedere. La canzone si apre con una dichiarazione d’intenti che non lascia spazio a malintesi: «Voglio una vita corretta col gin, come Madonna che balla a MTV, con i miei guai nelle tasche dei jeans, mi piace così, ti piace così». Questo esordio, cattura istantaneamente l'attenzione, trasportando l’ascoltatore in una dimensione parallela intrisa di indipendenza e libertà, un mondo in cui Giorgia vive secondo le proprie regole, immune dai giudizi altrui. Nel testo, saturo di sensualità e ricco di eleganti provocazioni, il ritornello «Sono la tua Chimera, voglio che mi guardi nuda, bianca sulla pelle scura, mentre tu mi implori ancora» sottolinea la consapevolezza di sé e il potere di scelta della protagonista, mettendo in luce il suo dominio sulla propria identità e sulle proprie aspirazioni. Un’egemonia che nella frase chiave «Sembri dolce ma sai di caffè», richiama l'immagine di una persona che, pur apparendo tenera, ha una natura forte e intensa, simboleggiando il contrasto tra l’apparenza e la sostanza. «Con “Chimera” – dichiara Giorgia Giacometti - ho voluto trasporre in musica il potere della libertà e dell'autodeterminazione. Con Giuseppe D’Albenzio e Antonella Sgobio, ho cercato di raccontare al meglio la forza interiore di ogni donna, e l’importanza di vivere secondo le proprie regole trasformando le proprie fragilità in punti di forza. In un mondo che spesso ci impone ruoli e aspettative, “Chimera” è un canto di ribellione che celebra la nostra autentica essenza. Spero che questo brano ispiri chi lo ascolta a liberarsi dalle catene degli stereotipi e a vivere con coraggio e determinazione seguendo la propria natura.» Un inno alla libertà individuale, alla forza interiore e alla capacità di autodeterminarsi con cui la cantautrice toscana canta la forza femminile e l'emancipazione, portando avanti una narrazione che incoraggia ciascuno di noi a vivere autenticamente e senza paura. Il videoclip ufficiale che accompagna il brano, diretto da Claudio Zagarini e girato all’Evolution RenTV di Milano, amplifica ulteriormente il messaggio della canzone. In esso, Giorgia interpreta il ruolo della Chimera, una figura sfuggente e potente che incarna il desiderio e la libertà, muovendosi con una sicurezza e una sensualità che lasciano il segno. Con "Chimera", Giorgia Giacometti invita tutti noi a sfidare le aspettative sociali, a vivere senza rimorsi e a prendere il controllo del proprio destino, rappresentando una figura forte, indipendente e inarrestabile.

A metà strada tra la freschezza del pop e le sfumature malinconiche tipiche dell’emo, SAVET torna sulle scene con "Mangiacuore". Il brano, nato da un'idea del cantautore toscano e sviluppato con il producer YVNG NØIZE, offre un'atmosfera immersiva unica, che accarezza l'indie e flirta con le onde emotive dell’elettronica. "Mangiacuore" è un tuffo nei flashback generati dai sentimenti, una canzone che cavalca la tumultuosa montagna russa di emozioni che segue la fine di una relazione. I ricordi, sia dolci che dolorosi, tornano alla mente con vivida intensità: dai giri senza meta all’Ikea alle domeniche passate a sognare insieme, ogni piccolo dettaglio diventa un frammento di una storia ormai conclusa. Con chitarre elettriche e synth a fare da cornice, SAVET ci conduce attraverso questo viaggio emozionale, dove malinconia e rabbia si mescolano in un mix irresistibile che abbraccia il cuore. Nel testo, ricco di metafore evocative come «la calma pugnalata dall'orgoglio» e «bouquet di scuse vuote per me, erano rose per te», viene richiamata l'asimmetria emotiva di una relazione giunta al capolinea. La calma, simbolo di serenità e pace, viene brutalmente interrotta dall'orgoglio, che con la sua lama affilata, distrugge ogni possibilità di riconciliazione. Le scuse, che una volta potevano sembrare sincere e cariche di affetto, si rivelano vuote e prive di significato, lasciando solo un velo di amarezza sull’anima. SAVET descrive "Mangiacuore" come un ultimo viaggio nei ricordi di un rapporto amoroso, un modo per fare il punto su ciò che è stato vissuto, per poi accettare la fine e trovare la forza di guardare avanti. Ogni oggetto legato alla coppia diventa un simbolo di momenti passati: «Lacrime sulla coperta blu cobalto, dal bene al male solo un piccolo salto, strappi i biglietti del nostro primo concerto, siamo due cuori bulletproof allo scoperto». Questi versi, intrisi di nostalgia, rappresentano la transizione dalle memorie felici alla dura realtà della separazione. L'atmosfera energica del brano, arricchita da un retrogusto sad malinconico, riflette perfettamente il tumulto interiore che accompagna la fine di una storia d'amore. SAVET racconta questa esperienza posando la sua voce su un sound, magistralmente curato da YVNG NØIZE, che aggiunge profondità e complessità al pezzo, rendendolo un ascolto avvincente e coinvolgente. «”Mangiacuore” – spiega l’artista – è una canzone molto personale, un cammino nei ricordi e nelle emozioni di una relazione finita. Ho voluto catturare l'essenza di quei momenti, sia positivi che negativi, per poter prendere consapevolezza della fine e guardare oltre. È un brano che parla di amore, di perdita, di crescita e di accettazione.» SAVET, al secolo Salvatore Tannura, è un cantautore nato nel 1998 a Pisa, con radici siciliane e francesi. La sua passione per la musica si sviluppa sin dalla giovane età, portandolo a studiare con esperti del settore e a collaborare con vari arrangiatori e produttori. Nel corso della sua carriera, ha aperto concerti per artisti come Ron e partecipato a numerosi concorsi, ottenendo riconoscimenti a livello locale e nazionale. Nel 2018, raggiunge i 70 finalisti nazionali di Area Sanremo con il brano "Manicomio in Festa". Nel 2022, vince il Pride Contest e si esibisce al Toscana Pride di Livorno davanti a circa 30.000 persone. La sua discografia include brani come "Per Conquistare Marte", "Tornadi Sfocati" e "LIVIDI", che hanno contribuito a definire il suo stile unico, un mix di pop, indie ed influenze elettro-emo. Con "Mangiacuore", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Daniele Dell'aversana, SAVET continua a sondare nuovi territori musicali, regalando al pubblico canzoni che accarezzano il cuore ed evidenziano la sua continua crescita artistica. Il progetto di SAVET è in costante evoluzione, sempre alla ricerca di nuove sonorità e modi per esprimere le sue emozioni più autentiche.... Continua a leggere

Dopo aver dominato le classifiche radiofoniche indipendenti per tutta la primavera con "La Voglia Che Mi Fai", il duo di fratelli forlivese Ferrinis si prepara a fare l'en plein con "Forte!", il nuovo singolo che promette di diventare una vera e propria hit per l’estate 2024. Scritta e composta dagli stessi Ferrinis, “Forte!” è una ballad dal ritmo audace ed energico, che mescola abilmente sonorità dembow ispirate ai colori della Repubblica Dominicana con una narrazione travolgente di passione e attrazione; il perfetto mix per far ballare e divertire il pubblico durante le serate più calde dell’anno. Un sound esplosivo e provocante, su cui si riversano sensuali liriche di desiderio per raccontare la connessione fisica ed emotiva che cattura l'essenza di un flirt estivo. Con "Forte!", i Ferrinis vogliono trasmettere vibes di energia positiva per poter abbracciare pienamente la leggerezza e i battiti del cuore che scandiscono il ritmo delle feste in spiaggia e delle notti in riva al mare, rendendole ancora più magiche, elettrizzanti ed indimenticabili. Il singolo esce a pochi mesi di distanza dal loro primo omonimo album "Ferrinis" e sarà incluso come seconda traccia nella versione deluxe del disco. Per Maicol e Mattia, "Forte!" rappresenta una dinamica svolta nel loro repertorio: con un ritmo deciso e appassionato che richiama i suoni d’Oltreoceano affondando le radici nel cuore dell’America Centrale, il brano enfatizza l'intensità e la potenza di un sentimento impetuoso nato «tra l'illusione e l'inganno», creando un'atmosfera contagiosa che incita a ballare e a lasciarsi andare, gettando a terra le catene dello stress per abbandonarsi completamente a quelle metaforiche del cuore. Il tema delle "catene" viene abilmente catturato dai due artisti nel verso «catene, catene, non quelle che indossi al collo, ma invece le hai strette intorno a me», che mette in luce l'ambiguità e il timore di un coinvolgimento inatteso all’interno di una relazione che infiamma e che lascia «i segni addosso in modo indelebile», come un’insolazione imprevista sotto l’ombrellone e spessi strati crema solare. Catene che spaventano, ma che possono renderci liberi, liberi di amare e di essere davvero noi stessi, come in «un privé con porte blindate» arredato per due che nel passaggio «tu che non volevi legarti, ma poi hai legato me e con le tue catene stringi sempre più», esprime perfettamente la forza dell'attrazione e la difficoltà di resistere ad un amore travolgente. La ripetizione ritmica e la crescente intensità della melodia di “Forte!”, lo rendono un vero e proprio inno alla passione che esorta gli ascoltatori a farsi trasportare dalla musica e dalle emozioni. «Abbiamo scritto questo brano – dichiarano i Ferrinis - pensando alle notti d'estate, quando l'energia è palpabile e l’apertura a nuovi sentimenti si fa più intensa. Vogliamo che chiunque ascolti il pezzo senta quella carica di adrenalina e gioia che abbiamo provato noi in studio. È una canzone che parla di passione e di connessione, perfetta per ballare, divertirsi e amare.» Con una produzione curata nei minimi dettagli che riflette l'abilità dei Ferrinis di creare brani energici e al contempo emozionalmente risonanti, questo singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale girato tra gli incantevoli scenari delle Cinque Terre e diretto da Alessandro Murdaca, è destinato a diventare la colonna sonora dell’estate 2024, capace di accendere le notti e far ballare il pubblico fino all'alba.

Dopo il caloroso riscontro ottenuto con "Finirò per crederci" e "Voglio Viverla Perché", Vincenzo Baiata torna a far parlare di sé con una nuova versione del suo ultimo successo. "Voglio Viverla Perché - DJ Aniceto RMX" arriva per accendere l'estate con una carica di energia e passione, grazie ad un remix che rivoluziona e impreziosisce uno dei brani più toccanti e suggestivi della discografia di Baiata. La collaborazione tra il cantautore siciliano e il noto Dj e personaggio televisivo non rappresenta solo l’incontro tra due artisti straordinari, ma un vero e proprio dialogo creativo che trasforma il brano originale in un’irresistibile hit per le piste da ballo italiane. DJ Aniceto, ampiamente riconosciuto per il suo impegno sociale e per la sua lotta contro le dipendenze, porta all’interno della traccia la sua visione unica, amplificandone il messaggio con ritmi accattivanti ed un sound che cattura e rimane impresso nella mente sin dal primo ascolto. «Questa canzone – spiega Baiata - nasce da una profonda riflessione sulla vita, sulla necessità di viverla pienamente, senza lasciarsi condizionare dalla negatività altrui. Con questo remix, io e DJ Aniceto, vogliamo spingere ancora di più il messaggio, invitando tutti a celebrare ogni istante senza riserve.» La direzione artistica di Massimo Galfano e gli arrangiamenti del Maestro Giuseppe Denaro hanno contribuito a creare un suono che è al tempo stesso moderno e rispettoso della versione originale. Il testo del brano, con la frase-mantra «Voglio viverla così, voglio esserci perché», esprime il desiderio di immersione totale nell'esperienza della vita, invitando gli ascoltatori a scacciare le incertezze e ad assaporare il presente con genuina autenticità, una chiamata a non perdere le opportunità che ogni istante ci offre. «Sono entusiasta del lavoro svolto e non vedo l'ora che il pubblico possa ascoltare questa nuova versione», conclude Baiata, anticipando un'estate ricca di appuntamenti live, dove presenterà il remix insieme ad altri successi del suo repertorio. Il remix di "Voglio Viverla Perché", accompagnato dal suggestivo visual video ufficiale, promette di essere la colonna sonora ideale per chi desidera vivere la vita nel momento presente, combinando il talento lirico di Vincenzo Baiata e l'energia inconfondibile di DJ Aniceto. Una traccia che incoraggia tutti noi a danzare senza riserve sul dancefloor dell’esistenza, trasformando ogni istante in un irripetibile momento da vivere con positività e gratitudine.

Con l’estate alle porte e le giornate che si fanno sempre più calde, Masterman MC torna a sorprendere con "Inverno" (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo in feat. con MeL che sfida le aspettative stagionali, guidandoci in un Old School senza tempo che attraversa le fredde sensazioni post rottura amorosa. Prodotto da Dr.Gui della crew A Maronna Records, "Inverno" è un'esperienza di introspezione e rinascita tradotta in barre e sonorità dal forte richiamo anni '90-'00, che farà istantaneamente battere il cuore ed evocherà i ricordi degli appassionati del rap vecchia scuola. «Il cuore batte a tempo, dentro sento un vuoto orrendo», canta Masterman MC in un ritornello che, con la partecipazione di MeL, diventa il collante perfetto di un pezzo che parla di dolore, ma anche di speranza e riscatto. "Inverno" racconta con sincerità le sofferenze provate dopo la fine di una storia d'amore, e la voglia di scrollarsi di dosso il passato per ritornare a vivere appieno. Il testo, interamente scritto dall’artista casertano, è una narrazione intensa e incisiva delle battaglie interiori che seguono un addio. Nelle suggestive immagini espresse in liriche come «E resti una chimera che viene a visitarmi in sogno, dandomi linfa per riempire d'inchiostro il foglio», Masterman MC ci fa entrare nel suo mondo, un mondo in cui l’arte diventa il principale mezzo di guarigione e di espressione. Le sue rime graffianti si trasformano nella cronistoria di emozioni crude e profonde, offrendo agli ascoltatori un ritratto onesto delle sue esperienze personali. La collaborazione con MeL, impreziosisce il brano con un tocco di eleganza e sentimento: la sua voce, calda e delicata, non solo enfatizza il messaggio del pezzo, ma crea una connessione emotiva che unisce tutti coloro che hanno vissuto il dolore di una separazione. «Scalda questo inverno», ripete MeL con dolce insistenza, convertendo il freddo interiore nel fuoco della speranza e del desiderio di rinascere dalle ceneri di un rapporto ridotto in polvere. Perché nonostante il tormento, dall’”Inverno” del cuore si può riemergere con la determinazione di voltare pagina per abbracciare nuove ispirazioni, come magistralmente evincibile dal verso «le cicatrici sono chiuse e la vita va avanti sai, arriveranno altre muse a riaccendere sti focolai». «Con “Inverno” – dichiara Masterman MC - ho voluto sfogare le emozioni che si provano dopo la fine di una relazione. È un brano che parla di dolore, ma anche di speranza e rinascita. Spero che chi lo ascolta possa trovare conforto nelle mie parole e nella mia musica, e che possa sentirsi meno solo nelle proprie battaglie interiori. La collaborazione con MeL ha aggiunto una dimensione emotiva in più al pezzo, e sono grato a Dr.Gui per aver creato una produzione che rispecchia perfettamente l'essenza del brano.» Un inno alla capacità umana di superare il dolore e trovare forza nelle avversità, che nella frase conclusiva «E penso basta. È tempo di risorgere adesso», lascia un messaggio chiaro che dalle orecchie arriva dritto all’anima: il momento della rinascita è ora, e ognuno ha il potere di trasformare le proprie ferite in punti di forza. Masterman MC riesce a costruire un ponte tra il passato e il futuro, tra le cicatrici invisibili e la speranza tangibile di nuovi inizi, confermando ancora una volta il suo talento nell'utilizzare la musica come strumento di narrazione e guarigione.

In sole due settimane dall’uscita su TikTok ha collezionato oltre 400 creazioni e 6 milioni di visualizzazioni, ed ora “Nuit” (Daylite /ADA Music Italy/Warner Music Italy), il nuovo singolo del giovane trapper torinese Claro, approda su tutte le piattaforme digitali. Grazie alla spinta della creator Alice Mordenti, il brano è già diventato un fenomeno virale sui social, e promette di essere il suono dell’estate 2024. Prodotto dal sapiente tocco di Siccome e scritto dallo stesso Claro, "Nuit" prende forma da un contesto buio, dove nel cuore della notte affiorano pensieri, dubbi, rimorsi e paranoie. La traccia è incorniciata da un tono allegro e spensierato che maschera abilmente questi sentimenti, rispecchiando esperienze e situazioni comuni a molte persone. Un racconto di vita tra sentimento e successo, la storia di un ragazzo di provincia che si trova dinanzi al bivio tra fama e amore: cresciuto in un ambiente di invidia e rivalità, il protagonista della narrazione cerca di realizzare il sogno nascosto nella sua cameretta, affrontando le sfide e le contraddizioni del suo percorso. Il brano invita a credere in se stessi e nei propri desideri, utilizzando tutto ciò che ci rende infelici come una corda per raggiungere l'obiettivo, come si evince dal verso-chiave del pezzo, «Credi sempre in te stesso e nei tuoi sogni, prendi tutto ciò che ti rende infelice e usalo come corda per raggiungere il tuo obiettivo. Prendi la Nuit, elabora i pensieri, sentimenti e paranoie, finché non svanisce tutto quando arriva la luce». Il testo di "Nuit" è ricco di fotogrammi che immortalano l'essenza delle notti insonni e dei pensieri che martellano mente e cuore. Claro dà ritmo ed espressione alla lotta interiore che sente dentro sé e all'urgenza di esternare i propri sentimenti, anche quando la voce è soffocata dal dolore. L’artista affronta le sue paure e le sue insicurezze con sincerità, come evidenziato nella lirica «il tuo nome rimbomba in testa, scrivo di notte ti prego basta». Nell’immaginario comune, in cui la notte è spesso sinonimo di solitudine e riflessione, l’artista trova il modo di trasformare le sue esperienze in un messaggio che arriva dritto e diretto agli ascoltatori sin dal primo play. «"Nuit" – dichiara - è un viaggio attraverso i pensieri e le emozioni che affiorano nella notte. Volevo catturare e dare forma, voce e suono a quella sensazione di essere intrappolato tra sogno e realtà, tra paura e speranza. Spero che questo brano possa aiutare le persone a sentire che non sono sole nelle loro battaglie interiori e che c'è sempre una luce alla fine del tunnel.» Con "Nuit", Claro dimostra ancora una volta la sua capacità di mescolare percezioni e realtà, regalando al pubblico un singolo che tocca le più profonde corde di chiunque abbia affrontato notti insonni e demoni personali. La sua abilità nel trasformare esperienze intime in musica lo rende una delle voci più autentiche e distintive della scena urban contemporanea.... Continua a leggere

Nikita, all'anagrafe Nikita Pelizon, modella, influencer, pittrice e personaggio televisivo celebre per la sua vittoria alla settima edizione del Grande Fratello VIP, pubblica "UNIKA", il suo nuovo singolo. Reduce dal successo di “Mojito” e della sua prima mostra "Oltre il Velo della Celebrità" curata da Divulgarti, durante la quale ha presentato le sue opere che fondono pop art e collage, riflettendo sulla vita e sull'esistenzialismo, Nikita continua a dar prova del suo eclettismo con nuove forme di espressione artistica attraverso un ritratto musicale destinato a dominare l’estate italiana. "UNIKA", scritto dalla stessa artista triestina nel 2020 e prodotto da Mignani Sajeevan, Lush, Gjuse, Guidi Mauro, Ivano Colombi e Cristian Rocco, è un inno per le donne di oggi in chiave pop-latin ironico e sensuale, un brano che celebra la forza e l’unicità femminile in un mondo sempre più complesso e digitalizzato. Con un testo incisivo e un ritmo coinvolgente, la canzone intende dare voce a tutte quelle persone che si sentono sopraffatte dalle aspettative sociali e mediatiche, offrendo un messaggio di incoraggiamento e riscatto. Temi come l’autenticità, il superamento dell’insicurezza e il risveglio personale, molto cari e vicini all’artista, vengono espressi nel brano con un’apparente leggerezza che nasconde in realtà una profonda riflessione, rendendo “UNIKA” una traccia stratificata, che presenta diversi livelli di significato che si svelano ascolto dopo ascolto. Nel testo, Nikita descrive l'impatto dei feed infiniti e delle fake news, mettendo in luce il loro potere sulla nostra percezione di noi stessi e del mondo. Il ritornello, «Tu ti senti guilty e non ti senti sicura, ma la verità è che sei unica», sottolinea come le pressioni esterne possano plasmare la nostra vita, facendoci sentire insicuri e colpevoli, ma ci ricorda anche che, nonostante tutto, ognuno di noi è unico con le proprie peculiarità, le proprie fragilità ed i propri punti di forza. Questo messaggio di empowerment e di sincerità è il cuore pulsante di "UNIKA", che riflette l'importanza di riscoprire la propria essenza in una società dominata dall'apparenza e dalla superficialità. «Ho sempre creduto nell'importanza di esprimere se stessi in tutte le forme possibili – dichiara Nikita -. Con “UNIKA”, ho voluto raccontare la mia visione del mondo digitale e dell'identità personale. Spero che questa canzone possa aiutare le persone a ritrovare loro stessi e la propria unicità in mezzo al caos dei social media.» Nikita parla direttamente all'ascoltatore, combinando la spensieratezza del sound all’introspezione delle liriche, utilizzando così la sua musica come strumento per affrontare le sfide e le difficoltà contemporanee e riconfermando il suo impegno nel promuovere valori positivi attraverso l'arte. La realizzazione del singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da TastyTargetFilms, è stata supportata dalla collaborazione con Calzedonia, main partner del progetto. Il supporto di Calzedonia ha permesso a Nikita di trasformare la sua visione artistica in realtà, offrendo un amplificatore della sua creatività e del suo messaggio di emancipazione, grazie ad un brand che è da sempre al fianco delle donne e al passo con i loro obiettivi e le loro esigenze. L’accezione racchiusa in "UNIKA" è particolarmente rilevante in un'epoca in cui l'immagine e l'apparenza giocano un ruolo predominante nelle nostre vite. La canzone esorta gli ascoltatori a riflettere sulla propria autenticità e a celebrare la loro unicità, nonostante le pressioni e le aspettative che sempre più spesso guidano e soffocano la società moderna. Un invito a riscoprire se stessi, incoraggiando un ritorno alla genuinità in un mondo dominato dalle apparenze.

A poco più di due mesi dalla malinconia sognante di “555”, VENTU torna a conquistare il panorama musicale con "MIA (Wallace)", il suo nuovo singolo. Una narrazione oscura e affascinante, ispirata all'iconica figura di Mia Wallace, interpretata da Uma Thurman nel capolavoro di Quentin Tarantino, Pulp Fiction. Questo brano porta con sé un'atmosfera intensa, quasi ancestrale, dove l’energia elettrizzante del rock che caratterizza le release di VENTU sin dagli esordi, si intreccia con sfumature pop-elettroniche ed un testo fortemente evocativo, trascinando l'ascoltatore in un vortice di emozioni accese e contrastanti. L'incontro tra due anime spezzate, immerse in un mondo dominato dal nero, sia nell'abbigliamento che nei cuori di chi lo abita, cuori che elargiscono amore con il contagocce e si perdono in notti dove sogno e realtà hanno lo stesso riflesso, in un gioco di specchi tra il sé e l'altro; questa la genesi del brano, come lo stesso VENTU ha dichiarato: «È notte fonda, e per la prima volta ritorno in un club dopo mesi. Entro, vado al bancone e mi volto verso la pista. Vedo lei, ma non sono il solo a guardarla, anzi, non c'è nessuno che non la guardi. Capelli rossi di fuoco, occhi color catrame. Chiunque sta sognando di averla, ma con scarsi risultati. Balla per se stessa ed è interamente vestita di nero, vorrà confondersi con il suo io interiore, penso. Qualcosa mi incuriosisce, e dopo averla osservata attentamente mi rendo conto di conoscerla da tutta la vita... Era la mia, Mia Wallace.» La misteriosa complice dai capelli di fuoco e gli occhi color catrame diventa la musa di una danza tra ombre e luci, al ritmo incalzante di chitarre elettriche suonate con impeccabile maestria e arrangiate dall’abilità dei compositori Max Elias Kleinschmidt e Chazz Shirley. Il testo di "MIA (Wallace)" si dispiega come una lampo nel buio più profondo, un affresco di immagini scattate dalle pulsazioni che si intensificano ad ogni battito, dipingendo un quadro di passione che colpisce dritto al cuore. Quella descritta nel brano è una figura enigmatica e affascinante, un "angelo caduto" che danza fino all’alba, sotto mille sguardi destinati al rifiuto. Nella ripetizione ossessiva del nome "Mia Wallace", VENTU, con la sua voce graffiata che si insinua nelle pieghe dell’anima sin dal primo ascolto, enfatizza l'importanza e la centralità di questo personaggio, una donna decisa e risoluta, che sa ciò che desidera, ma soprattutto ciò che non vuole. In quel nero che cela con la sua fine eleganza il fardello di un Io che teme di mostrarsi, si fa spazio il tentativo di entrambi i protagonisti di trovare se stessi in una contemporaneità piena di illusioni e inganni. L'abbigliamento diventa l’emblematica metafora della loro ricerca interiore, un modo per affrontare e comprendere la propria identità. «"MIA (Wallace) – prosegue l’artista, concludendo -, è una canzone molto personale per me. Ho voluto catturare l'essenza di quell'incontro magico e trasformarlo in musica. È un brano che parla di amore, di desiderio, di ricerca di sé, di tematiche senza tempo ed epoche riversate su sonorità che spero possano accarezzare e travolgere i sensi di chi ascolta.» Con "MIA (Wallace)", VENTU dà voce ad un mondo in cui il rock puro, vigoroso e potente, sa fondersi con la delicatezza leggera del pop, proprio come le anime degli innamorati, delle persone che si sentono perse finché non si ritrovano l'una negli occhi e nel cuore dell’altra. Questo brano non è semplicemente un altro singolo, un tassello aggiunto ad un collage musicale, ma una dichiarazione d'intenti, una finestra aperta sull'oscurità e la passione che abitano l'animo umano, capace di coinvolgere profondamente e lasciare un segno indelebile.... Continua a leggere

I 3nema tornano a sorprendere con "Destiny", il loro nuovo singolo che celebra la resilienza e l'importanza di non arrendersi mai. Questo pezzo, scritto e composto dalla stessa band gardesana, rappresenta un importante appello per ogni ascoltatore: non smettere mai di lottare per tracciare il proprio destino. Il brano trae ispirazione dalla celebre poesia del viandante di Antonio Machado, “Caminante, no hay camino”: questa poesia, che ha profondamente influenzato i 3nema, è diventata una sorta di manifesto per la band, una guida nella loro vita e nella loro carriera. «Scrivendo il testo, ci siamo ispirati al discorso di Machado – raccontano - . Ognuno di noi deve dar forma al proprio destino: “Viandante, non esiste sentiero, il sentiero si fa camminando". Sì, il destino si fa camminando, costruendo il proprio futuro passo dopo passo.» Il testo di "Destiny" è un mosaico musicale di speranza e determinazione su cui si staglia il disegno di un domani frutto dei propri sogni, un domani figlio dei pensieri e delle azioni di oggi. «I want to be free, this love can save me, this is reality, your hand can take it, and this is your destiny» («Voglio essere libero, questo amore può salvarmi, questa è la realtà, la tua mano può prenderlo, e questo è il tuo destino») cantano i 3nema, incitando il pubblico a credere nella propria capacità di cambiare la realtà. Un richiamo alla libertà personale e alla forza interiore, valori che i tre artisti lombardi hanno sempre sostenuto attraverso la loro musica. Musicalmente, "Destiny" combina la melodia avvolgente tipica del rock con una produzione intensa e coinvolgente. Ogni nota e ogni parola sono pensate per risuonare nel cuore degli ascoltatori, guidandoli a riflettere sulla loro capacità di plasmare il proprio destino. «Your destiny, don't you stop, you can do it, let's groove together, and feel better» («Il tuo destino, non fermarti, puoi farcela, balliamo insieme e sentiamoci meglio») recita un altro passaggio chiave del brano, esortando a non fermarsi mai e a trovare conforto nella musica e nella condivisione. «Questa canzone – prosegue la band, concludendo - parla della nostra filosofia di vita. Vogliamo che le persone capiscano che il destino non è qualcosa di predeterminato, ma qualcosa che si costruisce giorno per giorno, con coraggio e determinazione. Con questa traccia, speriamo di poter ispirare chi la ascolta a non arrendersi mai e a credere sempre nelle proprie potenzialità.» "Destiny" non è solo un titolo, ma un vero e proprio incoraggiamento a coltivare le proprie ambizioni e la propria autodeterminazione, un promemoria sul potere personale di plasmare un destino che non è predeterminato, ma costruito ad ogni singolo passo. Questo brano ci guida alla scoperta delle nostre capacità, invitandoci a perseverare nonostante le difficoltà e a prendere in mano le redini del nostro futuro, trasformando i sogni in realtà attraverso tenacia, costanza, impegno e fiducia. Con questa release, capace di lasciare il segno sin dal primo ascolto, i 3nema si riconfermano una delle band più innovative e coinvolgenti della scena musicale italiana, in grado di unire melodia, testo e filosofia in un'unica, indimenticabile esperienza musicale.

«Vorrei essere una farfalla che vola libera, trasportata dal vento»: con questa lirica ambivalente, che evoca al contempo caducità e libertà, la giovane cantante catanese Laura Sorbello debutta nei digital store con "Perdersi Dentro", il suo primo singolo con cui affronta il dolore causato dalla perdita di un genitore e la lotta interiore per ritrovare se stessi. Frutto di un profondo lavoro introspettivo e della sinergia artistica con il suo staff discografico, il brano nasce da una conversazione con il suo manager e vocal coach, Massimo Galfano, il quale, ispirato dal toccante racconto di Laura, ha saputo trasformare le sue parole in un testo ricco di emozioni, sincerità e ricordi. La composizione è stata poi elevata dalle melodiche composizioni del Maestro Giuseppe Denaro, che ha arricchito la narrazione con la sua esperta sensibilità musicale. Un viaggio intimo e commovente nella vita di un adolescente che si confronta con uno dei dolori più grandi e trasformatori: la perdita del padre. Nato come un’autobiografia musicale, “Perdersi Dentro” è una finestra aperta e sincera sulle emozioni e sulle esperienze che hanno segnato la crescita e lo sviluppo artistico di Laura Sorbello, riflettendo su come tali eventi abbiano plasmato non solo la sua musica, ma anche la sua identità, il suo essere nel mondo. La solitudine e il turbamento interiore dell’artista fluiscono nel testo con versi come «E mi sento vittima di una finta verità»; questa frase, carica di disillusione, evidenzia la lotta contro le false narrazioni che spesso si costruiscono intorno al dolore personale. Un’immersione delicata e rispettosa in un cuore spezzato, un cuore che cerca di riconciliarsi con la realtà di una perdita irrimediabile e le conseguenze che questa ha lasciato nel tessuto della vita quotidiana. Un promemoria su quanto, le ferite invisibili, siano spesso le più difficili da guarire, un memorandum che guida l'ascoltatore a riflettere sulla complessità del superamento del lutto e sulla resilienza necessaria per andare avanti. E nella strofa conclusiva, «Perdersi dentro questo mare immenso, solo questo ha senso. Perdersi dentro, perdermi dentro, perdetevi dentro», l’artista utilizza la metafora del mare per rappresentare l'immensità del suo dolore e della sua ricerca interiore, invitando chiunque ascolti a non sfuggire al dolore, bensì ad accoglierlo, accettarlo, interiorizzarlo e convertirlo in luce, in piccole grandi onde che, con il loro moto, paziente e continuativo, scalfiscono e modellano anche le rocce più granitiche, rinnovando anche le realtà più inamovibili. Oltre al dolore, "Perdersi Dentro" si fa portavoce anche di un messaggio di forza e speranza. Laura Sorbello canta della sua decisione di resistere a chi tenta di deviarla dal suo percorso o di limitarla, come spiega lei stessa: «”Perdersi Dentro” vuole trasmettere anche un input positivo per dire no a chi tenta di farti smarrire la strada e a chi vuole tarparti le ali. È un inno alla forza interiore, un incoraggiamento a mantenere il proprio corso nonostante le avversità. Attraverso questo brano, voglio ispirare gli altri a trovare la loro voce, a riconoscere e rifiutare le influenze negative. È un promemoria che, nonostante le difficoltà, possiamo emergere più forti, più saggi e più veri a noi stessi.» L’artista sottolinea l'importanza di rimanere fedeli a se stessi, di resistere agli ostacoli esterni e di non permettere a nessuno di diminuire il proprio valore o potenziale, ringraziando al tempo stesso tutti coloro che ci hanno sostenuti, e soprattutto noi stessi, la nostra forza ed anche le nostre fragilità: «Un ringraziamento speciale va a mia madre Bianca – conclude -, che non solo ha saputo trasmettermi forza, determinazione e coraggio nell'affrontare tutto, ma che continua a sostenermi essendo la mia prima fan. Ringrazio inoltre tutto il team di Eventi e Management Italia, la sua scuola di canto The Vocal Music School, il mio manager Massimo Galfano e il maestro Giuseppe Denaro per il loro supporto e per aver saputo trattare un argomento così delicato e intimo.» Nata a Catania il 30 marzo 2009, Laura Sorbello ha iniziato a mostrare il suo talento musicale già in tenera età. La sua storia dimostra come la musica possa essere un rifugio, ma anche uno strumento di espressione e guarigione. Con "Perdersi Dentro", fa il suo audace ingresso nel mondo della musica, ponendosi anche come voce di una generazione che, nonostante le sfide, cerca di trovare la speranza, la luce e la forza necessaria per raggiungere i propri obiettivi.... Continua a leggere

Dopo aver catturato l’attenzione del pubblico lo scorso anno con il profondo quesito esistenziale espresso nel singolo "La Verità (fa male?)", il cantautore pugliese Pietro TheWhite torna sulle scene con un nuovo, toccante progetto musicale, "Vivere la Vita". Il brano, che ha tutte le carte in regola per diventare un vero e proprio manifesto per la sua generazione, quella degli attuali 30enni, si estende ben oltre il concetto di canzone, abbracciando un'esperienza personale e al tempo stesso condivisibile da molti giovani adulti italiani, che nasce dal cuore dell’artista durante un periodo di transizione cruciale, come lui stesso racconta: «Sentivo il bisogno di esternare le angosce e le ansie che noi trentenni viviamo quotidianamente, causate dal divario generazionale tra noi e i nostri genitori. Loro, a 20-25 anni avevano lavoro, casa, famiglia, mentre noi, a 30 anni, bè…Ci troviamo ancora a finire l'ennesima tesi, l’ennesimo master, le abilitazioni, i corsi di formazione…» Una disconnessione egregiamente espressa nel testo del pezzo, in cui Pietro fa fluire l’angoscia e la pressione sociale con una sincerità disarmante. Sin dal verso d’apertura, «Giornata depressa, l’autunno che avanza, il mare lo lascio lì, dalla finestra un cane che abbaia, un vento di tramontana», l’artista pugliese dipinge tra note e pause un quadro vivido della quotidianità e della lotta interiore di tanti giovani italiani che si trovano all’impasse, sospesi tra promesse infrante, sogni e aspettative disilluse, che nella seconda strofa, «mesi stressanti, la Merla di inverno, voglio uscire da questo inferno. Siamo precari, questa è la vita. Ma quando una famiglia??», si fanno strada con ulteriore crudezza, diventando lo specchio di una generazione funambola, alla continua ricerca di stabilità in un contesto sempre più incerto. Ma nel brano c’è spazio anche per la speranza e per una leggerezza necessaria: la canzone si sviluppa infatti in un crescendo emotivo che invita l'ascoltatore a vivere la vita autenticamente, senza lasciarsi influenzare dai giudizi esterni: «Vivere la vita solo come vuoi tu, Bésame fuerte no importa qué sexo eres. Noi siamo qui solo per vivere la vita, Vivere la vita solo come vuoi tu.» Queste parole sono un appello alla riscoperta del proprio "io" interiore, a vivere senza maschere e senza paura. Pietro TheWhite ci ricorda che la vita è un viaggio unico e irripetibile, e che dobbiamo assaporare ogni momento con autenticità e gioia. È una chiamata a liberarsi dalle catene delle aspettative altrui e a trovare la propria strada, seguendo i propri desideri e passioni, sottolineando l'importanza di rimanere fedeli a se stessi in un mondo che spesso cerca di imporre ruoli e comportamenti predefiniti. «Quante volte a causa delle pressioni sociali non ci siamo sentiti all'altezza di fare ciò che davvero ci piace? – prosegue Pietro, concludendo -. Bisogna imparare a credere che anche nei momenti bui è possibile trovare la forza per rialzarci, senza venire influenzati dai pettegolezzi della gente.» Dopo aver iniziato il suo percorso artistico nel 2015 presso la scuola di canto Cantarte a Padova, Pietro TheWhite, all’anagrafe Pietro Labianca, non si è più fermato. Ha affinato la sua tecnica vocale presso la scuola Mozart di Foggia, ottenendo riconoscimenti e diplomi di merito e pubblicando i suoi primi brani inediti. Il singolo d’esordio, "Mani", rilasciato nel 2018, ha segnato il primo passo di una carriera promettente. Nel corso degli anni, Pietro ha pubblicato diversi brani, partecipato a vari concorsi e collaborato con rinomati maestri e istituzioni musicali. La sua passione per la musica è evidente non solo nelle sue release, ma anche nelle sue parole: «Nel canto ritrovo me stesso, canto non solo per me, ma per trasmettere agli altri le emozioni che riesco a provare, nonostante questa mia passione mi sia sempre stata negata, proprio per via delle aspettative, dei miei e della società.» Con "Vivere la Vita", Pietro TheWhite ci invita ad unirci a lui in questo viaggio di scoperta e autoaffermazione. Questo brano è una celebrazione dell'individualità e della libertà personale che ci esorta a vivere pienamente, con serenità e senza rimpianti. Un messaggio di speranza, coraggio e resilienza per chiunque si senta intrappolato dalle aspettative altrui che ci ricorda che, vivere la vita a modo proprio, è un diritto di tutti.... Continua a leggere

Nella scena italiana contemporanea, pochi artisti riescono a coniugare impatto emotivo e messaggi di portata sociale come Valy. Il suo nuovo singolo, "Prendimi o Perditi", prodotto dall’esperienza e dall’abilità creativa di Alessio Bernabei, è un vero e proprio grido di ribellione contro gli stereotipi di genere in chiave pop, una dichiarazione di indipendenza e libertà personale che strizza l’occhio all’estate rimanendo fedele alla mission della sua autrice. Con la sua vocalità distintiva che ha polarizzato l'attenzione dei media e del pubblico, affascinando tutti nelle sue collaborazioni con artisti del calibro di Mondo Marcio e nelle sue iconiche precedenti release, ed un sound fresco e vivace in cui si fondono energia e introspezione, Valy ci regala un biglietto di sola andata verso un mondo privo di etichette e aspettative: «Mi hanno insegnato ad esser fragile non troppo abile» canta l’artista classe ‘93, sfidando le norme che molto spesso limitano e confinano, specialmente le donne, nel loro percorso di crescita e auto-accettazione. Il ritornello del brano è un vero inno alla liberazione dalle pressioni e dai giudizi che ancora oggi, troppo spesso, mirano a soffocare ed opprimere pensieri e aspirazioni individuali: «Mi è sempre stato detto "stai al tuo posto", ho fatto l'esatto opposto (…) ma sono fiera di chi sono». Queste parole invitano ad assumere il controllo della propria vita senza timori, spronando chiunque abbia mai vestito ruoli non propri a cambiare le cose. Un catalizzatore di cambiamento che incoraggia un clima di inclusività e comprensione confermando il ruolo di Valy come portavoce di una generazione pronta a fronteggiare le impalpabili ma fitte barriere sociali frutto di mediocrità e grettezza, dimostrando che la vera forza risiede nel coraggio di essere se stessi e nella volontà di trasformare la propria storia con audacia e determinazione. «"Prendimi o perditi” - dichiara Valy - sfida gli stereotipi di genere, perché ognuno di noi merita amore e rispetto per chi è davvero. Inseguire gli standard di una società malata, che ci vuole stanchi e distratti, non ci fa bene e non fa altro che renderci infelici, insicuri, insoddisfatti delle nostre vite, delle nostre scelte, e di ciò che siamo nel profondo. Con questo brano, vorrei incoraggiare tutti, specialmente i giovani, ad essere autentici, senza sentirsi vincolati dalle aspettative altrui.» Un messaggio, chiaro e potentissimo, in netta opposizione alle convenzioni che costringono le persone in ruoli prestabiliti, spesso in contrasto con la loro vera natura, i loro reali desideri e le loro inclinazioni personali. Un appello a scuotere le catene dei pregiudizi, vivendo secondo i propri valori. In un'era in cui la pressione proveniente dall’esterno può essere davvero schiacciante e portare a conseguenze spesso irrimediabili, Valy ci ricorda l'importanza di ascoltare noi stessi, la nostra voce interiore, accettando, abbracciando ed amando la nostra unicità. La sua musica è sempre stata il vessillo di un movimento culturale che celebra l'identità personale come un tesoro da custodire, anziché un limite da superare. La collaborazione con Alessio Bernabei non è solo una garanzia di qualità musicale, ma anche un simbolo di unione artistica per promuovere un messaggio di inclusività e rispetto. Bernabei è riuscito a cogliere istantaneamente l’essenza del brano, catturandola in un arrangiamento e in una produzione accattivanti ma al contempo riflessivi, amplificano così il significativo messaggio del testo. "Prendimi o Perditi" è una chiamata all'azione per una società più giusta ed equa. Valy, con la sua profonda empatia e sensibilità, ci invita a riconsiderare il modo in cui percepiamo noi stessi e gli altri, incentivando un ambiente in cui l'autenticità è celebrata piuttosto che repressa.... Continua a leggere

Dopo aver chiuso il 2023 facendoci ballare sul dancefloor dei ricordi di una “Stronza Emozione”, Battista si appresta a conquistare l’estate 2024 con un nuovo singolo che promette di scuotere menti e cuori del pubblico, “Come Due Squali” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia). Scritto dallo stesso cantautore sardo a quattro mani con Hanashi e composto da Renato Patriarca e Niccolò Terranova, il brano è un tuffo nelle profondità oscure delle relazioni tossiche, mantenendo lo stile incisivo e coinvolgente che ha reso Battista uno degli artisti più promettenti della scena musicale italiana contemporanea. “Come Due Squali”, narra il lato più cupo e torbido dell’amore, che viene descritto come una dipendenza distruttiva. Il titolo stesso è una metafora che racchiude l’accezione del testo: alla fine, uno dei due partner viene mangiato, divorato dall’altro, dalle gelosie, dalle incomprensioni o da se stesso, lasciando dietro sé un oceano di disillusioni, un terreno di gioco senza vincitori, con dolorose lezioni da imparare. Battista non tradisce il suo stile unico, intrecciando la sofferenza con un sound carico, dritto verso una dimensione ancora più dance, un vero e proprio sfogo personale sui cuori infranti. Il brano inizia con un'immagine di disillusione e rassegnazione: «Ho il cuore a pezzi, bevo un altro drink, che poi di te mica importa più, noi siamo in pista pronti a farci male, mi dico basta, tanto è sempre uguale». Queste parole evocano il ciclo ripetitivo di una relazione deleteria, in cui il dolore è una costante e la speranza di cambiamento sembra un’irraggiungibile chimera. Il ritornello, «Non ho più voglia di ascoltare canzoni d’amore con te. Io non riesco più a respirare, che faccio? Mi chiudo in un bar. Ai ai, mi fa male. Ai ai, datti da fare, che tardi, che tardi, che tardi e devo andare», esprime la sensazione di soffocamento e il desiderio di fuga da un abbraccio che il tempo e le delusioni hanno trasformato in una morsa. Una rappresentazione struggente della claustrofobia emotiva che si prova quando si è intrappolati in un rapporto malsano, in una storia che imprigiona anziché liberare le potenzialità di entrambi i partners. E nel ripetersi di «Ai ai, mi fa male», l’artista traduce in musica un grido di dolore e una richiesta di cambiamento necessaria per riprendere in mano le redini della propria vita. In uno dei passaggi più intensi della traccia, Battista canta «come due squali persi e attratti in riva al mare, se non ci abbiamo siamo soli, anime vuote», un’immagine che dipinge la dualità dell’attrazione e della distruzione, sottolineando come, nonostante la vicinanza fisica, l’assenza di una connessione interiore autentica lasci nel cuore ferite profonde. Ferite che nel verso «Come due cicatrici, rimani su di me» simboleggiano le lesioni animiche, le conseguenze che permangono anche dopo la fine della storia. «”Come Due Squali” – dichiara l’artista - è una riflessione su quanto l'amore possa diventare una trappola se ci troviamo in un rapporto che ci fa del male, in un rapporto nocivo. Volevo trasmettere il dolore e la confusione che si provano, ma anche il coraggio necessario per uscirne. Questo pezzo è un grido di aiuto e una dichiarazione di forza, per ricordarci che meritiamo tutti un amore sano e rispettoso.» Le parole di Battista sottolineano la duplice natura di “Come Due Squali”: una canzone che da un lato mette a nudo la sofferenza causata da un amore tossico, e dall'altro celebra la resilienza e la capacità di trovare la forza per rompere il ciclo autodistruttivo. Un invito a riconoscere e affrontare le dinamiche lesive e sabotanti all’interno dei rapporti di coppia che trasmette un messaggio di consapevolezza e coraggio: bisogna avere la forza di lasciare andare ciò che ci danneggia, anche quando è doloroso. Con “Come Due Squali”, Battista ci offre un nuovo capitolo della sua evoluzione artistica, continuando a raccontare e a raccontarsi con sincerità. Questo singolo è una mano tesa per guardarci dentro, per riconoscere le nostre ferite e trovare il coraggio di guarirle. Attraverso la sua musica, Battista ci invita a riflettere sulle nostre esperienze, a comprendere il valore dell'autenticità e a trovare il coraggio di abbandonare ciò che ci ferisce, in un viaggio tra le note che parla al cuore di ognuno di noi.

