MusicWord

È una delle voci più calde, suggestive e ricche di colori del nuovo panorama cantautorale femminile italiano e dopo aver sfiorato le corde del cuore con i suoi “Sbalzi D’Amore” ed aver dimostrato che ciascuno di noi può rinascere dal gelo interiore proprio come un “Bucaneve”, sbocciando dal ghiaccio invernale, la brillante cantautrice milanese di origini sarde Deiah, al secolo Deborah Ruggiero, torna nei digital store con “In Totue”, il suo nuovo intreccio di modernità e tradizione. Con le onde del mare nell’anima e le vibes cosmopolite nelle vene, l’artista, che trae il suo pseudonimo dalla fusione tra la prima e l’ultima lettera del suo nome di battesimo e l’affermazione “si” (eia) in lingua sarda, ci regala il frutto di un intensissimo anno di ricerca e studi sulle usanze della terra dei Quattro Mori, il perfetto connubio tra cultura millenaria e dinamismo urbano, un ponte tra radici e obiettivi che incanta e accarezza i sensi sin dal primo ascolto. Nato da un'attenta e approfondita indagine sulle melodie e gli strumenti tradizionali sardi, “In Totue”, che in limba, ovvero in lingua sarda, significa “In ogni dove”, è un invito appassionato a cercare dentro di sé quel senso di appartenenza, quel legame indissolubile con le nostre origini, capace di farci sentire protetti e al sicuro in qualsiasi situazione, perché, come la stessa artista dichiara: «Non importa quanto lontano possiamo essere, ci sarà sempre una connessione, un filo invisibile che ci riporterà lì, alle nostre radici, consentendoci di onorare e ringraziare chi siamo, per abbracciare il domani con consapevolezza e determinazione». Un brano che tocca corde profonde, giungendo con delicata immediatezza non solo a chiunque abbia mai sentito il richiamo della propria terra natale, ma anche a tutti coloro che, almeno una volta nella vita, si sono sentiti persi, infinitamente piccoli in un mondo di cui, troppo spesso, dimentichiamo di essere artefici. «Se restiamo sulla sabbia mentre il sole cresce, all'ombra di mia madre, curerà i miei occhi» e «Non mi trovo ma non m’importa, tanto lo so che tue ses sa ia pro me, tue ses domo in toute (tu sei la via per me, tu sei casa in ogni dove)», sono solo alcuni dei molteplici passaggi da cui si evince l’importanza di richiamare a sé quella sensazione di appartenenza e radicamento che ci connette alla nostra natura, ma anche e soprattutto a tutti coloro che ne fanno parte, permettendoci di comprendere a fondo la potente meraviglia dell’unione. «”In Totue” – conclude Deiah - rappresenta ciò che sono, il mio essere, quel filo invisibile ma deciso che quotidianamente tesse la tela del mio percorso. Con il supporto del mio team, ho cercato di rendere al meglio la mia essenza mediterranea. La scelta di cantare sia italiano che in limba, è stata fatta proprio per rafforzare queste mie due metà che da sempre mi accompagnano e che danno vita a quella che sono. Il tutto è stato poi condito dal mix di suoni moderni e tradizionali e dalle voci della mia isola lontana che parlano al continente in cui sono nata e cresciuta». Una suggestiva immersione negli usi e nei costumi che continuano a plasmare le nostre vite, una fusione musicale che incanta gli ascoltatori avvolgendoli in un abbraccio caldo e autentico in grado di rendere "In Totue" molto più di una canzone e trasformandola in un inno alla forza delle tradizioni, un encomio all'importanza di ricordare il proprio passato per poter scrivere con cognizione e amore presente e futuro. “In Totue”, prodotto dal tocco inconfondibile di Phaser Studios, è accompagnato dall’emblematica clip social che, girata nell’entroterra sardo sotto l’impeccabile direzione di Riccardo Bizzozero, omaggia l’isola con la presenza de i sonaggiaos e s’Urzo (maschera tradizionale di Ortueri, paese di origine di Deiah), anche grazie alla collaborazione, fortemente voluta dall’artista, di brand e professionisti locali che hanno impreziosito le scene con gioielli (MEG Jewels) e colori tipici della Sardegna. Con questo brano, Deiah attinge al passato per dar voce al futuro, riconfermando la versatilità della sua arte e dimostrando che per tracciare il percorso del proprio domani, è fondamentale tenere a mente chi siamo e da dove veniamo.... Continua a leggere

L’estro eclettico e innovativo di Stamani torna a risplendere in "No Love" (Key Records/Altafonte), il suo nuovo singolo. Dopo il trionfale successo de "La Garra", la giovane promessa del rap tricolore riconferma la versatilità della sua cifra stilistica con un brano che esplora il delicato equilibrio tra amore e odio, speranza e delusione; una testimonianza di rime e flow sul suo approccio unico alla musica, volto alla condivisione delle esperienze umane. Un viaggio intimo nel labirinto delle emozioni, un fiume in piena di riflessioni e sentimenti che penetra l’anima dell’artista e quella di chi lo ascolta, un mix coinvolgente espresso egregiamente da immagini evocative e incastri pungenti, prospettive e assaggi di vita vissuta che offrono una visione cruda, quanto sincera, dei rapporti interpersonali e del bisogno innato di autenticità e accettazione. Le liriche, scelte con cura e maestria, catturano tra pause e parole l'ambivalenza dell'amore, la