Domefast, il talentuoso rapper di Ghedi (BS), rinasce dall’”Oblio” esplorato nel suo precedente singolo con “Mamma mia” (The Orchard), un brano che cattura l'essenza dell'estate con energici ritmi Afrotrap ed un sound irresistibile, magistralmente cucito ad hoc sul testo dalle mani magistre di Voluptyk, il celebre architetto europeo di successi a cassa dritta. Questa traccia segna un punto di svolta nella carriera del giovane bresciano, promettendo di diventare l'accompagnamento perfetto per le notti più elettrizzanti. Prodotto da uno degli hitmaker più acclamati d’Europa, Voluptyk (noto per aver plasmato lavori di successo come "Shakerando" di Rhove, "Suavemente" di Soolking, “Sigue” di Morad e release pluripremiate di Sfera Ebbasta, Capo Plaza, Jul e Baby Gang), "Mamma Mia" si posiziona come l'emblema musicale destinato a dominare il dancefloor delle serate più esclusive. Il testo riflette le complesse dinamiche emotive sperimentate da Domefast, trasformandole ed esorcizzandole in un pezzo tutto da ballare. Nel verso «Oh mamma mia, stregoneria, “Che cos’hai fatto? Mi sembri sfatto”. Sono due anni che dalla testa non mi esci via», viene espresso in maniera leggera e al contempo intensa il conflitto interiore e la lotta per liberarsi dai ricordi dolorosi di una relazione complicata. La ripetizione di "Oh mamma mia" non è solo un ritornello, ma un mantra che simboleggia la presa di coscienza necessaria per risvegliarsi da un sonno travagliato, un grido che arriva dritto al cuore di chiunque abbia sperimentato l'angoscia di un amore non corrisposto o problematico. Ma in “Mamma mia”, Domefast non si limita a narrare il dolore: l’artista, che fin dalla sua adolescenza ha trasformato la musica in un'estensione della sua vita, usando le note per esprimere e superare i traumi sociali e la bassa autostima dovuti a periodi difficili di bullismo, converte la sua esperienza in un messaggio di coraggio, speranza e rinascita. Nella sezione del brano in cui afferma «Mai dire mai, ma già tu lo sai che mi tradirai, che tu te ne andrai», si evince la consapevolezza delle sfide amorose, ma anche la determinazione di non lasciarsi abbattere da esse. Una celebrazione della capacità di andare avanti, di crescere e di trasformare il dolore in una forza motrice. Il riconoscimento per tutti coloro che cercano di superare e lasciarsi alle spalle le ombre e le ferite di un rapporto sofferto, un'esplosione di energia che incanta non solo l’orecchio, ma anche l'anima, rendendo ogni momento un concentrato di gioia e libertà. Per Domefast, la musica è sempre stata uno strumento di comunicazione e di riscatto sociale, con cui rendere ogni battuta d’arresto un simbolo di catarsi ed evoluzione personale, ed in questa nuova release, che si muove tra una produzione raffinata ed un testo di impatto, che funge da catalizzatore per superare sentimenti di dolore e conflitto, ogni battito diventa testimone di un ritrovato equilibrio, un mezzo per raggiungere la serenità tanto desiderata. “Mamma mia” è un brano da ascoltare e da vivere, un invito a lasciarsi andare e a ricercare, nel ritmo e nelle parole, la forza di voltare pagina per abbracciare un nuovo capitolo della propria vita.

La musica e i profumi condividono da sempre la straordinaria capacità di diffondersi nell'aria, raccontando molto di una persona e traducendo emozioni, ricordi e sentimenti. Blade, il celebre cantautore cernuschese d’adozione cremasca, incarna perfettamente questa connessione nel suo nuovo singolo, “Megamare”. Ispirato all’omonima fragranza di Orto Parisi, il brano unisce una melodia calda e avvolgente ad un testo intenso e profondo. Proprio come il profumo di Parisi, fresco al primo respiro e via via più salato con il sentore di alghe, zenzero e legni, la traccia evoca la sensazione dell'acqua di mare sulla pelle calda e sudata, una metafora perfetta per raccontare un amore che, pur essendo intenso e travolgente, è destinato ad essere irraggiungibile, proprio come il mare che si ritrae con la marea. Una storia impossibile narrata con disarmante sincerità, in cui Blade mostra senza maschere e timori la frustrazione e il dolore di un sentimento ostacolato dalla vita quotidiana e dalle insicurezze personali. Con una produzione musicale che rispecchia l'intensità della fragranza che l’ha ispirata, “Megamare” si presenta come un'opera completa e toccante, capace di lasciare un’impronta indelebile nell’animo di chi l'ascolta. Il nome “Megamare” non è solo un titolo, ma un richiamo diretto al profumo che ha accompagnato Blade nella scrittura e nella realizzazione del brano. «Metto in play, sì per stasera, non chiamarmi ancora, resto qua solo da te, ma solo per mezz’ora» canta l’artista, evocando immagini vivide di momenti intimi e fugaci. La storia raccontata è quella di due persone la cui vita lavorativa e gelosia reciproca impediscono di vivere serenamente il loro amore. Blade esprime il suo disagio per un rapporto che sembra destinato a non trovare pace, come si evince nel verso: «Tu lo sai che effetto fa il mio Megamare, con me, con me», riflettendo l'intensità e la complessità del legame tra i due protagonisti. Un legame che, pur essendo autentico e totalizzante, è costantemente minato da incomprensioni, esacerbato dalla quotidianità e dalle insicurezze individuali. Nel passaggio «Se per te va bene possiamo scappare da quelle sirene, se per te va bene possiamo guardare le stelle insieme», Blade invita a sognare una fuga, un momento di evasione dalle pressioni esterne, lasciando all’ascoltatore la possibilità di immaginare il finale della storia, come lui stesso racconta: «“Megamare” – dichiara - parla di un amore impossibile tra due persone che si amano veramente tanto, ma che purtroppo non riescono ad andare d’accordo. Come ogni mio singolo, anche questo è tratto da una storia vera. I miei pezzi parlano semplicemente della mia vita. In questo singolo ho voluto esprimere una vicenda un po’ particolare, tra le note del profumo di Orto Parisi che mi hanno accompagnato nella scrittura e nella realizzazione del brano. Questo pezzo fa capire la mia frustrazione nei confronti di questa persona, per quanto lei sia occupata dalla sua vita lavorativa, e racconta soprattutto della sua gelosia nei confronti del mio lavoro. Nonostante questi pensieri, e nonostante l’amore, queste due persone non riescono a trovare un accordo. Il singolo non offre il finale della storia, ma lascia all’ascoltatore la possibilità di immaginare un finale a modo suo». Oltre a raccontare una relazione tormentata, con “Megamare” l’artista vuole trasmettere un messaggio più profondo: prima di amare qualcun altro, è necessario amare se stessi. Anche se le cose belle finiscono, i ricordi preziosi restano; un insegnamento che si riflette nella sua musica e nella sua vita. Blade è una promessa che continua a sorprendere. Ogni nuova release aggiunge significato e autenticità al suo repertorio, confermandolo come una delle voci più autentiche e innovative della scena urban contemporanea. “Megamare”, accompagnato dalle immagini emblematiche di Spidey e dal videoclip ufficiale, diretto da Babyrick e girato al MEG Glamour di Milano, vede protagonisti Blade e Corinne Lorusso. Con la sua interpretazione, Corinne aggiunge un ulteriore livello di emozione, profondità e sincerità alla storia narrata nel testo. Con questo singolo, Blade invita ciascuno di noi a riflettere sulla complessità delle relazioni e sull’importanza di amare noi stessi. Catturando in liriche e suoni l’essenza del profumo che lo ha ispirato, l’artista lombardo riconferma la sua abilità nel tradurre esperienze personali in musica, giungendo dritto al cuore sin dal primo ascolto.... Continua a leggere

Massimo Galfano, celebre cantante, paroliere, produttore e vocal coach italiano con una carriera costellata di successi e riconoscimenti, annuncia l'uscita del suo nuovo singolo "Gli Amori" (Hurricane Music Production). Questa traccia, disponibile in tutti i digital store dal 27 Maggio, in occasione del compleanno dell’artista, non è soltanto un ritorno sulle scene, ma un ponte animico ed emotivo che collega Galfano al suo indimenticabile amico e icona della musica italiana, Toto Cutugno. "Gli Amori", che funge da apripista all'album "Emozioni" – disco che ripercorre i più grandi successi di Cutugno attraverso la sensibilità e l'intensità interpretativa di Galfano, la cui uscita è prevista per il prossimo 27 Ottobre - simboleggia un significativo collegamento tra il passato e il presente, immergendosi nella profondità dell'amicizia e nella potenza delle emozioni sulle ali di melodie che hanno accompagnato e abbracciato intere generazioni. Massimo Galfano ha scelto "Gli Amori" per aprire il percorso di questo album perché rappresenta una delle canzoni più care a Toto, e a sua volta, uno dei brani che più lo ha toccato personalmente e artisticamente. «In un'epoca in cui la discografia e gli autori sembrano esitare nel parlare d'amore con eleganza e rispetto – dichiara – “Gli Amori” si fa strada nell’anima come una meravigliosa espressione di sentimenti genuini. Questo brano, ha anche un significato storico particolare, essendo stato interpretato da Ray Charles nella serata degli ospiti internazionali al Festival di Sanremo 1990; un evento che ha segnato l’incontro memorabile tra diverse culture musicali. È un mix di emozioni e bellezza che continua a risuonare nel tempo.» Nato a Jugenheim, Germania, da genitori siciliani e cresciuto nel cuore della Valle del Belice (TP), Massimo Galfano ha iniziato la sua carriera artistica come attore teatrale a soli 13 anni, per poi fondare la band musicale "Terzo Pensiero" nel 1996. Dopo lo scioglimento della band nel 2000, ha intrapreso la carriera solista, distinguendosi come cantante, interprete, autore, vocal coach e produttore. La sua carriera è ricca di collaborazioni, premi e tour internazionali, che includono riconoscimenti come il Politeama Festival, il Global Legend Talent Award, e un Disco d'Oro alla carriera dalla Hurricane Music Production. "Gli Amori", prodotto dalla Eventi e Management e da Puresound, con il suo richiamo alle radici profonde dell’amore e alla connessione tra esseri umani, è un brano che arriva dritto al cuore, esprimendo in versi di rara bellezza ed eleganza, come «Due consonanti perse in tre vocali, son loro che ci aiutano a non sentirci soli, perciò sono importanti. E li chiamiamo amori», una verità universale, che non conosce lingua, cultura, religione o nazione, sulla natura del sentimento più potente e trasformativo al mondo. Questa versione del brano, magistralmente interpretata da Galfano, segna un importante momento di riflessione sul valore dei rapporti interpersonali e delle emozioni, dei battiti di vita che essi ci regalano, celebrando la vita e l'opera di uno dei più grandi cantautori della Musica Italiana, Toto Cutugno, attraverso gli occhi e la voce di un amico, un collega, un fratello. Con una delicatezza ed un rispetto che solo l’arte pura può racchiudere, Galfano riesce a trasmettere ogni sfumatura emotiva, rendendo "Gli Amori" l’emblema del legame indissolubile che unisce le persone, tra cui gli artisti e i loro pubblici. Questa rivisitazione è un messaggio di speranza e comprensione che riafferma l'importanza dell'amore e dell'umanità in un mondo sempre più individualista. Attraverso le parole e le melodie de "Gli Amori", Galfano ci invita a riconnetterci ai valori fondamentali della vita, sottolineando come i l’amore possa essere la chiave per superare le sfide e le divisioni. Con la pubblicazione di questo singolo e dell’album "Emozioni" di prossima pubblicazione, Massimo Galfano continua a lasciare la sua impronta raffinata ed empatica nel panorama musicale, portando avanti un dialogo artistico che valica tempo e confini.... Continua a leggere

«Novembre 2023 ha segnato un momento cruciale per me, un periodo di intensa ispirazione e rinascita»: è in questa dimensione catartica e trasformativa che è nato "Nei Sogni Miei", il nuovo singolo di Ladrone00, brano che si posiziona come naturale prosecuzione del filone emotivo tracciato con “Fragile” e “Fiamme”. In perfetto equilibrio tra audacia e romanticismo, “Nei Sogni Miei” percorre la continuità di una relazione di coppia, offrendo una visione matura, nonostante la giovane età dell’artista, che sottolinea una crescente preoccupazione: nella sua generazione e in quelle successive, si sta progressivamente perdendo la vera essenza dell'amore, quell'incantesimo che muove ogni cosa. Caratterizzata dall'uso di drum kit, synth e dalla voce inconfondibile dell’artista, questa traccia infonde energia in ogni nota. L'arrangiamento musicale, curato nei minimi dettagli, crea un ambiente sonoro che invita all'introspezione, mentre la melodia, intrisa di dolcezza, malinconia e speranza dal richiamo lo-fi, conduce l’ascoltatore al centro delle dinamiche amorose. Ladrone00, la cui evoluzione autorale e stilistica è sempre più evidente, trasmettere con incisività e naturalezza un senso di urgenza e desiderio, disegnando con la sua sensibilità un paesaggio sonoro in cui passato e presente convergono, fondendosi in un'esperienza musicale che avvolge ed emoziona sin dal primo ascolto. Il testo si apre su uno scenario a mezz’aria tra l’onirico e il reale, richiamando l’immagine di un sogno condiviso, il desiderio di vivere in coppia momenti indimenticabili in loop: «Insieme siamo un sogno, da vivere in replay». Parole semplici ma estremamente evocative, che celebrano la forza e la potenza di un legame capace di persistere anche nei momenti di solitudine. Nel brano, c'è spazio anche per sentimenti più cupi e riflessivi. La strofa «Per te cosa sono? Ma sai che c'è? Il mio cuore grida “Mayday”. Sulla strada solo, persi io e te, Ci rincontreremo nei sogni miei», mette infatti in luce l’oscillazione tra fiducia e disperazione, un percorso interiore in cui l’amore, anche nei suoi momenti difficili, trova espressione nei ricordi, un porto sicuro di connessione e comprensione reciproca. Con "Nei Sogni Miei", prodotto da Matteo Rossini, il giovane talento marchigiano racconta una storia per invitare tutti noi a riflettere sul valore che diamo alle nostre relazioni, puntando i riflettori sul contrasto tra l'apparenza esterna e la verità interiore, come facilmente evincibile dalle parole «Tu sei unica, sei pura, come una bambina. La gente giudica, non fa da cura, non è medicina». Questo brano è un must per chi cerca di comprendere l'amore in tutte le sue sfaccettature, un promemoria in musica che ci ricorda l’importanza di andare oltre giudizi ed apparenze, vivendo ogni relazione con l’intensità e la passione che merita.... Continua a leggere

Maname, talentuoso cantautore nato e cresciuto nel cuore della Brianza, fa il suo ritorno nel panorama musicale con "Solo”, un brano che si distacca dalle consuete convenzioni musicali per diventare un simbolo potente di autonomia personale. Riflettendo le esperienze dirette dell’artista, "Solo" è una celebrazione dell'indipendenza, ma anche un prezioso consiglio per tutti coloro che vivono una relazione di coppia o esplorano la vita da single. Nato dall'esigenza di Maname di raccontare la propria realtà singletudine non come una condizione di mancanza, ma come un essenziale percorso di autoapprezzamento, “Solo” fonde il ritmo e l’energia delle Destiny’s Child alla sensualità travolgente del pop latino, invitandoci a non essere precipitosi nelle tappe della vita di coppia, ma ad assaporare ogni momento con maturità e rispetto, per sé stessi e per gli altri. Dopo aver esordito sulle scene a soli 17 anni ed aver vissuto un’esistenza parallela come psicologo, Maname ci dimostra attraverso la sua musica che l'amore è un'esperienza che merita di essere goduta con piena consapevolezza. La lirica «Non voglio troppe regole, rischio di confondere... Stare solo mi salverà», evidenzia quanto a volte la solitudine sia la scelta più saggia per preservare l’integrità emotiva e l'importanza di mantenere la propria individualità senza perdere di vista il proprio valore, anche nelle dinamiche di coppia. Questo concetto racchiude un tema ricorrente nel brano: la ricerca di unicità e qualità nelle relazioni, evitando di piegarsi alle banalità e di accontentarsi di compromessi superficiali. «Essendo single da parecchio tempo – dichiara -, ho imparato che stare da solo è difficile, ma fondamentale per imparare ad apprezzarsi, per consentirci di amare, ma anche di essere amati. Ho capito che, quando si è in coppia, non occorre preoccuparsi di andare a convivere, di sposarsi e di fare figli o comunque di bruciare le tappe prima del tempo, perché poi ci si scotta. C’è questa corsa disperatissima alla famigliola felice che non ci consente di valutare il resto, tant’è che ci si ritrova a distruggersi dentro e a distruggersi a vicenda, perché le aspettative sono altissime, o perché l’obiettivo di coppia non è mai stato il medesimo. L’amore è cuore sì, è istinto sì, ma è anche testa. Non si può amare a caso. Ci vuole rispetto e non ci si può privare di quello verso sé stessi per accontentare una relazione. Non c’è scritto da nessuna parte che siamo destinati a persone che ci “assomigliano”. Quando ci piace una persona, ci piace e basta. Non c’è un colore, una forma o un abbigliamento specifico». Queste parole regalano una toccante riflessione sulla vita da single e sulle pressioni sociali legate alle relazioni di coppia. Maname ci racconta come il tempo trascorso in solitudine sia stato fondamentale per il suo percorso di autoscoperta, benessere e apprezzamento delle proprie peculiarità, un passo imprescindibile per amarsi ed essere in grado di amare in modo sano e consapevole. Inoltre, l’artista mette in luce la tendenza delle persone a precipitarsi in tappe significative come la convivenza, il matrimonio e la genitorialità, spesso senza una vera comprensione reciproca o con aspettative disallineate, che inevitabilmente conducono ad accesi e deleteri conflitti interni e reciproci. Nelle strofe del pezzo, l'amore è rappresentato nella sua dualità: una fiamma che illumina, ma che può anche bruciare, se non vissuta con la giusta maturità. Unendo la sua passione per la musica ad un percorso accademico in psicologia, Maname ha riposto in “Solo” il frutto di questa sinergia: «Con “Solo” – afferma, concludendo -, ho voluto creare un brano che invitasse chi lo ascolta a guardare dentro di sé, a riconoscere il proprio valore al di là delle relazioni. Ho scelto di parlare di indipendenza, ma anche di bellezza, e di tutte quelle sfide che si fronteggiano da single. È un messaggio per tutti: prima di cercare l'amore in un altro, è fondamentale trovarlo in se stessi». Scritto da Maname e sapientemente composto e prodotto da Vigan Mehmedi, “Solo” ci ricorda l’importanza di essere autonomi, curiosi, evitando di rimanere imprigionati in relazioni o abitudini dettate dalla paura di sbagliare o di rischiare. È un appello ad essere più delle proprie relazioni e a riconoscere che a volte, essere soli, significa vivere in miglior compagnia.... Continua a leggere

Realbaby, il rapper della periferia sud di Roma classe 2002, torna sulle scene con il suo nuovo singolo, “Chiara”. Il brano, che arriva dopo il successo del romanticismo dolceamaro espresso in "Amore & Odio", segna un ulteriore passo avanti nel suo percorso artistico, caratterizzato da una notevole maturità autorale e da una profondità emotiva unica. “Chiara” è un vero proprio manifesto street love, un racconto di vita e di amore dalla duplice chiave di lettura, complessa e intrigante. Realbaby confonde e affascina l'ascoltatore, utilizzando il nome di una donna per dar voce a temi universali come i sentimenti, il dolore e la redenzione. La copertina del brano riflette questa dualità, invitando il pubblico ad immergersi in un viaggio emozionale e autentico che, ad ogni play, rivela nuove sfumature e significati. Il singolo è il risultato di vecchie ruggini passate, infuse di "sporco street love” come afferma l’artista, e nasce dall’intensa e fruttuosa sinergia con il suo produttore di fiducia, Exa. Questo progetto rappresenta una direzione stilistica ben definita, caratterizzata da suoni hip hop, urban e rap, ma anche da una ricerca sonora continua. A livello umano e personale, “Chiara” è il racconto in musica della vita di Realbaby, dal bambino che era al giovane uomo che è oggi, fino a ciò che il futuro gli riserva. Il brano trasmette un mix di sensazioni, positive e negative, esperienze che segnano profondamente e vibrazioni che danno forma e temprano sogni, desideri ed obiettivi. Realbaby narra la sua verità senza nascondersi, mostrando un bambino che non c'è più, ma che continua a vivere all’interno dei suoi testi. «Mi sento diverso distratto dall'obiettivo, senti, mon amour, sono ad un bivio: o vivo io o muori tu. Dalla terra ferma ci spingiamo più su, di te non è ossessione, ma è solo una droga»: queste parole traducono il conflitto interiore dell'artista, la lotta tra la realizzazione personale e la dipendenza emotiva. La metafora della droga descrive questa dipendenza da un legame affettivo tossico e cupo, mentre il bivio rappresenta le scelte difficili che definiscono la sua vita. Con “Chiara”, Realbaby consolida il suo stile conscious ispirato ad artisti del calibro di Capo Plaza, Neima Ezza e Gunna. Questo brano è un passo significativo in un percorso che ha preso una svolta professionale circa un anno fa e che promette tante novità in arrivo. Nella strofa «Mi prendi a bene se siamo noi due, non sei una stella forse una scoperta. Semplici origami dopo una tempesta, mi ami o mi odi, non fa differenza. Fammi fuori, mirami alla testa», il rapper evidenzia la complessità delle relazioni e la vulnerabilità che ne deriva. La scoperta e gli origami simboleggiano la fragilità e la bellezza delle connessioni umane, mentre la richiesta di essere ucciso, mirando dritto alla testa, mostra il desiderio di liberarsi dalle catene di un legame che opprime anziché sprigionare il potenziale individuale e di coppia. «Con “Chiara” – spiega Realbaby - volevo raccontare una storia che fosse personale, ma allo stesso tempo che potesse parlare al cuore di tutti. È un brano che parla delle sfide e delle scelte che affrontiamo ogni giorno, delle dipendenze emotive e della necessità di trovare la nostra strada. Spero che il pubblico possa trovare una parte di sé in questa canzone e sentire la stessa connessione che ho sentito io nel crearla». “Chiara” è una testimonianza della crescita artistica e personale di Realbaby, un invito ad ascoltare e comprendere le storie che definiscono la nostra vita, le nostre esperienze e le nostre batatglie. Con produzioni impeccabili e testi di presa immediata, il giovane rapper romano continua a spingersi oltre i confini della musica urban, consolidando la sua posizione come uno degli artisti più promettenti della sua generazione.

Summa, all’anagrafe Andrea Summa, dopo aver emozionato il pubblico di YouTube con “For You” (feat. Pablo Scapigliati & Claudia Oslé) ed “Orfeo” (feat. Jaidem), torna a far parlare di sé debuttando in tutti i digital store con "¿Donde Voy?", brano che unisce brillantemente rap, reggae, dub e disco. Ispirato dalla poesia “Caminante, no hay camino” di Antonio Machado, questo singolo cattura l'essenza del percorso personale e artistico di Summa, arricchito dalle interpretazioni emotive di Pablo Scapigliati e Claudia Oslé e da un tessuto sonoro, sapientemente intrecciato dalle abili mani di Francis Tural, che comprende pianoforti e chitarre elettriche. Nato a Firenze nel 1999, Summa ha iniziato a scrivere testi fin da bambino, ma è stato nel 2016 che ha deciso di portare il suo talento in studio, incidendo i suoi primi brani e unendosi, l’anno seguente, agli UGKL, un collettivo di rapper fiorentini con i quali ha affinato le sue capacità di scrittura e produzione, entrando in contatto con la scena hip-hop locale e pubblicando numerosi singoli. In "¿Donde Voy?", Summa riflette sulla ricerca di scopo e identità nel percorso di vita di ciascun essere umano: il ritornello, con la frase «Passo e siguo al caminante sin camino» («Passo e seguo il camminante senza cammino») trae direttamente dall’iconografica poetica di Machado, in un richiamo potente alla scoperta personale e all'importanza del viaggio rispetto alla destinazione; temi cari sia all’illustre scrittore andaluso che, evidentemente, all’artista toscano. Un'espressione del cammino interiore che ognuno di noi compie che ci invita a riflettere sulla nostra evoluzione individuale e sociale, esortandoci a rendere ogni passo una trasformazione consapevole; una ricerca continua di direzione e significato. E nella strofa «Ho capito che tutto ritorna nel quadro quando tutto ciò che mi piace equivale a tutto quello faccio», Summa evidenzia l’importanza di attingere al proprio cuore e alle proprie passioni per conoscere la risposta alla domanda “¿Donde voy?”, una risposta che lui stesso ha trovato nella sua musica, diventata un mezzo per affrontare e superare le sfide personali, inclusi i periodi di bullismo e le insicurezze che hanno segnato la sua gioventù. «Con “¿Donde Voy?” – afferma Summa - ho voluto guardarmi dentro, fino in fondo, e condividere un pezzo del mio viaggio personale con il pubblico. Questo brano rappresenta una tappa fondamentale nella mia ricerca di scopo e identità, unendo diversi generi musicali per riflettere l’intreccio delle emozioni che ho vissuto. La collaborazione con Pablo Scapigliati e Claudia Oslé ha aggiunto un’ulteriore dimensione emotiva, permettendomi di esprimere pienamente la dualità tra la lotta interiore e la speranza di rinascita». La combinazione di suoni affascinanti, liriche ponderate e la collaborazione con Pablo Scapigliati e Claudia Oslé, hanno permesso a Summa di dar voce a sentimenti contrastanti, esprimendo con autenticità le battaglie che combattiamo con noi stessi e la strada da percorrere per giungere ad una necessaria accettazione di sé. In "¿Donde Voy?", ogni elemento musicale e testuale si fonde per raccontare una storia di trasformazione in cui la musica diventa il mezzo per ritrovare la forza, la lucidità e la chiarezza imprescindibili per progredire, come anime e come esseri umani. Un must per chi ama il significato anche nei ritmi irresistibili, un invito a meditare sulla propria esistenza e sulla capacità di convertire ogni esperienza, positiva o negativa, in un passo verso la realizzazione personale.... Continua a leggere

Miki Del Prete, paroliere leggendario e figura chiave nella storia della musica italiana, approda in digitale e in tutte le librerie con la sua attesissima autobiografia, "Il mio Amico per la pelle". Questo racconto intimo e sincero offre uno sguardo senza precedenti sulla lunga e profonda amicizia tra Del Prete e Adriano Celentano, icona del rock italiano conosciuta in tutto il mondo. Quella di Miki Del Prete è una vita dedicata alla musica: nato a Bari il 23 luglio 1935, ha scritto oltre cento canzoni per Celentano, tra cui indimenticabili successi come "Impazzivo per te" (1955), "Il Ragazzo della via Gluck" (1966), "La coppia più bella del mondo" (1968), "Una carezza in un pugno" (1968), "Chi non lavora non fa l’amore" (1971), "Sotto le lenzuola" (1971) e molte altre. Tra gli anni '60 e '80, Del Prete è stato un componente fondamentale del Clan Celentano, contribuendo in maniera significativa alla definizione del panorama musicale italiano dell'epoca. Oltre al suo lavoro con Celentano, Del Prete è stato autore per artisti del calibro di Caterina Caselli, Patty Pravo, I Camaleonti e Dalida, confermandosi uno dei produttori più attivi e prolifici degli anni '60, '70 e '80. Ha prodotto album iconici per Celentano, tra cui “Ti Avrò” (1978), “Geppo Il Folle” (1978), “Me Live” (1979) e "I Miei Americani (tre puntini)" (1984), "I Miei Americani (tre puntini) 2" (1986), "Joan-Lui" (1985) e "La Pubblica Ottusità" (1987), i cui arrangiamenti sono stati curati da Pinuccio Pirazzoli. Uomo sensibile e professionista dai mille talenti, Del Prete ha fondato numerose etichette discografiche, tra cui Superstar Records, Fantasy Records, The Shark Records, Seeburg Records e Smeraldo Record. Negli anni '60 ha costituito la Kansas Record, label distribuita dal Clan Celentano. La sua versatilità si estende anche al cinema, dove ha partecipato come attore in film come "Super rapina a Milano", "Geppo il Folle" e "Asso". Ha co-prodotto con la Ciack Film titoli come "Segni particolari bellissimo" e "Il Bisbetico Domato" e ha lavorato alla sceneggiatura di "Yuppy-Du" con Celentano e Silvestri. Negli anni '70 ha organizzato per Celentano un tour europeo negli stadi intitolato "Paura di un trionfo", consolidando ulteriormente il loro sodalizio artistico e personale. "Il mio Amico per la pelle", con i ritratti a cura di Percy Balzuniga, è un libro di ricordi che racconta la storia di una grande amicizia. Miki Del Prete condivide aneddoti e momenti inediti della sua lunga carriera al fianco di Celentano, rivelando un ritratto intimo e umano del "molleggiato". Con delicatezza e affetto, il paroliere pugliese descrive le gioie, i successi, le amarezze e le leggendarie partite a poker con Celentano, offrendo ai lettori una visione unica del grande artista. Il 22 settembre 2024, il Teatro Accademia di Fortunago (PV) ospiterà una serata speciale in stile Talk Show dove Miki Del Prete, accompagnato dalle interpretazioni musicali di Alfredo Lallo e da immagini evocative, narrerà dal palco la sua vita al fianco di Celentano. La serata vedrà la partecipazione di ospiti a sorpresa e promette di essere un evento indimenticabile per i fan della musica italiana. Organizzato dal Comune di Fortunago, PA-74 Music, e Sagrada Efrem per Seven-H London, in collaborazione con le Onlus “La Marti” e “Ginger Soul”, l'evento ha una finalità benefica: sostenere i bambini e la ricerca contro i tumori. I biglietti sono disponibili al link auditoriumfortunago.com/event/miki-del-prete-il-mio-amico-per-la-pelle/. Miki Del Prete, con la sua profonda esperienza e sensibilità artistica, continua ad essere una figura di rilievo nel panorama culturale italiano. Il suo libro "Il mio Amico per la pelle" e la serata evento a Fortunago sono opportunità imperdibili per scoprire e celebrare una delle amicizie più significative e produttive della storia della musica italiana.

"Non una semplice canzone d'amore, ma un viaggio nella profondità dell'anima": con queste parole Patrizia Kolombo descrive "Così Non Finirà", il suo nuovo singolo realizzato in collaborazione con Gianni Negri. Il brano, disponibile per Pako Music Records sia in italiano che in una sentita versione in lingua napoletana capace di impreziosire la narrazione con un livello aggiuntivo di intimità e personalizzazione, mette in risalto le radici di un racconto la cui vera essenza risiede nel legame tra gli innamorati, l’uno nel cuore dell'altro. Una finestra personale e universale al tempo stesso, unica nelle sue molteplici sfaccettature, che si apre sullo scenario di emozioni totalizzanti, in grado di andare ben oltre le convenzionali dichiarazioni romantiche. Attraverso la fusione di melodie dolci, avvolgenti ed evocative e liriche fortemente penetranti, i due artisti invitano a riflettere sulle proprie esperienze amorose, cantando non solo il sentimento più alto al mondo, ma mettendo a nudo le complessità e le contraddizioni che spesso lo caratterizzano. La musica, composta da Gianni Negri, e il testo, scritto da Patrizia Kolombo, si immergono nella gioia e nelle paure intrinseche all'amore, offrendo agli ascoltatori un'analisi sincera e riflessiva su cosa significhi veramente amare qualcuno, andando oltre la superficie per toccare le dinamiche più intime del cuore. Perché amare è meraviglioso, ma la paura di farsi o far del male, di ferire o di ferirsi, a volte ci impedisce di aprirci completamente all’altro. Questa esitazione nasce dalla consapevolezza delle vulnerabilità generate dal dare e ricevere affetto. Nonostante la luce intrinseca all'amore, il timore di esporre il proprio cuore agli imprevedibili colpi del destino può frenare i nostri passi verso l'intimità e la gioia più profonde. In "Così Non Finirà", questo conflitto interiore è rappresentato con intensa empatia, riflettendo su quanto sia difficile, eppure essenziale, vincere queste paure per abbracciare pienamente la possibilità di un legame autentico e duraturo. Il brano stimola a superare questi ostacoli, a fidarsi dei battiti che, scuotendoci da dentro, ci ricordano che stiamo vivendo davvero, che perdere il controllo può essere l’unica via per salvarci da una routine monocromatica e che, il rischio di soffrire, è un piccolo prezzo da pagare per scoprire la pienezza di un amore vero. Questa tematica trova eco ed espressione nel verso-chiave del brano, «Regalami il tuo tempo e tutto andrà nel verso giusto», un promemoria che sottolinea quanto il tempo condiviso e la presenza siano fondamentali nel consolidare una relazione. Queste parole, così potenti nella loro apparente semplicità, evidenziano l'investimento emotivo necessario per fronteggiare le incertezze dei rapporti di coppia, suggerendo che la dedizione e la pazienza possono guidare due persone verso una comprensione ed un’armonia più profonde, superando insieme ogni sfida, ogni dubbio, ogni avversità. “Così non finirà”, con la produzione magistrale di Francesco De Rosa, svela anche un ulteriore livello di connessione e scoperta reciproca: mentre le fondamenta di una relazione si costruiscono su tempo e pazienza, si apre anche la porta ad una conoscenza più intima, spirituale e animica dell'altro. Un passaggio alla scoperta che viene magnificamente catturato nel verso «Siamo gente d'altri tempi, di un pianeta sconosciuto, siamo noi», evocando una sensazione di unicità e mistero che mette in luce come ogni amore introduca le persone in un universo completamente nuovo e sconosciuto, un mondo in cui, solo insieme, è possibile esplorare le meraviglie nascoste in un’unione sincera. «Non ti cercavo io, ma ora che ci sei ti lego ai miei pensieri, sento la tua essenza... È simile alla mia»: in questa linea, Gianni Negri e Patrizia Kolombo ci prendono per mano e ci invitano a soffermarci su come spesso l'amore sorprenda, su quanto, nonostante le resistenze iniziali, la nascita di una sintonia inaspettata possa trasformare la percezione di un individuo su se stesso e sulla vita. Il futuro, con tutte le sue incognite, è un tema ricorrente nel brano, che in «Ti vedo in un futuro che mi terrorizza ma tu stammi vicino, insieme sarà meglio», svela sì la vulnerabilità a cui l’amore ci espone, ma anche la forza incrollabile che può sbocciare dal sostenersi a vicenda, dall'affrontare insieme le paure e costruire un domani condiviso nonostante le incertezze. «Questo brano – dichiara Patrizia Kolombo - è più di una canzone d'amore. L'intento è quello di riuscire a toccare l'anima di chi lo ascolta. È un inno alla complessità delle relazioni e alla paura che le accompagna. Ognuno di noi teme qualcosa: il futuro, l'amore, l'incertezza. Ma quando si incontra una persona, una connessione autentica, quando si riconosce qualcosa di bello, qualcosa che potrebbe essere giusto, le paure andrebbero messe da parte e per vivere appieno. È come scoprire un raggio di luce nella notte più buia». La versione in napoletano, intitolata “O’ ssaje nun po’ fernì” e cantata pianoforte e voce dal solo Gianni Negri, impreziosisce la dimensione emotiva del brano grazie ad una lingua intrisa di storia e cultura. Questa variante, ancora più intima, crea un aggiuntivo legame con il pubblico, trasportandolo direttamente nel cuore della tradizione musicale napoletana e nell'essenza stessa della città. Anche la copertina della canzone, che raffigura Napoli, il suo mare e il Vesuvio, è un omaggio al capoluogo campano che aggiunge un prezioso strato di significato alla narrazione. Il Vesuvio, con la sua imponente presenza e la sua storia di eruzioni, rappresenta la forza e l'intensità delle emozioni in una relazione, mentre il mare, con le sue onde e la sua capacità di suscitare al contempo calma e tumulto, simboleggia il flusso delle esperienze nella vita di coppia. Napoli, con la sua ricca storia, cultura e tradizione, riflette pienamente la complessità delle relazioni: questi elementi, combinati con il testo e l’interpretazione in napoletano, creano un connubio di bellezza, intensità e forza, permettendo all'ascoltatore di immergersi in un dipinto di sfumature di amore e di vita. «Voglio spiegare perché la scelta di questa copertina – prosegue Patrizia Kolombo, concludendo -: il Vesuvio rappresenta l'amore e la passione, mentre il mare simboleggia la bellezza e la forza, ma anche la complessità delle storie d’amore. Ho scelto uno scatto su Napoli, che Gianni ha istantaneamente approvato, per invitare chi ci ascolta a vivere pienamente, ad abbracciare ogni sfaccettatura dell'amore e della vita con coraggio e speranza». "'Così Non Finirà'”, accompagnato dal suggestivo ed emblematico visual video ufficiale, è un'esperienza a tuttotondo, una canzone oltre la canzone, capace di celebrare l'amore nelle sue forme più vere e intense. Un brano che tocca direttamente l'anima, invitandoci a vivere le emozioni e le relazioni senza riserve. Una carezza in chiave pop-cantautorale che ci guida, ci avvolge e ci incoraggia a scoprire un nuovo modo di vivere noi stessi, gli altri e l'amore attraverso la musica.... Continua a leggere

Il 17 maggio, in occasione della Giornata Internazionale contro l'omofobia, la lesbofobia, la transfobia e la bifobia, il cantautore, musicista, compositore e insegnante di musica reggiano DEN, al secolo Daniele Mammi, torna nei digital store con una toccante poesia tra le note, "Viaggi Sola". Questa canzone è nata da un momento di profonda connessione tra DEN e una sua giovanissima allieva, straordinaria nonostante i suoi soli tredici anni, che ha trovato la forza di condividere con lui la sua esperienza transgender, trasformando tale fiducia in una lucente e suggestiva espressione artistica. Un legame intenso tra due diverse generazioni, storie e racconti personali che si intrecciano sul fil rouge dell’ascolto e del non-giudizio: attraverso questo brano, l'esperienza vissuta dalla protagonista adolescente, diventa un simbolo di coraggio, speranza e amore. DEN, nel suo ruolo di insegnante, ha avuto l'onore di accompagnare e osservare da vicino questo percorso di scoperta e apertura, trasformando un significativo capitolo di vita in un emozionante richiamo alla libertà d’espressione, individuale, sociale e artistica. «In qualità di insegnante di musica – dichiara DEN - è stato per me un grande onore e motivo di orgoglio essere testimone della fiducia e dell'apertura di questa mia giovane allieva. La sua forza nel condividere la sua esperienza di vita mi ha toccato e ispirato moltisismo, motivandomi a scrivere “Viaggi Sola”. Questo brano è il risultato di quella connessione unica e rappresenta il mio impegno a sostenere il coraggio di essere se stessi senza paure». Successivamente, DEN ha aggiunto un tocco di romanticismo e poesia alla narrazione del pezzo, arricchendola grazie dall'osservazione di un momento di tenerezza e intimità tra due ragazze su un treno. Questa scena di dolce connessione, ha fornito ulteriore ispirazione al cantautore emiliano, permettendogli di estendere e approfondire il racconto già potente della sua allieva e della sua esperienza transgender, con la speranza che nessuna persona in fase di transizione, debba più sentirsi dire, dagli altri e dalla propria voce interiore, “Viaggi Sola”. L'incontro sul treno, ha poi trasformato il brano in un vero e proprio manifesto musicale sull'amore libero da pregiudizi, sottolineando e celebrando la forza e la determinazione necessarie per essere autenticamente se stessi in un mondo ancora troppo spesso incline a giudizi e pregiudizi. "Viaggi Sola" cattura magistralmente l'essenza del cammino interiore descritto nel testo. Sin dalla toccante apertura «I tuoi occhi color del mare mi raccontano chi sei», il brano accompagna e guida l'ascoltatore in una dimensione di comprensione empatica ed interconnessione. Queste linee, esprimono il riconoscimento e l'accettazione della vera identità della giovane allieva di DEN, un’accettazione che va ben oltre la superficie, al di là di qualsiasi tipo di etichetta. Una strofa particolarmente rappresentativa e commovente è «Mi dici che non ti trovi, che quel corpo non è il tuo, che a volte devi fare pace con i tuoi pensieri per non cercare un altro Dio». Qui, DEN dipinge in musica e parole il conflitto interno della giovane, la tortuosa via verso il totale accoglimento di sé e la ricerca di pace in un contesto giudicante, dentro e fuori dal proprio corpo, dimostrando una sensibilità e una profondità d’animo che riescono a rendere questa canzone un meraviglioso strumento di empatia e sostegno. Scritta e composta dallo stesso DEN e prodotto a quattro mani con Valerio Carboni, con il pianoforte suonato da Andrea Gualtieri, “Viaggi Sola” è un piccolo capolavoro di sensibilità artistica e impegno sociale. Un'impeccabile fusione di talento e passione, in cui note e parole sono meticolosamente intessute per trasmettere un messaggio importantissimo, un appello alla dignità e alla bellezza che ciascun essere umano racchiude in sé, ed un invito a facilitare un futuro di piena accettazione e rispetto universale. Proveniente da Reggio Emilia, DEN ha sempre cercato di dare voce alle storie meno raccontate trasformandole in musica. Dopo anni di duro lavoro chiusi in un cassetto, il suo percorso artistico ha preso una decisiva svolta nel 2022 con la pubblicazione di "Solo Polvere Addosso", seguito da altri singoli che hanno consolidato la sua presenza nella scena italiana. “Viaggi Sola" è il perfetto seguito di questo percorso creativo, riconfermando l'abilità di DEN nel creare release che non solo toccano il cuore, ma stimolano anche la mente, incoraggiando il pensiero ad aprirsi a vedute più inclusive. DEN porterà la sua musica e il suo messaggio di inclusione dal vivo, esibendosi domenica 11 Agosto 2024 al Festivald'enza di Bibbiano (RE). Un'occasione unica per assaporare l'emozione delle sue canzoni, e per celebrare insieme la speranza, il coraggio, la libertà e la sincerità che caratterizzano il suo repertorio. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato al Cottonbro Studio, che aggiunge un vivido strato di espressione alla narrazione. Con "Viaggi Sola", DEN incoraggia tutti coloro che si sentono diversi o non compresi a trovare la forza di viaggiare con orgoglio lungo il proprio cammino unico. Questa canzone è un tributo ad amare se stessi e gli altri senza paura, con l'augurio di offrire conforto e ispirazione a chi la ascolta, convertendo le vedute giudicanti in una completa accettazione e riconoscendo che, al mondo, non esistono diversità, ma solo peculiarità e arricchimenti.... Continua a leggere

È con commovente intensità che Lisa Orefice, una delle voci più espressive della scena musicale italiana, presenta il suo nuovo singolo "Inseparabili". Il brano, scritto a quattro mani con uno dei più celebri autori del panorama musicale contemporaneo, Daniele Piovani, nasce da un dolore profondo e personale, e trasforma la perdita in un’ode alla presenza perenne di un amore, un amore così forte e indissolubile da trascendere l’assenza fisica. "Inseparabili" è il frutto della sinergia istantanea tra Lisa e Daniele, che insieme hanno tessuto una dedica di rara bellezza al padre di Lisa, figura imprescindibile della sua vita e ispirazione principale della sua arte. La canzone si sviluppa come un dialogo interiore, vibrando con un’autenticità così sincera da commuovere e risuonare chiaramente con chiunque abbia affrontato un grande lutto. Il brano esprime la perdita e il legame indissolubile tra un padre e una figlia, attraverso liriche che riflettono il dolore e la forza trovata nel ricordo. Lisa canta: «Canto la mia musica, mi rifugio dentro l’anima, ogni giorno, ogni mio passo, è un riflesso su di te». Queste parole non solo evidenziano la capacità della musica di fungere da rifugio e specchio dell'anima, ma sottolineano anche come ogni gesto quotidiano dell’artista sia permeato dalla memoria del padre. La potenza evocativa del testo si manifesta ulteriormente nel ritornello: «Attraverso queste mie lacrime, mi guiderai come un fiume oltre quell’argine, sconfinerò, io e te inseparabili… io e te inseparabili». Qui, il dolore si trasforma in una guida, un fiume che nonostante lacrimi, sfocia in nuovi territori dell'essere, avvalorando una connessione che continua ben oltre la perdita terrena. Ed è verso la fine della traccia che Lisa offre un invito toccante: «Questa è la mia musica, spero un giorno tu l’ascolterai». Un'espressione di amore e speranza che nel messaggio contenuto tra le note, rivela come un legame intimo e viscerale possa trascendere il confine della morte, ma anche il desiderio di raggiungere chiunque abbia bisogno di sentirsi meno solo nella propria perdita, nel proprio dolore, nel proprio senso di vuoto. Nata in Germania e cresciuta con una visione cosmopolita grazie alle sue radici calabresi, Lisa Orefice ha sempre mostrato un’importante sensibilità verso le tematiche universali dell'amore e della perdita. La sua carriera è costellata di performance che toccano il cuore di chi ascolta, rendendola una delle voci più autentiche e coinvolgenti dell’attuale panorama musicale. "Inseparabili" è una canzone per ricordare, un canto per non dimenticare, un invito a riflettere sull'amore, sul dolore e sull'eternità dei rapporti che arricchiscono, corroborano e definiscono la nostra esistenza. Con la sua voce potente e delicata al contempo, Lisa Orefice continua ad accarezzare l’anima dei suoi ascoltatori, convertendo il dolore personale in un abbraccio di unione e speranza.

Dopo aver incantato pubblico e critica con la sua prima release in lingua italiana “Ibisco”, il cantautore milanese Manuel torna a sorprendere con "Metalli", il suo nuovo singolo che anticipa l’atteso debut album di prossima uscita. "Metalli" rappresenta un capitolo significativo nella carriera discografica di Manuel, simbolo di un rinnovamento personale e professionale profondamente sentito. Il riconoscimento della piccolezza dell’umanità di fronte all'immensità dell'universo, che conferma la sensibilità intuitiva di Manuel, in grado di anticipare attraverso la sua arte le trasformazioni della propria vita. Con una maturità autorale ed un’emotività interpretativa sorprendenti, l’artista riesce a fondere l'intimo e il cosmico, ricordandoci che, nonostante le nostre individualità, siamo parte di un Tutto interconnesso, capaci di esperienze che ci elevano e ci uniscono, proprio come i metalli sotto l'azione del fuoco. Un viaggio tra introspezione ed espansione, in cui l'ascoltatore viene guidato in una dimensione di riflessione e scoperta: «Sento un fischio nell’orecchio adesso chi mi pensa, lampi attorno a me ma adesso sento quella brezza», versi che fungono da preludio ad un'esplorazione delle dinamiche dell'amore e dell'essere. Manuel utilizza la sua voce per tracciare un itinerario animico che va dall'attrazione personale alla consapevolezza di essere un frammento di qualcosa di più grande, invitandoci a riflettere sulle nostre relazioni e sull'importanza di ogni singola esperienza nella nostra vita. Questa canzone diventa così un inno alla comprensione, alla consapevolezza di essere parte di un disegno più grande, un piccolo granello di sabbia in un meraviglioso universo in cui, nonostante le singolarità di ciascun componente, siamo tutti interconnessi e capaci di intrecciare le nostre esperienze in qualcosa di divino. “Metalli”, co-prodotta con Matteo Magni e masterizzata da Cristiano Maclovin Messina presso il Magnitude Record Studio, è l’espressione in musica della forza dell'amore verso se stessi e verso gli altri come unica via per una reale unione delle anime, che nella frase-chiave «Ci siamo fusi come i metalli» trova una chiara visualizzazione del processo di coesione ed connessione. Questo passaggio, evoca l'immagine del metallo, elemento naturale solido che, sotto l'influenza di calore estremo, perde le sue rigide barriere individuali per mutare in una nuova, indistinguibile entità. Così, Manuel ci suggerisce che attraverso il calore dell'amore e delle esperienze condivise, le persone possono superare le loro divisioni superficiali, fondendo i loro spiriti in un'armonia perfetta. Questo importante messaggio, non solo celebra l'amore come forza trasformativa, ma ci incoraggia anche a riflettere su come, nell'accettare e amare pienamente noi stessi, apriamo la porta all'opportunità di connessioni autentiche con chi ci circonda. Un simbolo di speranza e di potenziale umano che ci ricorda che, nonostante le nostre apparenze distinte, possediamo la capacità innata di unirci oltre le differenze, creando legami che sono sia intangibili nella loro essenza spirituale, sia profondamente concreti nella loro manifestazione quotidiana. Con un sound elegante, delicato e incredibilmente suggestivo, "Metalli", impreziosito dalla vocalità unica di Manuel, capace di emozionare fin dal primo ascolto per potenza, intensità e sincerità espressiva, è destinato a diventare la colonna sonora di tutti coloro che nella musica ricercano non solo evasione, ma anche comprensione, ascolto e condivisione. Il brano è accompagnato da un vero e proprio videoclip "cinematografico", diretto da Dip Content, Lorenzo Sibug e Kevin Chester Ramos, che enfatizza la dualità del viaggio interiore intrapreso dall’artista, giocando con il contrasto tra la neve, che rappresenta il subconscio di Manuel, capace di mostrargli la via, e la realtà, simboleggiata nel videoclip dagli scorci su City Life, giungendo infine alla rinascita e alla consapevolezza che nascono al calar del sole, quando tutto si unisce, fondendosi proprio come i “Metalli”. Con questa nuova release, un vero e proprio piccolo capolavoro dark pop contemporaneo, Manuel ci invita a riscoprire l'importanza delle nostre radici e della nostra unione con gli altri e con il mondo che ci circonda. Con “Metalli”, l’artista lombardo dimostra ancora una volta che la musica è tra i più potenti strumenti di espressione, capace di superare qualsiasi barriera abbracciando l'universale attraverso la purezza dell’individuale.... Continua a leggere

YungestAlien, una delle penne più vivide e incisive dell’Hip-Hop italiano, dopo aver incantato la giuria d’eccellenza della prima edizione dell’Italia Music Contest di Caserta, annuncia l'uscita del suo nuovo singolo "Non può piovere per sempre", una traccia che si distingue per l’emotività del suo sound e per il messaggio di speranza che trasmette. Nato dalle coste siciliane di Barcellona Pozzo di Gotto, l’artista ha trasformato la musica nel faro guida della sua vita, affermandosi come una delle voci più autentiche e profonde della scena italiana sin dall'età di 13 anni. Le sue release non offrono solo intrattenimento, ma anche una fonte di ispirazione costante. "Non può piovere per sempre" rappresenta un capitolo cruciale nella storia personale e professionale del rapper, raccontando di una lotta interiore e della ricerca incessante di una luce in fondo al tunnel. Le sonorità, di matrice old school con incantevoli influenze blues, avvolgono l'essenza del viaggio di ogni sognatore che, nonostante le difficoltà e le sfide, continua a perseguire i propri obiettivi con determinazione e coraggio. Con un flow impeccabile che scorre magistralmente su una serie di incastri e punchlines disarmanti, YungestAlien affronta tematiche universali come l'odio, la disperazione e il desiderio di riscatto in maniera autentica, sincera e distante dai cliché. La sua capacità espressiva, lo rende un vero e proprio portavoce di esperienze vissute: nel verso «In Pozzo di Gotto nessuno sente, gente che si sente la mafia, piange se il figlio non torna più a casa», l’artista mette a nudo il disagio che permea la sua città natale, dipingendola come un ambiente che, invece di nutrire i sogni dei giovani, sembra opprimerli, schiacciarli sotto il peso di una realtà soffocante. Con la sua lirica incisiva, YungestAlien va oltre la semplice denuncia sociale, trasformando il dolore e la critica in un messaggio universale di risveglio e resistenza. Questo passaggio, carico di emozione e di verità crude, risuona come un appello alla ribellione contro le catene invisibili che legano le aspirazioni individuali, sottolineando l'importanza di lottare per la propria voce in un mondo che troppo spesso cerca di soffocarla. Al contempo, “Non può piovere per sempre” offre anche uno sguardo critico e nostalgico al panorama musicale e culturale attuale, riflettendo su un senso di esclusione e desiderio di un ritorno ad una scena più autentica e inclusiva. «Qui non passano un emergente che non li esce, l'odio cresce, rivoglio i tempi di MTV Spit che a Nuova Scena ne ho visti pochi di MC», suggerisce la difficoltà per gli artisti emergenti di farsi strada nel settore musicale senza avere già alle spalle una certa visibilità o successo. Questa linea coraggiosa, critica la tendenza dell'industria musicale e dei media a valorizzare solamente chi ha già raggiunto un certo livello di riconoscimento, lasciando poco spazio alla scoperta di nuovi talenti. Tutto questo, riflettere la frustrazione dei giovani talenti nei confronti di un ambiente che sembra sempre più incline a coltivare sentimenti negativi piuttosto che supportare e promuovere la crescita e la diversità artistica. Il richiamo ai tempi di MTV Spit esprime la forte nostalgia per un periodo in cui la musica ed il rapping erano celebrati in maniera più genuina e aperta. MTV Spit, programma televisivo dedicato alle battaglie di freestyle, simboleggia qui un'era in cui i rapper avevano maggiori opportunità di esibirsi e di farsi conoscere dal grande pubblico. YungestAlien lamenta che, nella scena musicale attuale, ci siano pochi MC capaci di incarnare lo spirito e il talento visti in passato, suggerendo un impoverimento della qualità e dell'autenticità nell'ambito rap. Con questo brano, l’artista lancia un duplice messaggio: da un lato, la denuncia di un sistema che sembra ostacolare l'emergere di nuovi talenti; dall'altro, un appello nostalgico ad un ritorno di valori come autenticità, passione e meritocrazia nel mondo del rap e della musica in generale. Al centro di "Non può piovere per sempre" vi è comunque una forte speranza: la convinzione che, nonostante a volte tutto sembri remarci contro, esista sempre la possibilità di un riscatto, di una rinascita. YungestAlien, con il suo stile unico, capace di variare con naturalezza senza limitarsi alla cultura rap purista, mira a suscitare emozioni autentiche in chi ascolta e "Non può piovere per sempre", accompagnato dal videoclip ufficiale che ne amplifica l'impatto emotivo, è una testimonianza della sua versatilità e della capacità della musica di superare le barriere, di unire le persone e di ispirare cambiamenti positivi nelle vite di ciascuno di noi.... Continua a leggere

Dall'attenta analisi delle relazioni personali alla creazione di una traccia che sfida le norme sociali, diventando un vero e proprio atto di resistenza alle convenzioni, "Algoritmo" di SayLar si fa spazio nella scena italiana raccontando, in un hardcore rap serratissimo, il conflitto interiore e la ricerca di autonomia emotiva nell'era digitale. Con un debutto che non passa inosservato, SayLar fa il suo ingresso nel panorama Hip Hop del Belpaese come un vero interprete dei tempi moderni: "Algoritmo", primo estratto dell’EP "Resort" di prossima uscita, è una fusione di barre, incastri e punchlines che si prendono per mano e viaggiano nell'Io più profondo dell'artista, in un percorso di liberazione dalle catene delle aspettative altrui che, oggi più che mai, gravano su ogni singola scelta che decidiamo di intraprendere. SayLar descrive il brano come una reazione viscerale alle pressioni esterne, una rivelazione del desiderio di gestire gli eventi in maniera indipendente, senza lasciarsi sopraffare da imposizioni mascherate da norme: «”Algoritmo” nasce all'inizio di gennaio come una risposta istintiva alle situazioni che la vita mi pone davanti. Questo pezzo riflette il desiderio del mio Io più autentico di affrontare gli eventi senza subire passivamente le costrizioni della realtà quotidiana. L’ho scritto in maniera spontanea, basandomi su esperienze vissute ed errori passati: funge un po’ da catalizzatore per attivare in me la reazione appropriata a ciò che mi circonda, piacevole o meno». Queste riflessioni trovano eco nelle liriche incisive di “Algoritmo”, in cui ogni verso serve da ponte tra il vissuto personale di SayLar e le tematiche universali dell'autenticità e dell'integrità individuale. «Non mi bevo tutto quello che mi hai detto, le tue parole dolci come assenzio», canta l’artista, delineando il suo distacco dalle illusioni confortanti ma ingannevoli che spesso vengono propinate come verità. Questa linea mostra come il brano scavi nella lotta per mantenere la propria identità e percezione delle cose, nonostante le distorsioni create dalle relazioni e dalle circostanze. «Adesso apri la pagina e più o meno prendi spunto», prosegue il testo, suggerendo una rinascita e una trasformazione che sono tanto una sfida quanto una liberazione. SayLar invita gli ascoltatori a riflettere su se stessi e a trovare il proprio “Algoritmo” personale per navigare la vita, uno che non sia preimpostato da altri, ma creato attraverso esperienze vissute in prima persona, sulla propria pelle. SayLar, che ha iniziato a scrivere testi come forma di sfogo personale prima di mettere le sue parole in musica, ha maturato il suo stile attraverso esibizioni in diverse città, tra cui Milano, Torino e Pavia. La sua capacità di adattarsi a generi musicali differenti, dall’hip-hop al rock, dall’elettronica al drum and bass, riflette un eclettismo che risuona fortemente in "Algoritmo". Il suo nome d'arte, scelto per rappresentare la sua capacità di comprendere il funzionamento delle cose con un solo sguardo, incarna la sua musica: intuitiva, riflessiva e incisiva. "Algoritmo" è un promemoria per chiunque cerchi di comprendere e accettare le proprie complessità in un mondo che sempre più spesso vuol semplificarci e categorizzarci. SayLar non solo racconta una storia, ma invita ad una partecipazione attiva, ad andare oltre l'ascolto passivo, spingendoci verso una comprensione più profonda di noi stessi, delle nostre dinamiche interiori e di ciò che ci circonda. Con “Algoritmo”, SayLar, oltre a sancire il suo esordio discografico, stabilisce anche un nuovo standard per l'autenticità nella musica contemporanea, in particolare nel panorama rap italiano.... Continua a leggere

Dopo il travolgente successo di "Amore Incondizionato", Vi Skin torna a parlare della sua squadra del cuore in "Ho scelto di vincere" (PaKo Music Records). La cantautrice ciociara, nota per l’emozionalità della sua voce, i suoi testi incisivi e per la passione sfrenata per la squadra nerazzurra, ha lavorato senza sosta per oltre un anno a questo nuovo progetto, cogliendo l'essenza stessa del tifo interista e trasformandola in musica. "Ho scelto di vincere" è, infatti, un vero e proprio manifesto di appartenenza, storia, orgoglio e valori che rappresentano il mondo dell'Inter. Vi Skin, in sinergia con il produttore Matteo “Orph3us” Passarelli, anch'egli tifoso appassionato, ha dato vita ad un inno che intreccia l'eleganza degli archi alla potenza del pop moderno, riflettendo in musica i due volti della città di Milano: la maestosità racchiusa in luoghi emblematici come il Teatro alla Scala e l'energia vibrante di uno degli stadi più amati d’Italia, San Siro. Il brano trae ispirazione da un profondo senso di tradizione e comunità: il verso iniziale «I colori del cielo, l’azzurro che avvolge il nero, l’oro delle stelle che fa da sfondo» si rifà al discorso di Gian Felice Facchetti tenuto in occasione del centenario nerazzuro che, a sua volta, evoca le parole del pittore Giorgio Muggiani, creatore dello storico logo della squadra, che nel 1908 annunciò la nascita del club definendo i colori della sua maglia in questi termini: “hanno scelto per noi i colori del cielo, l’azzurro che avvolge il nero, l’oro delle stelle che fa da sfondo, siamo l’Internazionale perché noi siamo fratelli e sorelle del mondo”. Questa scelta simboleggia un'identità radicata e cosmopolita al contempo, che Vi Skin ha magistralmente trasposto in una release che arriva dritta al cuore dei tifosi. La collaborazione tra l’artista e Matteo Passarelli ha generato un arrangiamento unico, in cui la classicità degli archi, fortemente desiderata da Vi Skin, si fonde con l'energia contemporanea della musica pop, creando un ponte tra la tradizione musicale italiana e il dinamismo del calcio moderno. "Ho scelto di vincere" è frutto anche di un dialogo diretto con i tifosi: Vi Skin, tramite il suo profilo TikTok, ha raccolto parole e sentimenti che per i nerazzurri rappresentano l'essenza della loro squadra: famiglia, fratellanza, amore. In un'epoca in cui è sempre più evidente che il calcio si spinge oltre la semplice competizione sportiva, "Ho scelto di vincere" rappresenta a tutti gli effetti una dichiarazione di “Amore incondizionato”, ma a differenza del precedente singolo dedicato al club, volto più a punzecchiare le squadre avversarie giocando con il tema della rivalità, questo nuovo brano è una pura e profonda dedica d'amore che celebra il legame viscerale capace di unire la squadra e i suoi tifosi, indipendentemente da ogni forma di sfida e contesa. “Ho scelto di vincere” è disponibile su tutti i digital store dal 5 Maggio, una data iconica per ogni tifoso nerazzurro, ricca di sentimenti contrastanti di trionfo e sfida: si tratta infatti del giorno in cui l’Inter perse uno scudetto, ma anche del giorno in cui vinse il primo dei tanti trofei di una stagione che rimase nella storia, la stagione del famoso “triplete” e della celebre “manita”. Attraverso le liriche del testo, Vi Skin trasmette un messaggio di incoraggiamento e di forza, ricordando ai tifosi che, nonostante le sfide e le sconfitte, l'identità e la passione condivise sono fonti inesauribili di ispirazione e orgoglio: «È facile supportare una squadra quando si vince – dichiara -, ma il vero amore si dimostra stando accanto ai propri colori anche e soprattutto nei momenti difficili. Con questo brano, ho voluto trasformare il 5 maggio, una data spesso ricordata con amarezza, in un simbolo di gioia e orgoglio. Quando i rivali cercheranno di ricordarmi questa data con un senso negativo, io risponderò con orgoglio che è il giorno in cui è nato il mio nuovo inno d'amore per l'Inter. La musica è il mio strumento per trasformare le emozioni negative in qualcosa di positivo e duraturo, e con questa canzone ho voluto regalare ai tifosi un motivo in più per amare e celebrare la loro squadra, nel bene e nel male». Il videoclip ufficiale che accompagna il brano, diretto da Federica Di Pasquale, verrà presentato in anteprima su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane. Il video, girato tra le storiche vie di Milano ed il Teatro Marrucino di Chieti, traspone sul piano visivo l’iconico contrasto, già sottolineato nel testo, tra l’imponenza e la rilevanza storica del club e il dinamismo che lo contraddistingue da sempre. Vi Skin conclude con una dichiarazione toccante: «Questo brano è per voi, nerazzurri, per chi vive ogni giorno la passione per l'Inter. Ho messo ogni frammento della mia anima in “Ho scelto di vincere”, sperando di rendervi orgogliosi. Siamo più di una squadra; siamo una famiglia, un unico grande amore che attraversa i tempi e le difficoltà». Con “Ho scelto di vincere”, Vi Skin, che ha ricevuto un invito speciale a partecipare alla festa della Curva Nord la prossima estate per festeggiare l'aggiunta della seconda stella al palmarès dell'Inter, non solo celebra la gloriosa storia del club, ma rafforza l'identità e la passione di una delle squadre più amate al mondo.... Continua a leggere

Dopo lo straordinario successo riscosso su Netflix con il film "Fabbricante di Lacrime" - che ha debuttato al vertice delle classifiche di popolarità della piattaforma streaming su scala globale - Biondo non si ferma e torna alle sue origini musicali con "Un'altra notte", il suo nuovo singolo che lo vede al fianco del giovane talento argentino d'adozione romana giamba. Il brano rappresenta una fusione di emozioni e musica, in cui la nostalgia e il desiderio di riavvicinamento si scontrano con il bisogno di andare avanti e lasciarsi il passato alle spalle. Con una grande profondità lirica ed un'audace sperimentazione nel sound, "Un'altra notte" si distacca dalla convenzionale narrazione musicale per avventurarsi in territori emotivamente più complessi e ricchi di sfumature. La combinazione di elementi melodici e ritmici crea un tessuto sonoro che accoglie l'ascoltatore in una dimensione intima, attraverso la malinconia e la riconciliazione. Le strofe del brano riflettono due visioni contrastanti di un amore perduto: la prima, evoca un irresistibile desiderio di riavvicinamento, mentre la seconda esprime il doloroso processo di accettazione ed il superamento del passato. Questo dualismo è intensificato dall'uso creativo della voce e dei synth, che si mescolano per creare un'atmosfera emotivamente carica e viscerale. L'abilità dei due artisti nel trasformare il dolore e la speranza in musica è evidente in ogni singolo passaggio del testo: la loro collaborazione va oltre la semplice esecuzione di un feat. "Un'altra notte" rappresenta infatti il dialogo aperto tra le due anime che caratterizzano ciascuno di noi, il confronto e la battaglia interiore tra le due metà alle antitesi dello stesso intero che, nonostante le loro differenze, necessitano di trovare un terreno comune per coesistere e convivere. Una contrapposizione sottolineata dall'uso di una produzione che gioca con contrasti sonori intensi, alternando momenti di pura energia ritmica a interludi più riflessivi e introspettivi. Il brano fluisce attraverso una gamma emotiva ampia, dando spazio al tumulto e alla tranquillità, al caos e alla calma. La dicotomia tra i versi di giamba, che esprimono una nostalgica voglia di riconnessione, e quelli di Biondo, che cercano di chiudere definitivamente il capitolo, riflette le complesse dinamiche delle relazioni. Le espressioni «Un'altra notte insieme» e «Correre fino a stare male» rispecchiano nitidamente l'essenza di questi scontri interni, svelando la lotta per mantenere vive le connessioni passate mentre si cerca di andare avanti, nonostante tutto, al di là del dolore. La produzione musicale, curata nei minimi dettagli, sottolinea ulteriormente questo dialogo, con una scelta di suoni che enfatizza sia la tensione che la risoluzione dei temi trattati, aggiungendo un ulteriore strato di profondità a questi temi, con arrangiamenti che enfatizzano il sentimento di urgenza e di irrevocabilità delle decisioni prese sotto l'influenza di emozioni intense. I sintetizzatori pulsanti e la batteria incisiva creano una colonna sonora che non solo accompagna ma amplifica il racconto lirico, trasformando ogni verso nel battito cardiaco di un racconto più grande. giamba racconta la genesi del brano: «Ho iniziato a scrivere "Un'altra notte" verso la fine dell'estate scorsa, in un momento di grande riflessione personale. Conoscendo Simone (Biondo), ho subito pensato che la sua voce e il suo stile unico potessero dare al pezzo la dimensione che cercavo. La sua pronta adesione e la rapidità con cui abbiamo completato il brano confermano quanto sia stata naturale la nostra collaborazione». "Un'altra notte" è un'analisi profonda sulle dinamiche della memoria emotiva e su come queste possano plasmare la nostra realtà, il nostro presente. È una riflessione sul potere del tempo, che può sia guarire che riaprire vecchie ferite, spesso in momenti inaspettati. giamba e Biondo ci invitano a riflettere su queste verità, con una traccia che offre molteplici spunti di meditazione sulla natura transitoria delle relazioni. Coniugando perfettamente la passione e la nostalgia, il brano si impone non solo come un pezzo di altissima qualità, ma anche come un chiaro messaggio sull'importanza di affrontare e accettare le complessità dei rapporti interpersonali, soprattutto delle storie d'amore. Con questa collaborazione, i due artisti ci spingono a riconoscere e celebrare i momenti trascorsi, sia quelli felici che quelli dolorosi, perché è solo attraverso entrambi che cresciamo e impariamo a valorizzare davvero il presente. "Un'altra notte" è, in ultima analisi, un invito a vivere pienamente, ricordandoci che ogni notte passata, ogni esperienza vissuta, fa parte di noi, definisce chi siamo e ci dà l'opportunità di costruire chi saremo.

Alfie Gray, DJ producer sempre più riconosciuto nella scena musicale elettronica, torna con un nuovo singolo, “Follow Me”. Con questo brano, l’artista bresciano ci porta direttamente nel cuore pulsante della techno berlinese, con una produzione che vanta una cassa potente, un basso profondo e una ritmica veloce che cattura sin dalle prime note. “Follow Me” è un'indagine audace delle possibilità sonore della musica techno. Alfie Gray ha scelto di utilizzare la voce non tanto per narrare, ma per arricchire il tessuto sonoro con texture vocali che si intrecciano magistralmente con i synth, creando un'esperienza auditiva quasi ipnotica. Questo approccio innovativo evidenzia la capacità dell'artista di sperimentare e spingersi oltre i confini tradizionali dell’elettronica. Il brano si sviluppa attraverso una struttura che alterna elementi ritmici a melodie avvolgenti, caratteristica distintiva del lavoro di Alfie, che ama creare pezzi lunghi e sostanziosi, permettendo agli ascoltatori di immergersi completamente nel suo universo musicale, perdendosi nelle profondità della sua creatività. «La mia intenzione con “Follow Me” – dichiara - era di avvicinarmi ad una techno più berlinese, mantenendo quel tocco personale che i miei fan hanno imparato a conoscere e ad amare. Questo brano rappresenta un'evoluzione nel mio stile, una fusione tra il ritmo incalzante della techno e le armonie melodiche che caratterizzano la mia musica». “Follow Me” non è solo un viaggio attraverso il suono, ma anche un invito a esplorare le proprie emozioni e a lasciarsi trasportare dalla potenza della musica. Con questo singolo, Alfie Gray, oltre a riconfermare il suo talento e la sua innovazione nel panorama della musica elettronica, pone anche le basi per ulteriori esplorazioni artistiche. Noto per il suo approccio meticoloso alla produzione, infondendo ogni traccia con una qualità cinematica che è tanto avvolgente quanto espressiva, l’artista, in "Follow Me", intreccia sapientemente melodie sintetizzate e linee di basso profonde, creando un paesaggio sonoro che è al contempo intenso e invitante, simile ad una camminata notturna attraverso le strade illuminate solo dai neon di una città mai dormiente. La peculiarità di questa traccia è la sua capacità di trasmettere un'emozione cruda attraverso l’elettronica, una caratteristica che Alfie ha perfezionato nel corso degli anni. La sua abilità nel flettere il genere per raccontare storie e sensazioni è evidente in ogni beat e in ogni nota, facendo di "Follow Me" un'esperienza indimenticabile per chi cerca nella musica non solo intrattenimento, ma una vera e propria narrazione emotiva. Con questa release, Alfie Gray aspira ad influenzare il modo in cui percepiamo e interagiamo con la musica da club. Il suo approccio unico serve come ponte tra diversi mondi musicali, dimostrando che la techno non è solo per le piste da ballo, ma può anche essere un potente mezzo di espressione personale e di connessione. Alfie invita i suoi ascoltatori a tuffarsi nella complessità delle sue tracce, scoprendo i sottili dettagli e le vivide sfumature che contraddistinguono il suo lavoro. È un invito a rallentare, ad ascoltare più profondamente e a connettersi con la musica in modo più significativo. “Follow Me” va oltre al semplice concetto di brano; è un manifesto, un promemoria ritmico di ciò che la musica può essere: trasformativa, evocativa ed incredibilmente umana.... Continua a leggere

LIIA, la cantautrice slovacca che ha incantato l’Italia con l’intensità della sua voce e l’emozionalità della sua penna, torna nei digital store intrecciando le corde della sua anima a quelle del pianoforte in “Last Time”, il suo nuovo singolo. Prodotto in collaborazione con il pianista Peter Butor e i produttori Andrea Cattaldo e NDGN (Andrea “Andy” Fumagalli dei Bluvertigo & Eugene Valenti) del Ground Control Studio di Milano, "Last Time" è avvolto da un’atmosfera pop-epica che fonde l’attitude cinematografica alla capacità di catturare l'emozione cruda del lasciarsi andare, raccontando la struggente storia di un triangolo amoroso e la sofferenza del dirsi addio. Con la maestria e la lucidità di un “architetto emotivo”, LIIA sceglie la cura di sé anziché il vittimismo, in una narrazione dolceamara che echeggia in chiunque abbia mai dovuto lasciar andare un amore per salvare se stesso. «Now I see you in her arms and I'm dying inside. I’m not gonna take it I don’t want this role. I just have to try to save my soul» («Ora ti vedo tra le sue braccia e sto morendo dentro. Non lo accetterò, non voglio questo ruolo. Devo solo cercare di salvare la mia anima»): parole potentissime, in cui si riflette il tormento di vedere la persona amata con qualcun altro, ma anche la determinazione di salvare se stessi e la propria dignità, trasmettendo un messaggio forte di autostima e indipendenza. Rifiutando di restare intrappolata nel ruolo di vittima, LIIA fa una scelta coraggiosa e liberatoria. La sua decisione di mettere fine ad un ciclo interminabile di sofferenza personale, trasforma il tormento in una dichiarazione di resistenza e autoconservazione, mostrando che anche nei momenti di massima vulnerabilità, l'individuo ha il potere di riaffermare il proprio valore, scegliendo un percorso migliore, un cammino di guarigione e consapevolezza. Con una melodia che enfatizza ogni battito e ogni pausa, "Last Time" eleva la dichiarazione di LIIA in un inno all'emancipazione, che invita gli ascoltatori a prendere in mano le redini della propria vita e a riscoprire il proprio diritto alla felicità e alla dignità, lasciando alle spalle le ombre di un amore che anziché amplificare la luce interiore, la offusca soffocandola nel dolore e nell’autocommiserazione. «I am gonna take care of my myself, my dignity» («Mi prenderò cura di me stessa, della mia dignità»): LIIA chiude un capitolo difficile ma necessario, invitando chi ascolta a fare lo stesso nelle proprie vite. Una frase-mantra per l'autocura e l'affermazione di sé, che cattura l'importanza di mantenere la propria integrità in situazioni che ci mettono alla prova. L’aspirazione dell’artista è quella di vedere le sue canzoni trasformarsi in colonne sonore di film, un sogno che rispecchia la sua capacità di evocare immagini vivide e momenti emotivi attraverso il suono. La sua musica, descritta dalla stampa come un "dipinto sonoro", invita a compiere un viaggio intimo, sfiorando temi come l'amore, la nostalgia e la libertà. Semifinalista di "The Coach", LIIA, nonostante non rientri nello stampo tipico di una giovane artista, rifiuta di farsi scoraggiare, abbracciando il suo spirito creativo e la sua estetica sensuale e bohémien. In "Last Time", LIIA utilizza la sua voce come veicolo per diffondere temi di grande rilevanza come l’autoconservazione e la rinascita, offrendo un esempio ispiratore di come si possa uscire rafforzati da situazioni di vita avverse. Un’esortazione a riflettere sul nostro valore, che non va mai misurato in base agli standard altrui o alle aspettative imposte da chi ci circonda; un promemoria in musica per ricordarci che la nostra autenticità e la nostra identità sono sacre e non devono essere compromesse o modellate dalle opinioni o dai desideri degli altri. “Last Time” è tutto questo e molto di più; un richiamo a riconoscere che siamo gli unici artefici del nostro destino e che la dignità personale deve sempre essere preservata. A differenza dell’EP d’esordio "Flowering Trees" e del successivo singolo “Hold On”, “Last Time” si distacca dalle delicate melodie del passato per abbracciare una sonorità più decisa e pop-epica, pur mantenendo la profondità emotiva che definisce la cifra stilistica di LIIA. Un’evoluzione audace e sofisticata, che introduce una nuova complessità nelle composizioni musicali dell’artista. L'arrangiamento, curato nei minimi dettagli, non è solo una cornice per le liriche, ma un potenziamento della narrazione, che amplifica il messaggio di forza e di rinascita personale al cuore del brano. «”Last Time” – dichiara LIIA – nasce dal bisogno di trovare il coraggio di fare scelte difficili, ma fondamentali per il nostro sviluppo personale. Con questo brano, ho voluto esprimere il momento cruciale in cui si decide di non lasciare più che gli altri definiscano chi siamo. È un invito a seguire una bussola interna che rispetti la nostra essenza e i nostri valori, a prendere decisioni che riflettano la nostra autenticità. “Last Time” rappresenta quella svolta definitiva, il punto di non ritorno in cui abbiamo l'opportunità di riaffermare e celebrare la nostra individualità. Spero che ascoltando questo brano, gli altri possano sentirsi ispirati a fare lo stesso, a riconoscere il loro valore intrinseco e a prendere in mano le redini della propria vita». Parole volte a catalizzare un cambiamento positivo, promuovendo una cultura di rispetto e cura di sé che è tanto necessaria nel mondo di oggi. Con questo singolo, LIIA mostra una maturità e una consapevolezza notevoli nel maneggiare temi complessi con una nuova visione sonora, evidenziando anche di saper evolvere e rinnovare il proprio suono in modo significativo. “Last Time” è una fonte di sostegno e ispirazione, un inno alla forza interiore che tutti noi possediamo. “Last Time” è il coraggio di fare scelte difficili per preservare la nostra essenza, un appello a vivere pienamente, con dignità e orgoglio per le scelte che definiscono chi siamo.... Continua a leggere

In un'epoca in cui il confine tra il reale e l'immaginifico si fa sempre più sottile, "Nellie (from Hill House)" di VMC si staglia come un vero e proprio faro musicale nella notte, illuminando le tenebre più cupe e spaventose che offuscano l’animo umano. Questo nuovo singolo del rapper romano, attinge alla ricca vena narrativa della serie TV "The Haunting", in particolare alla sua prima stagione ispirata al classico letterario “L’incubo di Hill House” di Shirley Jackson, per tessere un parallelismo intenso e personale con la vita dell'artista stesso. VMC, con maestria e profondità, traccia un percorso che va oltre il semplice omaggio ad un racconto di fantascienza. “Nellie (from Hill House)” è un cammino attraverso il dolore, la paura e l'isolamento, affrontati con il coraggio di chi ha deciso di guardare in faccia i propri demoni. Il brano, pubblicato per PaKo Music Records e distribuito da Believe Digital, si dipana attraverso sonorità horrorcore di matrice old school, ricreando un'atmosfera densa di suspense e carica di emozioni viscerali. Verso dopo verso, la traccia rivela l'intima connessione tra l'artista e il personaggio di Nellie, simbolo di una lotta interiore contro i fantasmi del passato. «Daddy, do you remember the bent-neck lady? Yes? She’s back!» («Papà, ti ricordi la signora dal collo storto? SÌ? Lei è tornata!») - con questa domanda satura di angoscia, VMC ci introduce in una dimensione in cui il terrore si mescola alla realtà, dove i fantasmi non sono solo entità soprannaturali, ma rappresentazioni dei tormenti interni, lo specchio distorto e distopico di noi stessi e della realtà che ci circonda. Il ritornello, «One, two, three, four, five, six, seven (again)» («Uno, due, tre, quattro, cinque, sei, sette (di nuovo)»), diventa un mantra, un tentativo di dare ordine al caos, di trovare una via d'uscita dal labirinto del dolore. Eppure, è proprio in questo conteggio ossessivo che risiede la verità più profonda del brano: la lotta per la visibilità, per essere riconosciuti e compresi in una società che troppo spesso ci rende invisibili. «I was right here, I was screaming and shouting and none of you could see me» («Ero proprio qui, stavo urlando e gridando e nessuno di voi poteva vedermi») – con queste parole, VMC esprime il dolore dell'invisibilità, della lotta disperata per farsi sentire in un mondo che sembra ignorarci. È un grido che risuona struggente, abbracciando nella morsa di un vuoto pregno di sofferenza tutti coloro che si sono sentiti trasparenti, inascoltati, dimenticati, diversi. "Nellie (from Hill House)" è un tuffo nei sentimenti umani più stagnanti, nelle paure e nelle aspirazioni che per quanto ci spezzino dentro, ci uniscono, rendendoci tutti sullo stesso piano di vulnerabilità, quel piano che può sgretolarsi sotto i nostri piedi, ma anche elevarci a persone migliori e più consapevoli. VMC si avventura nel cuore oscuro dell'esperienza che racconta, dimostrando che anche nei momenti più bui, se lo desideriamo, c'è speranza, c'è luce. La sua musica e il suo flusso di coscienza che la corrobora di veleno e del suo antidoto, diventano il mezzo per navigare in queste acque tempestose, offrendo a chi ascolta conforto e comprensione. «Con “Nellie (from Hill House)” – dichiara l’artista -, ho voluto creare un ponte tra la narrativa fantastica e le realtà emotive con cui tutti possiamo identificarci. La canzone parla di lotta, di dolore, ma anche di speranza e resilienza. L’ho scritta dopo la prima delle 12 volte in cui ho guardato “The Haunting”. È un invito a non arrendersi, a combattere contro i propri demoni e a cercare la luce anche quando tutto sembra perduto. Attraverso la musica, possiamo trovare una via d'uscita, possiamo iniziare a guarire». "Nellie (from Hill House)", infatti, non solo ci guida alla scoperta dei labirinti più oscuri della nostra anima, ma ci offre anche la chiave per uscirne, dimostrandoci che, nonostante il peso del nostro passato e i fantasmi che abitano in noi, c'è sempre spazio per la guarigione, per il cambiamento. È un brano che incita all'introspezione, ma anche alla speranza, ricordandoci che, alla fine, possiamo emergere più forti dalle nostre prove. Con questo brano, VMC conferma il suo ruolo di artista capace di trattare temi complessi con sensibilità ed empatia, invitando gli ascoltatori ad una profonda immersione nella psiche umana. "Nellie (from Hill House)" è una pietra miliare nell’Horrorcore italiano, un lavoro che testimonia l'abilità di VMC di trasformare il dolore e la paura in arte, in un messaggio di forza, resilienza e speranza per il futuro.... Continua a leggere