struggente verità della delusione e quella dolce speranza che con costanza e tenacia persiste, nonostante i traumi e le ferite scalfiti sul cuore. Sin dalla strofa di aperura, Stamani imprime sul beat una visione scettica del concetto di destino, enfatizzando l'importanza di afferrare e far proprio tutto ciò che si può toccare, che si può comprendere direttamente, attraverso situazioni e vicissitudini personali. L'intensità delle emozioni, viene abilmente dipinta e racchiusa in metafore altamente suggestive, come l'analogia con le «lacrime da Giorgi», che crea istantaneamente uno straordinario contrasto di sensazioni, esortando l'ascoltatore ad osservare al di là del semplice colpo d’occhio, a guardare oltre l'illusione, fuori dagli schemi di una realtà apparente, focalizzandosi sulla tangibilità del proprio quotidiano. Traslati di battiti universali che assumono le sembianze di «farfalle dentro al corpo», racchiudendo in una sola istantanea il tumulto emotivo dell'amore, la sua potenza e l'ansia che può generare; una «massa piena di dolori accumulati» che rappresenta la malinconica bellezza dei ricordi, frame di memoria che diventano cicatrici, increspature nell’oceano infinito del nostro sentire. La sfiducia, l'insicurezza nei confronti delle relazioni; Stamani si interroga sulla natura oscura dei segreti, sulla sofferenza che causano indebolendo la fiducia nei confronti del prossimo e rendendoci vulnerabili, costantemente diffidenti verso ogni tipo di connessione interpersonale. Nella frase-mantra «ho amato ho odiato» che si ripete lungo tutto il corso della narrazione, l’artista si concentra sulla complessità delle percezioni individuali e sulla natura altalenante delle relazioni, sottolineando come le persone cambino nel tempo e invitando ogni ascoltatore a far leva solo sulle proprie capacità - «conta solo su te stesso» -. “No Love” è accompagnato dal videoclip ufficiale, che girato al Multiset Studio Bicocca di Milano sotto l’attenta direzione di Chiara Bettiga, verrà rilasciato su YouTube il prossimo 29 Settembre. Questo singolo è un vero e proprio inno all'indipendenza e all'autoconsapevolezza, un percorso sonoro che abbraccia la ricchezza e l'ambiguità della condizione umana, sondando in profondità la fragilità delle amicizie e dei rapporti romantici e riconfermando Stamani come uno dei talenti più poliedrici e brillanti del rap-game italiano.... Continua a leggere

Rap e vita di strada sono da sempre interconnessi, legati da un filo indissolubile capace di donare al tempo stesso unione e dispersione, nei confronti di se stessi, dei propri affetti e dei propri obiettivi. Un nastro sottilissimo ma inscindibile, che può avvolgere o trasformarsi in cappio a seconda delle scelte quotidiane, delle decisioni compiute da chi lo tesse sin dal suo primo battito. Proprio da questo assunto, il duo di fratelli milanesi di origine kosovara Nova King, prosegue la sua mission di innovazione della scena underground italiana con “Paradiso” (PaKo Music Records/Believe Digital), un singolo in grado di stravolgere non soltanto il modo di fare trap in Italia, ma di racchiudere in sé la vera essenza del successo, quello che si concretizza in una totale affermazione personale superando le barriere di un’effimera e fugace notorietà, quello che non considera piani B né scappatoie, ma è frutto di determinazione, impegno, sacrificio e responsabilità. Prodotto dall’immancabile tocco di Promo L’Inverso, “Paradiso” esplora emozioni profonde attraverso il prisma della street life e della cultura Hip Hop, spaziando dalla ricerca della realizzazione personale all'aspirazione materiale. Fin dai versi iniziali, Kabis e Capo Pac richiamiamo i loro sogni ambiziosi - «sogno il paradiso come un posto alle Hawaii, essere in alto come i palazzi di Dubai» -, evocando il desiderio di sfuggire da una quotidianità che ingabbia per raggiungere il proprio eden personale. Una dualità, quella tra aspirazioni eccezionali e ricerca di un luogo ideale, che permea tutto il brano. Affrontando il concetto di successo attraverso il desiderio di «prendere un fly» e sfoggiare gioielli preziosi - «sul collo l'ice» -, i Nova King puntano i riflettori sulla potente connessione tra l'apparenza e il prestigio sociale: l'idea di un conto in banca «che non può finire mai», incarna infatti una sicurezza finanziaria illimitata, una stabilità che, con il passare del tempo, lascia spazio ad una serie di dialoghi animici sulla complessità della vita «tu dimmi dimmi dimmi dimmi dimmi dimmi come si fa?» -; colloqui intimi e profondi che enfatizzano la costante lotta tra aspirazioni e realtà e conducono l’ascoltatore a riflettere sulla difficoltà di mantenere l'autenticità in un ambiente frenetico, suggerendo che il denaro non può colmare completamente il vuoto interiore - «i soldi fan felici, ma dentro di te resterà quel vuoto e i cerotti non saranno i cash» -. Una release che non è solo una canzone, ma un'ode alle ambizioni di chi lotta per un futuro migliore, un inno alla fatica e al duro lavoro, un invito sentito e viscerale a non cedere ad espedienti e sotterfugi per realizzare il proprio pieno potenziale - «sono sdraiato sui soldi ma non perdo la ragione» - e, di conseguenza, ogni obbiettivo prefissato. Aspirazione e ambizione si intrecciano per costruire quel “Paradiso” da una trappola, quella luce nell’oscurità di una gabbia in cui «gli anni passano veloci come un Cayenne» e «i soldi cambiano la vita e le persone». I Nova King catturano così l'essenza di chi cerca la propria strada, trasmettendo l’importantissimo messaggio che la libertà di sognare è un premio da guadagnare attraverso l'impegno e la dedizione e dimostrando, tramite la loro esperienza, come la forza interiore possa tramutare le sfide in opportunità.... Continua a leggere