Ladrone00, al secolo Simone Cicconi, torna a sorprenderci con "Fiamme", il suo nuovo singolo che rappresenta il punto d'incontro tra la devastazione e la rinascita generate dal fuoco. Un brano che racconta la storia di un amore complesso, fatto di contrasti, ma anche di una passione così intensa da poter vincere ogni ostacolo. L'artista marchigiano, noto per la sua capacità di fondere generi diversi creando armonie inaspettate, dopo aver conquistato pubblico e critica con “Fragile”, baluardo in chiave rap-dance contro i giudizi di un mondo iperconnesso, con questo nuovo lavoro indie-pop si immerge in un racconto dove gli alti e bassi di una relazione diventano la melodia principale. Il testo di "Fiamme" si snoda attraverso versi carichi di immagini: «Eh non bevo ma non sono astemio, non mi bevo tutto quello che mi hai detto, le tue parole dolci come assenzio». Qui, Ladrone00 non solo esprime la complessità dei sentimenti, ma anche la forza necessaria per affrontare e superare le sfide insite in ogni rapporto amoroso. E nel passaggio «Spari, nel mio petto hai fatto centro, centro. Ho i brividi se mi sfiori, ush. Appicchiamo sto incendio, incendio. Sei l'unica che mi manda fuori, fuori», l’artista cattura l'essenza del desiderio e della riconciliazione con parole che non sono solo l'eco di un rapporto travagliato, ma la dimostrazione che il vero equilibrio, molto spesso, risiede nella capacità di concedere a se stessi di perderlo. Con sensibilità e maestria, Ladrone00 riesce a trasformare il racconto di una relazione in una danza tra fiamme, in cui ogni passo avvicina i protagonisti nonostante gli ostacoli. La produzione del brano, affidata a Matteo Rossini, si distingue per l'uso di strumenti quali voce, pianoforte, synth e batteria, creando un sound che incanta e invita all'ascolto. Un sound che avvolge menti, orecchie e cuori in un caldo abbraccio, dove il pianoforte e i synth creano un'atmosfera onirica che contrasta e al tempo stesso accoglie il ritmo marcato della batteria. Questa dicotomia musicale riflette il dualismo tematico della canzone tra amore e odio, offrendo un'esperienza d'ascolto ricca e coinvolgente, che invita a riflettere sull'amore nelle sue molteplici sfaccettature. «Eh allora dimmi dimmi dimmi dove andiamo, Attorno noi fiamme fiamme poi balliamo», canta Ladrone00, descrivendo l'attrazione incontrollabile e la volontà di arrendersi completamente al proprio cuore, nonostante le difficoltà. La canzone diventa così un promemoria che, nonostante le divergenze, l'amore ha il potere di trionfare, scatenando "un incendio" positivo di passione e complicità. "Fiamme" è ispirata a storie reali, rivelando un profondo senso di empatia e comprensione verso le dinamiche affettive. L'artista, attraverso questo brano, si fa portavoce di chiunque abbia provato un sentimento intenso, segnato da momenti di felicità ma anche di difficoltà, dimostrando che ogni relazione è un viaggio, a volte tortuoso, ma sempre degno di essere vissuto, come lui stesso racconta: «"Fiamme" nasce da un'osservazione attenta delle relazioni che mi circondano, dalla consapevolezza che l'amore è un viaggio pieno di sorprese, dove ogni ostacolo superato insieme può solo rafforzare il legame. Questa canzone è un omaggio al potere dei sentimenti di superare differenze e difficoltà. Con “Fiamme”, voglio invitare chi ascolta a non temere i momenti difficili, ma a vederli come opportunità per crescere e avvicinarsi ancora di più alla persona amata. La collaborazione con Matteo Rossini ha aggiunto una nuova dimensione al brano, creando una sinergia perfetta tra le parole e la musica che spero possa toccare il cuore di chi ascolta, proprio come ha toccato il mio». Con "Fiamme", Ladrone00 conferma il suo talento nell'esplorare le dinamiche più intime con una prospettiva unica, tessendo un'opera che brucia di emozioni autentiche e palpabili e regalando un mosaico sulla natura stessa dei sentimenti, sulle loro contraddizioni e sulla bellezza delle loro manifestazioni più sincere. Attraverso la sua musica, Ladrone00 dà prova che è possibile trovare armonia e felicità anche nei rapporti più complessi: "Fiamme" è un tributo alla forza dell'amore, un fuoco che brucia dentro ciascuno di noi, capace di distruggere, logorare, ma anche e soprattutto di illuminare la vita anche nei momenti più bui. Questo singolo si conferma un'ulteriore prova dell'eclettismo e della profondità artistica di Ladrone00, un cantautore che continua a esplorare nuovi orizzonti sonori e tematici, dimostrandosi un vero e proprio narratore d'eccezione nel panorama musicale italiano.... Continua a leggere

«Sangue nelle mani, ho ferito la mia donna, ma una lacrima, una sola, mi ha fatto pentire di ciò che ho fatto». È con questa confessione, tanto cruda quanto struggente, che Occhic e Impulso aprono la porta ad un doloroso viaggio nel cuore della violenza di genere, affrontando con delicatezza e coraggio una delle piaghe più atroci che affliggono la nostra società. In "Sangue nelle Mani", la musica diventa veicolo di una narrazione che non teme di esplorare le conseguenze devastanti e irreversibili di atti di violenza troppo spesso celati dietro la quotidianità delle porte chiuse, in un angolo oscuro delle nostre coscienze. La canzone si immerge nella mente e nel cuore di un uomo che, perso nel vortice della rabbia e dell'incomprensione, compie l'irreparabile: la vita di una donna, la sua ex partner, viene brutalmente interrotta dalla furia cieca dell’ego, della gelosia, del possesso. Ma il racconto non si ferma alla tragedia dell'atto, dando voce al tumulto interiore di colui che si ritrova con il "sangue nelle mani", incapace di convivere con il peso di un gesto estremo, conducendolo infine ad un tragico epilogo personale. Il brano diventa un viaggio angoscioso attraverso i corridoi bui del pentimento, dove la solitudine e il rimpianto si fanno compagni costanti. La consapevolezza della gravità del suo aberrante errore lo assale, mostrandoci che, oltre la violenza - che non è mai giustificabile -, esiste un abisso di sofferenza e perdita in cui anche l'autore dell'atto si perde. Nel cuore del testo di "Sangue nelle Mani", troviamo versi che trasudano una disperazione cruda e un tormento che si annida nelle pieghe più oscure dell'anima. «Ho macchiato le mani di sangue e non so più dove potermi nascondere» rivela un senso di colpa insopportabile, una macchia che non può essere lavata via, né ignorata. Questa frase, carica di rimorso, dipinge l'immagine di un individuo in fuga non solo dal mondo esterno, ma soprattutto da se stesso, dalla propria coscienza che non concede tregua o rifugio. «Mi prendo la mia vita con un gesto estremo e sopito» chiude il cerchio di questa tragica narrazione, sottolineando l'inevitabilità della fine scelta dall'artefice della violenza. Questo gesto, descritto come "estremo e sopito", riflette un ultimo tentativo di trovare pace, seppur attraverso un atto di definitiva disperazione. Questa decisione non è vista come una fuga, ma come l'unico percorso rimasto a un'anima ormai troppo lacerata per continuare a sopportare il peso di un crimine così atroce. Entrambi questi versi, con il loro intenso carico emotivo, invitano l'ascoltatore ad una riflessione profonda sull'impatto devastante dei soprusi, non solo sulle vittime, ma anche su chi li compie. Questa canzone scava a fondo, toccando corde molto complesse e penetrando un territorio raramente esplorato, addentrandosi nel vortice di un’esperienza profondamente travagliata. “Sangue nelle Mani” si avventura nell'animo di chi si ritrova, troppo tardi, a fare i conti con le conseguenze irreversibili delle proprie azioni, cercando di comprendere senza mai giustificare, di narrare senza mai legittimare, le tragiche spirali che possono nascere da momenti di perdita di controllo. È un monito in musica che risuona con urgenza, un appello straziante a riflettere sull'impatto devastante degli atti violenti, sulle cicatrici indelebili che lasciano dietro di sé e sulla necessità impellente di cercare vie di comunicazione più sane e costruttive, per prevenire che altre vite siano spezzate in un ciclo senza fine di dolore e rimpianto. "Sangue nelle Mani" si rivela, allora, non solo come un manifesto di denuncia contro abusi perpetrati, ma anche come un amaro riflesso sul tormento di chi si trova a vivere con le conseguenze delle proprie azioni. L'uomo, incapace di sostenere il peso schiacciante della colpa, si avvia verso un'uscita altrettanto tragica, scegliendo di porre fine alla propria sofferenza in un gesto di estrema disperazione. Attraverso questo brano, Occhic e Impulso non cercano di fornire giustificazioni o di alleggerire la gravità degli atti commessi; al contrario, ci confrontano con l'oscurità e le conseguenze devastanti degli abusi e dei soprusi, sottolineando l'assoluta necessità di prevenzione e di cambiamento culturale. Questa canzone è un appello alla consapevolezza, un invito a guardare dentro di noi e intorno a noi, a riconoscere i segnali di pericolo e ad agire per proteggere le vite. "Sangue nelle Mani" è un grido affinché si rompa il silenzio, si superino gli stereotipi e si combatta uniti contro la violenza di genere, promuovendo relazioni sane e rispettose. Occhic, al secolo Alessandro Federico D’Elia, ha sempre utilizzato la sua musica come un mezzo per esplorare e riflettere su tematiche profonde e talvolta scomode. Cresciuto a Ozieri e formatosi musicalmente tra pianoforte, canto e chitarra, ha fatto del suo approccio sincero e diretto un marchio di fabbrica del suo stile artistico. Con "Sangue nelle Mani", impreziosito dal featuring con il rapper Impulso, continua il suo viaggio di racconto emotivo, stavolta addentrandosi in una delle questioni più delicate e urgenti del nostro tempo. Questo brano è un richiamo all'umanità che risiede in ognuno di noi, un invito a fermarsi, ascoltare, e riflettere sulle realtà devastanti di ogni tipo di sopraffazione. Attraverso le voci di Occhic e Impulso, siamo chiamati a confrontarci con le ombre più oscure della nostra società, quelle che troppo spesso preferiamo ignorare o nascondere dietro un velo di indifferenza. Ciascuna nota e parola di “Sangue nelle Mani” ci sfida a riconoscere l'urgenza di un cambiamento, a prendere posizione contro l'indifferenza e a promuovere un futuro dove rispetto e comprensione prevalgano su odio e abusi. Nel tessuto di questa canzone, le confessioni diventano ponti: collegamenti tra cuori e menti, inviti a scavare nelle profondità della nostra coscienza collettiva e a interrogarci sul ruolo che ognuno di noi gioca nella perpetuazione o nell'interruzione di cicli di dolore. "Sangue nelle Mani" ci ricorda che la violenza lascia cicatrici non solo sulle vittime, ma penetra a fondo, lasciando segni indelebili su chi la compie e su chi ne è testimone. Occhic e Impulso ci dimostrano che la musica può e deve essere uno strumento di dialogo, un mezzo per illuminare le tenebre e guidarci verso un domani più giusto. In un mondo troppo spesso diviso da muri di silenzio e incomprensione, "Sangue nelle Mani" è un richiamo a non voltare lo sguardo dall'altro lato, ma ad impegnarsi attivamente nella costruzione di una realtà dove ogni individuo può vivere libero dalla paura. Questo brano, accompagnato dal toccante videoclip ufficiale diretto da Francesco Mura, è un monito a non sottovalutare il potere delle nostre azioni e delle nostre parole, un promemoria che nel cuore della notte più buia, la luce dell'empatia e della compassione può ancora trovare il modo di brillare. "Sangue nelle Mani" ci esorta ad essere parte della soluzione, a unire le nostre voci in un coro che grida per il cambiamento, e a lavorare insieme per un futuro dove la violenza di genere, e qualsiasi altro tipo di violenza, saranno solo un doloroso ricordo del passato.... 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hetra, artistə rivelazione del panorama musicale italiano proveniente dal lontano pianeta hetra-12, dopo aver incantato pubblico e critica con il suggestivo omaggio al Maestro Franco Battiato nella rivisitazione de “Gli Uccelli” ed aver dato prova del suo approccio unico ed intersezionale alla musica nel debut EP “2019 Benvenuta sul Pianeta Terra”, torna a dar voce a tematiche profonde e attuali in “Fire Flowers”, il suo nuovo singolo. “Fire Flowers” è un brano che nasce dalle ceneri dell’anima, una fenice che prende vita dal movimento della rabbia. “Fire Flowers” è furia. “Fire Flowers” è ira. “Fire Flowers” è fuoco. Ed hetra, nelle sue liriche cariche di simbolismo, è il fiore di questo ardore, la rappresentazione tangibile della lotta interiore tra il consumarsi della rabbia e lo sbocciare dell'essere. Un viaggio attraverso le fiamme del dolore e della rinascita, una metafora potente di distruzione e creazione che si alternano in un ciclo senza fine; un ponte catartico che collega e trasforma la sofferenza e l'autoannientamento nel seme di un nuovo inizio. Perché la rabbia è duplice e ambivalente: sa essere forza distruttiva e al tempo stesso creativa, un'emozione che consuma e incenerisce, ma al contempo in grado di condurci al risveglio, alla scoperta, alla consapevolezza di chi siamo davvero. Proprio come il fuoco, la musica di hetra brucia ma illumina, distrugge ma genera nuove forme di esistenza. Da "Fire Flowers", si riemerge nella quotidianità del nostro vivere non consumati, ma rinati, con una nuova comprensione di sé e del mondo circostante. Questo brano si fa portavoce di una realtà in cui il dolore non è una condanna, ma un passaggio necessario per raggiungere una comprensione più profonda della vita. E come i fiori nel fuoco, espressione di una bellezza crudele e affascinante, hetra diviene urlo liberatorio, confessione nuda e cruda di un dolore lacerante capace di mutare in energia purificatrice. Questa conversione non è solo tematica centrale del brano, ma si riflette anche nella composizione musicale di "Fire Flowers", in cui l'intreccio di melodie e ritmi crea un netto contrasto tra il caos interiore e la ricerca di equilibrio. Grazie al lavoro con la produttrice Kimerica il brano è ricco di sonorità dark e hyper. La ricerca della produzione è arrivata fin negli abissi. La collaborazione delle due artistə ha creato una nuova direzione per hetra. Con un'atmosfera onirica e psichedelica, la traccia trascina in un mondo dove le sfumature primordiali dei moti interiori si fondono con la modernità dei suoni, creando un'esperienza auditiva che rimane impressa nella memoria e nel cuore, smuovendolo prima, e sollevandolo poi, dal fardello di un sentimento che più opprimiamo e più ci rende schiavi di noi stessi. hetra scrive: Sono solo un fiore di fuoco. Quando perdo il controllo, sboccio, mi mostro, i petali si accartocciano con il calore delle fiamme. Muoio. Lentamente. Muoio dopo poco. L’ossigeno si consuma, perdo il controllo, ho una crisi, la furia prendo il controllo, mi colpisco, mi graffio, urlo. Urlo fino a che la pressione del mio viso non fa scoppiare i capillari della pelle. Mi faccio del male. Faccio male. Tuttə mi vedono. Io no. Dove sono? Mi perdo. Non riesco a respirare, la mente mi travolge, il corpo mi distrugge. La ragione, ormai lontana, mi compatisce aspettando in un angolo il suo turno. Nella mente tutto si confonde, rimbombano parole. Non voglio morire, voglio solo morire. Voglio che la morte mi prenda e se ne vada. Il mio sangue è magma, fuoco che scorre, fiamme arteriose. Sono solo un fiore che brucia. Sono una stella senza senso, una cometa senza scia. La luce non può risplendere. Sono arrivatə a terra e sono solə qui. Distruttə. Forse l’unica cosa che mi ricorda dove sono. Non so parlare. Non so vivere. Non so morire. Non so. Non so fare niente. Forse neanche respirare, dopo tutto l’ossigeno ormai è consumato. So solo rimanere immersə nelle fiamme, che forse hanno smesso di bruciare. Urlo. Continuo a urlare. Nelle urla mi perdo. Le fiamme mi accolgono. Il sangue scorre. Tutto si trasforma attraverso il calore. Non so dove sto andando. Alla luce dell’incendio riesco a vedere quello che normalmente è assopito negli abissi. Vedo tutto e allo stesso tempo non vedo niente. Sono un fiore di fuoco. Sono una furia di fuoco. Quando sboccio, muoio dopo poco. La narrazione struggente della dolorosa bellezza di un'esistenza combattuta tra luce e oscurità, un'urgenza viscerale che racchiude in sé la dualità dell’esserci, del vivere: la meraviglia effimera di un fiore che, nello sbocciare, si consuma nel fuoco della propria passione e dolore. hetra ci parla senza filtri, in un ciclo di genesi e distruzione, un'eterna rinascita ove ogni momento di perdita di controllo segna l'inizio di una trasformazione profonda. Un conflitto interno che divampa come un incendio inestinguibile, lasciando segni profondi nell’anima e sul corpo. Ma questo viaggio attraverso il fuoco e il tormento non è solo una discesa nel buio; è anche una ricerca di luce, un tentativo di vedere "quello che normalmente è assopito negli abissi."; hetra, con le sue parole, guida gli ascoltatori ad esplorare l'ignoto, dove il caos e la devastazione possono svelare verità nascoste dando forma ad una nuova comprensione di sé e degli altri. Qui, hetra non è solo cantante e autrice del brano, ma è uno specchio della collettività, un’anima inquieta che usa la musica come strumento per esprimere ciò che non riusciamo a comprendere, a metabolizzare, ad accettare. La sua capacità di trasporre queste intense battaglie interiori in musica non solo dimostra un talento eccezionale, ma riconferma anche l’impegno nei confronti delle tematiche che affronta: dall'ecologia alla questione di genere, dall'antispecismo alla salute mentale trattati nel primo EP, dalla volontà di sollevare il velo di Maya schopenhaueriano che offusca la realtà delle cose all’esigenza di adottare un nuovo linguaggio, più equo ed inclusivo, all’interno di una società frammentata e divisa da rigide dicotomie, l’artistə non porta nei suoi brani semplici argomenti, ma fili intrecciati nel tessuto contemporaneo, indagando con sincerità, coraggio e sensibilità le sfide e le speranze che definiscono il nostro tempo. “Fire Flowers” è un inno alla vita e alla morte, a bruciare tutto e rinascere dalle proprie ceneri, più forti di prima. Questo singolo parla a chiunque abbia mai sentito il peso soffocante della disperazione, ma anche a coloro che, nonostante tutto, continuano a cercare la luce tra le proprie ombre. «”Fire Flowers” – dichiara hetra - è per coloro che nelle fiamme del proprio sangue si perdono, si trovano, rinascono e muoiono. Per coloro che sopravvivono a loro stessə e che non sopravvivono. Per coloro che danno valore alla vita come danno valore alla morte. Per coloro che passano attraverso il dolore e per quellə che ancora non lo conoscono. Siamo furore di stelle, fiamme nella pelle, sangue di belve. Brucia. Bruciamo. Tutto. Insieme». "Fire Flowers", accompagnato da due videoclip, un suggestivo lyric ed un emblematico video ufficiale di prossima uscita -, è per quelli che nelle proprie battaglie si perdono, si trovano, rinascono e muoiono, dimostrando che anche nei momenti di più profonda oscurità, esiste la possibilità di una trasformazione, di una rinascita.

C'è un momento nella vita di ogni artista in cui le parole diventano più di semplici versi; diventano un grido, un grido che non solo si fa strada attraverso il caos, ma promette di trasformarlo. Per Pare, al secolo Michele Pasquali, quel momento è ora, con il lancio di "Il mondo collassa", il suo nuovo singolo in feat. con Trip che fonde magistralmente l’immediatezza del rap alla filosofia del divenire del Pensatore oscuro per eccellenza, Eraclito, in un dibattito senza precedenti che va ben oltre la musica. Dalla pioggia incessante di "Nuvole/Fuori Piove" all'isolamento meditativo di "Sto solo", Pare ha illuminato le “Emozioni Spente" per svegliare le coscienze con le sue barre sature di riflessioni e ora, con "Il mondo collassa", ogni goccia di esperienza, di vissuto, si trasforma in un oceano di consapevolezza, chiedendo agli ascoltatori di nuotare nel profondo delle loro anime per esplorare le verità nascoste che risiedono sotto la superficie. Il brano, nato da un'esigenza vitale di espressione, da un dialogo aperto con la realtà, e spinto da un incontro illuminante con Trip riflettendo sullo stato del mondo tra guerre e divisioni sociali, è un manifesto rap carico di significati profondi, una critica pungente verso la società odierna che dalle ceneri del silenzio trova nei due artisti una voce che sfida e illumina le ombre delle verità scomode, facendo leva sull’affascinante beat curato da Pxter, per dipingere il quadro di un’epoca in cui il grigiore delle città soffoca i sogni e le speranze di molti. «"Il mondo collassa" – dichiara Pare - è nato in una di quelle giornate in cui ti guardi intorno e tutto quello che vedi sembra sfuggire di mano. Insieme a Trip, tra discorsi sull'attualità e le guerre che continuano a insanguinare la nostra epoca, mi sono reso conto che era il momento di fare di più. Di dire di più. Questa canzone è il frutto di queste riflessioni, una risposta alla domanda su come la musica possa influenzare, cambiare, o addirittura migliorare il mondo». Con un testo carico di simbolismo, Pare e Trip indagano sulle pieghe più oscure della nostra realtà: dalla manipolazione politica che sfrutta i "dormienti" per interessi personali, rappresentata dalla citazione di Eraclito, all'influenza corrosiva dell'avidità e del materialismo che distorce le relazioni umane. Il riferimento ai «fratelli poveri e fratelli ricchi, i primi son veri e i secondi son finti», non è per i due artisti una superficiale constatazione, ma un invito per tutti noi a riconsiderare i valori autentici dell'esistenza, ponendo il "povero" come icona di ricchezza spirituale e il "ricco" come emblema di povertà interiore. «In questo pezzo – prosegue l’artista -, io e Trip parliamo della società attuale, descrivendo le varie parti "marce" del mondo di adesso, di come la politica sfrutta ì dormienti, citando Eraclito, per i loro tornaconto. Nel testo citiamo la propaganda dei vari tg, dove le notizie vengono date e cambiate in base alla fazione per essere votati, così che continuino ad alzare le tasse e i prezzi non per il Paese, ma per arricchirsi loro e poter fare quello che vogliono. Affrontiamo anche il tema dei soldi, di come cambino le persone nel corso del tempo, e soprattutto della battaglia che esiste dagli inizi della civiltà tra i ricchi e i poveri. Non voglio generalizzare, perché nel mondo siamo miliardi e so che ci sono molte eccezioni, però, umanamente parlando, per me il povero è ricco e il ricco è povero». Ma il tema centrale del brano è la parola come strumento di cambiamento e potere, un concetto che Pare e Trip enfatizzano con forza e convinzione, ricordandoci che le parole non sono semplici suoni o scritti, ma semi che, se piantati con cura e intenzione, possono crescere in movimenti capaci di scuotere le fondamenta di società intere. «Il mondo collassa per il peso di questa massa», «Sono rimasto umile perché ho usato la testa e non le scuse» e «Potere alla parola sta società di merda si cambia con la parola», sono versi che trascendono la critica per diventare proclami di un potenziale rivoluzionario nascosto nella forza del verbo e del pensiero critico. Pare e Trip invitano ad una presa di coscienza, ad una ribellione contro l'apatia che ci avvolge, sottolineando l'importanza di rimanere autentici, di "usare la testa" per navigare le tempeste della vita, alzando la voce non per seminare caos e violenza, ma per convertirli in equilibrio e armonia. Questo invito si estende oltre il dialogo interiore, spingendoci ad agire, a usare la nostra espressione come chiave per aprire nuove porte di possibilità. I due artisti ci spronano a non sottovalutare il peso di ogni parola pronunciata o ascoltata, evidenziando che, quando decidiamo di parlare, partecipiamo attivamente alla costruzione del mondo che ci circonda. Figura eclettica del panorama rap italiano, Pare ha trasformato la sua passione per la musica in uno strumento di esplorazione personale e collettiva. Dall'infanzia, passando per gli studi di pianoforte e clarinetto, fino alla scoperta rivoluzionaria del rap, la sua musica è diventata un rifugio, un mezzo per affrontare e comprendere la realtà. In questo nuovo singolo, con il prezioso featuring di Trip e l’impeccabile creatività di Pxter, l’artista traccia un sentiero di riscatto personale e collettivo, lanciando un messaggio di speranza: in un'epoca dominata dalle apparenze, dalla falsità e dall'alienazione, l'unico modo per combattere il buio esterno è trovare la luce interiore, essere se stessi e pensare con la propria testa. "Il mondo collassa" è una chiamata alle armi per la mente e lo spirito, un invito a non arrendersi mai, a lottare per i propri sogni e a credere nel potere trasformativo dell'autenticità e della parola. «Con questo pezzo - conclude Pare – io e Trip vogliamo mandare il messaggio di aprire gli occhi e pensare con la propria testa perché le persone cercheranno sempre di fregarsi tra loro, soprattutto in quest’epoca pregna di apparenze e falsità. Veneriamo personaggi che si copiano l'un l'altro e cerchiamo di essere ciò che non siamo. In parole povere, siate voi stessi e usate la testa per ragionare su ciò che vi circonda». "Il mondo collassa" si rivela così un inno per chiunque creda nel cambiamento e nella capacità collettiva di modellare una realtà migliore, ribadendo che la trasformazione più significativa inizia sempre dall'individuo, dalla decisione di parlare, di agire, di essere un agente attivo nel processo di cambiamento che vogliamo testimoniare. Questo singolo ci esorta a pensare, a riflettere, a non lasciarci trascinare passivamente dalla corrente. Non è solo un invito a resistere, ma a lottare con le armi più potenti che abbiamo: la nostra voce, le nostre parole.... Continua a leggere

In un'era dominata da ritmi frenetici, in cui il breve e l'effimero regnano sovrani, il tempo scorre veloce e la musica tende ad inseguirlo con brani sempre più brevi e consumati in fretta, Eric Mormile si distacca audacemente dalla norma presentando “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, il suo nuovo singolo. Il brano, superando la soglia dei 5 minuti, si rivela non solo atipico per la sua durata, ma anche emblematico di un messaggio profondo e universale: la musica come faro lucente, capace di unire al di là di ogni confine. La traccia, con la sua estensione, appare quasi una sfida al mercato “mordi e fuggi”, ma per Eric rappresenta la dimensione naturale dell'espressione artistica: ampia, profonda, e inesauribilmente ricca. Scritto nel 2020 dalla penna innovativa e al contempo intensamente radicata alla tradizione dell’artista napoletano, “Figlie d' 'a Fonte d' 'e Suone” nasce sotto l'ala protettiva dell'isola di Ischia, una musa che continua a donare ispirazione e rifugio creativo a Mormile. Dal suo debutto ufficiale con "Quanta Luce", Eric si è distinto per la sua capacità di combinare sonorità moderne con tematiche di rilevanza sociale, esortando l'ascoltatore a riconoscere e coltivare il proprio "bagliore interiore"​​. Con le successive release, "Nun Pozzo Cchiù Guarì", "Anema ‘e Lione", e con l’album d’esordio "Quanta Luce", l’artista ha sempre mostrato la sua dedizione a sonorità che abbracciano le influenze di Peter Gabriel, Phil Collins, e i Mr. Mister. Attraverso l'utilizzo di strumenti iconici quali la Drum Machine Roland CR-78 e lo Stage Piano Yamaha CP-80, anche in questo preludio del suo nuovo disco Mormile non solo rende omaggio a queste influenze, ma plasma un'identità musicale che è intimamente sua, come un abito su misura indossato con orgoglio e naturalezza. «“Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” – dichiara - è uno di quei brani che porto nel cuore non solo per la sua origine, ispirata durante uno dei miei “soggiorni creativi” ad Ischia, ma per il significato profondo che racchiude. È una canzone nata dall'esigenza di unire le voci di amici e colleghi con cui ho avuto il piacere e la gioia di condividere il palco e la vita, trasformando l'esperienza individuale in un coro di emozioni e ricordi. Anche in questo caso, a supervisionare la parte testuale ci ha pensato il mio amico e ormai stretto collaboratore Salvatore Palomba, autore della celebre ‘’Carmela’’ portata al successo da Sergio Bruni. Conscio del fatto che il mio suono ha bisogno di una continua evoluzione, mi sono affidato alle mani magiche di Nino Pomidoro, che ha mixato e masterizzato il brano». L'inclusione di Attilio Apa, Giuseppe Toscano, Milena Setola, e Giusy Lo Sapio nel brano non è casuale, ma rispecchia la volontà di Mormile di celebrare il legame indissolubile che la musica sa creare tra le persone, unendo le loro voci in un'unica, vibrante espressione artistica. La partecipazione di Luca Guida, con il suo shaker, impreziosisce ulteriormente la traccia, confermando l'idea che ogni dettaglio, ogni suono, contribuisca a dar vita ad un'opera complessa e stratificata. Nel testo di “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, questa visione viene analizzata, espressa ed enfatizzata in maniera sorprendente: «Dimme si esiste na cosa cchiù fforte ca aunisce tutte ‘e perzone, nun è ll’odio, nun è ll’ammore, nun è religione. Uommene e femmene simme tutte quante figli d’ ‘a fonte d’ ‘e suone...». Queste parole, incise con maestria, riflettono una visione del mondo dove la musica trascende le barriere, diventando un linguaggio universale che parla direttamente all'anima, al di là delle differenze che ancora troppo spesso ci dividono. Tra le discrepanze e i conflitti che continuano a frammentare la nostra contemporaneità, Eric Mormile ci ricorda il potere salvifico dell'arte sonora, capace di creare un senso di appartenenza universale, un luogo giudizio e senza confini in cui ciascun individuo può ritrovare se stesso e gli altri; un ponte indistruttibile che collega tutti noi al di là di qualsiasi spartizione. Questo brano, però, non è solo una riflessione astratta sul potere unificante della musica; è anche la celebrazione tangibile di legami reali, forgiati nel corso degli anni, tra palchi condivisi e momenti di vita vissuta insieme. Mormile, con la sua scelta di includere voci amiche nel pezzo, trasforma il concetto di famiglia musicale in una realtà palpabile, un esempio concreto di come l'arte possa diventare il terreno comune su cui costruire relazioni durature e significative. La musica, quindi, diventa un dialogo continuo, un flusso ininterrotto di comunicazione tra esseri umani che, pur nelle loro peculiarità e differenze, si scoprono uniti da un filo invisibile ma inestricabilmente forte. È in questo spazio sacro, tra le melodie e i ritmi di “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone”, che Eric e i suoi compagni di viaggio, Attilio, Giuseppe, Milena, Salvatore, Nino e Giusy, tessono insieme un tessuto armonico che avvolge l'ascoltatore, invitandolo a diventare parte di questa grande famiglia musicale. «Questo brano – conclude Mormile - rappresenta l'unione musicale con tutte quelle persone con cui ho condiviso il dono della musica. Attraverso “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” ho voluto rendere omaggio a quei legami che vanno oltre la semplice collaborazione artistica, diventando parte integrante della nostra vita quotidiana. Con Attilio, Giuseppe, Milena, Salvatore, Nino e Giusy, il concetto di famiglia musicale assume una dimensione reale e tangibile, dove ogni nota suonata insieme diventa testimonianza di un'affinità profonda e sincera». La decisione di aprire il suo cuore e la sua arte a questi talenti, non è solo un atto di fiducia e amicizia, ma è anche una dichiarazione importante del valore che il cantautore partenopeo attribuisce alla collaborazione e al condividere esperienze creative. Attraverso questa unione di voci, “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” diventa testimone di come la musica possa essere un veicolo di amore e comprensione reciproca. Questo messaggio si fa portavoce di una visione inclusiva e profondamente umana, dove la musica diventa metafora di vita, un viaggio comune all'insegna dell'emozione e della condivisione. “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” è accompagnato dal videoclip ufficiale curato da Midea di Michele De Angelis e girato nella suggestiva cornice della Music & Art Academy di Milena Setola e Giuseppe Mellone, aggiunge un ulteriore tassello narrativo al progetto. Sotto l'occhio attento dell’ormai irrinunciabile Diana De Luca, la dimensione visiva si fonde con quella musicale, catturando momenti di spontaneità, gioia e complicità che trasudano da ogni inquadratura; un video che racconta storie di vita, le storie di coloro che, proprio come Eric, trovano nella musica la guida, il riparo, lo scudo e l’energia per affrontare e vivere ogni giornata. “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” non è semplicemente un assemblaggio di note e parole, ma un appello sentito ad immergerci nelle profondità delle nostre relazioni, nell'arte e nella stessa essenza della vita, esplorando e valorizzando le connessioni autentiche e sincere che la impreziosiscono con il loro valore. In una società sempre più connessa nel virtuale ma distante nel quotidiano, “Figlie d’ ‘a Fonte d’ ‘e Suone” si pone come una luce di speranza e unità, sottolineando il ruolo della musica come forza unificatrice capace di abbattere ogni barriera, come catalizzatore di emozioni condivise e comprensione reciproca. Eric Mormile, attraverso questo progetto, non solo conferma il suo ruolo di artista innovativo e sperimentatore, ma si propone come un vero unificatore, in un momento storico in cui il mondo ne ha disperatamente bisogno.

Dopo il brillante esordio con l’EP “FREE FALL”, l’eclettico cantautore milanese MADMATT torna nei digital store con "Generazione XXX", il suo nuovo progetto triple track in grado di scavare nelle profondità di una generazione contraddistinta da estremi che oscillano tra luce e ombra, esplorando le dinamiche sociali contemporanee con una sincerità disarmante. Una storia moderna tradotta in musica, una vetrina rossa che mostra l'eccesso di un'era dominata dall’antitetico, dove l'amore si confonde con il desiderio, e i sogni sembrano sempre più un’utopia, un miraggio, un lusso irraggiungibile. Ma questo EP è anche un inno alla ribellione contro le convenzioni, un grido per l'individualità in un mondo che spesso cerca di sopire le voci fuori dal coro. Le tre tracce che lo compongono - "Stai Zitto", "Onlyfans" e "Mondo Matto" - fungono da capitoli di questa narrazione intensa, ciascuna con il suo messaggio unico e provocatorio, ciascuna con la sua accezione anticonformista ed il suo invito a danzare contro l’omologazione. «Oggi ogni cosa è bianca o nera, popolare o emarginata, un capolavoro o un flop, senza mezze misure – dichiara l’artista -. Il futuro dei giovani non è mai stato così lontano; i sogni sono un lusso, l'amore si chiama sesso, i rapporti sono fugaci». "Generazione XXX" è tutto questo e molto di più, un viaggio intimo negli abusi di una società che professa il cambiamento ma lo occulta dietro la maschera dell’apparenza, della convezione e della velleità. "Stai Zitto" rappresenta la traccia inaugurale del concept, emersa spontaneamente in un momento di transizione significativa nella vita di MADMATT. Questo pezzo si manifesta come un'esigenza vitale di espressione, fungendo da potente grido di rivalsa. Tale dinamica, resa ironicamente significativa dal titolo e dal verso «Stai zitto, non parlare, che te ne penti... Saremo il silenzio degli innocenti», evoca l'importanza di far sentire la propria voce in un mondo che spesso impone il silenzio. Un inno alla libertà di espressione e all'affermazione di sé contro ogni tentativo di soppressione, che evidenzia un momento di sincera riflessione. Il progetto prosegue con "Onlyfans", brano-manifesto dell’EP che getta luce sul controverso mondo del celebre social londinese, simbolo della mercificazione del corpo e dell'identità nell'era digitale. Senza cedere a cliché e volgarità, MADMATT racconta una storia di ambizione e perdita di sé, riflettendo sul sottile confine tra la realizzazione personale e la disumanizzazione. Con versi come «Credeva nei diritti d’ogni uomo e nazione... Per questo adesso vende le sue foto OnlyFans», l’artista esplora la divergenza tra ideali giovanili e le scelte adulte, spesso forzate dalla bolla del web. "Mondo Matto", infine, introduce una nota di romanticismo e speranza, nonostante le sfide del vivere contemporaneo. La traccia, con le sue radici jazz riarrangiate in chiave moderna, rappresenta una boccata d'aria fresca, un momento di pausa riflessiva sull'amore e sulla possibilità di trovare bellezza anche nel caos. «In questo mondo matto... Ho perso la ragione e la ragione sei tu», suggerisce che, nonostante l'alienazione generale, la salvezza può essere trovata nelle relazioni personali profonde. Un brano inaspettato, soprattutto dopo l’ascolto dei primi due, decisamente più spinti e crudi nelle sonorità come nei testi. In “Mondo Matto”, MADMATT ha voluto mantenere uno spirito poetico e dolce anche nelle parole, nelle metafore e nelle allegorie, senza rinunciare al suo inconfondibile timbro rock. Il messaggio di "Generazione XXX" è duplice: da una parte, la critica verso un mondo iperconnesso che rischia di annullare l'individualità, dall'altra, un invito a non perdere mai la speranza, a lottare per i propri sogni, i propri ideali, e a cercare, esplorare e far sentire la propria voce unica. MADMATT, con questo EP, emerge non solo come artista di grande talento, ma come narratore di una generazione, che con coraggio, autenticità ed eleganza dipinge tutte le sfumature dell’era moderna. «Ritengo che la mia generazione abbia tra le mani un'arma potente quanto pericolosa, ovvero Internet – conclude -. È uno strumento che può crescere la nostra conoscenza o annientarci come individui. In una sola notte, in un singolo istante, è possibile pubblicare qualcosa che, diventando virale, rende una persona o un messaggio popolare. Può manipolare una verità e condividere una bugia fino a distorcere la realtà. Può rendere vittima di una tempesta d'odio che sfocia nel cyberbullismo. Da una sola opinione, migliaia di persone possono sfogare la loro repressione sociale esprimendo ogni forma d'odio che conoscono. Internet è uno strumento estremo che può darti e toglierti ogni cosa e rappresenta perfettamente la mia generazione, nata schiava dei pregi quanto dei difetti della rete. Credo che non ci sia ancora una vera consapevolezza del suo potenziale, nel bene e nel male, e che a causa di questa grave sottovalutazione, le persone, i giovani, non siano adeguatamente istruiti su vantaggi e pericoli che ne derivano». Sottolineando come la rete possa amplificare la conoscenza o distruggere l'individuo, l'artista riflette sulle conseguenze immediate e a lungo termine della sua viralità. L’osservazione sulla mancanza di consapevolezza e istruzione riguardo i vantaggi e i pericoli di Internet evidenzia una critica profonda verso la società di oggi, svelando una preoccupazione per l'impatto che tali strumenti hanno sulla vita reale e sull'identità delle persone. Questa riflessione offre uno spunto di meditazione sull'uso responsabile della tecnologia e sulla necessità di un'educazione digitale più approfondita. “Generazione XXX” riflette l'evoluzione di MADMATT come artista e come individuo, testimoniando la sua crescita e la sua volontà di affrontare temi rilevanti e spesso scomodi, dando voce a chi si trova a navigare la complessità, la frenesia e la dicotomia del mare magnum contemporaneo. "Generazione XXX" si preannuncia come una pietra miliare nel percorso di MADMATT, un cantautore che non ha paura di guardare in faccia la realtà e di trasformarla in arte. Con questo EP, MADMATT esorta gli ascoltatori a riflettere, a sentire, a vivere pienamente - anche nei momenti di contrasto e difficoltà - celebrando la potenza trasformativa della musica.... Continua a leggere

A poco meno di un decennio dalla loro formazione ad Arcole e a due anni dal rilascio del secondo EP "Golden House" e dall’apertura agli Zen Circus allo Sherwood Festival, il duo veronese Attack the Sun, gioiello dell'alternative italiano, torna a fondere rock, hip hop, elettronica e introspezione in "Paranoia" (Virgin Music LAS Release/Newphonix/distr. Universal Music Italia). Con questo nuovo singolo, Alessandro Stevani e Giacomo Feltre si riconfermano ambasciatori di un sound che sfida i confini tra i generi, dando vita ad un connubio esplosivo che diventa un manifesto di libertà dalle trappole dell’essere, una confessione musicale che affronta la lotta quotidiana contro le paure che ci assediano, ergendo muri impenetrabili nella nostra mente. Il testo racchiude l’essenza del combattimento tra la paura di perdere il controllo di sé e il desiderio di emancipazione: «Paranoia is my only fear» («La paranoia è la mia unica paura»), ammette il duo, ponendo le fondamenta di una narrazione che non solo si addentra nelle ombre dell'animo umano, ma illumina anche la via d'uscita attraverso l'accettazione e la resilienza. Un viaggio catartico nelle profondità della psiche che si fa portavoce di un messaggio potente, e che nel suggestivo passaggio «Don’t be afraid, I’d like to save you from my mistakes» («Non avere paura, vorrei salvarti dai miei errori»), si pone come un invito a superare le barriere autoimposte, riconoscendo negli errori non un limite, ma un trampolino di lancio verso la comprensione e il controllo delle proprie emozioni. Questo nuovo capitolo della loro carriera, non è solo un’esortazione alla resilienza, ma anche un'ammissione di vulnerabilità che umanizza l'esperienza di ascolto. L’accezione del pezzo e l’importante messaggio che racchiude, si trasformano in una promessa di redenzione, un ponte gettato sulle acque tumultuose dell'auto-riflessione, incoraggiando il pubblico ad abbracciare i propri errori come step necessari verso la crescita personale e la libertà emotiva. La musica degli Attack the Sun diventa così non solo la perfetta colonna sonora per riflettere sul prezioso valore delle fragilità, ma la chiave di volta per il superamento di quei confini mentali che troppo spesso ci relegano in una "cella oscura ed isolata". In attesa del terzo omonimo EP "Paranoia" - che promette di esplorare ulteriormente le dinamiche dell'animo umano e la cui uscita è prevista per il prossimo 24 Maggio -, questo nuovo singolo consolida gli Attack the Sun come una delle band più autentiche e innovative del panorama musicale alternativo italiano. Con "Paranoia", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Tommy Antonini e girato all'Effugio Escape Room di Verona, gli Attack the Sun non solo segnano il loro dinamico ritorno sulla scena musicale, ma offrono anche un invito a riflettere sulla capacità trasformativa della musica. “Paranoia” anticipa un'era di riflessione profonda, non solo per la band, ma per chiunque ascolti, invitando a un viaggio di scoperta personale in cui la musica diventa guida, conforto e, soprattutto, speranza.