Dopo aver sperimentato con naturalezza ed eleganza generi e sonorità differenti che gli hanno consentito di far breccia nel cuore del pubblico e di essere riconosciuto dalla critica come uno dei talenti più carismatici e versatili della musica d’autore contemporanea, Ruggero Ricci torna in radio e nei digital store con “China Town” (Orangle Records/Ingrooves/Universal Music Italia), il suo nuovo singolo che ci regala un assaggio delicato, ma vibrante, della stagione alle porte, pur mantenendo l’energia e l’identità di uno degli artisti più magnetici della nuova scena pop italiana. Prodotto dal tocco inconfondibile di Max Giorgetti (già per Random e MamboLosco) e presentato in anteprima assoluta alla finale di “Una Voce per l'Europa” presso l'Arena Francesca da Rimini - evento di cui Ricci è stato ospite onorario -, il brano è un up tempo dal retrogusto estivo, quasi malinconico, che attinge all’elettronica degli anni ’80 fondendo passato, presente e futuro in un intreccio di liriche e ritmo che affascina e cattura i sensi sin dal primo ascolto. Ma non sono solo le sonorità accattivanti e curate con minuziosa maestria a rendere "China Town" un'esperienza avvincente capace di andare ben oltre il concetto di canzone: è l'abilità di Ruggero Ricci di reinventarsi costantemente, di sfidare i confini musicali e di donarci sempre nuovi spunti di riflessione attraverso un incredibile mix di sensibilità, passione e dinamismo a renderla la perfetta colonna sonora dell’intervallarsi delle stagioni, dell’anno, e della vita. «Disegnerò la mia vita in un altro mondo per esistere, resistere», parole che abbracciano l’anima ed echeggiano nel cuore, invitando la mente a riflettere sull'importanza delle priorità nel mondo moderno e donando il coraggio di decidere - «se non posso provare emozioni, allora bon voyage» -, per diventare protagonisti del proprio percorso e guardare avanti, al di là dell’insensata esigenza di dover piacere a tutti rinunciando a se stessi - «voglio stare meglio, voglio essere me stesso» -. «Ogni tanto sento la necessità di farmi una dedica – dichiara l’artista -, di farmi forza attraverso le canzoni: questa in particolare, è un esame di coscienza su quanta importanza diamo all’apparenza e alle cose futili sprecando tempo prezioso nella nostra quotidianità, giorno dopo giorno». Un messaggio potente, un’istantanea sincera del tempo presente, che ci ricorda non solo l’importanza di rimanere fedeli a noi stessi e ai nostri principi, ma anche e soprattutto che il futuro della Generazione Z dipende dalle decisioni che noi adulti prendiamo oggi, sia nel mondo virtuale che in quello reale. «Dovremmo ricordarci più spesso di essere la nostra prima scelta – conclude Ricci - e che il futuro della generazione Z dipende dalle decisioni che prendiamo dentro e fuori la vita virtuale. Sto vivendo un periodo particolarmente creativo, dopo un’estate ricca di live e di incontri. Ho molto da dire attraverso le mie canzoni, credo sia fondamentale sperimentare con cognizione di causa e per questo, cerco di offrire sempre nuovi spunti di riflessione, in quanto credo fermamente nel valore dei testi». “China Town” è accompagnato dal videoclip ufficiale, che presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e disponibile su YouTube a fine mese, si apre con la suggestiva veduta dell’iconica ruota panoramica di Rimini, presentandoci la vera essenza del pezzo. Attraverso il vivace mix di elettronica dai richiami anni '80, il brano cattura la vitalità e l'energia giovanile, portando in primo piano le sfide e le speranze della Generazione Z. Il video, un piccolo capolavoro visivo diretto e girato da Francesca Gallina, affonda le radici nell'Emilia-Romagna, omaggiando così le origini dell'artista e donando un'atmosfera a mezz’aria tra malinconia e speranza. Un altro fiore all’occhiello della discografia del vocal coach e cantautore lughese, che con la sua dedizione alle parole e alla musicalità autentica si riconferma uno dei talenti più dinamici e incisivi della scena pop nazionale; una veridicità che risuona nel cuore di "China Town", facendone un inno all'individualità, alla scelta di essere la propria priorità e alla responsabilità delle decisioni prese ogni giorno. Ruggero Ricci diventa così una guida, la voce di una generazione che desidera definire il proprio destino, non solo online, ma anche e soprattutto nella vita reale, quella in cui, le connessioni, sono il frutto di empatia, sentimenti e solidarietà.... Continua a leggere