Il duo musicale Ferrinis, composto dai fratelli Maicol e Mattia Ferrini, celebra la primavera arricchendo la scena musicale italiana di nuova energia: dopo l'acclamato successo del primo omonimo album “Ferrinis”, che ha collezionato oltre 300.000 streams, il duo romagnolo torna a far parlare di sé con “La Voglia Che Mi Fai”, vibrante anteprima della versione deluxe del disco che promette di diventare un nuovo inno all'amore in chiave pop-dance. Il singolo, una preziosa svolta nella loro già brillante carriera, esplora le sfumature del cuore con una profondità e un'intensità di raro riscontro, delineando il percorso dell’innamoramento da un'attrazione iniziale, quasi timida, fino ad un desiderio ardente e condiviso. Un sentimento acceso da un segreto gelosamente custodito, che cresce e si evolve in una confessione di attrazione totalizzante, partita dal corpo e giunta a sfiorare e ad abbracciare mente, anima e sensi. «Se ti racconto un segreto cosa fai, tienilo solo per te», cantano i due fratelli in apertura, utilizzando la loro arte per tessere una narrazione che celebra l'amore in tutte le sue forme, dalla gioia pura di un ballo a piedi nudi nella propria casa fino alla complessità delle dinamiche di coppia. La sincerità con cui i Ferrinis esprimono il desiderio e l'amore è palpabile in ogni nota, rendendo "La Voglia Che Mi Fai" una canzone universalmente riconoscibile e profondamente umana. Avvolta da sonorità dance ballabili e frizzanti, perfette per la stagione appena sbocciata, ed un testo che esprime emozioni autentiche e viscerali, questa traccia si configura come un inno alla primavera dell'anima, quando i sentimenti fioriscono con nuovo vigore e il cuore si apre a possibilità inesplorate. Il ritornello del brano cattura l'essenza di un'attrazione irresistibile, una forza che trascende la razionalità e si annida nel profondo, diventando un richiamo che non ammette indugi. I Ferrinis, con questa release, sottolineano come l'amore, in tutte le sue manifestazioni, sia un'esperienza sensoriale completa che coinvolge ogni aspetto dell'essere, rendendo ogni momento di condivisione unico e irripetibile. Nati e cresciuti a Forlì a distanza di un anno l’uno dall’altro, Maicol e Mattia hanno coltivato fin da piccoli una passione per la musica dance, passione che li ha accompagnati attraverso l'adolescenza e che, nonostante una breve pausa, è riesplosa durante la quarantena. Con "La Voglia Che Mi Fai", il duo non solo torna alle proprie radici musicali ma le reinventa, infondendo nel genere dance una freschezza e una profondità emotiva che sono, sin dagli esordi, il loro marchio di fabbrica. Questo brano, afferma i Ferrinis come narratori di storie che sanno di vita vissuta, di emozioni palpabili, avvolgendo l'ascoltatore in un'atmosfera che è al contempo energetica e intima, grazie ad una produzione minuziosamente curata che riflette l'abilità del duo di giocare con i contrasti per creare un'opera complessa e stratificata. “La Voglia Che Mi Fai” è una porta verso la comprensione più profonda del nostro sentire, un viaggio che inizia con un "segreto" e si apre a un universo di possibilità. È un encomio della bellezza dell'amore nella sua interezza, che incoraggia gli ascoltatori a vivere ogni sfumatura di questo sentimento con coraggio e passione, invitando anche ad un dialogo aperto sulle infinite opportunità che l'amore offre e rendendo la musica un ponte verso la scoperta di noi stessi e degli altri.... Continua a leggere

Tarci, cantautore siciliano d’adozione toscana, debutta nei digital store con "Tu...";, un singolo che parla direttamente al cuore. Frutto della collaborazione con il produttore Massimiliano Cenatiempo e distribuito da Greys Company, "Tu..."; rappresenta il primo capitolo di un ambizioso progetto discografico che l’artista intende sviluppare nei prossimi anni. Interamente scritto dallo stesso Tarci, "Tu..."; invita gli ascoltatori ad un'introspezione profonda, inaugurando così il suo percorso nel mercato con una promessa: rinnovare il linguaggio dell'amore nella musica contemporanea. "Tu..."; è una delicata esplorazione dell'amore nelle sue molteplici forme e sfumature - l'amore per una moglie, un figlio, una madre, un amico. Tarci, con la sua scrittura emblematica e riflessiva, si avventura nel territorio vasto e complesso dei sentimenti, rivelando che, a volte, le parole più semplici possono essere le più difficili da pronunciare. «Non so dirti che ti amo, troppo forte per un uomo», canta, esprimendo la vulnerabilità e l'intensità a cui un singolo "ti amo” può portare. Il brano si apre con un’emozionante constatazione: «Quante cose vorrei dirti, ma non son bravo io con le parole»; un verso che, sin da subito, immerge l'ascoltatore nella sincerità e nella fragilità dell'artista. È una confessione, un'ammissione che, nonostante la difficoltà di esprimere verbalmente i propri sentimenti, l'amore trova sempre un modo per manifestarsi - un semplice abbraccio, uno sguardo, una canzone. La collaborazione con Massimiliano Cenatiempo, noto per la sua abilità nel creare arrangiamenti emozionali, aggiunge una dimensione sonora ricca e avvolgente al brano. La produzione di "Tu...";, concepita per amplificare l'intimità delle parole di Tarci, crea un'atmosfera in cui l'ascoltatore può perdersi, ritrovandosi. La Greys Company, con la sua visione all'avanguardia, ha riconosciuto il potenziale trasformativo del singolo, sostenendo Tarci nella sua missione di portare al mondo una nuova consapevolezza dei sentimenti attraverso la musica. La forza di "Tu..."; risiede nella sua capacità di parlare direttamente all’anima di chi ascolta, conducendo ad un’importante riflessione su come l’amore possa essere espresso e vissuto in modi differenti, anche quando le parole faticano ad uscire. Tarci racconta questa dinamica con delicatezza e poesia, accompagnato da un arrangiamento che esalta la purezza del messaggio. Ma in quest’opera, l’artista non si limita a narrare la purezza di un sentimento in termini convenzionali; attraversa invece le barriere del visibile per sfiorare e penetrare quelle dell'invisibile, dove i battiti prendono vita in gesti e si dichiarano in momenti di silenzio carichi di significato, in sguardi che comunicano più di mille parole. È qui che il pezzo assume una dimensione universale, giungendo con autenticità e immediatezza a chiunque abbia mai sperimentato la complessità di amare e di essere amati. «Tu mi fai sentire grande e per me tu sei importante» canta Tarci, ricordandoci che l'amore, nella sua essenza più pura, ha il potere di elevare, di guarire e di trasformare. La carriera di Tarci, sebbene abbia preso il via ufficiale solo nel 2024, è costellata di anni di dedizione e passione per la musica. La sua scelta di aprire finalmente il proprio cuore al mondo, superando incertezze e paure, si riflette nella sincerità e nell'istantaneità delle sue parole. "Tu..."; è solo l'inizio di un viaggio che lo vedrà esplorare ulteriori profondità dell'esistenza umana attraverso le sue release, promettendo di essere una voce guida per le nuove generazioni, un bagliore di speranza per chi cerca comprensione nei meandri dei propri sentimenti. Con "Tu...";, Tarci non offre solo una canzone, ma un manifesto emotivo che ridefinisce l'essenza stessa della Canzone d’Amore. Questa piccola gemma indie-pop diventa un ponte tra le anime, un invito a condividere e a vivere i sentimenti in ogni loro forma, ricordandoci che la vera forza risiede nell'essere capaci di amare se stessi per poter poi donare incondizionatamente agli altri.

Nel firmamento musicale italiano, la fortuna non arriva mai per caso. È frutto di talento, passione e di una continua ricerca dell'eccellenza. I LUMIED, vibrante trio apulo-romano composto da Luana Montone, Edoardo Schiaffi e Michele Penisola, sono l’emblema di questa verità. Dopo aver incantato l'audience nazionale con la loro hit "Dea Fortuna", dimostrano ancora una volta di essere favoriti non solo dalla dea del caso, ma anche da quella del duro lavoro e dell'ingegno, tornando sui digital store con “Samurai”, il loro nuovo singolo. Un viaggio attraverso le sfide e le battaglie quotidiane che ognuno di noi affronta nella propria vita, che con l'energia e la dinamicità che contraddistinguono la band, si muove attraverso ritmi incalzanti che fanno da sfondo a parole profonde, evocative di un'antica saggezza applicata al mondo contemporaneo. «Io ci penso a ciò che devo fare adesso, non mi dire che cosa resterà nel mezzo», canta Luana, voce del gruppo, invocando l'immagine del guerriero che, consapevole delle proprie responsabilità, si prepara a fronteggiare il destino senza esitazione. Nei versi di "Samurai", i LUMIED non solo raccontano, ma vivono la lealtà e i principi dei guerrieri giapponesi, traslandoli alla frenesia di tutti i giorni. Il brano si sviluppa come un dialogo intimo, che svela l'importanza di essere presenti per chi ci circonda, senza tuttavia cadere nell'eccesso della totale disponibilità, poiché, come ben espresso nel testo, «nella folla dei mille serpenti» vi è sempre chi si approfitterebbe di questa generosità. Con un messaggio chiaro e potente, "Samurai" indaga il tema dell'autodeterminazione e della resilienza. «Non bisogna mai fare tanti salti come i samurai», ci ricordano i LUMIED, sottolineando la necessità di rimanere fermi nei propri principi, anche quando tutto intorno a noi sembra richiedere continue concessioni. Questa canzone rappresenta l'essenza stessa della band: lottatori instancabili, pronti a superare ogni sfida con grazia e tenacia, senza mai perdere di vista chi sono e da dove vengono. Dalla loro formazione nel 2020, i tre eclettici artisti hanno sempre portato avanti una missione: regalare agli ascoltatori momenti di allegria e spensieratezza attraverso la loro musica. "Samurai" non fa eccezione, ma va oltre, invitando il pubblico a riflettere sul significato più profondo delle proprie battaglie quotidiane. È un inno alla forza interiore che risiede in ciascuno di noi, una forza che ci permette di affrontare il nostro percorso con coraggio, proprio come gli antichi guerrieri giapponesi. Con questo singolo, i LUMIED non solo confermano il loro talento eccezionale e la loro capacità di toccare il cuore delle persone con sensibilità e carisma, ma offrono anche una nuova prospettiva su come affrontare la vita, ispirata dall'antica saggezza dei samurai. "Samurai" è destinato a diventare un punto di riferimento nella discografia della band, un brano che ci ricorda che infondo, nel viaggio della vita, siamo tutti dei guerrieri.... Continua a leggere

Con un debutto che segna immediatamente la sua presenza nel panorama musicale italiano, Andrea Bosio, in arte BOSIO, lancia il suo primo singolo ufficiale, "Prima di Dirsi Addio" (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia). Questa traccia, presentata in anteprima a Casa Sanremo 2024, ha istantaneamente catturato l'attenzione di pubblico e critica, configurandosi come un diario di note che trae origine da reali momenti di vita, trasformando il vissuto in una piccola gemma che dalle orecchie arriva dritta al cuore. Nato dagli incontri e dalle esperienze dirette dell’artista durante i suoi spostamenti in treno tra eventi e contest musicali, "Prima di Dirsi Addio" rappresenta non solo un inizio promettente ma anche un punto di svolta nell'espressione stilistica di BOSIO. Il brano, infatti, oltre ad aprire un respiro discografico più ampio e strutturato, rappresenta un viaggio emotivo che trascende il comune sentire, frutto di intrecci, storie e volti raccolti nel quotidiano. Uno sguardo intimo sulle dinamiche dell'amore e della perdita, una finestra sul mondo di BOSIO, una confessione profondamente personale che risuona con la sincerità di chi vive la musica come diretta estensione di sé, rivelando le sfumature di un talento che non teme di esplorare le complessità dell'amore e della sofferenza causata dalla sua assenza. Il singolo narra la delicata fase di una relazione giunta al capolinea, catturandone l'ultimo anelito, il tenue istante prima dell'inevitabile addio. Il ritornello, in particolare, offre uno scorcio emotivamente carico, evocando l'immagine di due anime sul punto di separarsi, con una canzone alla radio a fare da sfondo; forse, quella stessa melodia che un tempo li aveva fatti innamorare. Questo momento di realizzazione, in cui emerge la consapevolezza di un rapporto non più puro ma ridotto a "polvere", viene descritto con toccante lucidità, evidenziando la profondità della riflessione di BOSIO sui sentimenti autentici e la sua destrezza nel trasformare il dolore e la consapevolezza in arte. Attraverso versi come «A volte penso vada tutto bene, lascio la testa fra le nuvole. Sono un ingenuo che non sa volare, ora cado se cammino senza te», il cantautore piemontese esprime la vulnerabilità dell'essere umano di fronte all'amore e alla perdita, delineando con delicatezza la condizione di chi si trova a dover accettare la fine di un capitolo importante della propria vita. E nel passaggio «Abbiamo avuto una casa con pareti di carta pensando durasse per sempre, ma è bastata una pioggia», BOSIO utilizza la potente metafora della fragilità delle fondamenta su cui spesso costruiamo le nostre relazioni. Le "pareti di carta" simboleggiano l’instabilità di un legame che, nonostante le speranze e i sogni condivisi, si rivela incapace di resistere alle prime avversità, rappresentate da una “pioggia” che ha il potere di dissolvere ogni illusione. Questa immagine cattura l'essenza della transitorietà e dell'apparente solidità delle relazioni umane, sottolineando come, talvolta, basti un cambiamento impalpabile per rivelare la vera natura di ciò che credevamo eterno. Un’analogia che non è solo un commento sulla natura effimera di alcune storie d’amore, ma diventa un promemoria sulla necessità di affrontare le relazioni con onestà, consapevolezza e una maggiore attenzione alla realtà delle cose, per evitare che i sogni condivisi sfumino al primo ostacolo. Un delicato richiamo all'attenzione e alla cura necessarie per nutrire legami autentici, capaci di resistere non solo alle tempeste ma anche alla più lieve perturbazione, convertendo ogni sfida in un'opportunità per rinforzare anziché erodere i legami che ci uniscono. La suggestiva lirica di chiusura «tra milioni di scuse abbiamo perso la strada e non ci incrociamo più», riflette sull'accumularsi di piccoli errori, omissioni e incomprensioni che, nel tempo, possono allontanare irrimediabilmente due persone. La perdita di visioni, prospettive e obiettivi comuni, delinea il punto di disconnessione che si insinua lentamente tra i partner, fino a rendere impossibile persino incrociarsi. Nato a Torino il 17 marzo 2003 e cresciuto a Piscina, un tranquillo paese ai bordi del capoluogo, BOSIO ha iniziato a esplorare il mondo dello spettacolo già all'età di 8 anni, innamorandosi dell’arte attraverso il teatro musicale durante la scuola media. Il suo talento e la sua passione lo hanno portato a studiare canto e pianoforte, quest'ultimo diventato presto il suo "grande amore", e a partecipare sin da adolescente a concorsi nel nord Italia. Dopo il diploma, l'ingresso all'accademia "Art Village" di Roma ha segnato l'inizio di un nuovo capitolo della sua vita, dedicato interamente alla musica. "Prima di Dirsi Addio", accompagnato dal videoclip ufficiale, rappresenta l'apice di questo viaggio artistico e personale, offrendo al pubblico non solo un brano di straordinaria bellezza, ma anche un messaggio universale sulla fragilità delle relazioni e sulla forza necessaria per affrontare i cambiamenti. Con questo singolo, BOSIO non solo conferma il suo indiscutibile talento, ma si afferma come una delle voci più autentiche e promettenti della nuova generazione musicale italiana, capace di toccare il cuore e l'anima degli ascoltatori.... Continua a leggere

In un'epoca in cui il mercato musicale sembra aver dimenticato l'essenza stessa del rap, concentrandosi più sul profitto che sull'integrità artistica, il casertano Masterman MC torna sulle scene per riaffermare i valori autentici della cultura Hip Hop con “Tutto ciò che ho” (PaKo Music Records), il suo nuovo singolo prodotto da A Maronna Records. Una dichiarazione d'intenti, un manifesto che rivendica l'essenza del rap come strumento di denuncia e pura espressione, che attraverso barre taglienti e punchlines disarmanti dà vita ad una narrazione cruda e senza filtri, in cui Masterman MC condivide la propria storia, le battaglie affrontate, i sacrifici e le conquiste che hanno segnato il suo cammino professionale. Nato ad Aversa (CE) il 13 agosto 1990 e cresciuto tra battle freestyle in tutta la nazione, l’artista ha saputo trasformare ogni ostacolo in un trampolino di lancio che gli ha consentito di ottenere attenzione, visibilità e rispetto da parte della scena. Trasferitosi ad Avellino, ha coltivato la sua passione e le sue artistry, diventando un punto di riferimento nel panorama musicale grazie a una serie di successi che lo hanno visto protagonista sui più prestigiosi palchi del rap-game italiano. «Ho dato tutto per sta musica che ora mi butta giù»: il brano si apre con questa affermazione potentissima, svelando immediatamente la dualità di una passione che è sì fonte di ispirazione, ma anche un costante campo di battaglia, sempre più minato da dinamiche molto lontane dall’essenza del genere. Questa frase, simbolo di dedizione assoluta, fa da ponte tra l'anima dell'artista e l'ascoltatore, invitandolo a riflettere sulla sincerità e sull'impegno che si celano dietro ad ogni nota e ad ogni singola rima. Una critica aperta all’industria musicale contemporanea, accusata di essersi allontanata dai principi fondamentali della cultura rap. «Vedo sti MC tracotanti e traggo tanti abbondanti spunti su come fermarmi»: con un flow impeccabile ed un’urgenza espressiva che trasuda in ogni incastro, Masterman MC si pone in netto contrasto con chi, nel settore, privilegia l'apparire sull'essere, il profitto sull'arte. In un’era in cui troppo spesso prevalgono le apparenze, la voce di Masterman MC si distingue per il suo coraggio nel difendere l'identità e l'autenticità del rap come espressione culturale. Ed è nel cuore del singolo che l’artista intreccia la propria esistenza con l'essenza del rap, delineando un legame indissolubile con la musica che va oltre la semplice professione; è un'identità, una missione. Il ritornello, con quell’«Ho dato tutto per sta musica, è tutto ciò che ho» che risuona come un mantra, una promessa incisa a fuoco nell’anima che dà senso al quotidiano, non è solo una dichiarazione d'amore verso il rap, ma una testimonianza di vita, in cui la musica diventa l'unico vero patrimonio, l’unica eredità che permane oltre al tempo, la somma di tutte le esperienze, di tutti i sacrifici, di tutte le cadute e di tutti i successi. Il passaggio immediatamente successivo - «Vivo di sto suono di sto flow, di sta cultura di ogni Bro. Tu grida Hip Hop, Hip Hop, questo è il suono che rappresenta tutto ciò che ho» -, rafforza questa visione, enfatizzando l'importanza della comunità hip hop come famiglia scelta, sorgente di ispirazione e di sostegno. Un invito aperto a riconoscere e celebrare l'hip hop non solo come genere musicale, ma come cultura, come movimento, come voce di tante generazioni che, proprio in quella cultura e in quel senso di appartenenza, si riconoscono, si uniscono, si rispettano e si supportano. Masterman MC si distanzia con fermezza dalle logiche mercantili che troppo spesso dominano il panorama musicale contemporaneo e nel verso «A vendermi per quattro spicci io non mi ci vedo, credo nei valori di sta roba non per i suoni per la moda», presenta una critica pungente ad un sistema che sembra valorizzare più l'immagine e il guadagno economico rispetto all'autenticità artistica e ai principi fondanti dell’hip hop. Queste parole riflettono un impegno verso l'integrità, una scelta di campo in difesa dei veri valori del rap, che per Masterman MC sono inalienabili e non negoziabili. "Tutto ciò che ho" è un inno alla resistenza, un grido di protesta contro un sistema che sembra aver perso la bussola, ma anche un messaggio di speranza per chi crede ancora nel potere salvifico della musica. Con questo pezzo, Masterman MC non solo si conferma artista di straordinario talento e profondità, ma si propone anche come custode dei valori autentici del rap, in un momento storico in cui la loro difesa diventa sempre più cruciale. "Tutto ciò che ho" è una vera e propria presa di posizione, un grido che risuona forte contro le dinamiche che minacciano di soffocare l'arte pura. Masterman MC, con la sua storia di resilienza e di successo, incarna l'essenza di ciò che significa essere un vero artista nel panorama rap: qualcuno che, nonostante le sfide, rimane fedele alla sua arte, ai suoi valori, e soprattutto, alla sua comunità.... Continua a leggere

Ci sono voci capaci di incarnare la quintessenza dell’emozione e dei sentimenti, voci in grado di accarezzare l’anima alleviandola dalla sofferenza, dalla fatica, dal rimorso e da qualsiasi tipo di fardello interiore, rigenerandola e corroborandola di nuova linfa. Tra queste, vi è senza dubbio quella di Kimele, il cantautore partenopeo che dopo aver incantato pubblico e critica con la profonda sensibilità della sua penna e l’eleganza di ogni sua interpretazione, torna in radio e nei digital store con "Rimarrò tua", una delle sue opere più potenti e commoventi nata come catarsi dal dolore generato dalla perdita di una persona cara. Con un calore e una profondità senza pari, l’artista offre una mano tesa a chiunque abbia perso un pezzo del proprio cuore, conducendolo in un viaggio attraverso la malinconia e il coraggio che ci ricorda che, nonostante la scomparsa fisica, l'amore vero non ci abbandona mai. Un intenso spiraglio di luce nell'oscurità del lutto, una tela di ricordi e sensazioni che, pur nell'angoscia della perdita, si tinge di speranza e di un sentimento puro, incondizionato e più vivo che mai che supera i confini della permanenza terrena. Con una delicatezza e un'empatia che solo un artista del suo calibro può offrire, Kimele ci invita a riflettere sulla perpetuità del legame che unisce le anime, ben oltre il dolore della separazione. “Rimarrò tua” è un mosaico emotivo, un insieme di sofferenze condivise che trovano espressione non solo attraverso le liriche del cantautore, ma risuonano nelle pieghe interiori di chiunque abbia vissuto un vuoto incolmabile. In versi struggenti e commoventi, ma al tempo stesso intrisi di luce, di vita, come «Tu che splendi come sempre nelle rughe della mente, anche se non puoi parlare io che ti sento respirare», Kimele riesce a dare voce ai battiti spezzati dalla sofferenza, al silenzio di chi, nell’osservare inerme e incredulo il tormento di chi ama, rimane senza parole, privato d’un tratto di un’importante parte di sé. Ma nel grido composto di chi attraversa il tunnel di un addio e di un’assenza non scelti e nell’eco di una dolce malinconia, trova spazio la risonanza di affetto, di amore eterno, la convinzione che, nonostante l’inevitabilità della morte, il filo invisibile che unisce due esseri non si dissolverà mai, continuando a brillare oltre il velo del tempo e dello spazio. Un addio che si tramuta in promessa eterna, una confessione, un manifesto di resilienza che ci ricorda come, anche nei momenti di maggiore disperazione, si può trovare la forza di guardare avanti, sostenuti dall'amore di chi, sebbene non più fisicamente presente, rimane per sempre con noi, nei nostri ricordi, nei nostri sogni, nel profondo del nostro cuore. «Questo brano – dichiara Kimele -, a differenza degli altri, è stato scritto in diversi momenti. La paura di poter dare un messaggio sbagliato, mi ha spinto a scrivere un testo che potesse essere immediato e soprattutto emotivamente toccante. Credo che nella musica ci sia bisogno di tanta SINCERITÀ. Scrivere una canzone è una responsabilità non indifferente». Una responsabilità e un impegno che l’artista cristallizza in questa release, esplorando la vulnerabilità umana come un profondissimo atto d’amore. "Rimarrò tua" è un abbraccio, un conforto per coloro che affrontano il vuoto lasciato dalla perdita, un messaggio che nel cuore del dolore più profondo, vi è ancora spazio per la speranza, perché infondo, sono sempre e solo i sentimenti a renderci veramente vivi.... Continua a leggere

A poco più di 5 mesi dal suggestivo esordio con “Notte stellata”, brano con cui ha magistralmente dipinto la serenità, la familiarità e il calore generati dal primo amore, la cantautrice pugliese Yume torna ad affondare la sua penna vivida e sensibile nel complesso calamaio dei sentimenti umani in “Corno Blu”, un'ode emozionante e malinconica all’amore non corrisposto che affonda le radici nell'anima sin dal primo ascolto. Un viaggio emotivo che esplora le profondità dell'amore a senso unico, delle attese inappagate e dei rimpianti. Attraverso questo pezzo, Yume riesce ancora una volta a catturare l'essenza dei rapporti interpersonali, tessendo il delicato intreccio delle sue riflessioni e della sua musica. Questo progetto musicale, imbevuto di battiti sospesi sul filo del ricordo, narra con una sincerità e una delicatezza disarmanti una confessione intima, un dialogo aperto con il proprio cuore. Con un testo intensissimo, corroborato di un liricismo che sa essere al contempo soggettivo e universale, il brano si tinge di speranze inespresse e di una felicità mancata nelle sfide del quotidiano, aprendosi con una serie di interrogativi che rimandano direttamente alla ricerca di dolcezza in un mondo troppo spesso amaro, in cui il bisogno di conforto si scontra con la realtà dei sentimenti non corrisposti. «Vorrei sapere perché non metti mai, proprio mai, lo zucchero nel caffè», canta Yume, in una metafora d’impatto che simboleggia egregiamente l’accezione melanconica del pezzo. Le strofe si susseguono sviluppando e dando vita ad una narrazione intima e poetica, in cui la memoria dei momenti condivisi si mescola alla consapevolezza di un desiderio destinato a rimanere inascoltato. «Il mio nome detto da te ha un altro sapore»; parole che evocano la trasformazione personale attraverso l'amore. Perché non è solo una questione di identità, ma di come la purezza di un sentimento possa alterare la percezione che abbiamo di noi stessi, del mondo e del posto che occupiamo al suo interno. Questa frase, potentissima nella sua semplicità, racchiude l’energia salvifica dell'essere amati, il modo in cui l'amore di qualcuno può cambiare il nostro stato interiore e la nostra visione sul mondo, conferendo alle cose più comuni – come il nostro nome – un significato ed una bellezza nuovi e inaspettati. E nel verso «Ed è successo anche a me di non trovare facilmente il senso delle cose», Yume riflette sull’esperienza di smarrimento e ricerca di significato. Parole che simboleggiano l'empatia e la condivisione di vulnerabilità; il riconoscimento che, in qualche momento della vita, tutti noi ci troviamo disorientati, cercando di comprendere il nostro posto nel mondo e le ragioni dei nostri sentimenti. Con le sue melodie avvolgenti ed un testo di rara levatura, “Corno Blu” è uno specchio in musica delle complessità dell'amore e delle relazioni che dimostra come la diversità possa attrarci e quanto, nel desiderio dell'altro, cerchiamo di trovare un rifugio dalle tempeste emotive che ci abitano. Ma questo brano non si limita a raccontare un sentimento non corrisposto, bensì, invita gli ascoltatori all'introspezione, offrendo uno sguardo sulle proprie fragilità e sul coraggio di accettarle ed affrontarle, diventando un inno alla resilienza, un messaggio di speranza per chiunque si trovi a navigare le acque tumultuose dell'innamoramento a senso unico. «"Corno Blu" – dichiara l’artista - è nata da una serie di riflessioni e momenti di ispirazione che ho vissuto durante un periodo di grande introspezione. Ho scritto questa canzone perché in quel periodo sentivo una profonda divisione tra la gioia che si prova nell’essere innamorati e la tristezza nel sapere di non essere ricambiati. È stata una sorta di catarsi, un modo per esplorare le sfumature delle mie emozioni attraverso la musica e le parole. Per me, "Corno Blu" rappresenta un viaggio emotivo. È una parte di me, un riflesso delle mie esperienze e delle mie emozioni, e spero che possa toccare il cuore di chiunque l’ascolti». La storia di Yume è quella di un’artista che ha trovato nella musica non solo un mezzo di espressione, ma una necessità vitale. Cresciuta nel cuore della Valle d'Itria, a Martina Franca, Yume (che significa "sogno" in giapponese) ha saputo catturare l'essenza dei sogni nelle sue canzoni, spaziando dall'effimero a quel profondamente personale che sa sfiorare, accarezzare e parlare ai cuori di tutto il mondo. "Corno Blu" è la sintesi, l'epitome di questo viaggio: un'esplorazione delle emozioni che ci esorta ad affrontare senza timori, dubbi o vergone le nostre vulnerabilità. La musica di Yume, come sempre, trascende le parole, creando un ponte tra l’onirico e il reale, tra il desiderio e l'accettazione. "Corno Blu" è una catarsi, un’esortazione a riflettere sulla bellezza intrinseca di ogni forma di amore, anche quella più dolorosa. Con "Corno Blu", Yume non solo condivide una parte di sé, ma tende una mano a chiunque si senta solo con i propri frammenti di cuore, offrendo una colonna sonora che accompagna, consola e ispira. Questo progetto è un invito a immergersi nelle profondità delle emozioni, trovando forza nella vulnerabilità e bellezza nella complessità di ogni singola forma d’amore.... Continua a leggere

Giuseppe D'Alonzo, il cantautore e chitarrista pescarese noto per la sua attitude rock/blues e per aver fondato i Crabby's, torna sulle scene musicali con un nuovo singolo che promette di scuotere l'anima e muovere i corpi: "Mattinieri del Tempo". Dopo aver esplorato il panorama acustico con delicatezza e introspezione, D'Alonzo abbraccia nuovamente le sonorità che lo hanno consacrato e contraddistinto, presentandoci un brano dal sapore indiscutibilmente rock e irresistibilmente disco. Un vero e proprio inno alla resilienza dell'essere umano, incapsulato in melodie capaci di fondere magistralmente ritmo e riflessione. Già noto a pubblico e critica per opere che flirtavano con il dancefloor come "Non imitare mai" e "Tipico", l’artista questa volta spinge il pedale dell'acceleratore sull'energia ballabile, consegnandoci un pezzo che si sposa perfettamente con ogni pista da ballo italiana. Il testo di "Mattinieri del Tempo" affronta con acutezza e una punta di amara ironia la tematica della cosiddetta "guerra dei poveri", un fenomeno sempre più palpabile nella società contemporanea, in cui la classe media si trova schiacciata e l'inflazione erode il potere d'acquisto. D'Alonzo, con la sua penna fulgida e affilata, dipinge vividi ritratti di quegli "arrampicatori sociali" pronti a tutto pur di emergere, definendoli "mattinieri del tempo" che «si dispongono a corte come fanti che indossano sai». Mediante versi come «Cosa parli del vento se non hai neanche un po' corteggiato il deserto quando il sole diceva di no», il cantautore e chitarrista pescarese invita l'ascoltatore a meditare sulla genuinità dell'esperienza e sull'importanza di affrontare le proprie battaglie con coraggio e integrità. La critica attenta e pungente su cui si articola la traccia, non risparmia nemmeno la classe dirigente, colpevole, secondo D'Alonzo, di aver condotto il Paese in uno stato di crisi perpetua, senza mai assumersi le proprie responsabilità. Al di là della sua indiscutibile qualità musicale, "Mattinieri del Tempo" è un'opera intrisa di significati profondi e attuali, un invito a riflettere su questi temi, un richiamo a non restare indifferenti di fronte alle ingiustizie che ci circondano. Un brano-manifesto, un grido di battaglia contro la conformità e l'apatia che troppo spesso caratterizzano la nostra società. L’artista, con la sua proverbiale maestria, ci guida in un cammino sulle complessità della vita moderna, esplorando temi di lotta, resilienza, perseveranza e la costante ricerca dell'autenticità in una contemporaneità che premia l'omologazione. L'originalità del videoclip ufficiale che supporta il singolo, realizzato con la collaborazione della talentuosa Boogie Bombs Crew - una crew tutta al femminile nata a Roma nel 2018 dall'incontro di sei ballerine provenienti da diverse parti d'Italia che unisce sei linguaggi e personalità artistiche con l'esigenza e il desiderio di emanciparsi sotto lo stesso nome - per la regia del visionario Michele Macaluso, aggiunge ulteriore fascino al progetto, dimostrando un'attenzione particolare alla sinergia tra musica e immagine che impreziosisce l'esperienza d'ascolto. Una celebrazione della forza espressiva della danza, che nell’energia delle ballerine professioniste e nella loro capacità di comunicare attraverso il movimento, incarna perfettamente lo spirito del pezzo, rendendo il video non solo un accompagnamento visivo al brano, ma una componente essenziale del messaggio che D'Alonzo desidera trasmettere. "Mattinieri del Tempo" non è solo un brano che invita a ballare, ma è anche un monito, un’esortazione a non perdere di vista l'essenza dell'umanità e della solidarietà anche nei momenti più bui. L’artista ci ricorda che, nonostante tutto, la musica rimane uno strumento potentissimo di espressione e cambiamento, capace di unire le persone e di ispirare alla resistenza e alla speranza. Con una carriera costellata di successi e collaborazioni significative, sia a livello nazionale che internazionale, Giuseppe D'Alonzo conferma con questo suo come back rock-dance il suo talento ineguagliabile e la sua capacità di rinnovarsi, rimanendo al contempo fedele alla sua visione artistica e ad una cifra stilistica unica e riconoscibile. Questo brano si pone come un nuovo capitolo entusiasmante della sua discografia, segnando l'inizio di un anno che promette di essere ricco di sorprese e di nuova musica che, senza dubbio, continuerà a parlare al cuore e all'anima degli ascoltatori.... Continua a leggere

Hanno affascinato pubblico e critica con l’intenso inno d’esordio pop-rock "Ruggine" e con il debut album intriso di suggestioni "Lì dove ci sono le stelle", ed ora, a distanza di quasi 4 anni dal sognante “ll mondo che vorrei”, i Boavista, band bolognese che ha fatto della fusione tra sonorità incisive e tematiche sociali la sua cifra stilistica, torna in radio e nei digital store con "Prima di Dormire", brano che segna l'inizio di un nuovo emozionante capitolo nella loro carriera, riconfermando un’ineccepibile abilità nel fondere la ribellione tipica del rock all’attualità del nostro tempo. Scritto, composto e arrangiato dagli stessi Boavista e prodotto presso l’LB Studio, “Prima di Dormire” si avventura oltre i confini della musica per trasformarsi in un viaggio emotivo ed esistenziale, distinguendosi per la sua profonda riflessione sulla responsabilità ed il rispetto individuale e affrontando la complessità della vita contemporanea, puntando i riflettori sul ruolo personale all'interno della società. Una finestra sull'anima della band, un ponte che collega il cuore degli artisti a quello degli ascoltatori: con una delicatezza che tocca l'intimo, ma che riecheggia nell'universale, la traccia è un invito a navigare in se stessi, a scoprire e meditare sull'impronta che lasciamo nel tessuto sociale, esortandoci ad una nuova consapevolezza del nostro impatto sul mondo ed esplorando la disconnessione tra i detentori del potere e la gente comune. Questa esplorazione sonora, matura e ricca di metafore avvincenti, sollecita a comprendere come i nostri atti e le nostre scelte influenzino il delicato equilibrio tra l'individuo e la collettività. In un contesto sociale in cui discrepanze e disparità sembrano prevalere, "Prima di Dormire" diventa una bussola emotiva che guida gli ascoltatori attraverso la tempesta verso una riva di comprensione e connessione. Un richiamo all'azione per riscoprire l’umanità condivisa, nel silenzio rivelatore che si fa spazio in ciascuno di noi prima di chiudere gli occhi alla fine di un quotidiano sempre più frenetico. Sin dall’apertura evocativa - «Sei un povero diavolo con in mano un miracolo, fermo solo al semaforo pensi al prossimo ostacolo» -, i Boavista dipingono un’esistenza in bilico tra disperazione e speranza, una realtà in cui gli individui cercano il proprio posto in un mondo che spesso li ignora. Questa immagine funge da preludio ad un cammino interiore, diventando il riflesso di chiunque abbia mai sentito il peso dell'alienazione e dell'ansia per il futuro. La critica ai detentori del potere, ritratti dalla band come distanti e avvolti in un'aura di presunzione, si infittisce di sfumature, dipingendo un quadro a mezz’aria tra realismo e distopia in cui il concetto di "pensiero unico" diventa simbolo di una chiusura mentale che minaccia l'individualità, soffocando le voci e i pensieri divergenti. Questo passaggio del testo non è soltanto un'accusa, ma un appello vibrante alla consapevolezza e al cambiamento, un invito a scuotere le catene dell'indifferenza per ricercare un dialogo autentico e costruttivo all'interno della comunità. Attraverso queste linee, i Boavista riescono a toccare corde profonde, avviando una conversazione che va ben oltre la musica, indagando le dinamiche di potere e la ricerca di un senso in un'epoca di incertezza e ricordandoci l'importanza di trovare il nostro posto e di lottare per le nostre convinzioni in un’era che troppo spesso ci relega a semplici osservatori. Il ritornello, con la frase-mantra "Prima di dormire", si tramuta in una cattedrale di riflessione dove ognuno è chiamato a valutare la propria esistenza sotto la luce cruda della verità, un momento di introspezione e autovalutazione che ci ricorda il potere salvifico e catartico della redenzione personale. Questo momento musicale non è solo un ponte tra le strofe, ma un invito a fermarsi, a considerare l'impatto delle nostre azioni sul tessuto sociale che ci circonda, enfatizzando la necessità, non soltanto per la classe dirigente, ma per ciascun essere umano, di riflettere sulle proprie azioni e responsabilità, nel tentativo di riconciliare i propri doveri verso se stessi e il prossimo. Un richiamo a riscoprire i valori più alti dell’esistenza nelle ore silenziose che precedono il sonno, un tempo sacro per meditare sui nostri doveri verso gli altri e verso il mondo. I Boavista, formati nel 2019 da Simone Tancredi e Luigi Bellanova, hanno da subito dimostrato la loro maturità artistica e la capacità di coinvolgere il pubblico. Con esperienze provenienti da numerosi palchi e ore di studio, la band ha sviluppato un sound unico, influenzato dal rock americano, dal pop inglese e dal cantautorato italiano. "Prima di Dormire" non fa eccezione, offrendo un'analisi acuta della contemporaneità attraverso la musica. Con l'aggiunta di Nazario Laurito alla batteria nel 2024, i Boavista promettono di continuare a sorprendere e ispirare il loro pubblico. "Prima di Dormire" è solo l'inizio di un nuovo capitolo emozionante per la band, che si preannuncia ricco di spessore e significato. "Prima di Dormire" non solo mette in luce le abilità narrative e compositive dei Boavista, riconfermando la loro posizione come una delle band più promettenti e originali del panorama musicale italiano, ma rappresenta un manifesto del loro impegno verso tematiche sociali profonde e attuali. Questo singolo ci prende per mano accompagnandoci in un viaggio in cui ritmo, speranza, resilienza, parole e valori si intrecciano per esplorare orizzonti sonori ancora inesplorati. Con “Prima di Dormire”, i Boavista promettono di continuare a sorprendere, a emozionare e ad ispirare, segnando il passo di una nuova era nella musica italiana.... Continua a leggere

In occasione della Giornata Mondiale dei Disturbi del Comportamento Alimentare, il cantautore romano Giordano Amici, dopo aver raccontato il disagio causato dalle dipendenze in "Lara", torna ad emozionare pubblico e critica con "Fiocco Viola" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che si fa portavoce di una battaglia troppo spesso celata nell'ombra, quella con l’Anoressia maschile, trasformando il dolore e la lotta in una melodia che tocca l'anima. Con un’interpretazione commovente e una poetica e un liricismo propri dei più grandi cantautori italiani, Giordano Amici tende la mano a tutti coloro che, ogni giorno, combattono contro mostri invisibili quali l'anoressia e la bulimia, patologie infide che ancora troppo spesso si propagano tra l’indifferenza e la superficiale convinzione che siano frutto di un capriccio, un mantello di vanità e perfezionismo che avvolge il desiderio di giungere a determinati stereotipi o modelli. Queste malattie, un pesantissimo fardello animico e mentale inversamente proporzionale alla leggerezza fisica di chi ne soffre, sono indifferenti al sesso, all'età, alla provenienza sociale e culturale di chi ne è afflitto, e si forgiano nella solitudine, fortificandosi nel silenzio, nella vergogna e nel timore di chiedere aiuto. Attraverso la narrazione della lotta di un giovane ragazzo contro l'anoressia, Giordano Amici offre una testimonianza diretta che risuona con un’emotività impattante non solo con chiunque abbia avuto od abbia a che fare con queste sfide, ma anche con tutti coloro che, per mancanza di conoscenza o esperienza diretta, abbiano sempre rivolto ai DCA uno sguardo giudicante. Le parole del cantautore romano, cariche di un'intensa personalità e di una vulnerabilità cruda, si fanno portavoce di un messaggio universale di resilienza, rendendo "Fiocco Viola" non solo un inno di lotta e speranza ma anche una profonda riflessione sulle cicatrici invisibili che segnano l'anima ancor prima di manifestarsi sul corpo. Giordano, con la sua musica, apre una finestra sulle realtà nascoste, invitando ad un dialogo aperto e sincero sull'importanza della consapevolezza, del supporto e della comprensione in un percorso di guarigione che è tanto individuale quanto collettivo. «In “Fiocco Viola” – dichiara l’artista -, ho voluto affrontare un tema troppo spesso relegato all'ombra, circondato da misconcezioni e silenzi: l'anoressia e la bulimia negli uomini. Si tende a credere che questi disturbi riguardino esclusivamente le donne, ma la realtà è ben diversa. Il 10% degli affetti da anoressia sono uomini, un dato che molto probabilmente sottostima la reale diffusione del problema. La reticenza degli uomini a riconoscere e chiedere aiuto per un disturbo alimentare è fortemente influenzata da pressioni sociali e stereotipi di genere che impediscono una piena consapevolezza della questione. Con il mio brano, desidero illuminare questa realtà nascosta, invitando ad un dialogo aperto e senza pregiudizi. È essenziale comprendere che i disturbi alimentari non conoscono distinzioni di genere e che il supporto deve essere incondizionato. Questo singolo è una dichiarazione d'amore e di lotta, una testimonianza diretta di chi ha affrontato questi mostri e ha trovato la forza di combattere, simboleggiata dal fiocco viola, emblema di consapevolezza e impegno. Vorrei che gli ascoltatori sentissero la forza di non arrendersi, di combattere la più grande delle battaglie: quella con se stessi». Nell’armoniosa fusione di pop e rock che trasla l’equilibrio come meta da raggiungere in un cammino in un cui disequilibrio, disformismo e mancata accettazione di sé, delle proprie peculiarità e della propria unicità fanno da padroni, ogni nota, ogni parola, ogni silenzio tra i versi, diventa un simbolo di lotta, di forza, di speranza. «Hai smesso di dormire e mangiare e quelle dita in gola sempre più giù, vanno sempre più giù», canta Amici; linee suggestive e sature di una verità amarissima, capaci di evocare non solo l'immagine struggente della lotta interiore, ma anche la riflessione sull'importanza della consapevolezza e del supporto. Queste parole, intrise di dolore e determinazione, risuonano come un richiamo alla solidarietà, spingendo ad ascoltare, comprendere e sostenere chi si trova in questa dolorosa condizione. La voce di Giordano diventa così un ponte tra il silenzio assordante che circonda i disturbi alimentari e il bisogno vitale di dialogo e accettazione, offrendo uno spiraglio di luce a chi vive nell’ombra di se stesso, a chi cerca la forza di affrontare e vincere i propri demoni. Ma è nel passaggio «Ricordo, ricordo il dolore nelle ossa, quando mi alzavo dal letto le mie giornate erano un riflesso. Me stesso nello specchio per vedermi diverso e no, non mi piacevo, ma mi compiacevo» che si evince la spietata autocritica e la ricerca di un'accettazione che spesso sembra inarrivabile. Questi versi, intrisi di una vulnerabilità cruda e disarmante, toccano il cuore di chiunque ascolti, disegnando un ritratto intimo del conflitto contro i propri fantasmi interiori, presenze invisibili eppur così tangibili da chi ogni giorno, guardandosi allo specchio, cerca un appiglio a cui aggrapparsi, per identificarsi, per riconoscersi, per accettarsi. La copertina del singolo, con il fiocco viola al centro, rappresenta l'impegno nella lotta contro i disturbi del comportamento alimentare, invitando tutti coloro che ne soffrono a non arrendersi, a combattere contro i pregiudizi e le difficoltà, offrendo al contempo sostegno e comprensione per chi si trova nel mezzo di questa battaglia, tra le famiglie spesso inermi e prive dei corretti strumenti per affrontare tali disturbi ed una società che continua a chiudere gli occhi di fronte alla pressione che esercita sui suoi componenti, non deboli, ma semplicemente e meravigliosamente, più fragili. Giordano Amici, con la sua sincerità artistica, trasforma "Fiocco Viola" in un'opera di rara bellezza e significato, dimostrando ancora una volta il potere della musica di parlare direttamente all'animo umano e la sua capacità di trattare temi delicati con sensibilità ed empatia, conducendo l'ascoltatore in un viaggio emozionale che va ben oltre il concetto canzone. La narrazione di Amici si fa veicolo di una verità spesso ignorata: l'anoressia negli uomini è una realtà, una guerra silenziosa che richiede attenzione, comprensione e azioni concrete. Con la sensibilità e l'impegno che lo contraddistinguono, Giordano Amici invita alla riflessione, al dialogo e all'azione. "Fiocco Viola" è più di una canzone; è un passo avanti nella lotta contro i disturbi alimentari, un invito a riconoscere, sostenere e amare ogni parte di noi stessi, oltre il pregiudizio e la pressione sociale.