Dopo aver incantato gli ascoltatori con l’armonia e la delicatezza della sua voce nella versione acustica di “Sorry” ed aver conquistato la critica che l’ha premiata al CantaLago 2022, la giovanissima cantautrice brianzola classe 2008 Cathe, al secolo Catherina Arienti, torna nei digital store con “Cheesecacke” (Greysproduction), il suo primo singolo ufficiale che ne evidenzia il lato più energico e grintoso. Quindici anni all’anagrafe, ma un’urgenza espressiva degna di una vera promessa della scena pop italiana, viso pulito, sorriso ipnotico e scrittura penetrante, diretta ed incisiva, sono gli elementi che contraddistinguono la sua personalità e danno vita alla sua cifra stilistica, un mix di spensieratezza, intimismo, leggerezza e riflessione capace di affascinare sin dal primo ascolto, avvolgendo orecchie e cuore in un abbraccio dolcissimo, proprio come la “Cheesecacke” da cui questo suo esordio trae il titolo. Scritto dalla stessa artista con la supervisione del genio creativo di Daniele Piovani e prodotto dall’abile tocco di Max Cenatiempo, che ha saputo impreziosire di ritmi caraibici un testo a mezz’aria tra romanticismo e passione, il brano è il fotogramma in musica di quell’ultimo giorno di scuola che segna al contempo la fine e l’inizio di un periodo, attimi scanditi dal suono di un’estate e dai battiti di un cuore che, per la prima volta, assapora un nuovo gusto, quello dell’amore. Un viaggio in moto, «seguendo il vento», in un pomeriggio in cui, su quella «spiaggia isolata a ballar la bachata», due giovani innamorati si ritrovano «soli come due cuori» e si rendono conto di non aver bisogno di domandare al mondo qualcosa in più, perché l’una negli occhi dell’altro trovano quel «mi basti tu» che li completa, la consapevolezza che «tu sei il dolce, quello giusto», che li fa sentire connessi senza bisogno dei social e molto più intimamente e profondamente di un qualsiasi like o follow. Una cheesecake alla fragola condivisa tra due innamorati che diventa musica, capace di unire due anime «in mezzo ai suoni» e di rendere magico quel briciolo di pazzia che colora l’esistenza, rendendola un acquarello di emozioni, sentimenti e desideri che ad un «mi chiedi come sto», non può rispondere altro se non «io sto bene, sto sognando». Accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto da Massimiliano Cenatiempo in collaborazione con Francesco Cardella, il pezzo miscela sapientemente amore, energia, leggerezza e libertà; gli ingredienti che ci consentono di sperimentare il vero gusto di quella “Cheesecacke” unica e irripetibile chiamata vita.... Continua a leggere

30 anni appena compiuti ed è già una delle migliori promesse del panorama cinematografico del Belpaese, il suo primo film, un travolgente e suggestivo intreccio tra amore e dolore, sofferenza e rinascita ispirato e dedicato alla Gen Z, “Blu come i tuoi occhi”, debutterà in Italia a fine estate in esclusiva su CHILI - per poi essere distribuito in altri sei paesi -, e vanta già numerosissimi riconoscimenti a livello internazionale - tra cui la prestigiosa candidatura come miglior film al Premio Leonardo Da Vinci -, ma la sua Arte non conosce confini e dal 14 Luglio 2023 è disponibile per Mondadori, Feltrinelli ed Amazon il suo primo libro, “Cinexpress”, un viaggio unico, entusiasmante e coinvolgente nel cuore pulsante della cinematografia. Questo è Eric Veneziano, regista, sceneggiatore e autore eporediese classe 1993 che sta innovando il modo di fare e vivere il cinema in Italia. “Cinexpress. Il passaporto per il mondo della cinematografia” è un’immersione a pieni polmoni nella Settima Arte, un’affascinante escursione tra immagini ed emozioni trasposte e racchiuse in 118 pagine da leggere tutte d’un fiato, per entrare nel vivo delle storie, degli aneddoti e dei retroscena che hanno dato vita ad indimenticabili capolavori. Con una prosa evocativa ed un’analisi profonda e minuziosa, il cineasta piemontese accarezza i 5 sensi accompagnando il lettore in un mondo parallelo, quello che ci consente al contempo di comprendere la realtà e di evaderla, quello che nonostante le sue evoluzioni e le sue trasformazioni, continua ad appassionarci, consentendoci di scorgere, su piccoli e grandi schermi, la meravigliosa complessità che vive ed abita in ciascuno di noi. «Ho deciso di creare un libro per racchiudervi tutto l'essenziale – dichiara Eric Veneziano -; non importa se lo leggerà un principiante curioso o un esperto desideroso di approfondire. “Cinexpress” è una guida completa che abbraccia la storia del cinema, i metodi di recitazione, i generi cinematografici, la composizione letteraria di un film e molto altro ancora…È un volume che condurrà chiunque lo possieda nei segreti e nelle sfumature che si celano dietro la magia del cinema». Una preziosa risorsa, uno scrigno di ricordi ed emozioni per tutti i cinèfili e per coloro che desiderano approfondire la comprensione di un universo artefatto ma più vero che mai, da sempre sospeso tra quella pura finzione sostenuta da Christian Metz e la realtà, quella verità filmata ventiquattro volte al secondo promossa da Jean-Luc Godard. Grazie ad una prospettiva unica e coinvolgente e ad un approccio chiaro e accattivante, “Cinexpress” riconferma Veneziano come una delle voci più autorevoli nel campo della cinematografia moderna, sia come regista che come autore.

Dopo 10 anni di esperienza come chitarrista e seconda voce in una band alternative rock che gli ha consentito di condividere il palco con artisti del calibro di Linkin Park e Sum41 e tre singoli di successo all’attivo come solista, il cantautore, polistrumentista e producer milanese Manuel, torna ad estasiare orecchie, cuori e sensi in “Ibisco” (Gotham Dischi/Ingrooves/Capitol Records), il suo nuovo singolo, primo in lingua italiana, che intreccia la delicatezza e l’eleganza del fiore da cui trae il suo titolo, all’emozionalità di una delle voci più intense della scena pop italiana. Emblema per antonomasia di amore, passione, e bellezza, l’ibisco diventa protagonista di questa release intensa e incisiva, assumendo una nuova accezione, quella di custode di un ricordo e scrigno di un sentimento, che sa racchiudere, tra i suoi petali dai mille colori, l’eternità di un battito, di un rapporto che, seppur giunto al capolinea, continuerà ad accarezzare le corde della nostra anima, per ricordarci di vivere appieno ogni momento, indipendentemente dal suo decorso e dalla possibilità di una conclusione differente dalle nostre aspettative. «Questo pezzo – dichiara Manuel - descrive un particolare momento della mia vita. L’ho scritto lo scorso inverno, dopo aver attraversato una tempesta. Ho ricominciato a scrivere, cantare e suonare, per liberarmi dai pesi che sentivo dentro. Ho sempre avvertito la necessità di percorrere certi avvenimenti attraverso la scrittura e la musica, forse perché così facendo riesco a vederli più in profondità, in maniera più nitida, quasi come se fermassi il tempo e li rendessi eterni, preziosi. Con “Ibisco”, il mio primo singolo in lingua italiana, voglio far passare il messaggio che dobbiamo goderci pienamente tutti i momenti, anche quelli meno belli, perché fanno parte del nostro processo di crescita interiore e che, l’amore vero, una volta provato, non può sparire; può cambiare, certo, ma rimarrà sempre parte di noi». Le corde delicate della chitarra acustica, vestono di suggestione un testo che sa fondere malinconia e desiderio, sofferenza e resilienza, lo storytelling di una vicenda autobiografica che nel nero su bianco di un incantesimo spezzato, narra tra le sue liriche quell’istante in cui due persone, apparentemente inseparabili, si dirigono verso strade diverse, sciogliendo un legame che sembrava indissolubile, un’unione che fino a quel momento aveva superato ogni ostacolo, travolgendo i sensi e facendo immergere l’ascoltatore in un immaginario a mezz’aria tra un addio ed un nuovo inizio. «Rubami tutti i respiri per l’ultima volta», canta Manuel, invitando, quasi supplicando, colei che vede «arrivare con la tempesta» a sciogliere il gelo che gli assidera il cuore, ed in quel «perdimi così, senza musica di sottofondo», l’abilità evocativa dell’artista cattura gli echi di un «legame in bilico su un filo di seta», regalando al pubblico la vivida istantanea di chi ripete a se stesso «l’amore non è tutto, ma tu eri tutto per me». “Ibisco”, prodotta dallo stesso Manuel in collaborazione con Matteo Magni, è accompagnata dal videoclip ufficiale che, diretto da Lorenzo Sibug, traspone in immagini il doppio significato del brano, dividendosi in due set separati che rappresentano due distinti momenti interiori: il primo, in esterna, raffigura il momento presente, in cui Manuel, conscio degli errori commessi ma anche dell’amore donato e ricevuto, ripercorre le sue esperienze con occhi nuovi ma con lo stesso cuore; il secondo, enfatizzato dalla presenza dei led, immortala il passato, gli istanti in cui l’artista ha scritto il brano, regalando una prospettiva, e una visione, più intima e nostalgica. Dotato di una timbrica unica ed istantaneamente riconoscibile e di un’intensità interpretativa degna dei più grandi nomi della scena internazionale, Manuel si riconferma come una delle più brillanti promesse del cantautorato italiano, un “Ibisco” di ritmo, voce ed emozione che colora di note e sentimenti il giardino del pop tricolore.