In un panorama musicale in continua evoluzione, dove l'espressione personale sfida i confini dei generi, si fa strada un talento destinato a lasciare il segno: Ladrone00, con il suo nuovo singolo "Fragile". Dopo aver catturato l'attenzione e il cuore del pubblico con "Lady", brano che intreccia sapientemente la nostalgia delle serate estive al desiderio di danzare a lungo, desiderio per troppo tempo represso, ingabbiato nelle maglie del lockdown, Ladrone00, al secolo Simone Cicconi, ci invita nuovamente nel suo universo musicale con una vibrante testimonianza del suo inconfondibile stile e della sua innata freschezza artistica. Amalgamando con maestria irresistibili ritmi da dancefloor ad incisivi incastri rap, il talento marchigiano dà vita ad un'opera intrisa di energia, in grado di fondere l’anima dance al cuore pulsante del rap. "Fragile" si distingue infatti non solo per la sua composizione musicale innovativa, ma anche per il modo in cui il suo autore riesce a tessere elementi sonori diversificati, in una simbiosi armoniosa e fluida che incanta e invita all'ascolto ripetuto. Nato a San Severino Marche e cresciuto Poggio San Vicino (MC) nel 2004, Ladrone00 si avvicina alla musica ispirato da Emis Killa, nutrendo sin dalla tenera età la convinzione che il suo futuro sarebbe stato intimamente legato all’underground italiano e che il suo luogo d’elezione, altro non avrebbe potuto essere che la fulgida scena tricolore. Questo precoce desiderio di emergere e di affermarsi come punto di riferimento nel panorama rap del suo Paese, non è mai stato un semplice sogno da bambino, ma la chiara visione del percorso che avrebbe intrapreso con impegno e dedizione. La sua ascesa, alimentata da una continua evoluzione autorale e personale e dall'ispirazione tratta dalle icone del genere, testimonia una maturazione espressiva precoce e un impegno costante nel perfezionare le sue artistry. Il suo pseudonimo, un'affermazione audace della sua abilità di "rubare" la scena nel rap-game e di conquistare i cuori, riflette il suo spirito competitivo e la sua determinazione. Ladrone00, infatti, non è solo un rapper; è una forza della natura che sfida le convenzioni, portando alla luce le emozioni più profonde mediante i suoi brani. In "Fragile", l’incisività della sua penna esplora temi di vulnerabilità, forza interiore e la continua ricerca di autenticità in un mondo che troppo spesso valuta gli individui basandosi su giudizi superficiali, anteponendo i preconcetti all’essenza stessa di ogni essere umano. Una dichiarazione potente che si apre con una riflessione toccante sulla difficoltà di trovare la propria identità in un contesto che sembra negare spazio alle verità personali - «Viviamo in un mondo dove ci si preoccupa più del giudizio altrui che di sé stessi. Non è presente individualità ma paura!» -, e che nel passaggio «Di paure, giuro ne ho tante, ma con le sconfitte, son diventato grande», diventa un manifesto di resilienza, un messaggio importante per chiunque si trovi ad affrontare le tempeste della vita, rivelando che la vera grandezza si nasconde nella capacità di superare le proprie sconfitte. L'arte di Ladrone00 si evince in questa traccia in tutta la sua complessità, amalgamando l'ossigeno vitale della musica alla liberazione dalla fatica quotidiana. Con linee come «Bambino, brivido, Angelo, lucifero! Musica, ossigeno, fatica, libero!», il rapper sottolinea la dualità dell'esistenza, la battaglia tra luce e oscurità, e il potere catartico di un paio di una canzone. Ma in "Fragile", Ladrone00 affronta con coraggio anche la tematica dell'esposizione costante ai social, un sentimento universale che risuona profondamente nell'era digitale: «Eh ti senti stufo, mille problemi intorno, usi quello scudo, ormai stai in fondo. Ti senti nudo, giudicato dal mondo, ascolta tutto, fai finta che sei sordo». Queste liriche articolano la complessità e l'ambivalenza dell'essere costantemente sotto il microscopio del giudizio pubblico, sottolineando l'isolamento e l’ansia sociale che spesso accompagnano il vivere nell'occhio del ciclone mediatico. Con acuta sensibilità, l’artista mette in luce la pressione insostenibile di dover mantenere una facciata di indifferenza di fronte alle critiche e ai commenti incessanti. Il "sentirsi nudo" simboleggia una trasparenza forzata, una condizione nella quale ogni difesa sembra crollare sotto il peso di aspettative e pregiudizi. Allo stesso tempo, il consiglio di "fare finta di essere sordo", rivela una strategia di sopravvivenza, un modo per preservare la propria serenità interiore di fronte all'assordante rumore esterno. Attraverso il suo viaggio musicale appena iniziato, Ladrone00 ha già dimostrato una straordinaria capacità di catturare l'essenza del rap, fondendo con naturalezza l'influenza dei grandi maestri con un tocco personale e innovativo. La sua decisione di dedicarsi alla musica non è stata solo la scelta di una carriera, ma l'abbraccio di una vocazione, un impegno a esplorare e narrare la realtà attraverso le parole, con l'obiettivo di lasciare un segno indelebile nella scena musicale italiana e di ispirare le nuove generazioni a seguire le proprie passioni con coraggio e autenticità. La musica di Ladrone00 è veicolo di messaggi profondi, uno strumento immediato e diretto che offre agli ascoltatori non solo momenti di evasione ma anche innumerevoli spunti di riflessione. "Fragile" non è solo un'aggiunta al panorama musicale; è un invito a danzare sui ritmi della vita, ad apprezzare le proprie fragilità e a trovare la forza nella propria unicità. Ladrone00, con questa nuova release che trasforma la vulnerabilità in virtù, ci ricorda che la musica è un linguaggio universale, capace di toccare le corde più intime del cuore umano e di unire le persone al di là delle loro apparenti differenze.... Continua a leggere

Dopo aver emozionato pubblico e critica con la toccante dedica in ricordo del padre "Malattia", il rapper capitolino Blutarsky torna nei digital store con "Tè Caffè", il suo nuovo singolo che segna un’ulteriore svolta nella sua carriera artistica. In “Tè Caffè”, Blutarsky si distacca dalle convenzioni, aprendo una finestra sulla società contemporanea e sul ruolo dell'individuo al suo interno, miscelando sapientemente tematiche sociali e personali in una narrazione che ondeggia tra introspezione e critica. Il brano affronta con coraggio le dinamiche di un mondo dominato da apparenze e incoerenze, in cui l’estenuante corsa alla fama sembra soffocare i valori e l'unicità di ciascuno. Il testo, ricco di incastri che si muovono tra la dimensione conscious e la provocazione, esplora il contrasto tra l'individualità e le pressioni omologanti, sottolineando l'importanza di mantenere la propria unicità. L’impattante dichiarazione in apertura sulla vacuità dei successi materiali, in un contesto sociale che premia e incoraggia la conformità, «Non resisto alle tentazioni, non resisto alle delusioni», introduce l'ascoltatore in un viaggio emotivo attraverso le sfide e le frustrazioni che accompagnano la vita di chi decide di percorrere strade meno battute. Con un liricismo che per sua natura si articola ed esprime l’essenza dell’autore, ma al contempo abbraccia e libera riflessioni universali, Blutarsky affonda la penna nel calamaio della contemporaneità e nel verso «In un mondo che cresce bastardi, dimmi che semi saremo» fa centro interrogandosi sul futuro dell'umanità e ponendo l'accento sulla responsabilità individuale nel decidere e determinare il tipo di impatto che si vuole avere sul mondo. Con un flow ed un’eloquenza disarmanti, l’artista esorta gli ascoltatori a riflettere sui pregiudizi, sulla brutalità, sulla discordia e sul panico seminati quotidianamente, suggerendo che sì, potrebbe essere tardi per un ritorno ai valori più autentici, ma non per cercare di fare la differenza, senza nascondersi dietro a superflue giustificazioni, scuse o cliché. Il passaggio chiave del ritornello «Tutti chiedono il caffè, io prendo il tè» riassume perfettamente la profonda accezione dell’intero pezzo, diventando un manifesto di individualità, autenticità e originalità, in cui Blutarsky si distacca dalle imposizioni, dalle regole non scritte ma incise nelle menti e nelle anime delle masse, per seguire la propria strada, simboleggiando la consapevolezza, l’autodeterminazione e la scelta di un percorso meno convenzionale. Questa decisione, espressa in vivide metafore, rappresenta la libertà di essere se stessi in un’epoca che spesso impone modelli e aspettative uniformi, evidenziando non soltanto la notevole maturità dell’artista, ma anche e soprattutto un’impronta stilistica che mira a distaccarsi da dinamiche di mercato, per giungere dritta al cuore di chi ascolta. Il testo si sviluppa ulteriormente attorno al concetto di amore come forza liberatrice e redentrice. Nel bel mezzo del caos e della confusione generata dalla rincorsa di fama, successo e dalle pressioni esterne, emerge la figura della persona amata come un punto fermo, un faro che ci guida verso la verità e il valore delle relazioni autentiche: «In "Tè Caffè" – dichiara Blutarsky -, esprimo il mio dissenso verso una società sempre più focalizzata sull'apparenza, sull'incoerenza e sulla disperata ricerca di notorietà. Ho fatto emergere critiche a comportamenti e tendenze che, a mio avviso, stanno erodendo l'umanità e l'autenticità delle relazioni personali. Tuttavia, nel cuore di questa riflessione, s'innalza la figura di una persona speciale, capace di riconoscere e valorizzare l'unicità di ognuno, offrendo una via di fuga dalle costrizioni sociali». Il brano si configura quindi come un invito a riscoprire la nostra originalità e a guardare dentro e fuori di noi da una prospettiva diversa, senza farci condizionare dagli schemi. La copertina del singolo, che raffigura una coppia di innamorati felici, con il resto del mondo lontano, sull’altra riva del mare, simboleggia questa distanza, sottolineando l'importanza di trovare libertà e verità nella complicità di un rapporto basato sull'amore e sulla comprensione reciproca. In questo contesto, la scelta tra "tè" e "caffè" trascende la semplice preferenza personale, diventando simbolo di una libertà universale. Con un testo che naviga tra critica sociale e introspezione personale, “Tè Caffè” dimostra ancora una volta l’abilità narrativa di Blutarsky e la sua capacità di toccare tematiche profonde con sensibilità e intelligenza, facendo della sua musica uno strumento di riflessione e cambiamento.

Dopo aver emozionato pubblico e critica con la toccante dedica in ricordo del padre "Malattia", il rapper capitolino Blutarsky torna nei digital store con "Tè Caffè", il suo nuovo singolo che segna un’ulteriore svolta nella sua carriera artistica. In “Tè Caffè”, Blutarsky si distacca dalle convenzioni, aprendo una finestra sulla società contemporanea e sul ruolo dell'individuo al suo interno, miscelando sapientemente tematiche sociali e personali in una narrazione che ondeggia tra introspezione e critica. Il brano affronta con coraggio le dinamiche di un mondo dominato da apparenze e incoerenze, in cui l’estenuante corsa alla fama sembra soffocare i valori e l'unicità di ciascuno. Il testo, ricco di incastri che si muovono tra la dimensione conscious e la provocazione, esplora il contrasto tra l'individualità e le pressioni omologanti, sottolineando l'importanza di mantenere la propria unicità. L’impattante dichiarazione in apertura sulla vacuità dei successi materiali, in un contesto sociale che premia e incoraggia la conformità, «Non resisto alle tentazioni, non resisto alle delusioni», introduce l'ascoltatore in un viaggio emotivo attraverso le sfide e le frustrazioni che accompagnano la vita di chi decide di percorrere strade meno battute. Con un liricismo che per sua natura si articola ed esprime l’essenza dell’autore, ma al contempo abbraccia e libera riflessioni universali, Blutarsky affonda la penna nel calamaio della contemporaneità e nel verso «In un mondo che cresce bastardi, dimmi che semi saremo» fa centro interrogandosi sul futuro dell'umanità e ponendo l'accento sulla responsabilità individuale nel decidere e determinare il tipo di impatto che si vuole avere sul mondo. Con un flow ed un’eloquenza disarmanti, l’artista esorta gli ascoltatori a riflettere sui pregiudizi, sulla brutalità, sulla discordia e sul panico seminati quotidianamente, suggerendo che sì, potrebbe essere tardi per un ritorno ai valori più autentici, ma non per cercare di fare la differenza, senza nascondersi dietro a superflue giustificazioni, scuse o cliché. Il passaggio chiave del ritornello «Tutti chiedono il caffè, io prendo il tè» riassume perfettamente la profonda accezione dell’intero pezzo, diventando un manifesto di individualità, autenticità e originalità, in cui Blutarsky si distacca dalle imposizioni, dalle regole non scritte ma incise nelle menti e nelle anime delle masse, per seguire la propria strada, simboleggiando la consapevolezza, l’autodeterminazione e la scelta di un percorso meno convenzionale. Questa decisione, espressa in vivide metafore, rappresenta la libertà di essere se stessi in un’epoca che spesso impone modelli e aspettative uniformi, evidenziando non soltanto la notevole maturità dell’artista, ma anche e soprattutto un’impronta stilistica che mira a distaccarsi da dinamiche di mercato, per giungere dritta al cuore di chi ascolta. Il testo si sviluppa ulteriormente attorno al concetto di amore come forza liberatrice e redentrice. Nel bel mezzo del caos e della confusione generata dalla rincorsa di fama, successo e dalle pressioni esterne, emerge la figura della persona amata come un punto fermo, un faro che ci guida verso la verità e il valore delle relazioni autentiche: «In "Tè Caffè" – dichiara Blutarsky -, esprimo il mio dissenso verso una società sempre più focalizzata sull'apparenza, sull'incoerenza e sulla disperata ricerca di notorietà. Ho fatto emergere critiche a comportamenti e tendenze che, a mio avviso, stanno erodendo l'umanità e l'autenticità delle relazioni personali. Tuttavia, nel cuore di questa riflessione, s'innalza la figura di una persona speciale, capace di riconoscere e valorizzare l'unicità di ognuno, offrendo una via di fuga dalle costrizioni sociali». Il brano si configura quindi come un invito a riscoprire la nostra originalità e a guardare dentro e fuori di noi da una prospettiva diversa, senza farci condizionare dagli schemi. La copertina del singolo, che raffigura una coppia di innamorati felici, con il resto del mondo lontano, sull’altra riva del mare, simboleggia questa distanza, sottolineando l'importanza di trovare libertà e verità nella complicità di un rapporto basato sull'amore e sulla comprensione reciproca. In questo contesto, la scelta tra "tè" e "caffè" trascende la semplice preferenza personale, diventando simbolo di una libertà universale. Con un testo che naviga tra critica sociale e introspezione personale, “Tè Caffè” dimostra ancora una volta l’abilità narrativa di Blutarsky e la sua capacità di toccare tematiche profonde con sensibilità e intelligenza, facendo della sua musica uno strumento di riflessione e cambiamento.

In occasione della Festa della Donna, Giorgia Giacometti, la nuova stella della musica italiana, torna in radio e nei digital store con "Povero Re", un inno all'empowerment femminile che sfida coraggiosamente gli stereotipi e i cliché, sovvertendo le convenzioni di un mondo dominato da limiti e aspettative e proponendo una nuova visione di forza e indipendenza per tutte le donne. Con una carriera che attraversa i confini internazionali, da Miami a Singapore, Giorgia Giacometti si è distinta non solo come cantante e cantautrice di talento, ma anche come manager finanziaria, navigando con competenza, audacia e determinazione in un gaming tradizionalmente maschile. La sua storia è quella di tante donne, infusa da una costante lotta contro etichette e pregiudizi, in cui ha saputo farsi strada portando in alto il suo valore, affermandosi quotidianamente attraverso la sua tenacia e il suo carisma, diventando un modello ispiratore. Prodotto dal tocco impeccabile del visionario Jason Rooney, con la collaborazione di Giuseppe D’Albenzio e Romina Falconi, "Povero Re" si corrobora di una narrazione di potere e seduzione, dove la figura femminile, lontana dall'essere vittima, assume un ruolo di forza e controllo, rovesciando le consuete dinamiche di potere di un immaginario ancora troppo maschile e patriarcale. Nella fusione magistrale di sonorità elettropop a sfumature rock, il brano è avvolto da un’atmosfera tanto provocatoria quanto seducente, in cui la voce di Giorgia, carica di energia punk, guida gli ascoltatori in un viaggio di ribellione contro le aspettative sociali, proponendo un nuovo modello di femminilità, forte e indipendente. Il testo del brano, pungente e ricco di provocazioni, è un cammino attraverso la liberazione dalla figura dell'uomo manipolatore, rappresentato come un re deprivato del suo potere di fronte alla donna che, con intelligenza ed erotismo, sa leggere oltre le apparenze e dominare il gioco. I passaggi chiave «Povero te, tutto pieno di sé, le fai piangere tutte quante e poi piangi per me» e «Povero Re, dopo di me non resterà più niente di te», sottolineano l'ironia di un destino capovolto, dove il manipolatore diventa vittima della propria vanità. Le liriche incisive e sature di energia, dipingono il quadro di una donna che non solo rompe le catene della sottomissione e della prevaricazione, ma assume il comando, con un mix di eleganza, fascino, seduzione ed erotismo che dietro la coltre dell’apparire, dietro le luci rosse soffuse di maschere indossate per piacere agli altri e a se stessi, rivela l’intelligenza e l’astuzia di una stratega che non teme di mostrare la propria essenza e la propria forza. Queste lyrics non sono solo parole in musica, ma l'espressione di una rivoluzione personale e collettiva, che scuote le fondamenta di un sistema obsoleto, invitando le donne a prendere in mano le redini della propria vita. Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, diretto dalla stessa Giacometti in collaborazione con Claudio Zagarini e Valeria Ungaro e disponibile su YouTube dal 15 Marzo – con il “Povero Re” rappresentato dal modello e attore fiorentino Riccardo Stellini -, è una rappresentazione visiva dell'empowerment che trascende il testo per diventare un'esperienza sensoriale, una metafora del sottile ma potentissimo equilibrio tra ingegno e sensualità, dove la battaglia per la conquista si conclude con un'inversione di ruoli definitiva. La seduzione di una partita a poker evoca e trasla perfettamente il gioco mentale tra i generi, in cui la posta è molto più alta del semplice erotismo: è il riconoscimento dell'uguaglianza e del reciproco rispetto. "Povero Re" non è solo una canzone, ma una dichiarazione d'intenti che pone Giorgia Giacometti come simbolo di un nuovo femminismo, capace di sfidare e sovvertire l'ordine stabilito. Con questo brano, la cantautrice pistoiese di stanza a Miami, invita le donne a riconoscere il proprio valore e a prendere in mano le redini della propria vita, ispirando così una generazione pronta a riscrivere le regole del gioco.... Continua a leggere

Il suo debutto ha condotto tutti in “Un altro Mondo”, con la “Luna Piena” a fare da sfondo a sentimenti ed emozioni ed ora, Jimmy, torna nei digital store con "Schegge di 66" (Orangle Records), l’atteso album d’esordio che trae il suo titolo dell’omonimo singolo pubblicato a fine 2022 e lo riconferma come una delle voci più autentiche e innovative del panorama musicale italiano. Nato a Voghera il 16 Aprile 1998, Jimmy ha sempre avuto la musica nel sangue, un’inclinazione ereditata e alimentata dalla sua famiglia e dalla sua storia personale, intrisa di passione per i suoni e le composizioni che toccano l’anima, diventando messaggeri di emozioni profonde e universali.  Le sue release sono un ponte tra generazioni, un dialogo che va oltre le parole, invitando ad un'esperienza sensoriale che sfida i confini dei generi e delle classificazioni musicali, con l'obiettivo di unire le persone attraverso il potere trasformativo dell'arte. Questo primo progetto full length, prodotto negli illustri Phaser Studios di Seveso (MB) da Lorenzo “Lor3n” Iavagnilio, è un viaggio emotivo attraverso i sentimenti nelle loro molteplici sfaccettature, dalle relazioni romantiche a quelle interpersonali, fino all’amore incondizionato che ci donano gli animali domestici; un album concettuale composto da 8 tracce che narrano altrettante storie di connessioni, desiderio, dolore e rinascita. Ogni brano è un capitolo di un racconto più ampio, la narrazione di un rapporto che si dipana dalla sua nascita al suo epilogo, offrendo al contempo una finestra sul futuro e sulle infinite possibilità che un cuore aperto ad amare ed essere amato sa offrire. Dalla traccia iniziale "Solo Io", un inno alla bellezza e all'unicità scritta da Corrado Catenacci, fino alla conclusiva "Via Amore Lasciati Emozionare", un invito a non temere il rinnovarsi dei sentimenti, Jimmy si serve della sua arte per esplorare il cuore umano con una sincerità e una profondità disarmanti. Dall’amore quasi mitologico narrato in “Luna Piena” a quello non corrisposto della title track, passando per le sue dinamiche più giocose e spensierate di “Gioco” e “Bimba”, fino a quello totalizzante e disinteressato che ci regalano i nostri amici a quattro zampe, l’artista trasforma i battiti in note e il dolore in poesia, donando al pubblico una visione a tuttotondo sull’unicità e l’irripetibilità dei rapporti. «Quest’opera – dichiara Jimmy – per me rappresenta un punto di arrivo e un punto di partenza: la soddisfazione di aver realizzato un disco è immensa, come è straordinaria l’emozione che ho provato quando ho avuto per la prima volta in mano la copia in formato CD. Si tratta di una storia e, come tutte le storie, ha un inizio e una fine, la quale però…apre le porte a nuove esperienze e…ad un nuovo progetto discografico già in lavorazione!» Con "Schegge di 66", Jimmy però non si limita a raccontare una storia ma infonde un messaggio di speranza e di coraggio. L'album è un monito, un promemoria che, nonostante le ferite che l'amore può causare, la capacità di emozionarsi e di amare di nuovo è una forza che tutti possediamo. Il titolo dell'album, "Schegge di 66", cela e racchiude una storia personale intensa e toccante, che l'artista ha scelto di condividere attraverso la sua musica. La traccia che dà il nome all'intero progetto, accompagnata dal videoclip ufficiale diretto da Fabrizio Vinci, si ispira infatti ad un episodio significativo vissuto dallo stesso Jimmy, una notte di eccessi che lo ha portato ad un risveglio in ospedale, un momento di svolta segnato da una profonda riflessione interiore. "Schegge di 66" fa riferimento alla sensazione lasciata dal miscuglio di alcol consumato quella sera dopo una delusione amorosa, simboleggiando non solo i 66cl delle bottiglie di birra, ma soprattutto le frammentazioni, le schegge emotive impresse nell’anima da un amore non corrisposto. Questo episodio, diventato catalizzatore creativo per Jimmy, riflette senza dubbio la vulnerabilità umana di fronte alle sfide emotive, ma anche e soprattutto il potere trasformativo della musica e dell’arte, capaci di convertire il dolore in espressione universale. Con la collaborazione di Duilio Maria Di Meglio, "Schegge di 66" diventa così un emblema dell'album, conducendo gli ascoltatori ad un viaggio nelle proprie profondità interiori, dove ogni canzone è un frammento di vita che, insieme, compone un mosaico di emozioni, speranze e rinascite. In un mondo che spesso ci chiede di essere perfetti, Jimmy ci esorta ad accogliere, accettare e abbracciare le nostre imperfezioni, a trovare bellezza nel caos e a lasciarci guidare dal cuore senza paura. "Schegge di 66", con grafiche e immagini curate dall'estro creativo di Antonella Verdino, è un manifesto di vita, un inno ai sentimenti puri e autentici in tutte le loro forme. In questa suggestiva opera di 8 atti, Jimmy dimostra che la musica può ancora essere un potente veicolo di emozioni e riflessioni, un ponte tra le anime che unisce, anziché dividere. Con “Schegge di 66”, il cantautore pavese si afferma non solo come artista di talento ma come un abile narratore dell'anima e dei suoi motti più alti, che invita ciascuno di noi a scoprire e riscoprire la bellezza di amare ed essere amati. A seguire, tracklist e track by track del disco. “Schegge di 66” – Tracklist: 1. Solo Io 2. Un Altro Mondo 3. Luna Piena 4. Schegge di 66 5. Saltami Addosso 6. Gioco 7. Bimba 8. Via Amore Lasciati Emozionare “Schegge di 66” – Il disco raccontato dall’artista: “Solo Io” è un elogio alla bellezza e all’importanza della persona che si ama; racconta come ci si possa innamorare di qualcuno partendo dai piccoli gesti, da quelle piccole cose che poi, così piccole non sono. Spesso, non riusciamo a spiegare cosa troviamo di speciale in chi ci innamoriamo, ma dentro di noi, pur non riuscendo ad esprimerlo a parole, sappiamo che c’è qualcosa che ci “spinge” verso di lei/lui. Ci tengo particolarmente a ringraziare l’autore di questa canzone, Corrado Catenacci, e il regista del videoclip ufficiale, Fabrizi Vinci. “Un Altro Mondo” è un brano in cui l’amore si trasforma in una sorta di film mentale, diventando un sentimento che viaggia attraverso i sogni, capace di portarci letteralmente, appunto, in un altro mondo. Con questa canzone invito a lasciare indietro tutto ciò che è stato e a concentrarsi su tutto ciò che potrebbe essere. In “Luna Piena” l’amore viene dipinto come un forte desiderio, a tratti animalesco. In questo brano ho utilizzato la metafora dell’uomo lupo per descrivere il vincolo che si viene a creare con la persona amata, un vincolo indistruttibile come quello che c’è tra la luna piena e un licantropo. Ci sono molti riferimenti ai film a me più cari sull’argomento, perché sono da sempre affascinato da questa figura mitologica. I film che cito, e che vi consiglio di guardare, sono: “L’uomo Lupo” (1941), “Un lupo mannaro americano a Londra” (1981), “Wolf - la belva è fuori” (1981) e “The Wolfman” (2010). “Schegge di 66”, la traccia che dà il titolo all’album, racconta un episodio particolare della mia vita che ho deciso di tradurre in musica: tra il 2016 e il 2017, ad una festa di compleanno di alcuni amici del liceo, per via di una delusione in amore, ho esagerato con l’alcool e mi sono risvegliato in ospedale. Non ho quasi alcun ricordo di quella sera, solo quello che riguarda l’inizio della serata. In quel momento, i miei genitori erano in Germania dalle mie sorelle che lavoravano lì e hanno saputo ciò che era successo da una telefonata proveniente dall’ospedale. Quest’esperienza è stata parecchio significativa, perché mi ha segnato particolarmente e mi ha anche spaventato. Ho voluto usare questo episodio per raccontare l’amore non corrisposto e la sofferenza che questo può causare. Perché “Schegge di 66”? Beh, quella sera ho fatto un miscuglio di cose, tra Gin Vodka e birra, quindi ho voluto usare questo termine per descrivere lo strascico di quelle birre da 66cl che mi scorrevano in corpo. Ringrazio Duilio Maria Di Meglio (Dimeglio), co-autore del brano. "Saltami Addosso" è l’espressione dell'amore per il proprio animale da compagnia, quel membro della nostra famiglia da cui vogliamo tornare dopo aver sofferto o dopo una delusione. L'amore che racconto in questo brano è anche una presa di posizione contro tutti coloro che abbandonano e/o maltrattano gli animali. In "Gioco" narro l'amore visto e vissuto come un gioco. Una ripresa e una reazione dopo essere stati "giocati" dalla persona amata. Questa consapevolezza non vuole mettere in luce un vincitore, ma far riflettere su quanto, nonostante a volte si venga “usati”, sia fondamentale mantenere il proprio cuore aperto all’amore. “Bimba” racconta di un amore nato d’estate, un amore tra le onde del mare, e di una notte rosa sopra una barca a vela. Questo tipo di amore può nascere e morire in una sola stagione, o durare per sempre. Ci sono alti e bassi, dei “prendi, lascia e prendi”, come l’Amore di Danny e Sandy in Greese. La traccia conclusiva del disco, "Via Amore Lasciati Emozionare", come suggerisce il titolo, è un invito ad amare e a lasciarsi amare. Anche se si incontrano ostacoli lungo il cammino, non è mai un errore amare o tornare ad amare. L'amore si cela nelle piccole cose, anche in un bacio, un segreto detto alla bocca e non all'orecchio che arriva dritto al cuore regalando nuova essenza ai suoi battiti.... Continua a leggere

Con la forza e la sensibilità che la contraddistinguono, Vi Skin torna in radio e nei digital store con "Calamita", il suo nuovo singolo che emerge come un manifesto emotivo di rara intensità. Seguendo il successo di “E Tu?”, la cantautrice ciociara non si limita a sfidare i preconcetti, ma inverte la narrativa tradizionale sull'accettazione: "Non serve sentirsi vittime dei pregiudizi e non sono le persone definite diverse a dover essere accettate dagli altri, ma sono i cosiddetti altri a dover essere accettati da chi viene definito diverso”. In "Calamita", Vi Skin si avventura oltre i confini della musica, esplorando la tematica dell’ignoranza umana come fonte principale del pregiudizio e del suo impatto sulle vite di chi lo subisce, puntando i riflettori sull’importanza delle reazioni a determinati attacchi. Lontana da armature vittimistiche, l’artista introduce il concetto di "ignoranza consapevole", una condizione che definisce con queste parole: «Il pregiudizio è frutto dell'ignoranza. Nessuno di noi può sapere tutto di tutti, ed è qui che risiede la nostra libertà di apprendere, di andare verso gli altri. Personalmente, mi definisco un'ignorante consapevole di esserlo, ma è proprio grazie a questa consapevolezza che permetto a me stessa di imparare e di apprendere sempre di più. È attraverso un atteggiamento umile nei riguardi della mia ignoranza che riesco a compiere dei passi verso la mia persona e verso gli altri...Passi che, purtroppo, non tutti sono disposti a fare. Ed ecco che l'ignoranza diventa una scelta, decretando così la morte della coscienza umana. Non c'è nulla di più terribile dell'ignoranza in azione, la peggior arma di distruzione di massa. Senza la consapevolezza di non conoscere, di essere ignoranti su determinati aspetti, non potremmo mai progredire, né tantomeno fare un passo verso l'altro, ma continueremo solo a distruggerci a vicenda». Una riflessione profonda che suggerisce quanto, riconoscere la propria ignoranza, non sia una debolezza, bensì l'inizio del vero apprendimento, della comprensione e dell’accettazione di sé e degli altri e quanto, ancora troppo spesso, nascondersi dietro pregiudizi e convinzioni infondate possa limitare non solo il nostro sviluppo personale, ma anche la capacità di costruire relazioni autentiche e significative con gli altri. «La diversità è un concetto così naturale, ma la società non accetta ciò che non è uguale» - canta l’artista in una delle liriche più incisive ed emozionanti del brano, regalando anima, cuore e voce ad un messaggio che colpisce per la sua attualità e universalità. Parole che sottolineano la capacità di Vi Skin di catturare, in pochi tratti, un'immagine vivida della realtà contemporanea, dove il diverso spesso si scontra con muri di incomprensione e pregiudizio. Un grido che nella sua perseverante delicatezza risuona nelle profondità dell'essere, esortandoci a guardare oltre il velo delle apparenze, al di là dei preconcetti, per riconoscere e abbracciare la nostra essenza più vera. Vi Skin, attraverso la sua abilità narrativa, ci prende per mano in un percorso di riflessione e introspezione, in cui ogni verso diventa un passo verso la comprensione di sé e dell'altro, in un mondo che troppo spesso sembra dimenticare il valore delle peculiarità individuali. La musicalità del singolo accompagna il testo con un'armonia che esalta le parole, creando un connubio perfetto tra suono e significato. La produzione, curata nei minimi dettagli da Matteo “Orph3us” Passarelli, avvolge l'ascoltatore in un abbraccio sonoro, rendendo "Calamita" il simbolo di un’accettazione senza compromessi e di un dialogo, con se stessi e con gli altri, capace di unire anziché dividere. In un’epoca in cui le parole spesso sfumano in echi di melodie dimenticate, l'artista di Esperia si riconferma una voce autentica ed una penna sincera, priva di artefatti e costruzioni, in grado di scolpire nel tempo messaggi indelebili. Sin dall’apertura del brano - «Non so se ci so stare, e non so se voglio imparare, è segno di salute mentale rifiutare» -, Vi Skin conduce l’ascoltatore in un viaggio attraverso la consapevolezza, la consapevolezza della bellezza insita nell'essere unici, che non chiede il permesso di esistere, ma vive nonostante ed oltre etichette e cliché. Il titolo del brano, trae la sua genesi dalla metafora del pregiudizio, che, proprio come una “Calamita”, si attacca alla mente e all’anima, cercando di distruggere non soltanto chi lo riceve, ma anche chi lo genera e lo diffonde: «A me dispiace per tutti coloro che sono prigionieri delle loro convinzioni, incapaci di vedere oltre – conclude Vi Skin -. La calamita del pregiudizio si attacca inesorabilmente a noi, ma lo fa solo se glielo permettiamo». Un invito a non porsi come vittime, ma piuttosto come chi reagisce, chi si apre al dialogo e alla comprensione reciproca; un invito a riflettere, a liberarsi dalle catene dell'ignoranza volontaria, per fare spazio al nuovo, all'altro, all'inaspettato. Un invito a costruire un mondo dove la diversità sia finalmente vista non come una minaccia, ma come una ricchezza inestimabile da esplorare e valorizzare. Definendosi un'ignorante consapevole, Vi Skin apre una finestra sul mondo, mostrando come la vera forza risieda nella capacità di riconoscere i propri limiti e di trasformarli in opportunità di crescita. La sua musica diventa così non solo intrattenimento, ma anche uno strumento di cambiamento, capace di smuovere le coscienze e di stimolare un dialogo costruttivo, basato sul rispetto e sull'interesse genuino verso l'altro. Perché è una scelta quella di aprire gli occhi e il cuore, di riconoscere la propria ignoranza e trasformarla in curiosità e desiderio di conoscenza; un percorso che non promette facili soluzioni, ma offre l'autentica libertà di essere se stessi, rispettando e valorizzando la diversità altrui. Con “Calamita”, Vi Skin si conferma non solo come un'artista di grande talento, ma anche come una voce importante nel dibattito culturale e sociale, una cantautrice che con la sua arte vuole fare la differenza, spingendo verso un futuro più inclusivo e consapevole. "Calamita" esorta a tutti noi a riflettere sulle nostre azioni e sui nostri pensieri, a riconoscere l'ignoranza come punto di partenza per un cammino di apprendimento e di avvicinamento verso l'altro, in un percorso che, passo dopo passo, può portarci a diventare la versione migliore di noi stessi.... Continua a leggere

Con oltre 1.500.000 streams dal solo Spotify, più di 12 milioni di ascolti e visualizzazioni su YouTube, Instagram e TikTok ed un seguito social che conta 2 milioni di followers, la cantautrice, attrice e modella Greta Ray continua a definire il paesaggio dell'urban pop italiano con la sua inconfondibile presenza artistica, e dopo il successo di “Heaters” e della cover di “Flowers” di Miley Cyrus, torna a far fluire la sua anima in musica con "Foto Mossa" (Beatfactory/Grey’s Production/Believe Digital), brano con cui affronta con coraggio e sensibilità uno dei temi più delicati e attuali: l'ansia e gli attacchi di panico, specchio di una contemporaneità che insegue la perfezione. Poliedrica e magnetica, Greta combina il suo talento innato con un’incredibile sensibilità sociale, offrendo release che vanno oltre la semplice esperienza d'ascolto per toccare temi profondi e universali. Con "Foto Mossa", invita il suo pubblico a percorrere con lei un cammino intimo di autenticità e vulnerabilità, esplorando le sfide individuali di una collettività dominata dai social. Questa traccia diventa un dialogo tra due anime: Greta Giussani, la persona, e Greta Ray, l'artista, esplorando la loro dualità in un mondo in cui l'autenticità è spesso sacrificata sull'altare dell'apparenza. Spogliandosi da maschere e cliché, la cantautrice canturina racconta senza filtri la sua esperienza diretta, rivolgendosi a tutti coloro che vivono la stessa lotta interiore, incoraggiandoli ad abbandonare la superficialità di una pseudo-perfezione per accogliere, accettare ed abbracciare, le proprie imperfezioni, trovando così conforto e forza nella meravigliosa unicità che contraddistingue tutti noi. Il testo del brano, scritto a quattro mani con Stefano Piavani, risuona con un’intensità di raro riscontro, immergendosi con delicatezza in momenti di introspezione e vulnerabilità. Frasi come «Non so se è mezzanotte o mezzogiorno» e «Ma tu lo sai com’è quando non riesco a respirare», evocano la confusione e la pressione che attanagliano la mente in stati di forte ansia e stress, illustrando come la percezione del tempo e della realtà possa distorcersi sotto la lente distopica del conformismo. Queste linee, insieme al ritornello che delinea una realtà sfocata, simboleggiano il conflitto per mantenere un senso di identità in una società che sempre più spesso esige conformità e perfezione. Greta Ray, attraverso queste parole, esprime il bisogno di un rifugio emotivo e la ricerca di un equilibrio interiore, incoraggiando l'ascoltatore a trovare pace e chiarezza nella propria "foto mossa", un simbolo potente della bellezza insita nell’imperfezione umana. «Scappo da me stessa... E se mi guardo dentro è tipo foto mossa»: una ricerca di sé capace di andare oltre la nebbia degli standard irrealistici imposti da social e media, una ricerca di sé che parte sempre e solo dalla conoscenza onesta e approfondita di chi siamo quando ci troviamo da soli, faccia a faccia con le nostre fragilità e le nostre qualità. Con una carriera costellata di successi, Greta Ray ha sempre mostrato una versione di sé sicura e radiosa. Tuttavia, con questo nuovo e intensissimo tassello del suo mosaico artistico, decide di aprire il suo cuore al mondo, condividendo le sfaccettature più intime e vulnerabili della sua personalità. “Foto Mossa” è un messaggio di speranza, un invito a non sentirsi soli nella lotta contro l'ansia e a cercare supporto e felicità nelle piccole cose che rendono la vita degna di essere vissuta. «Passiamo ore ed ore a cercare di realizzare la foto giusta per i nostri profili social – spiega l’artista -, una foto ogni giorno, una foto sempre a fuoco; la continua ricerca della perfezione, della frase giusta, dello scatto impeccabile, a me personalmente provoca un forte stress, una sensazione d’ansia e impegno costante, sia fisico che mentale. Ho capito che è essenziale fare quello che ci fa stare bene e che ci rende felici e, con questo singolo, voglio sottolineare l'importanza di seguire il proprio cuore e i propri sogni, nonostante le difficoltà». "Foto Mossa", prodotta e arrangiata da Filadelfo Castro e Massimiliano Cenatiempo e sponsorizzato da GD Agency Milano, AZ Assicurazioni e The Solutionist Escape Room, è un’ancora di salvezza per chiunque si ritrovi a navigare le acque tempestose dell'ansia e della pressione sociale. Con questo nuovo capitolo, Greta Ray non solo dimostra la sua eccezionale versatilità artistica ma si erge anche come voce di un movimento che celebra l'autenticità in un'epoca di facili finzioni. "Foto Mossa" è una promessa di presenza, un abbraccio musicale a chi cerca conforto nelle proprie battaglie quotidiane, ricordandoci che la bellezza risiede nella nostra unicità, anche quando il mondo ci sfoca. «Con questo brano – conclude Greta – voglio dire a tutti coloro che, come me, soffrono di ansia e attacchi di panico, che non sono soli. Chiedete aiuto alle persone a cui volete bene, un percorso di psicoterapia facilita tantissimo a scoprire e comprende le proprie paure e la loro causa e ci aiuta ad affrontarle e gestirle al meglio». In "Foto Mossa", l’artista offre una prospettiva autentica, sincera e personale sulle sfide emotive che molti affrontano ma di cui si parla ancora troppo poco, dimostrando la forza che deriva dal condividere le proprie esperienze e dal supporto reciproco. Questo singolo promette di toccare i cuori e di aprire un dialogo importante sull'essere veramente se stessi in una società che, troppo spesso, premia solo l'apparenza.... Continua a leggere

A due settimane esatte da "San Valentino", release che ha debuttato nella playlist editoriale "Novità Rap Italiano" di Spotify, l'artista milanese d'adozione cremasca Blade torna in radio e nei digital store con "Moncler", il suo nuovo singolo che incarna un vero e proprio viaggio emotivo attraverso le sfumature dell'amore, il peso del successo e la lotta per mantenere intatta la propria identità in mezzo alle luci, il clamore e il tumulto della fama. Per il giovane artista che dal suo debut EP “Sopra le nuvole” ha dimostrato versatilità, estro creativo, profondità lirica ed una continua evoluzione espressiva pur mantenendo sempre intatta la sua cifra stilistica, "Moncler" non è solo uno status symbol, ma la metafora perfetta di un percorso intrapreso con determinazione, un indumento che, racchiuso nella borsa, nel bagaglio interiore delle proprie esperienze personali e professionali, testimonia i sacrifici, le corse contro il tempo e le battaglie affrontate per dimostrare agli altri, ma prima di tutto a se stesso, la propria veridicità in un mondo sempre più spesso costruito su artefatti e apparenze. Il singolo si apre con una riflessione amara sulla vacuità dei successi materiali rispetto alle perdite affettive: «A conti fatti valgono zero tutti quei contratti e tutti sti sbatti ci inseguono dai primi passi», parole che introducono l'ascoltatore nel mondo interiore di Blade, dove i contratti proposti e la notorietà ottenuta non riescono a compensare ciò che è stato sacrificato lungo il cammino, in particolare nelle relazioni interpersonali. La narrazione prosegue disegnando i tratti di un'intensa storia d'amore che sopravvive come un faro nella tempesta della vita dell'artista e che nel passaggio «Tra tutta sta gente, tu mi vieni in mente», esprime il desiderio di connessione e il ricordo costante della persona amata, capace di illuminare la meta prefissata nonostante le distrazioni e il caos del successo. Il cuore del brano, tuttavia, si trova nel simbolismo della pioggia, che Blade affronta nel luogo preferito dalla sua amata. Questo gesto rappresenta i sacrifici fatti per amore, la volontà di attraversare anche le tempeste più forti pur di conservare un legame speciale. La pioggia, così come il Moncler, diventano espressioni di un sentimento che resiste nonostante le avversità, un rapporto che persiste e continua a brillare anche quando i riflettori si spengono. "Moncler", accompagnato dal videoclip ufficiale girato ai Piani di Bobbio (LC) e diretto da Olucasp, con grafiche e immagini curate da Darius Vior, si configura quindi come un inno alla determinazione, alla resilienza e al potere salvifico dell'amore, un racconto che si snoda tra la dolcezza dei ricordi e la cruda realtà delle sfide quotidiane. Blade, con questo brano, dimostra di essere non solo un abile narratore del proprio vissuto, ma un vero artista dell’espressione contemporanea, capace di trasformare le proprie esperienze in canzoni che toccano l'anima, invitando gli ascoltatori a riflettere sulle proprie vite, sulle proprie relazioni e sui valori che meritano di essere perseguiti. In "Moncler", Blade offre un'opera che supera i confini della trap e di ogni categorizzazione musicale per toccare corde universali, dimostrando che dietro al successo e alla fama, ci sono storie di cuore, di lotta e di autentica passione. Con questo singolo, l'artista milanese si conferma come una delle voci più promettenti della scena musicale italiana, pronta a narrare la complessità di una generazione, la sua, sempre più spesso ammaliata dall'illusione di fama e successo, ma inconsapevole del vero prezzo da pagare, ponendo le fondamenta per un dialogo più ampio su cosa significhi realmente vivere in un mondo costantemente alla ricerca di conferme esterne.