Su chi possiamo contare quando, nel corso della vita, attraversiamo un periodo di stallo, confusione, incertezza? Quante e quali, delle persone che abbiamo affianco ogni giorno, sono disposte a donarci ciò che di più prezioso hanno al mondo, il loro tempo, per ascoltarci e supportarci? E soprattutto, chi di loro continuerà a camminare con noi, indipendentemente dagli ostacoli posti lungo il percorso? A questi interrogativi, frutto di una profonda analisi interiore, ha provato a rispondere Wavy, giovane rapper leccese d’adozione catanese classe 1998 nel suo singolo d’esordio, “Momenti no” (Sonos Music Records), un flusso di coscienza, introspezione e stile a cui è impossibile rimanere indifferenti. Scritto dallo stesso artista e prodotto da Ermanno Corrado, il brano, avvolto da un intreccio sonoro capace di fondere l’emozionalità del pianoforte a suggestivi delay ed attualissimi ritmi trap con sfumature dance anni ‘90, è un’istantanea di rime e flow sugli appigli mancati nelle mareggiate del nostro navigare quotidiano, sui salvagenti emotivi e affettivi a cui vorremmo aggrapparci, anche solo per una breve sosta ristoratrice, in quel mare magnum che è la vita, ma che, puntualmente, ci lasciano alla deriva, in balia di noi stessi e delle nostre difficoltà, inventando scuse o propinandoci inutili frasi di circostanza, come lo stesso Wavy dichiara: «questo pezzo, nasce in un periodo di profonda confusione, tristezza e tensione. Un arco di tempo della mia vita in cui tutto sembrava avverso e insormontabile. L’ho scritto pensando a quando ci si ritrova in un momento di difficoltà e si ricerca un briciolo di empatia, qualcuno su cui contare, ma, in cambio, si ricevono solamente rifiuti, frasi fatte, le classiche “pacche sulle spalla” che sono più leggere dell’aria e portano a chiudersi, ad isolarsi ulteriormente». Un distacco volontario da aspettative deluse e speranze disilluse che assidera completamente un animo già privato del suo calore - «il freddo che c 'è in piazza ha congelato il mio cuore» - che si fa sempre più asettico, anestetizzato a qualsiasi tipo di emozione e sentimento - «non sento più felicità, amarezza o dolore» - e che nelle barre del giovane artista prende forma nella narrazione di una relazione di coppia instabile e a tratti disfunzionale, in cui «una parte guarda avanti» e l’altra, ormai disincantata, si spegne lentamente - «l'altra penso morirà» -. «Sono un ragazzo che non ha mai chiesto aiuto a nessuno – prosegue Wavy -, ho sempre fatto di tutto per cavarmela da solo. Non ho mai cercato di essere capito, compreso, e nemmeno accettato per quello che sono, perché infondo, chi ci vuole bene, lo fa a prescindere. Chi ci ama, ci induce a migliorarci senza imporlo e ci sta accanto anche se abbiamo dei difetti. Ecco, con il passare del tempo, mi sono accorto che chi pensavo fosse un’ancora di salvezza, non lo era affatto. Nel pezzo parlo di questo, di questo e di quando crediamo di aver finalmente trovato qualcuno che, in mezzo agli altri, ci capisca davvero, ma, alla fine, pare rivelarsi un ennesimo abbaglio». Un abbaglio diverso dagli altri, la cui luce offusca, disorienta, ma al contempo scalda e rigenera i sensi, e che a causa di tutti quei “Momenti no”, si allontana sempre più, lasciandoci in una situazione di impasse, tra un «non ho voglia di vederti e non so mai se la riavrò» ed un «se quando ti riscrivo non vorrai, io capirò». «Io sono uno come tanti – conclude l’artista -, che ha problemi come tanti, e faccio parte di quella piccola cerchia che prova a reagire; ecco, “Momenti no” è la mia reazione, la mia replica in musica. Spero che la canzone possa arrivare, che ci si possano ritrovare tutti coloro che hanno vissuto o stanno vivendo una situazione simile. Il messaggio che voglio far passare, è che dobbiamo imparare a rialzarci, contando solo su noi stessi, ma se abbiamo accanto qualcuno che crede in noi, sicuramente sarà più facile rimetterci in piedi da ogni caduta». Un messaggio forte e chiaro, avvalorato dal videoclip ufficiale che, diretto da Ermanno Corrado di Ermanno Production e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, traspone in immagini l’essenza del testo, rispondendo con il frame finale, nell’abbraccio tra i due giovani, ai quesiti iniziali, perché è se pur vero che ciascuno di noi ha la responsabilità di se stesso e le potenzialità per risolvere ed affrontare dubbi e problemi, è vero anche che, con qualcuno affianco, i “Momenti no” appaiono più leggeri e meno insormontabili.... Continua a leggere

Cosa rimane, nelle nostre vite, se ci svestiamo dall’indifferenza e dall’individualismo sempre più marcati nella società odierna, se, per un solo istante, ci fermiamo ad osservare, a riflettere non con una mente attanagliata e subissata da egocentrismo e pseudo-perfezione, ma con il cervello del cuore? Cosa resta, dentro e attorno a noi, se non l’amore? Da questo assunto, prende il via il nuovo viaggio in musica del cantautore casertano di origini pugliesi Enrico Costa, “L’amore che resta”. Premiato lo scorso anno come miglior brano inedito allo storico concorso musicale Vota la Voce presieduto dal Maestro Enzo Campagnoli, e più recentemente alla nuova edizione del Festival Canoro Nota D’Oro con Presidente di Giuria Grazia di Michele, il brano, che ha superato i 100.000 streams a pochi giorni dall’uscita e ne conta oggi oltre 300.000, è la quintessenza in liriche e armonia di quel sentimento altissimo, puro e incondizionato che l’umanità sembra aver dimenticato, l’emblema in chiave pop dell’unica luce capace di dissipare ogni ombra, del solo battito in grado di apportare valore e senso a tutti gli altri. Scritto dallo stesso artista in collaborazione con Giulio Iozzi, Andrea Papazzoni ed Andrea Secci ed arrangiato da uno dei più grandi tastieristi e arrangiatori a livello internazionale, il Maestro Bruno Illiano (già per Pino Daniele, Annalisa Minetti, Sal Da Vinci, Marco Masini, Gianni Togni e molti altri), “L’amore che resta” si posa su un tappeto sonoro elegante e minimale, per lasciare spazio ad un testo intriso di significato e suggestione, una poesia moderna e senza tempo a cui è impossibile rimanere indifferenti. Con una modulazione vocale degna dei più grandi interpreti della scena cantautorale ed un’abilità espressiva che cattura e affascina i sensi sin dal primo ascolto, Enrico Costa dà voce al suono più intimo, antico e viscerale dell’universo intero, quello senza cui, nulla al mondo potrebbe esistere, quello che attraversa epoche, culture, generazioni e consuetudini senza mutare mai, quello che trascende da ogni cosa perché è parte di ogni cosa. «In questo mondo ormai superficiale, dove non contano le piccole cose», “L’amore che resta” è un «fiore in un campo minato» che l’artista osserva e protegge per condurci a riflettere, e che mediante l’iconografia della sua penna, punta i riflettori sul presente e sul futuro che stiamo costruendo con le nostre stesse mani, trasformando in immagini cristalline, semplici, ma emotivamente disarmanti, la sempre più marcata perdita di valori, empatia e connessioni. «Questo brano – dichiara Enrico Costa – è nato in un periodo storico particolare, subito dopo la pandemia che ha messo in ginocchio il mondo. Mi sono accorto che, invece di unirsi, l’umanità è andata avanti a creare discrepanze, divisioni, ostilità. Sembra che abbia perso i valori realmente importanti, come l’amore. L’amore vero, perfetto, dovrebbe essere quello che tutto dona e nulla chiede in cambio; tuttavia, se è condizionato dalle azioni degli altri, perde la sua sincerità. In un periodo storico come questo, abbiamo più bisogno che mai di amore reale e concreto. “L’amore che resta” è proprio questo: l’amore che va avanti nonostante le difficoltà, le incomprensioni e che tutto vince. L’amore verso il prossimo, ma anche verso noi stessi; quello che può regalarci la serenità che tanto cerchiamo. E in una società che vuole abituarci alla guerra, solo grazie all’amore possiamo ritornare ad apprezzare le piccole cose». E se “Omnia vincit amor” e “nos cedamus amori”, il vero coraggio sta nel continuare a cedere al sentimento, all’«amore che resta come resta un amico», anche quando «fugge per sentirsi vivo» e si cela «nelle nostre parole, nei nostri silenzi», perché per liberarci dalla schiavitù dell’indifferenza e dal gelo del cuore, l’unica soluzione è tornare ad amare davvero, in primis noi stessi e poi gli altri, perché la vera «chiave di queste catene è l’arroganza di volersi bene», ogni giorno, un po’ di più. “L’amore che resta” è accompagnato dal videoclip ufficiale che, diretto da Hyperion TV e con oltre 110.000 views all’attivo, enfatizza e racchiude in frame, per liberare in emozione, il significato profondo e commovente del brano. Emozionante, raffinato, e dotato di una spiccatissima capacità comunicativa, Enrico Costa riconferma il suo talento e la sua urgenza espressiva in un pezzo che ci ricorda che sì, anche quando tutto crolla e appare privo di senso, è “L’amore che resta”.... Continua a leggere

Citato su Billboard Italia come uno dei più promettenti talenti del roster di Altafonte e reduce dalla vittoria per il pubblico alle finali nazionali dell’Emergenza Music Festival 2023, il rapper canturino Stamani, al secolo Maicol D’arpa, dopo aver collezionato oltre mezzo milione di stream sulle piattaforme digitali con le sue ultime release, torna nei digital store con “La Garra” (Key Records/Altafonte), il suo nuovo singolo. Con l’incisiva ambivalenza tra l’introspezione dei testi e l’esplosività del sound che contraddistingue e permea ogni suo brano, l’artista che ha trasformato la “Mala suerte” di chi vive domandandosi “Sono io sbagliato”? nella libertà di scegliere come affrontare difficoltà e problemi e poter dire “Danzo sotto la pioggia”, ed il malessere di chi porta il peso di una “Corona di spine” in cui la grandezza dei sogni si scontra con la crudezza della realtà, nella consapevolezza che “La vie est belle”, liberando tutti coloro che si sentono “Intrappolati” nella frenesia del tempo e di una quotidianità “Tripolare” con le “U-Power” della determinazione e del coraggio di perseguire aspirazioni e desideri, regala agli ascoltatori un nuovo viaggio all’insegna dell’audacia e della risolutezza, sotto la guida del suo flow inconfondibile, che bombarda non per ferire, ma per distruggere insicurezze e paure, tutte quelle ombre che i giudizi degli altri gettano su di noi, impedendoci di brillare e di spiccare il volo verso il raggiungimento dei nostri obiettivi. La ferma perseveranza di chi non ha mai smesso di credere in se stesso ed in quei desideri che fanno da carburante al motore della vita, raccontata da chi non parla «lingue strane, ma quelle della strada», dà forma alla volontà di rovesciare i pronostici, per cambiare le carte in tavola e diventare i protagonisti assoluti, gli artefici delle proprie scelte e del proprio