Max De Lorenzis, la voce che ha incantato il panorama musicale internazionale conquistando oltre 400.000 streams grazie ai suoi tre capolavori in lingua inglese - "Something Beautiful", "River in the Sky" e "Whole Lot of Love" -, torna ad emozionare il pubblico con il suo esordio in italiano, "Ci Sarò", primo estratto dell'attesissimo debut album "La 5° Casa", in uscita il prossimo 15 Marzo. Questo brano, scritto inizialmente in inglese e adattato all’italiano per avvalorarne la profondità lirica e interpretativa, segna un momento di svolta nella carriera del cantautore, che si immerge completamente nella dimensione espressiva che meglio racchiude le sfumature del suo messaggio: una celebrazione della forza interiore generata dai momenti di disperazione e ribellione. Nato a Brindisi il 23 Maggio 1995, Max De Lorenzis si è subito distinto per la sua capacità di toccare le corde dell'anima con una vocalità intensa e suggestiva ed un’abilità strabiliante di giungere, grazie ad una timbrica istantaneamente riconoscibile, ai cuori degli ascoltatori di tutto il mondo. La sua storia è quella di un artista che, attraverso la musica, ha sempre cercato di trasmettere speranza, emozione e rinascita. "Ci Sarò" non fa eccezione, rappresentando un dialogo intimo e profondo con se stessi, una promessa di presenza e sostegno nei confronti della propria essenza più autentica, di quella persona che, più di tutte, dobbiamo imparare ad apprezzare, amare ed ascoltare. La traccia si apre con una delicatezza quasi sussurrata, ricordando una ninna nanna che accarezza i sensi, prima di evolversi in un potente grido di ribellione. La metamorfosi musicale e lirica che avvolge l’intero brano, simboleggia la transizione dalla vulnerabilità alla forza, invitando ciascuno di noi a riscoprire la grinta, l’energia e la bellezza che troppo spesso dimentichiamo di avere. «La gente critica e ti massacra, strappando via il tuo cuore e distruggerlo»; parole che risuonano come un’eco della lotta interiore contro i giudizi e le aspettative esterne, culminando in quel «non so come potrai a fare a meno di me, con quella forza e quel coraggio che ho solo per te» del ritornello che ci esorta a prenderci cura dei nostri stati d’animo, senza voltarci le spalle per il timore di guardarci negli occhi, per il timore di non essere all’altezza di un «mondo che non ascolta, ma che si limita soltanto a sentire»; un mondo che, «nella sua fragilità», strappa «via il tuo cuore» per distruggerlo, ma al tempo stesso, saprà dire alla parte più sensibile che abita in noi «che tu non rimpiangerai, tu non mi negherai». "Ci Sarò", accompagnato dal videoclip ufficiale che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane, è un manifesto per chiunque si sia mai sentito perso, un cammino di auto-scoperta e liberazione dalle catene imposte dalla società, uno specchio che riflette la tendenza degli individui a nascondere la propria essenza, sia a se stessi che agli altri, per paura di rivelare la vera identità che li contraddistingue. È un monito a sfidare tali paure, abbracciando con coraggio chi siamo veramente. Con "Ci Sarò", Max De Lorenzis si conferma come uno degli artisti più autentici e toccanti del nostro tempo, un alchimista moderno capace di trasformare il dolore in forza, utilizzando le note come un ponte universale. Questa nuova release, non solo segna un capitolo evolutivo nella sua carriera, ma offre anche una bussola emotiva per chi cerca la luce nei momenti di oscurità. Max, attraverso le sue parole, ci invita ad ascoltare la voce del cuore, a sfidare le tempeste interiori e a diventare, ogni giorno, la versione migliore di noi stessi, dimostrando che la musica non è solo un mezzo di espressione, ma una potente chiave di trasformazione personale.

Con "Lacrime Cobalto" ha incantato pubblico e critica riconfermando la sua profondità emotiva e lirica ed ora, Ruggero Ricci, torna ad illuminare il panorama musicale italiano con "Esplodere" (Orangle Records/Ada Music Italy/ Warner Music Italy), un inno all'audacia di vivere a pieno che sfida le gabbie imposte da preconcetti e stereotipi sociali. Prodotta dall’immancabile tocco del visionario Massimiliano Giorgetti e dall’estro creativo di Tia Snow, questa traccia rappresenta un viaggio nell'essenza dell'essere umano e nelle sue contraddizioni più intime: un vero e proprio capolavoro di poesia in musica, moderno e al contempo fuori da ogni epoca, che risuona con un immaginario emotivo ineccepibile, sfiorando e facendo breccia nel cuore degli ascoltatori nella costante lotta per l'autenticità che attanaglia la società dei nostri giorni. Un grido di libertà contro i vincoli autoimposti, l’autocensura, i pregiudizi, le etichette e tutte quelle barriere che ci privano di noi stessi, in un mondo sempre più orientato ad offuscare e spegnere il carattere e l’identità di ciascun individuo. L'arrangiamento pop-elettronico, impeccabile ed incredibilmente suggestivo, si fonde con un testo dalla levatura straordinaria, che invita ad una riflessione sulle scelte personali, sul coraggio di vivere perseguendo i propri ideali, i propri desideri, affrontando le complessità di agire liberamente in un contesto sociale pieno di limitazioni e aspettative. Ruggero Ricci, con l’eleganza e la sensibilità che corroborano la sua cifra stilistica, ci esorta a rompere le catene dell'autoinganno, come suggerito sin dall’apertura del brano. «Nel buio riconoscersi, esplodere», un’introduzione potentissima, che racchiude in sé la presa di coscienza, il punto di rottura che ci consente di prendere in mano la nostra vita, decidendo di essere finalmente noi stessi, a dispetto delle convenzioni. Una rivelazione animica, un prezioso momento di confronto che ci pone dinanzi ad un bivio: implodere nel conformismo, oppure esplodere in uno slancio di autenticità, cessando di incatenarsi alle proprie insicurezze, alle proprie paure, prigionieri in gabbie di cristallo, tra desideri e aspettative, che ci impediscono di spiccare il volo. «Resti vuoto a perdere ogni volta che provi a vestirti di ciò che non sei» canta Ricci, evidenziando la battaglia interna tra l'essere veri e le maschere che indossiamo per piacere agli altri, nell’illusione di piacere maggiormente a noi stessi. Un’infida trappola a cui andiamo incontro per vestirci di un'identità che non ci appartiene, da cui poi scaturiscono dolore e vacuità; una lotta che spesso, troppo spesso, sfocia in un vuoto esistenziale. L’artista romagnolo, non si limita a delineare un viaggio emotivo nelle relazioni, personali ed interpersonali, ma crea un parallelo con questa battaglia, con questa lotta contro la depressione, offrendo una prospettiva intima sulle sfide della vita moderna. E nella riuscitissima metafora con le slot machines del passaggio «Siamo impossibili da spiegare in un punto di vista, giocare alle slot machines credendoci», Ruggero Ricci punta i riflettori sulla complessità e l'aleatorietà dei rapporti, suggerendo come siano spesso imprevedibili e soggetti al caso, simili al gioco d'azzardo. La frase evoca l'idea che, nonostante le incertezze, ci sia una speranza e una fede nel potenziale positivo delle relazioni, proprio come quando si gioca sperando nella fortuna. Questo verso mette in luce la volontà di credere in noi stessi e negli altri, nonostante la nostra natura imprevedibile e talvolta difficile da comprendere. Perché «soffriamo di calma apparente» e «abbiamo ali di vetro» che rivelano una condizione di tranquillità di facciata celando un tumulto interiore di emozioni contrastanti, ma nella nostra la fragilità umana e nel costante equilibrio tra la necessità di proteggerci e il desiderio di liberarci, quelle stesse ali diventano l’emblema della bellezza unica e pura che vive in ciascuno di noi e della nostra capacità di trasformare i sogni in obiettivi prima e in realtà poi, quella stessa capacità che ci permette di aspirare, ambire e giungere ad altezze inesplorate, pur e proprio grazie alla vulnerabilità che ci contraddistingue. Con "Esplodere", accompagnato dal videoclip ufficiale girato a Ferrara, diretto da Andrea Artioli e impreziosito dalla presenza della modella Jasmine Costa - che verrà presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e rilasciato su YouTube nel corso delle prossime settimane -, Ruggero Ricci dimostra ancora una volta la sua abilità di navigare tra i sentimenti più profondi dell'animo umano, con una finezza espressiva che tocca l'anima e un’abilità autorale che ispira e infonde coraggio e resilienza. Questo brano è un richiamo all’autenticità, all’accettazione di sé, al coraggio di mostrarsi vulnerabili perché è proprio dalle fragilità che sbocciano forza ed audacia, celebrando il coraggio di esporsi, ma anche la bellezza e la libertà che risiedono nell'accettare la propria unicità.... Continua a leggere

In un'epoca in cui la scena musicale è spesso saturata di messaggi superficiali, il cantautore marchigiano Jamie, dopo il successo delle sue precedenti release sulla salute mentale, continua ad emergere come una voce autentica, capace di parlare direttamente al cuore e alla mente degli ascoltatori. Il suo nuovo singolo, "UN PEZZO DI ME" (ADA Music Italy), rappresenta non solo un punto di svolta nella sua carriera artistica, ma anche un contributo significativo sulle relazioni moderne, sul potere dell'autoconsapevolezza, dell'amore proprio e sulla prevenzione sessuale, arricchito dalla rivoluzionaria campagna promozionale che vede protagonista Punky, l'orsetto simbolo di resilienza, e da un'iniziativa audace: la distribuzione di profilattici durante i suoi live, enfatizzando un messaggio di amore responsabile. Il brano, un viaggio emotivo attraverso le complessità di un amore tossico, delinea un percorso di dolore, ironia, e infine, di riscoperta personale. La strumentale rock con sfumature punk incornicia magistralmente la narrazione, offrendo una colonna sonora potente alle liriche che esplorano la battaglia interiore tra dipendenza affettiva e il desiderio di autonomia. "UN PEZZO DI ME" è un grido di rinascita, un manifesto di resilienza che sfida i cliché dell'amore romantico per abbracciare una visione più matura e consapevole delle relazioni. Jamie, attraverso questo singolo, ci invita a riflettere sulla natura spesso corrosiva degli affetti disfunzionali e sulla forza necessaria per liberarsene. La sua voce, carica di passione e vulnerabilità, ci guida nel labirinto emotivo della dipendenza affettiva, offrendoci alla fine una chiave di lettura emancipatrice: la consapevolezza che, nonostante le ferite, si può sempre scegliere di rimettere insieme i pezzi di sé. Il contrasto tra dolore e liberazione, ripreso nelle parole stesse di Jamie, racconta di un amore che, pur essendo fonte di sofferenza, diventa occasione di profonda introspezione e crescita. Il testo riflette questa battaglia interna, dove il desiderio di appartenenza si scontra con la necessità di autenticità: «Non mi basta mai, non me ne volere, un minuto sto male, un altro poi sto bene». «“Un pezzo di me – dichiara Jamie -, è veramente un pezzo di me: l’ho scritto ad inizio 2023 e sono qui a rilasciarlo ad inizio 2024. Mi ha fatto urlare, stare bene, stare male. Insomma, mi ha reso di nuovo vivo, e spero sia ciò che possa trasmettere a chi lo ascolti». Ma la vera innovazione di "UN PEZZO DI ME" va oltre la musica. La traccia è un progetto globale che include una campagna di marketing unica nel suo genere. Centrale in questa strategia è Punky, l'orsetto di peluche che diventa simbolo di resilienza e purezza, evocando il concetto pascoliano del "fanciullino". Attraverso storie dedicate su Instagram, post che sembrano scritti da Punky stesso e un'interazione diretta tramite WhatsApp e chiamate che offrono spoiler del brano, Jamie ha creato un ponte emotivo tra il suo pubblico e il mondo narrativo del singolo, dimostrando come l'innovazione possa amplificare il messaggio di un'opera artistica. Al pubblico, infatti, è stato reso disponibile un numero di telefono reperibile per chat WhatsApp direttamente con Punky nei giorni che precedono la release, mentre il 14 e 15 Febbraio è stato possibile anche chiamare Punky e avere uno spoiler del brano (con la voce dell’orsetto generata tramite Intelligenza Artificiale). L'apice di questa innovativa strategia di marketing si è manifestato durante l'esibizione live di Jamie all'Azure Club di Casette Verdini (MC), dove l'artista ha sorpreso il pubblico non solo con la sua musica ma anche con un gesto simbolico di grande impatto: la distribuzione di profilattici brandizzati con il messaggio "Non fate la guerra, ma l'amore". Questa performance non solo ha rafforzato il legame con i fan, ma ha anche trasmesso un messaggio positivo sull'amore responsabile e sulla prevenzione sessuale. «Punky – conclude l’artista - è un orsetto che immedesima il concetto del “fanciullino” di Pascoli, secondo il quale maturare non deve necessariamente negare la presenza di una parte più infantile e pura dentro di noi. Punky perde un pezzo di sé tramite la storia generata e raccontata sui social con screenshots di chats con lui, ma non smette e non smetterà mai di essere il docile cucciolo che è. Il brano tratta di un amore tossico e ritrae Punky nella copertina in assenza di un pezzo di se stesso, proprio al posto del cuore». Jamie, con "UN PEZZO DI ME", si conferma non solo come uno dei talenti più sensibili ed empatici del panorama discografico indipendente italiano, ma come un innovatore capace di rompere gli schemi tradizionali del marketing musicale. Questo singolo e la sua campagna promozionale rappresentano un modello di come musica, messaggio e marketing possano fondersi in un'unica, potente opera d'arte, pronta a lasciare un segno indelebile nella cultura pop contemporanea.... Continua a leggere

Dopo aver raggiunto risultati straordinari con "Discorsi a Metà", conquistando la #1 della Top 50 emergenti e la #10 dei 100 artisti più ascoltati di Dicembre 2023, il cantautore e rappresentante della comunità LGBTQ+ Jack Scarlett torna in radio e nei digital store con "Senza più perdermi" (Keyrecords), una struggente e potentissima poesia in musica contro il bullismo. In questa nuova attestazione del suo talento da fuoriclasse e della sua assoluta sensibilità artistica, Jack Scarlett si immerge in un tema profondamente personale e sociale. Il brano è un tributo alle vittime di bullismo, un inno di resilienza e speranza per chiunque abbia affrontato simili sfide. Attraverso la sua musica, Scarlett non si limita a creare un'opera d'arte, ma costruisce un’ancora di salvezza, un rifugio e un abbraccio di incoraggiamento per coloro che combattono silenziosamente contro le cicatrici fisiche e animiche lasciate da queste esperienze traumatiche, ancora troppo spesso rimaste impunite. Con “Senza più perdermi”, l'artista nato a Roma e cresciuto a Milano si pone come voce di sostegno e guida per chi è vittima di tali violenze, spesso sottovalutate dalla società, ma profondamente dannose per l'integrità emotiva e psicologica dell'individuo. Scarlett esplora con la delicatezza, l’empatia e l’eleganza che lo contraddistinguono sin dalla sua prima release la complessità dell'esperienza di chi subisce atti vessatori, dando voce alle loro storie, alle loro lacrime, ai loro silenzi e tutti i sentimenti nascosti in quei cuori spezzati da gesti e parole che sanno ferire più di mille lame. Le sue release diventano uno spazio di ascolto e comprensione, dove le emozioni relegate in ombra trovano luce, espressione, comprensione e accettazione. «Qualche settimana fa – dichiara - ho subito un’aggressione in stazione, dopo la quale sono tornato a casa estremamente terrorizzato. Per giorni non sono riuscito ad uscire, avevo paura anche ad avvicinarmi alle finestre ed essere visto da questa società bestiale. Per ogni minimo spostamento, mi facevo accompagnare in auto, con la fobia anche solo di avvicinarmi ad una stazione. Gli sguardi della gente erano come pugnalate; questa esperienza mi ha creato un trauma ed una fortissima ansia sociale, per questo motivo ho sentito la necessità di raccontare questo fenomeno che non è più tollerabile e mettermi in prima linea per combatterlo. Per me è un grido disperato, contro queste baby gang, un grido per farci sentire da politici e forze dell'ordine per sorvegliare maggiormente le strade, anche di giorno. Vogliamo essere tutelati, abbiamo il diritto di esserlo». Il tema del bullismo viene raccontato non solo come un problema individuale, ma come un fenomeno culturale e sociale che richiede maggiore attenzione e tempestivi interventi. L’arte autentica e poliedrica di Jack Scarlett si corrobora di un senso di missione, diventando un mezzo per stimolare il dialogo, la condivisione e la consapevolezza su un argomento tanto discusso quanto complesso. Con il suo tocco unico, la sua urgenza espressiva e la comunicazione profondamente empatica, diretta e intuitiva, Jack non solo canta per chi ha sofferto, ma lancia anche un appello alla comunità per una maggiore comprensione volta a promuovere un’efficace ed immediata azione collettiva. Il passaggio «Ho creduto di essere come un errore, sul foglio del mondo, come se l'amore non facesse per me», cattura la sofferenza interiore e la lotta per l'accettazione di sé che molte vittime di bullismo affrontano. Queste parole riflettono un senso di alienazione e disperazione, dipingendo l'immagine di un individuo che si sente escluso e incompreso dalla realtà che lo circonda. L’artista, con una sensibilità che tocca e accarezza il cuore, esprime la battaglia interna per superare il dolore e ritrovare la propria identità. «Sono cresciuto nell'ombra dell'insicurezza, in quell'angolo oscuro, a piangermi addosso gocce di futuro chiuse nelle lacrime» prosegue il testo, rivelando tra liriche che racchiudono frammenti d’anima un’intensissima riflessione personale. Scarlett descrive il processo di crescita e maturazione attraverso la sofferenza, sottolineando come le esperienze traumatiche abbiano influenzato la sua percezione del futuro. Tuttavia, c'è anche un senso di forza che emerge da queste parole, suggerendo che, nonostante le sfide, è possibile trovare la luce e la speranza. E nel messaggio liberatorio del ritornello - «Oltre la malinconia, oltre le notti feroci dei miei incubi, io volerò senza più limiti» si cela il cuore pulsante di questo inno anti-violenza. Qui, l’artista invita all'ascesa oltre le difficoltà, rammentando che oltre il buio della disperazione c'è la possibilità di volare liberamente, senza i limiti imposti dal giudizio altrui o dalle proprie paure. Una planata su orizzonti di serenità e riscatto, che nel verso-chiave «dolci pensieri e lievi brividi, lontano da qui, senza più perdermi» infonde pace e accettazione, in un cammino opposto alla confusione e all'angoscia che caratterizzano i passi quotidiani di chi subisce bullismo. La ricerca di un senso di appartenenza e di comprensione che va oltre il dolore per fluire nell’essenza più pura di ciò che siamo, con tutte le meravigliose peculiarità che ci contraddistinguono. In "Senza più perdermi", Jack Scarlett non solo condivide la propria esperienza personale, ma tende anche la mano a tutti coloro che si sentono persi, alienati e oppressi. Con una composizione che bilancia abilmente vulnerabilità e forza, l’artista dona al suo pubblico un vero e proprio manifesto per coloro che cercano di ritrovare la propria voce e il proprio posto in un mondo spesso ostile. Questo brano non solo parla al cuore, ma anima e ispira l'ascoltatore a cercare la propria liberazione e il proprio volo nella direzione dei sogni che, per troppo tempo, ha tenuto chiusi in un cassetto di sofferenza. «”Senza più perdermi” – continua l’artista - è un messaggio di forza e speranza a tutti quei ragazzi che subiscono questo crimine, ancora oggi troppo spesso rimasto impunito. Voglio essere per loro una spalla, che nel mio piccolo possa aiutarli e sostenerli. Questo brano è un omaggio a tutte quelle persone che proprio a causa di queste violenze si sono tolte la vita: nelle strofe racconto dettagliatamente la sofferenza che anch'io, in prima persona, ho provato e vissuto nel mio periodo scolastico, mentre nei ritornelli canto ciò che le persone che arrivano a fare gesti tanto estremi agognano, con la speranza che tutta questa cattiveria gratuita abbia fine». Il videoclip ufficiale che accompagna il singolo, diretto da Chiara Bettiga e girato al Multiset Studio di Milano Bicocca, include la partecipazione di influencer e attivisti come Eddie Bunny, celebre portavoce della comunità gay. Il video rappresenta varie realtà discriminate, creando un potentissimo messaggio audiovisivo di inclusione e comprensione. «Nel videoclip – conclude Scarlett - ho cercato di racchiudere più realtà discriminate possibile. C’è Eddy Bunny, tiktoker e attivista con centinaia di migliaia di followers che si erge come portavoce della comunità gay. Sono presenti anche una donna che canta contro la violenza sulle donne, e la molestia ed una persona genderfluid che ha scelto di metterci la faccia per sostenere tutta la comunità trans e gender neutral» "Senza più perdermi" si eleva quindi ben oltre il valore artistico, tecnico ed interpretativo, distinguendosi per l’importante impatto sociale e umanitario. Jack Scarlett, con questo piccolo capolavoro musicale, si riconferma come un musicista di eccezionale talento, ma anche e soprattutto come un interprete impegnato ad utilizzare le sue doti e la sua dedizione per far luce su questioni cruciali, portando speranza e cambiamento nella vita di chi lotta ogni giorno contro abusi e giudizi. La sua musica diventa un mezzo per esprimere e condividere esperienze difficili, fornendo conforto e ispirazione a coloro che combatte per trovare la propria voce. Questo singolo è un chiaro esempio del potere della musica di andare oltre l'intrattenimento, diventando un veicolo per il cambiamento sociale e la comprensione umana. Jack Scarlett canta per gli oppressi, ergendosi come un modello di forza e resilienza e incoraggiando chiunque si trovi in situazioni simili a non perdere la speranza e a lottare per i propri diritti. La sua passione e la sua autenticità, rendono il brano un'opera destinata a lasciare un'impronta duratura nel panorama discografico contemporaneo. “Senza più perdermi” riecheggia il grido di chi è stato silenziato, avvolgendo in un abbraccio d’amore tutti coloro che si sentono soli e fungendo da promemoria che ci ricorda che, nonostante le sfide, è sempre possibile trovare il proprio cammino e non perdersi più. In un mondo che ha disperatamente bisogno di empatia e comprensione, "Senza più perdermi" di Jack Scarlett è più di una canzone, è una missione, un messaggio di speranza e una guida verso un futuro più gentile e inclusivo per tutti.... Continua a leggere

Dopo aver stupito e affascinato pubblico e critica con "Parole di Vetro" (di cui vi abbiamo parlato qui), brano ispirato a Il ritratto di Dorian Gray di Oscar Wilde che riflette sull'artificio della società moderna, il duo pisano NEIM inaugura il 2024 con "Tanto vale perdersi nel vento", l’atteso debut album che promette di rivoluzionare il concetto di dark-elettro-pop all’italiana. Una fresca ondata di innovazione che, attraverso otto tracce – le 5 già rilasciate e gli inediti "Cadiamo giù", "Requiem" e "Verde Assenzio" -, dimostra l’incredibile versatilità e profondità artistica del gruppo. La focus track del disco, "Verde Assenzio", attualmente in rotazione radiofonica, racconta un loop emozionale causato dall'assunzione dell'omonima bevanda con una narrativa fortemente suggestiva, in perfetto stile NEIM. Poesia, eleganza e ricercatezza si intrecciano per dar vita alla storia di un uomo che, intrappolato in una sorta di autodemolizione emotiva, trova fuga e riparo dal dolore nella visione della "fatina verde" dell'assenzio, una presenza felice e positiva in netto contrasto con il suo stato d'animo. Questa visione, meravigliosamente sospesa tra realtà e fantasia, diventa un'ancora di salvezza in un oceano interiore agitato e turbolento. La figura della fatina, ricca di simbolismo, rende la traccia una giostra di emozioni e illusioni, e l’utilizzo della metafora dell’assenzio come emblema poetico della massima ispirazione, diventa lo sfondo ideale per trattare la tematica della frivolezza, di una vita completamente distaccata da ciò che la circonda. Una critica all’epoca contemporanea in cui molte persone, chi per noia, chi per comodo e chi per il timore di far fronte a se stesso, cercano rifugio in piaceri effimeri. La genesi di questo brano, come spiega il duo, deriva dal beat evocativo del produttore THEGEØMETRA, all’anagrafe Fabrizio Pagni, che ha istantaneamente richiamato alla mente dei NEIM un'atmosfera da circo, traslato della follia umana: «”Verde Assenzio” è nato da un beat del nostro produttore Fabrizio Pagni, in arte THEGEØMETRA, su cui abbiamo costruito tutto. Ci ha ricordato un ambiente da circo, e da questo è nata l’idea della follia, accompagnata dal simbolo per eccellenza dell'ispirazione massima dei poeti e degli scrittori, l’assenzio. Questo pezzo fa sicuramente riflettere sul vivere la vita in modo frivolo e totalmente distaccato da tutto ciò che ci circonda, cosa che oggi è sempre più frequente. Trovare rifugio in quel “Verde Assenzio” e in quel circo di cui ormai tutti facciamo parte, è un vero e proprio loop emozionale da cui è difficile uscire». Dal punto di vista musicale, il brano si sviluppa partendo con toni minimali per arrivare ad un climax di suoni elettro-pop, un’esplosione ritmica che sottolinea il dualismo tra il desiderio di evasione e la complessità della realtà circostante. Il secondo nuovo singolo racchiuso nell’album, "Requiem", è invece un inno struggente su una storia d'amore conclusa, una preghiera intima e potente per una relazione giunta al capolinea. Le liriche intensissime «guardami negli occhi come fai da sempre, son gli stessi occhi, sai, non cambia niente» e «il tempo che passa consuma la pelle» evocano un senso di perdita e di memoria, riflettendo sulla natura impermanente dell'amore e sulla sua persistente presenza nell'animo umano. Un requiem di nome e di fatto per un amore perduto che colpisce l'anima fin dal primo ascolto, rivelando l’eccezionale abilità dei NEIM nel trasmettere tutte le sfumature delle emozioni attraverso la musica. La terza ed ultima traccia inedita del disco, "Cadiamo giù", si distingue per la sua audace sperimentazione sonora, che intreccia sfumature hyperpop dal sapore internazionale, ad influenze di matrice elettronica. Questo brano rappresenta un grido di libertà, una celebrazione dell’essenza dell’esistenza e della gioia di vivere la vita nella sua pienezza. Nel passaggio chiave «Siamo polvere nell'universo, senza forza e gravità», i NEIM catturano il senso di liberazione e infinite possibilità, richiamando l'immagine di essere immersi nella vastità dell’universo, ma non vincolati dalle leggi della fisica; padroni di se stessi e di esplorare il proprio destino senza limiti. E nel verso riflessivo «Siamo come foto senza messa a fuoco, siamo come attori al circo, poi togliamo il trucco», il duo toscano descrive metaforicamente la vita come un teatro, dove tutti recitano la propria parte prima di rivelare la loro vera natura. L'intero album "Tanto vale perdersi nel vento", è un esempio brillante della capacità dei NEIM di navigare abilmente tra diversi generi musicali, mantenendo sempre una forte identità e coerenza artistica. Con questo progetto, il duo si conferma come una delle voci più innovative e avvincenti del panorama musicale attuale, offrendo un'esperienza di ascolto che è al contempo intima e universale. Il loro approccio riflessivo alla composizione e la loro capacità di coniugare innovazione e introspezione, rendono questo album un must per gli amanti della musica alla ricerca di qualcosa che sia veramente significativo e stimolante. "Tanto vale perdersi nel vento" non è solo un aggregato di canzoni, ma un viaggio di ritmo e poesia che ridefinisce il dark-elettro-pop italiano, un manifesto di ciò che la musica può e deve essere. Un cammino attraverso le complessità dell'animo umano, dove ogni verso e ogni variazione sonora rappresentano un tassello di un mosaico emotivo e sensoriale che rimarrà impresso nella memoria di chi ascolta. Questo album rappresenta l'inizio di un viaggio emozionante per i NEIM, un viaggio che promette di portare nuove prospettive ed esperienze nel mondo della discografia italiana. Una vera e propria opera prima di un percorso esplorativo in cui ogni brano diventa un capitolo di una storia più ampia, un racconto di vita, amore, dolore e rinascita. “Tanto vale perdersi nel vento” – Tracklist: 1. Resta tutto uguale 2. Una canzone per odiarci ancora 3. Parole di vetro 4. Verde Assenzio 5. Solo un secondo (Rossofuoco) 6. Il mondo in una bolla 7. Cadiamo giù 8. Requiem... Continua a leggere

Dalle sfumature noir di “Sunset Boulevard” a quelle avvolgenti e dreamy di “Audemar” (feat. BadLarry), Cheez conferma il suo eclettismo stilistico in "Tenero", una fusione armonica e rivoluzionaria di rap, trap-soul e ritmi accattivanti che si distingue per l'approccio emotivo e lirico. Primo estratto di un progetto più ampio previsto per fine anno, questo brano rappresenta una vera e propria espressione del talento unico e versatile di Cheez, una perfetta sintesi tra urban-dark e delicate sfumature R’n’B che esplora con incisiva sensibilità i complessi percorsi dell'amore e della depressione. Con “Tenero”, Cheez non si limita a tracciare un itinerario emotivo sulle relazioni, ma crea un suggestivo parallelismo con la coltre interiore di chi affronta la depressione, offrendo un insight profondo e intimamente personale del suo universo artistico. Scritto dallo stesso Cheez in un periodo di riflessione in cui l'evitamento di legami affettivi si è fatto scudo, barriera difensiva nei confronti del dolore emotivo, “Tenero” si corrobora di traslati e punchlines che lasciano il segno, intrecciando immagini fortemente evocative che si ancorano al cuore del pubblico e creando un legame profondo, un dialogo aperto con l'ascoltatore, dove ogni verso agisce da chiave per aprire i cassetti più nascosti del cuore. «In questo pezzo – dichiara l’artista – affronto la fase del rifiuto: il rifiuto nei confronti di una relazione, nei confronti della felicità, perché capita che nonostante il sentimento d’amore provato nei confronti di qualcuno, un sentimento vero e concreto, a volte preferiamo evitarlo, perché temiamo che, innamorandoci, prima o poi arriveremo a soffrire». “Tenero” rappresenta la fase due del progetto full length di Cheez, in cui il rifiuto si intreccia alla consapevolezza, spesso presunta, della sofferenza inevitabile che accompagna l'amore, evidenziata egregiamente nel verso «piango sotto la doccia, non so se è una lacrima o una goccia». Un’immagine potente, carica di emotività, che incarna un momento di vulnerabilità e introspezione profonda, dove la distinzione tra il dolore interiore, simboleggiato dalle lacrime, e l'ambiente esterno, le gocce d'acqua della doccia, diventa confusa, sfumata, soffusa. C'è un senso di disordine e sovrapposizione tra dolore personale e realtà circostante, che suggerisce quanto a volte, i sentimenti, siano tanto intensi da fondersi con il mondo fisico. Questa linea offre una finestra sullo stato d'animo del protagonista, in cui il dolore emotivo è così palpabile da diventare quasi tangibile, indistinguibile dalla realtà fisica. Nato artisticamente grazie all'influenza del padre chitarrista, Cheez ha saputo creare un percorso distintivo, arricchendo il panorama musicale con una serie di singoli introspettivi che esplorano temi sensibili, frutto dell’esperienza di vita diretta, ma al tempo stesso universali. Dal suo debutto nel 2018, il rapper mantovano è stato in grado di conquistare un posto unico nel cuore degli appassionati del genere, aggiungendo freschezza e originalità ad una scena che molto spesso ripete se stessa. “Tenero” è un'espressione di autenticità e stile che testimonia la capacità di Cheez di parlare all'anima. Con questo singolo, un assaggio emozionante di ciò che ci riserverà il suo imminente debut album, l'artista apre una finestra sul suo mondo interiore, invitando gli ascoltatori ad un cammino condiviso nell'introspezione e nell'empatia, esortandoli a non temere l’amore nonostante le cicatrici che può lasciare sul cuore.... Continua a leggere

Dall'eco delle "Voci" alla quiete di un "Silenzio" che ha conquistato tutti per la sua profondità lirica ed espressiva, ottenendo il riconoscimento tra i miglior testi a Sanremo News Talent, la nuova punta di diamante del rap italiano Loki torna nei digital store con "Loki Balboa", brano con cui non solo conferma la sua maestria autorale, ma si designa anche come un camaleonte ritmico, capace di muoversi agilmente tra i diversi toni espressivi del rap. In una fusione eccezionale di rap, sfumature dark e icone cinematografiche, il brano prende vita da un sample con un giro di sax indimenticabile e da una produzione, curata dal tocco impeccabile di NFL e Duck, che toglie il fiato sin dal primo ascolto. La creazione del pezzo è una storia di ispirazione spontanea, influenzata dalla visione del sequel di “Rocky Balboa”, che ha acceso in Loki una scintilla creativa irrefrenabile. Giocando con maestria sul filo dei contrasti, questa traccia affonda le sue lyrics in un concentrato di punchlines ed evocazioni cinematografiche, regalando ad orecchie e cuore un piccolo capolavoro di storytelling e ingegnosità musicale. Ogni verso è un colpo di scena, un gancio diretto all'immaginazione dell'ascoltatore, che viene guidato da un flow serratissimo e da un estro degni di nota in un mondo in cui il rap incontra il grande schermo. Le rime di Loki sono un tributo all'arte della narrazione, dove ciascuna parola è scolpita con assoluta precisione per creare un'esperienza auditiva, una delivery memorabile. In questo pezzo, l’artista non solo dimostra la sua abilità nel creare dei veri e propri street banger attraverso una metrica impeccabile e giochi di parole disarmanti, ma rivela anche la sua abilità di fondere il rap ad una narrativa cinematografica vivida e coinvolgente. Nel verso «Mastro, sangue freddo, ghiaccio, ti spiezzo in 2, Ivan Drago», Loki si confronta con il celebre antagonista di Rocky, esprimendo la determinazione e la forza interiore che contraddistinguono la sua cifra stilistica sin dagli esordi. E nella linea «Sono nato per combattere, Apollo Creed, corro sopra i tetti, Assassin's Creed», il rapper trentino mescola l'universo di Rocky con quello dei videogiochi, mostrando la sua capacità di navigare tra diversi mondi culturali senza intaccare minimamente il flusso d coscienza del brano. Queste immagini potenti, ricche di analogie e simbolismo, rendono "Loki Balboa" un mosaico di arti, un patchwork travolgente di suoni ed emblemi che supera i confini della musica. La produzione, meticolosamente curata da NFL e Duck, crea una simbiosi perfetta tra le parole di Loki e il beat su cui si posano, dando vita ad un pezzo che colpisce per il suo equilibrio tra genialità e sregolatezza. "Loki Balboa" rappresenta la rivincita artistica di Loki, evidenziando la sua padronanza nel rap e la sua originalità nel trattare temi come la resilienza e l'autoaffermazione. Il ritornello, saturo di ansia e adrenalina, le strofe, con i loro cambi di ritmo e flow, e le citazioni al sequel di Rocky, sono un omaggio all'immaginario collettivo, che il rapper mescola sapientemente senza mai eccedere o cadere nel banale. “Loki Balboa” segna un momento cruciale nella carriera di Loki, consolidandone il ruolo di innovatore poliedrico nel panorama musicale italiano. Con questo brano, Loki invita gli ascoltatori ad immergersi in un'avventura musicale ricca di energia e passione, valicando i confini del rap per abbracciare nuove sfere creative ed espressive.... Continua a leggere

Dopo il successo del “Resto a Casa Tour” e del “Torno a Casa Tour” - un viaggio tra bicicletta e musica in collaborazione con lo IOR – Istituto Oncologico Romagnolo che ha attraversato l’Italia e attraverso l’Italia ha sostenuto la ricerca sul cancro (tutte le info disponibili a questo link: tornoacasatour.it/) -, i No Longer Player fanno il loro come back sulle scene con "Almond Tumblr Man" (Watt Musik Rock/Benvenuto Edizioni), un'incursione profonda e simbolica nel tema della vanità e della cultura dell'apparenza, esplorato mediante la metafora dei piccioni tombolieri. Attivo sulle scene dal 2014, il trio composto da Cristian D’Emilio, Luca Staccoli e Federico Bertuccioli – a cui subentra, successivamente, Eugenio Borgia -, ha saputo lasciare il segno nel panorama musicale nazionale, non soltanto per l’impegno filantropico e sociale, ma anche per una versatilità degna di nota. Dal primo mini EP “Now Here, Nowhere” al debutto in lingua italiana "Buonanotte alle aspettative", fino al ritorno all’inglese con "Sleeping with Ghost", i No Longer Player si sono sempre distinti per la loro attitude cosmopolita ed il loro approccio pluridimensionale alla musica, mantenendo al contempo un’identità artistica forte e riconoscibile. Questa nuova release, che promette di rivoluzionare l'indie rock italiano ed il modo in cui lo percepiamo, nasce da un'ispirazione tanto originale quanto affascinante: i piccioni tombolieri e la loro lotta estrema per l'amore, un parallelo con la vanità umana che trova eco nelle parole e nei ritmi incalzanti del gruppo. La genesi di "Almond Tumblr Man", infatti, si ispira alla storia di questa particolare specie, gli Almond Tumbler, simboli di una passione così ardentemente folle da sfociare in autolesionismo, riflettendo sulla natura umana e sulla sua inclinazione a superare i limiti, spesso a discapito di se stessa. Nel tentativo di conquistare il partner, i tombolieri si esibiscono in capriole mortali, rischiando tutto per un solo momento di gloria; un’analogia intensa e profonda con l'essere umano moderno, che spesso si smarrisce nel desiderio di piacere e piacersi, perdendo la propria identità morale ed ideologica. “Quanti di noi muoiono per mano della propria vanità?”, si chiede Cristian D’Emilio, mente creativa della band, riflettendo su come ci si annienti nel tentativo di accettarsi ed essere accettati, compresi, amati. Con il sound unico e potente che li contraddistingue, frutto della fusione di grinta e poesia, rock e introspezione, i No Longer Player fanno centro con un pezzo il cui arrangiamento evoca i ritmi incalzanti dei Kasabian. "Almond Tumblr Man" colpisce al primo ascolto per la sua energia bruciante e la sua attitudine punk: la batteria di Eugenio Borgia e l'estro creativo di Alberto Melloni alla produzione, aggiungono ulteriore grinta, dando vita ad un suono che è allo stesso tempo fresco e nostalgico. "Almond Tumblr Man" non è solo un brano rock, è una metafora della vanità umana, un viaggio emotivo che esplora i confini di quell’autodistruzione generata dal sempre più frequente desiderio di piacere a chiunque incroci il nostro sguardo, la nostra strada, i nostri orizzonti. Proprio come i piccioni tombolieri, anche l'uomo talvolta si confonde e si fonde nel proprio ego, sacrificando la propria essenza per un'apparenza fugace. La band, con il suo stile caratteristico, cattura questa battaglia interiore, coniugando la potenza del rock a liriche profondamente riflessive. Il testo del singolo, con le sue immagini vivide di circhi bizzarri, treni supersonici e paesaggi post nucleari, racconta «stories are between a freaky circus and a magic zoo» («storie tra uno strano circo e uno zoo magico»), guidando l'ascoltatore in un viaggio immaginifico. E nel passaggio «His secret bloody weapon is what you’ll never know» («La sua dannata arma segreta è ciò che non saprai mai»), il trio esplora il tema dell’occultamento e della rivelazione, riflettendo su come spesso nascondiamo le nostre vere intenzioni dietro maschere di superficialità. Verità inesplorate e intenzioni celate dietro facciate ingannevoli; il riflesso di un’umanità schiava dei suoi enigmi e delle sue apparenze, travestimenti in cui ci infiliamo nel tentativo di non sprofondare negli abissi delle relazioni e della società. Un invito a ballare sulla superficie ma anche a riflettere in profondità, con cui i No Longer Player dimostrano ancora una volta la loro capacità di fondere versi poetici a melodie coinvolgenti, creando un'opera che non è solo una traccia da ascoltare, ma un'esperienza da vivere e da cui trarre ispirazione. Un’esperienza auditiva immersiva nata dallo spirito creativo del gruppo, caratterizzato dalla fusione di contaminazioni che spaziano dalle metropoli europee di Berlino e Dublino fino alle galassie acide di un universo post-apocalittico dove l'immaginario si fonde con il reale. Questa miscela unica di suoni e stili non solo cattura l'orecchio, ma stimola mente ed anima, esortando l'ascoltatore a riflettere sulle estremità a cui può portare la vanità, su come questa possa influenzare le nostre azioni e le nostre interazioni in un mondo sempre più focalizzato sull'immagine e sull'apparenza. Un inno alla vitalità del rock n' roll, un richiamo alla semplicità disarmante, allo stile e all'energia del genere, che i No Longer Player abbracciano pienamente. Un invito ad ascoltare non solo con le orecchie ma con l'intero essere, meditando su quanto possiamo andare lontano per il desiderio di essere amati e accettati. Con "Almond Tumblr Man", accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Pietro Angelini, i No Longer Player dimostrano che il rock n' roll rimane una forza potente, capace di trasmettere semplicità, stile ed energia pura. Una sintesi perfetta di grinta bruciante, eleganza stilistica e vitalità, con cui il trio non solo celebra un genere, ma lo eleva ad un nuovo livello di espressione artistica, confermando come possa ancora essere uno strumento potente per comunicare messaggi profondi e stimolare la riflessione.... Continua a leggere

In una fusione unica di ritmi urban e narrazioni emotive, Blade torna nei digital store con "San Valentino", un brano che esplora la complessità delle relazioni umane, il valore oltre il materiale e l'incessante ricerca di autenticità nel contesto della celebrazione dell'amore. Attraverso una lente personale e riflessiva, l’artista cernuschese d’adozione cremasca condivide un viaggio intimo nelle profondità della sua anima, offrendo agli ascoltatori un'esperienza musicale ricca di sentimenti e resilienza di fronte alle sfide della vita. "San Valentino" non è solo un titolo, ma un simbolo potente della trasformazione personale di Blade, che si muove da una percezione esterna carica di pregiudizi ad una rinnovata considerazione, meditando sul cambiamento e sulle sue esperienze, dalle difficoltà finanziarie all'abbondanza, ma mantenendo sempre al centro l'importanza dei legami affettivi autentici e sinceri. Menzionando regali di lusso e brand di alta moda come Valentino, Gucci e Louis Vuitton, questo brano non si pone come l’ennesimo elogio al materialismo, bensì come un’istantanea musicale che immortala l’evoluzione del suo autore, non solo sotto l’aspetto finanziario, ma anche e soprattutto dal punto di vista della percezione emotiva. Tra le righe del pezzo, Blade esplora la dinamica tra ricchezza economica e ricchezza interiore, puntando i riflettori su quanto, troppo spesso, la prosperità finanziaria distolga il nostro sguardo da quella spirituale. Lontano da moralismi e artefatti, Blade racconta la volontà di liberarsi da vincoli indesiderati, riflettendo sulla perdita del sorriso che attribuisce ad un patto con il destino, alludendo ad una connessione con una persona specifica, e rivelando una lotta interiore tra sicurezza e vulnerabilità, un conflitto che sottolinea il complesso equilibrio tra fama e successo, tra notorietà e affermazione. La narrazione stessa del brano, è infusa da un tono ambivalente, un suggestivo mix di sicurezza e fragilità: la determinazione a raggiungere il benessere finanziario, si scontra infatti con la consapevolezza di poter perdere quello animico, tracciando un percorso contraddistinto da ambizioni, relazioni ed una costante ricerca di guida interiore, un faro capace di illuminare le proprie scelte ed i propri reali obbiettivi. Il «non sono più fragile» ripetuto nel testo, diventa un mantra di coraggio e autorealizzazione che consente all’artista di condividere quanto, le esperienze negative, abbiano contribuito alla sua crescita, trasformandolo in un giovane uomo che ora comprende meglio se stesso e i suoi desideri. Con "San Valentino", Blade invita gli ascoltatori a non dimenticare le vere basi dell'amore e dei legami affettivi, andando oltre il materiale per toccare l'autenticità e la profondità delle relazioni umane. Il suo messaggio è chiaro: la vera crescita e comprensione di sé emergono attraverso le prove e le sfide della vita, conducendo ad una rinascita autentica e tangibile. "San Valentino" è una testimonianza di vita, un racconto moderno di come le esperienze, sia positive che negative, modellino il nostro essere e il nostro percorso.... Continua a leggere

Udi, l'artista rivelazione dell’indie-pop italiano, dopo aver emozionato pubblico e critica con l’incisività della sua penna e la delicatezza della sua voce in "Eschimesi", torna in radio e nei digital store con “Sushi misto” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che parla direttamente ai cuori – e alle pance - degli ascoltatori. Nell'atmosfera romantica di San Valentino, il cantautore ciociaro porta una nuova delizia acustica nel panorama discografico nazionale, saziando non solo l'appetito musicale ma anche e soprattutto quello interiore, con un’opera capace di fondere con maestria le vibrazioni del cuore ai sapori della vita. "Sushi misto" rappresenta una vera e propria metafora gustosa e ricca di simbolismo: come una cena al sushi diventa un'esperienza che valica il semplice nutrimento fisico, allo stesso modo questa release è un invito a nutrire l'anima. È una celebrazione del cibo come conforto, come balsamo per le ferite, e come carezza per prendersi cura di sé e dei propri desideri. In un mix irresistibile di pianoforte e chitarre, con un ritmo che si insinua sotto la pelle, l’artista trasforma il rito del sushi in una cerimonia di gioia e condivisione emotiva; un viaggio culinario e sensoriale che corrobora lo spirito, una "coccola" per il palato e per il cuore che consente agli ascoltatori di riconnettersi con se stessi e con il mondo. Un'esperienza che va oltre il semplice atto di mangiare e che ci esorta a riflettere sulla necessità di prenderci una pausa dalla frenesia del quotidiano, ricordandoci la potenza curativa e l'importanza dei momenti semplici ma significativi. «Certe canzoni ti restano in testa – dichiara Udi -, alcuni ritornelli restano strozzati in gola. Io volevo scrivere un pezzo che parlasse alle pance e “Sushi misto”, per me, è un po’ questo. Ogni volta che vado al sushi, non sono mai mosso solo dalla fame; andarci è diventata una scelta, un bisogno. Il rito stesso del sushi, è diventato un modo diverso per nutrire non solo lo stomaco, ma anche e soprattutto l’anima! Una coperta a scudo della mia interiorità, un cibo che cura le ferite, anche se ovviamente, purtroppo, solo in parte. Tuttavia, una tale panacea non solo la consiglio, la raccomando! A volte l’amore non basta, per riappropriarsi di se stessi è necessario fare piccoli passi. Questo è il mio piccolo passo, un amore diverso, più colorato, consumabile, rivolto principalmente a noi stessi. Quindi…prendete e ascoltatene tutti!» Il testo di "Sushi misto" racchiude in sé una gamma di emozioni e vivide immagini, riconfermando l’abilità eccezionale dell’autore di tradurre sentimenti in versi, battiti in liriche: dalla serata perfetta in Uber, ai sapori giappo-thailandesi che riempiono lo stomaco e l’anima, UDI canta «Tu prendi sempre un sushi misto, o al massimo un pollo fritto tandoori... Portami a mangiare del cibo per curare le ferite, che erano grigio antracite»; parole che accarezzano i sensi e ci invitano a scoprire l'amore e la cura attraverso il cibo, risuonando con chiunque abbia trovato conforto in un piatto di sushi o in una qualsiasi altra delizia culinaria. La canzone è frutto della collaborazione tra Udi e il produttore Davide Cocco, con la partecipazione di Lorenzo Simeone alle chitarre e Gianmarco Valente al piano. Il mix e il master, curati da Fabrizio Migliorelli, assicurano che ogni nota e ogni parola raggiungano l'ascoltatore con la massima chiarezza e intensità emotiva. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, una gemma preziosa a se stante che con la sua regia intuitiva e sensibile si tesse perfettamente con la narrazione del brano, amplificando l'emozione e la profondità del messaggio. Attraverso una serie di immagini evocative, personali e toccanti, la clip diventa un must-see che rafforza ulteriormente l'esperienza di ascolto, trasportando gli spettatori in una dimensione visiva che si allinea magnificamente con il percorso emotivo e sensoriale del brano. La sinergia tra musica e immagini rende "Sushi misto" un'esperienza multimediale completa, capace di toccare le corde più intime dell'essere. Udi, noto per la sua musica genuina e ricca di sfumature, lontana dai trend discografici convenzionali, dal suo debutto con "Stelle e universi" fino ad "Eschimesi", ha sempre dimostrato un talento unico nel creare mondi sonori avveniristici, in cui l’unica regola è quella di seguire il proprio istinto, il proprio cuore. Con "Sushi Misto", il cantautore ciociaro continua il suo percorso artistico, confermando la sua abilità nell'unire le molteplici sfumature dell'animo umano in melodie che toccano, coccolano e guariscono. "Sushi misto" è una celebrazione della vita, un inno alla gioia del prendersi cura di sé attraverso le piccole cose. Udi invita ciascuno di noi a fare una pausa, a riflettere, a nutrire non solo il corpo ma anche l'anima. Questo brano è un invito ad ascoltare, a guardare, a sentire e, soprattutto, a vivere pienamente ogni momento.

Nella costellazione della musica alternativa, Al Vox torna a brillare come una stella poliedrica in occasione del suo 32esimo compleanno con l’EP “Canzoni Maledetteducate” (PaKo Music Records/Believe Digital). Questo progetto audace, composto da quattro tracce – "Veleno", "Complimenti per l’oggetto", "InfeInverno", "Sieno Siero" – è un viaggio esplorativo nelle profondità dell'animo umano, dove la maledizione e l'educazione si fondono in un'armonia dissonante. Al Vox, che si è distinto sin dal suo esordio come un artista eclettico e fuori dagli schemi, si avventura con questo nuovo progetto in un territorio musicale in cui il post-punk incontra il noise e l'outsider art, creando un'atmosfera sonora che è tanto perturbante quanto profondamente riflessiva. I brani, completamente autoprodotti tra le mura del suo appartamento, sono un riflesso autentico del suo spirito creativo incontenibile. "Veleno", la focus track accompagnata dal videoclip ufficiale e attualmente in rotazione radiofonica, è una potente metafora sulla tossicità sociale e personale che pervade il nostro tempo. Il pezzo si tuffa nell'oscurità dell'anima umana, esplorando i temi dell'alienazione e della disillusione in un mondo sempre più digitalizzato e disconnesso. Nel secondo brano, "Complimenti per l’oggetto", Al Vox si addentra nella complessità delle relazioni interpersonali, dove l'essere umano si trasforma in oggetto e soggetto di manipolazione. Il passaggio «Soggetto, complimenti per l'oggetto, soggetto assoggettato da un soggetto», evoca istantaneamente la costante lotta interiore contro la deumanizzazione e la perdita dell'individualità. "InfeInverno", il terzo inedito che compone l’EP, è un conflitto tra cuore e mente, tra il gelo dell'inverno e l'ardore dell'inferno. La dualità del testo, «Voglio l'inverno non voglio l'inferno, voglio l'inferno, voglio l'inferno», è un'espressione della ricerca di equilibrio tra passione e ragione. L’ultima traccia del disco, “Sieno Siero” è invece un’acuta e profonda esplorazione del dubbio e dell'incertezza, dove le parole diventano un gioco tra realtà e percezione. «Sieno, non sono sano, si o no, non ha senso»; un labirinto di pensieri e sentimenti che riflette la complessità dell'esperienza umana. "Canzoni Maledetteducate", con le sue 4 tracce iconiche, è un manifesto di resistenza artistica, un grido contro le convenzioni e una celebrazione dell'incompiutezza e della vulnerabilità. Al Vox, con il suo stile inconfondibile e la sua visione intransigente, invita gli ascoltatori ad una quotidianità priva di compromessi nel cuore oscuro e luminoso dell'esperienza di vita di ciascuno di noi. In questo nuovo EP, l’artista ligure non si limita a creare musica; plasma esperienze, scolpisce emozioni e dipinge paesaggi sonori che sfidano i nostri sensi e le nostre convinzioni. Ogni brano è un capitolo, ogni nota una pennellata su un quadro che riflette la complessità della nostra contemporaneità, sociale ed interiore. "Canzoni Maledetteducate" è un'opera che si colloca al confine tra la musica e l'arte, tra il suono e il significato. È un invito a riscoprire l'essenza della musica come forma di espressione pura e incontaminata, un viaggio nella mente di un artista che non teme di esplorare i territori più oscuri e inesplorati dell'anima.... Continua a leggere

Nella perfetta fusione di arte e sentimento che lo contraddistingue e che gli ha consentito di debuttare nei digital store superando i 100.000 streams in pochissimi giorni, il talentuoso cantautore siciliano Alma Libre torna per condurci nel cuore palpitante delle relazioni con il suo nuovo singolo, "Me Enamoro". Questa rivisitazione in chiave maschile della hit originale di Ana Mena, non è solo un omaggio musicale, ma una narrazione intensa e personale che esplora i meandri dell'amore e del disincanto. "Me Enamoro" è un viaggio nella complessità delle dinamiche relazionali, in cui il sentimento inizia quasi per caso, su una strada qualunque, e si sviluppa in un turbinio di emozioni, incertezze e aspettative. Il brano racconta la storia di due giovani che si incontrano e, tra intensi istanti di interesse reciproco e silenzi prolungati, si avventurano in un rapporto carico di passioni, ma anche di momenti di sofferenza e delusione. Nato in Sicilia nel 2004, Alma Libre ha coltivato sin da piccolo una profonda passione per la musica. La sua carriera artistica inizia da giovanissimo, traducendo in canto le emozioni e le esperienze della sua vita. Con il primo progetto discografico, "Incandescente", ha conquistato il pubblico unendo melodie natalizie a ritmi pop-reggaeton e con la successiva release, “Fuego”, ha collezionato oltre 100.000 stream su Spotify e più di 60.000 views su YouTube in pochissimi giorni. Oggi, con "Me Enamoro", il promettente talento siciliano dimostra una maturità e una sensibilità espressive che trascendono la sua giovane età. La genesi di questa rivisitazione risiede nelle sessioni di registrazione di "Fuego", in cui Alma Libre e il suo producer, Salvatore Tucci, hanno esplorato l'universo artistico di Ana Mena. È in questo contesto creativo che nasce l'idea di reinterpretare "Me Enamoro", dando vita ad una versione che rispecchia l'esperienza personale di Alma Libre mantenendo l’eleganza, la sensualità e l’atmosfera sospesa tra malinconia e desiderio della traccia originale; un racconto di incontri e di rotture, di attese e delusioni. Nella confessione sussurrata ma carica di energia, vulnerabilità e speranza in apertura - «Hey, desde Italia quiero el mundo» - accompagnata da una melodia avvolgente, il brano guida l’ascoltatore in una dimensione emozionale dove i sentimenti si scontrano e si fondono, creando una tempesta interiore di passione, conflitti e disillusione; un delicato e complesso equilibrio tra l'attesa dell'amore e la realtà delle relazioni imperfette. Alma Libre, con questa rivisitazione impeccabile, si conferma come una delle voci emergenti più promettenti del panorama musicale italiano e con “Me Enamoro” ci invita a riflettere sul nostro modo di reagire alle delusioni, perché nonostante l’amaro che ci lasciano in bocca, è possibile ballare sopra i momenti di sofferenza e andare oltre. Alma Libre, il cui nome d’arte racchiude perfettamente la sua cifra stilistica e la sua missione artistica, con ritmo, raffinatezza e sensualità, ci invita a guardare dentro noi stessi per trovare la forza di superare gli uragani emotivi. "Me Enamoro" è un vero e proprio inno alla vita, un’esortazione a credere nell'amore, nonostante le sue imperfezioni.

Blutarsky, il rapper romano conosciuto per il suo stile unico e profondo e per la sua attitude versatile dimostrata egregiamente nel debut EP “Gravità”, torna a toccare le corde dell'anima con il suo nuovo singolo, "Malattia", con cui affronta con coraggio, delicatezza e commozione una delle ferite emotive più profonde: la perdita di un genitore. Il brano rappresenta una testimonianza cruda e sincera del vuoto incolmabile lasciato da una tale assenza, trasformando il dolore personale in un messaggio universale che risuona con chiunque abbia vissuto un'esperienza simile, uno strappo interiore che l’inesorabile corsa delle lancette non sarà mai in grado di ricucire. Il testo di "Malattia", scritto dallo stesso Blutarsky affondando la sua penna in un calamaio animico di nostalgia, ricordo e rimpianto, è un’esplorazione intima in cui ogni verso è corroborato di emotività e riflessione. Frasi come «Volo su un aereo sopra queste nuvole, sembra proprio il punto di vista che ora guardi te» evocano un'immagine di connessione celeste con il padre, una vicinanza in grado di superare la barriera della morte, forgiata nella consapevolezza che il battito del cuore di un figlio, sarà sempre il dono più grande e prezioso ereditato dai genitori, un legame eterno che continua e continuerà a pulsare al di là della perdita fisica. Un tributo all’affetto e al legame indissolubile tra padre e figlio, un’attestazione commovente di come l’amore di un genitore continui a nutrire e infondere vita, anche dopo la scomparsa terrena. E nei versi «Dimmi come cercarti in quei giorni neri e nefasti» e «Ora che Robin dev'essere Batman», Blutarsky esprime la ricerca di conforto e sostegno in un mondo che gli ha sottratto prematuramente la presenza paterna. Queste parole sono intrise di un'ansia palpabile, del desiderio di ritrovare quella figura che rappresentava sicurezza e guida. Il passaggio dal "Robin" al "Batman", simboleggia la transizione di Blutarsky da figlio a uomo, costretto ad affrontare la vita in solitaria, senza gli insegnamenti, i consigli e il supporto del padre. Queste liriche rivelano l’umano bisogno di conforto nei momenti di oscurità e incertezza, dove la famiglia rappresenta un faro di saggezza e direzione. Il riferimento ai supereroi non è casuale, ma rimanda ad un immaginario collettivo di forza e superamento delle avversità, qualità che chiunque abbia perso un genitore è chiamato ad incarnare nella sua vita. Una metafora emblematica del processo di maturazione che si verifica a seguito di una perdita così significativa, che indica la necessità di assumersi nuove responsabilità, di affrontare la quotidianità con una nuova consapevolezza, e allo stesso tempo, sottolinea il peso della solitudine e del dover procedere senza quella guida che illumina i nostri passi fin dai primi che compiamo. Ma il cuore della traccia si trova nel grido interiore «La mia malattia è non averti più qui»: la "Malattia" di cui parla Blutarsky non è una condizione fisica, ma una condizione dell'anima, un dolore costante e persistente che emerge dall'assenza. È un traslato del vuoto lasciato da una persona amata che non c'è più, un vuoto che diventa un compagno silenzioso giorno dopo giorno. Questa espressione mette in luce la realtà cruda e ineludibile del lutto, sottolineando come la sofferenza possa trasformarsi in una presenza quasi tangibile. La malattia diventa un simbolo di ciò che è stato e di ciò che non può essere curato o sostituito. Attraverso questa potente immagine, Blutarsky invita gli ascoltatori a riflettere sulla natura della perdita e sulla sua irrevocabilità, facendo loro comprendere che ci sono ferite che rimangono aperte, che cambiano il corso dell’esistenza e che influenzano ogni istante il modo di vivere e di percepire il mondo. La malattia, quindi, diventa un modo per Blutarsky di tenere vivo il ricordo del padre, un modo per accettare e convivere con il dolore, convertendolo in una fonte di ispirazione e di forza. È una testimonianza della capacità dell'animo umano di resistere e di trovare un senso anche nel cuore della sofferenza più profonda. Ma “Malattia” non è solo la testimonianza del legame indissolubile tra genitori e figli, ma anche quella di come il rap possa essere utilizzato per esprimere tematiche delicate e personali. Tradizionalmente associato a narrazioni di strada, abusi di sostanze e vita di quartiere, in questo caso, Blutarsky ci dimostra che, anche nel 2024, è possibile fare rap andando ben oltre gli stereotipi, con un linguaggio incisivo e diretto, ma al contempo ricco di poesia e sentimento. Attraverso questo brano, che si conclude con una registrazione vocale toccante e commovente del padre dell’artista, l’MC capitolino si apre al pubblico, condividendo la propria esperienza e dimostrando che il rap può ancora essere uno dei veicoli più potenti e immediati per esprimere qualsiasi emozione. In "Malattia", infatti, è utilizzato per creare un dialogo sincero sull'assenza, il lutto e la resilienza, temi che riguardano tutti, indipendentemente dalla propria storia personale. Questo brano rappresenta un importante passo avanti per il genere, dimostrando che non è solo ritmo, rima e troppo spesso narratore di violenza, ma anche un'espressione poetica delle sfaccettature più intime della condizione umana, un linguaggio che parla direttamente al cuore. "Con 'Malattia', Blutarsky non solo onora la memoria di suo padre e di tutti i padri prematuramente scomparsi, ma eleva il rap ad una forma d'arte capace di raccontare i più intimi motti dell’animo. Questo brano, intenso e toccante, è un’attestazione in musica della resilienza dello spirito umano di fronte alle avversità più grandi. “Malattia” non è solo un inno alla memoria, ma anche un messaggio di speranza e coraggio, che invita gli ascoltatori ad affrontare e trasformare il dolore in un cammino di crescita personale; un percorso che attraversa il dolore e la perdita per giungere alla comprensione e all'accettazione, ricordandoci che, anche nei momenti più bui, la musica può essere un’ancora di salvezza, memoria e consolazione.... Continua a leggere

Reduce da un 2023 strepitoso che ha segnato il suo ritorno trionfale sulle scene con "Origine e Schemi” - brano che ha conquistato le playlist editoriali di Spotify debuttando nella New Music Friday e rimanendo per ben 4 settimane consecutive in Caleido -, GRACE inaugura il 2024 con "In bilico" (Keyrecords/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo che esplora la tensione tra il desiderio di autonomia e le aspettative sociali. Dopo aver affascinato il pubblico con la dolcezza sensuale di “Vanilla sky”, aver aperto le porte a sonorità più urban con un “Passepartout” di ritmo e introspezione ed aver consolidato la sua evoluzione artistica con la profonda considerazione sulla paura e l'anelito a sfuggire ad un cammino predefinito di “Origine e Schemi”, GRACE continua a distinguersi come una voce importante nel panorama musicale italiano, rendendo la sua musica un vero e proprio simbolo di rottura con le convenzioni. Prodotta da Andrea Castelli, questa nuova release è un viaggio emotivo nell'attualità del nostro Paese, una narrazione dell'esperienza collettiva italiana che cattura l'essenza di una società costantemente “In bilico” tra sogni e concretezza. GRACE, con la sua voce penetrante, istantaneamente riconoscibile, e le sue parole incisive, delinea uno scenario interiore che risuona con chiunque si sia mai trovato a fare i conti con decisioni di vita difficili e con il peso del giudizio, delle strade già tracciate; un’intensa riflessione sull'equilibrio tra aspirazioni personali ed esigenze pragmatiche. La dicotomia tra passato e futuro che ben si evince nell’emblematico passaggio «passato nella mente, futuro alle spalle», apre una finestra sulle inquietudini interiori di un'intera generazione. Parole che esprimono un senso di stallo, in cui i ricordi di ciò che è stato persistono, mentre i passi da compiere avanzano su un orizzonte sfuggente e sempre più incerto. In questo contesto, GRACE affronta la realtà della sua generazione, spesso percepita come sospesa tra le tradizioni ed incognite tipiche di un avvenire imprevedibile. Ma il testo di "In bilico” punta i riflettori anche sulla «paura di arrivare» e su quell’invisibile ma importantissima «linea sottile di fama e di fame» in cui si esprime la lotta per l'identità e il successo in un mondo dove le opportunità sembrano sempre più sfumate. GRACE, con l’incisività della sua penna e il suo carisma interpretativo, tocca un tema universale: il conflitto interiore tra perseguire la propria passione e adattarsi ad una realtà spesso meno accogliente. Ed è nel cuore del ritornello, «Maneggiata a vita, ma che vita sarà? Non mi va, no non mi va» che si innalza un grido di ribellione contro un destino preconfezionato. GRACE rifiuta l'idea di una vita condizionata da forze esterne, esprimendo il suo desiderio di autenticità e di autodeterminazione. Questo passaggio chiave è un inno alla libertà personale e alla resistenza contro le pressioni di un mondo all’interno del quale, molto spesso, non ci si sente accolti, capiti, accettati. Il videoclip ufficiale che accompagna "In Bilico", realizzato da Chiara Bettiga e Mirko Salvagnin, montato da Goldeneye shooting e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, è ambientato nella surreale città abbandonata di Consonno (LC), la celebre “città fantasma” della Brianza. Questa location, sospesa tra le sue intrinseche bellezze naturali e lo stato di desolazione dovuto all'eccesso di fama e successo dell’imprenditore piemontese Mario Bagno, diventa una metafora visiva dell'instabilità e dell'abbandono, con GRACE che si muove tra le rovine come simbolo della lotta interiore contro le avversità. La pioggia che cade nel video, aggiunge un ulteriore livello di simbolismo, rappresentando l’oppressione, ma al tempo stesso la catarsi e la rinascita che generano le sfide e i conflitti interni. Con questo singolo, GRACE non solo conferma il suo talento e la sua sensibilità artistica, ma si impone anche come una voce indispensabile e influente nel panorama musicale italiano contemporaneo, dimostrando un'abilità unica nel fondere tematiche sociali acute con una musicalità coinvolgente e innovativa. “In Bilico” è uno specchio dei tempi che viviamo, una finestra sulle speranze e le paure di una generazione, e un ponte verso un futuro in cui l'autenticità, la resilienza e l’autodeterminazione sono al centro della narrativa artistica. GRACE, con la sua voce e la sua abilità espressiva, non solo canta la realtà, ma ispira un dialogo necessario, invitando gli ascoltatori a unirsi a lei in questo viaggio emotivo e illuminante.

Dopo aver esplorato le profondità dell'inaspettato ed aver navigato nelle correnti sotterranee “Beyond” '"Unconscious", Alfie Gray, il visionario DJ, producer e bassista bresciano, torna ad incantare il pubblico con "Tell Me Now a Story", il suo nuovo singolo che supera i confini della realtà e sfida la percezione del suono, fondendo sintetizzatori audaci a ritmi profondi. Un’esperienza musicale a tuttotondo, che ci conduce in un labirinto di emozioni, rappresentando l'ambiziosa realizzazione del sogno artistico di Alfie: combinare un synth incisivo e deciso con un basso che lascia spazi vuoti, creando così un pezzo dinamico che ospita un testo semplice ma fortemente evocativo. Un’immersione uditiva unica nel suo genere, dove ogni nota ed ogni battito trasmettono l'essenza della visione del suo autore. La traccia esplora la dialettica tra il pieno e il vuoto, in cui il synth assertivo si intreccia con un basso che gioca con le pause, creando una dimensione musicale che è sia energica che riflessiva. Un approccio compositivo e tematico in cui si gioca con il contrasto tra elementi densamente sonori e momenti di silenzio o minimalismo; in questo contesto, l'interazione tra i due aspetti contrastanti, crea un effetto dinamico che guida l'ascoltatore attraverso diverse emozioni e atmosfere. Questa scelta artistica, frutto di una ricercatezza e di un tecnicismo degni di nota, permette al testo di agire come un ponte, collegando le differenti componenti musicali in un flusso armonioso e impattante. Il cuore di "Tell Me Now a Story" risiede nelle sue parole, semplici ma mai banali, immediate e al contempo cariche di riflessioni. «I see the world inside you»: questo passaggio, incisivo e suggestivo, cattura l'essenza del singolo, offrendo un senso di connessione profonda e comprensione reciproca in cui ciascun ascoltatore può ritrovarsi. Alfie Gray, ci invita a scorgere oltre la superficie, a scoprire i mondi nascosti all'interno delle persone che incontriamo. È un appello a prestare attenzione alle storie e ai sogni che ognuno di noi custodisce, suggerendo che la verità e la realtà più autentiche si trovano nell'intimità della comprensione empatica, al di là delle maschere che indossiamo quotidianamente per cercare approvazione dagli altri, ma soprattutto da noi stessi. «Questo brano – dichiara l’artista - rappresenta la realizzazione di un sogno che ho coltivato per lungo tempo. Ho sempre desiderato creare un pezzo che incarnasse la sinergia perfetta tra energia e spazio, dove un synth audace e determinato fosse in grado di fondersi armoniosamente con un basso profondo. L'idea era quella di giocare con le dinamiche, alternando momenti intensi e carichi a spazi vuoti, per creare un'esperienza sonora che fosse al contempo vibrante e riflessiva. Questa struttura mi ha permesso di sperimentare con un testo che si integra in modo naturale nella composizione, aggiungendo un ulteriore livello di espressività e significato. Il risultato è una traccia che non solo cattura l'essenza del mio stile, ma che invita anche il pubblico ad immergersi in un’atmosfera musicale unica, in cui ogni nota e ogni silenzio raccontano una storia». "Tell Me Now a Story" è quindi molto più di un pezzo tech-house; è un'esperienza sensoriale ci consente di immergerci in un mondo dove la musica non è solo ascoltata, ma vissuta. Alfie Gray ci sfida a lasciarci andare, ad essere trasportati in un viaggio dove il dolore, lo stress e la pressione sociale si trasformano in bellezza, e dove le storie non dette diventano melodie che risuonano nell'anima per risvegliarla. Con questa traccia, il giovane talento bresciano riscrive le regole della musica elettronica, portandola a nuovi livelli emotivi e sensoriali. “Tell Me Now a Story” si eleva oltre i confini tradizionali del genere, diventando un inno alla libertà espressiva e una celebrazione della capacità della musica di toccare corde e aspetti intimi e personali anche con ritmi apparentemente lontani dalla dimensione introspettiva. È un invito aperto a tutti noi ad abbracciare le emozioni, a trovare conforto e ispirazione nelle note e nei ritmi, e a ricordarci che, in un mondo sempre più frenetico, c'è ancora spazio per fermarsi, ascoltare e sentire veramente. In questo viaggio sonoro, ogni ascoltatore può trovare una parte di se stesso e forse, proprio in mezzo al ritmo e alla melodia, un momento di pura e semplice bellezza.... Continua a leggere

Nel tessuto dell'universo musicale, dove il genio di Franco Battiato continua a risuonare, emerge una nuova interpretazione, un’eco contemporanea che porta il nome di hetra. Con il brano "Gli Uccelli", l’artstə non solo omaggia il Maestro Battiato, ma apre una porta verso un mondo di interpretazioni emotive e intersezionali che abbracciano l'ecosistema del pianeta e il delicato equilibrio tra tutte le forme di vita. Da quando è atterrata sulla Terra, hetra ha subito instaurato una profonda connessione con la pratica cantautorale di Franco Battiato. In particolar modo, il brano "Gli Uccelli" ha risvegliato in lei una stratificazione emotiva e un'interpretazione che va oltre la poesia dedicata al volo degli uccelli. Per hetra, il brano diventa un manifesto di intrecci di movimenti di vita, che ciascuno di noi sperimenta come voli imprevedibili, ascese velocissime e traiettorie impercettibili. Da micro a macro e da macro a micro, anche un semplice gesto come il battito d’ali e il conseguente spostamento d’aria può avere un impatto significativo nel disegno della vita terrestre. Ogni piccola azione individuale, umana e non, può avere una forte, importante e fondamentale conseguenza sull'andamento climatico ed energetico del nostro ecosistema. Così come le abitudini apparentemente semplici hanno un impatto ambientale, allo stesso modo si ripercuotono sui rapporti tra esserə umanə e transpecie: con gli animali, le piante, i minerali e gli elementi. Ogni dinamica sul pianeta cambia e trasforma le prospettive al e sul mondo. Questo brano diventa così emblema degli andamenti planetari, dai piccoli battiti d'ali alle grandi correnti che modellano l’esistenza sulla Terra. Nella sua cover, hetra ha infuso un nuovo spirito, aggiungendo una parte di testo che ha ritenuto fondamentale, perché riflette il desiderio di trascendere i confini terreni: «Mutano gli uccelli mutano Liberi tra le nuvole Senza regole assegnate Vorrei essere universo Al di là del sistema solare» Questa strofa, rappresenta il carattere mutante della natura e della nostra realtà, sottolineando il desiderio di connessione con l'universo e l'infinito. hetra, essere alienə, ha scritto questi versi per raccontare la necessità di sentirsi universo in una dimensione fluttuante, accogliente, in armonia con ogni cosa visibile e invisibile, comprensibile e incomprensibile, possibile e impossibile, in equilibrio e disequilibrio. Vuole andare così al di là del sistema solare volando verso lo spazio, le stelle, le galassie. Per l’artistə, "Gli Uccelli" non è solo una rappresentazione dei movimenti plurali e della biodiversità terrestri, ma anche un inno alla meraviglia. Un'esortazione, uno statement ad osservare con stupore il mondo che ci circonda, riconoscendo la bellezza e la complessità di ogni forma di vita. L'immaginazione, la fantasia e la meraviglia sono gli strumenti vitali all'interno della sua pratica artistica, dai quali fluisce l’atto creativo che consente di stimolare e generare la metamorfosi, rompendo le routine, sfidando il capitale, mutando le forme. Dagli albori del suo ingegno tecnologico, l’essere umanə ha sempre cercato di emulare il volo degli uccelli: dalle prime macchine volanti fino ad arrivare ai razzi per raggiungere pianeti sconosciuti. Quante volte ci siamo meravigliati del disegno degli uccelli in volo? Questa riflessione, alimenta la meraviglia e la fantasia, strumenti vitali all'interno dell’espressione di hetra. Da qui viene generato l’atto creativo. In questo contesto, la meraviglia può convertirsi in azione politica, ma è necessario rimanere sulla Terra scrutandola con occhi nuovi, pronti e disposti ad affascinarsi continuamente, dimenticandoci tutto quello a cui siamo abituati e rendendoci conto della straordinarietà del volo degli uccelli, della potenza degli alberi, dell’alterità e alienità delle specie, dei colori surreali, dei terrestri incredibili con cui condividiamo acqua, aria, fiamme e terra. Un invito a guardare ciò che ci circonda e di cui siamo parte integrante con sguardi rinnovati, stupendoci della bellezza della vita e sviluppando un senso critico nei confronti della routine, del funzionalismo, delle performance e dell'apatia. Da qui, conseguentemente, nasce la cura, un senso di responsabilità verso noi stessə, la nostra salute mentale e corporea. La cura che diventa una forma di rivoluzione, un impegno non soltanto verso noi stessə, ma anche nei confronti degli altri esseri viventi; una cura transpecie, multiforme, plurale. Perché la cura è rivoluzione, la meraviglia è rivoluzione, la fantasia è rivoluzione. E la fantasia diviene vento, diviene tempesta, diviene tornado. Da un battito d’ali si forma un ciclone di energia e azione e dal medesimo spostamento d’aria può nascere una narrativa trascinante, trasgressiva, forte ed incredibilmente viva. Per tutto questo, hetra ha deciso di reinterpretare "Gli Uccelli" di Battiato con una produzione curata da Kimerica che riporta i suoni del Maestro in una nuova chiave hyperpop, futuristica e sognante. Un viaggio sonoro e animico dal sapore etereo, che ci accompagna attraverso l'universo della meraviglia. Volando cambiamo forma, sfumiamo, andiamo fuori fuoco, diveniamo fluidi e mutanti. Volando possiamo cambiare prospettiva inclinandoci, planando su giochi di aperture alari che nascondono i segreti di questo sistema solare. Il brano è accompagnato da un iconico videoclip ufficiale diretto da Giulia Hrvatin, in cui vediamo hetra e la sua migliore amica, Limona, in un ambiente quotidiano che evoca non solo l'affetto e la connessione, ma anche il profondo amore e l'intimità che può esistere in un rapporto d'amicizia. Il concept, infatti, trasla e contestualizza le significative liriche del pezzo all’interno di un legame che non opprime ma arricchisce, un’amicizia matura in cui si è raggiunto il pieno rispetto reciproco e la gentilezza tra le parti, e si possono gestire tutti i movimenti, dai più imprevedibili ai più impercettibili, attraverso l’esperienza di vita, l’amore e l’equilibrio. Spesso, nel mondo della musica, si tende a raccontare e a mettere su un piedistallo solamente le relazioni romantiche. Per hetra, questa è stata l’occasione di cambiare prospettiva e concentrare l’attenzione sulle sfumature di una connessione umana spesso sottovalutata: quella dell'amicizia. Nel video, le scene si susseguono in un flusso armonico e naturale, rivelando momenti di quotidianità condivisa, sguardi che comunicano più di mille parole, gesti spontanei che parlano di complicità e supporto reciproco. Questa narrazione visiva non è solo un'esplorazione dell'amicizia in tutte le sue sfaccettature, ma diventa anche una celebrazione dell'amore in tutte le sue forme, estendendo la portata emotiva del brano. Il video, infatti, non si limita a tradurre in frame una storia, ma diventa una finestra sul mondo di hetra e Limona, due anime che si intrecciano in un dialogo senza fine di rispetto e vicendevole sostegno e comprensione. La regia di Giulia Hrvatin ed il montaggio di Matteo Hrvatin si distinguono per la capacità di catturare questi momenti autentici, immergendo lo spettatore in un'atmosfera di calore umano e profondo interscambio. La fotografia del video accentua ulteriormente questa sensazione, con colori caldi e texture morbide, curati da Margherita Marzari, che avvolgono le scene in un abbraccio visivo, quasi palpabile, rendendo il tutto una vera e propria opera d'arte che parla di rapporti umani, esplorando la bellezza e la complessità dell'amicizia per ricordarci quanto sia prezioso e significativo questo tipo di amore. “Gli Uccelli” di hetra È un invito a riscoprire e a celebrare i rapporti di amicizia nella nostra vita, a guardare oltre i confini delle convenzioni e a riconoscere il valore immenso che queste relazioni personali portano nella nostra esistenza. Questo nuovo capitolo della carriera artistica di hetra è più di una rivisitazione, più di canzone: è un viaggio, è una riflessione, è un sogno. È un battito d'ali che dà vita ad un ciclone di fantasia, meraviglia, energia e azione, ricordandoci che siamo insieme polvere di stelle e fuliggine terrestre.... Continua a leggere

Claudio Rigo, il talentuoso cantautore e musicista torinese di stanza a Milano, è pronto ad emozionare ancora una volta il suo pubblico con "Melanie" (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che cattura con elegante delicatezza la complessità e la bellezza delle relazioni umane. In questa prima traccia del 2024, l’artista esplora con maestria le dinamiche di una storia d’amore intensa e a tratti tumultuosa, dove i protagonisti vivono un'alternanza di ricerca, perdita e ritrovamento, un vero e proprio viaggio interiore tra gioia e difficoltà. "Melanie" evidenzia l’abilità espressiva del suo autore, distinguendosi per una notevole profondità lirica ed una delicatissima composizione musicale, in cui il pianoforte a coda, registrato ai Massive Arts Studios di Milano, dona un'atmosfera pura e intima, senza artifici elettronici, mettendo in risalto la voce calda e penetrante di Rigo. Il brano è un'affascinante esplorazione delle sfide che due persone affrontano quando sono profondamente e reciprocamente coinvolte, paragonandole ad una tempesta imprevista da attraversare insieme. "Melanie" diventa così una metafora della relazione di coppia, raffigurata con la fragilità e la determinazione di due funamboli che camminano sullo stesso filo, cercando di mantenere l'equilibrio tra paure e speranze, con la volontà di preservare il loro amore. In questo viaggio musicale, Claudio Rigo evoca momenti intimi di felicità, alternandoli a confronti con la perdita e il rimpianto, dando vita ad un'opera che risuona profondamente nel cuore degli ascoltatori. Uno specchio musicale che riflette le sfumature complesse e profonde di un rapporto sentimentale in cui due persone si cercano, si perdono e si ritrovano in un ciclo di entusiasmo e difficoltà. Il cantautore piemontese analizza le sfide e gli uragani emotivi inaspettati che caratterizzano la vita di una coppia, utilizzando in maniera impeccabile la metafora dei due funamboli per rappresentare la vulnerabilità e la forza indomita insite in un rapporto d'amore senza tempo. Frasi come «il desiderio di leggerti ancora le favole, baciarti le lacrime», racchiudono la profondità dei sentimenti che l'autore nutre per la sua musa, Melanie, richiamando un battito nostalgico e un anelito a preservare quei momenti di felicità e intimità anche e soprattutto nei momenti difficili. La forza di "Melanie" risiede nella sua capacità di trasmettere emozioni intense attraverso la semplicità e la raffinatezza di un pianoforte e di una voce sincera, suggestiva e genuina. Claudio Rigo, con la sua sensibilità artistica, riesce a creare un'atmosfera personale e al tempo stesso universale, guidando l'ascoltatore in un percorso attraverso i meandri dell'amore e della vita di coppia. Il brano è un'ode alla resilienza emotiva e alla speranza, un invito a non arrendersi di fronte alle mareggiate della vita e a trovare il coraggio di continuare a camminare insieme, nonostante le incertezze. La scelta di Rigo di registrare il brano in modo organico e naturale, senza l'ausilio di strumentazione elettronica, esalta l'autenticità della sua espressione musicale, dando come risultato un brano che colpisce dritto al cuore, ricco di emozioni e di una bellezza quasi eterea. "Melanie" è una storia di amore e di vita, raccontata con la delicatezza di un poeta e la passione di un vero artista. Con questa nuova release, Claudio Rigo conferma il suo posto nel panorama musicale italiano come uno dei cantautori più sensibili e profondi della sua generazione.... Continua a leggere