destino: «”La garra” – dichiara Stamani - simboleggia la determinazione, l'ambizione di perseguire i propri sogni. Troppo spesso nella vita mi è stato urlato in faccia: "Non ce la farai mai", "Pensa ad un lavoro reale, non a fare il rapper!”, ma io non ho mai ascoltato quelle voci; anzi, hanno sempre alimentato dentro di me quella "garra" che voglio farvi capire attraverso questa canzone. Sono grato alle critiche, perché ora ho sostituito la mia pelle con un'armatura d'acciaio. La garra chiede la vita, e io ne ho da offrire a tonnellate». Letteralmente “artiglio”, “la garra”, termine spagnolo preso in prestito dal giornalismo sportivo per definire la grinta e lo spirito combattivo, rappresenta quel mix di tenacia, carisma e attitudine a reagire alle avversità quotidiane che diventa un salvagente nelle mareggiate della vita, l’unico appiglio per rimanere se stessi, saldi nel raggiungimento dei piccoli e grandi traguardi prefissati, in una società in continuo mutamento che anziché premiare, penalizza aspirazioni e peculiarità personali. Il brano, scritto dallo stesso Stamani e prodotto dal tocco inconfondibile di JP del GoldenEye Studio di Cesano Maderno (MB), è accompagnato dal videoclip ufficiale che, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, viene raccontato dall’artista con queste parole: «Ho scelto, insieme al mio team, di includere nel video la partecipazione di 6 ballerine. La decisione, però, non è ricaduta sul contattare ballerine professioniste, sicuramente bravissime ma magari senza troppi stimoli per un progetto come il mio. Abbiamo optato per le candidate con più fame negli occhi, quelle che, come me, vivono la loro passione come un obiettivo per migliorarsi giorno dopo giorno, secondo dopo secondo; insomma, quelle guidate da “La garra”». Penetrante, pungente e capace di tradurre in liriche le emozioni e in incastri gli stati d’animo, Stamani riconferma l’icasticità della sua penna e l’energia delle sue interpretazioni, con un pezzo che scuote gambe, anima e mente per risvegliare dal torpore e riaccendere “La garra” in ognuno di noi.... Continua a leggere

Quanto è difficile mettersi a nudo, raccontarsi senza filtri mostrando al mondo le proprie fragilità e tutte quelle scalate ostili e impervie su cui siamo inciampati e di cui, ancora oggi, portiamo dentro e addosso traumi e cicatrici? A questo interrogativo, poco comune nell'epoca in cui la condivisione ha perso la sua accezione profonda diventando sinonimo di social e like, ha provato a rispondere Jamie, che dopo il successo ottenuto con le sue precedenti release, torna nei digital store con “Oggi Piango”, il suo nuovo singolo prodotto da Salvatore “Toty” Russo. Con la sensibilità e l’eleganza che contraddistinguono tutto il suo percorso in musica, il brillante cantautore urban-rap maceratese classe 2002 riconferma l’intenso intimismo della sua penna con un pezzo capace di sfiorare e attraversare tematiche complesse e molto delicate; dalla droga alla violenza familiare, passando per il bullismo e tutta quella serie di interrogativi che, come un martello pneumatico, affollano i pensieri degli adolescenti, incatenandoli in gabbie animiche e mentali che li imprigionano in giornate apparentemente vuote ma sature di zavorre emotive, in giorni «in cui ogni dannata ora è un fottuto lunedì». «Conosco giovani a cui tengo molto – dichiara l’artista - che purtroppo hanno rischiato la vita a causa della droga, ma noi non ci eravamo accorti di nulla. L’obiettivo principale del brano è scatenare una riflessione a chi fa abuso di queste sostanze, ma anche e soprattutto a coloro che gli stanno accanto. Vorrei far capire il dolore che si cela dietro l’abuso di droghe, ma al contempo, far riflettere amici e parenti di queste persone per non abbandonarli, non lasciarli soli a se stessi, bensì cercare di stargli accanto, con affetto e comprensione, aiutandoli ad uscirne rivolgendosi a dei professionisti». Nel racconto onesto e sincero di un figlio della generazione Zeta, considerata da molti imperscrutabile, superficiale e priva di valori, Jamie trasforma il rumore dei decibel di quei pensieri martellanti in suono, il suono della verità di chi nonostante le difficoltà, ha scelto e decide ogni giorno di rimanere fedele al proprio sentire - «ho quasi perso mia madre, ma non ho perso me stesso» -, anche quando chi gli sta accanto «ha rischiato ed è finito in overdose», anche quando la quotidianità lo porta a pensare che sì, «vorrei cambiare vita, ma è lei a cambiare me». «“Oggi Piango” – prosegue - è un brano conscious trap che ho scritto a fine 2022 nel giro di una notte. Non ho mai parlato di strada nei miei pezzi, perché oggettivamente ne sono estraneo e non parlerei mai di ciò che non mi appartiene, ma, purtroppo, ci sono stati degli avvenimenti, nel corso della mia vita, che mi hanno turbato moltissimo. Questioni e fatti che riguardano amici molto stretti, fratelli per me, persone a cui tengo moltissimo che hanno davvero rischiato di perdere sogni e vita a causa della droga o di altre dipendenze magari meno evidenti, ma probabilmente anche più subdole. Per questo, per loro e per tutte le persone che vivono o hanno vissuto situazioni simili, mi sono sentito quasi in dovere di parlarne». Un assaggio di dolore e amarezza intriso di speranza che colpisce dritto al cuore, e da cui si evince come, anche nel 2023, la società tenda a minimizzare, se non a demonizzare del tutto, le richieste, i desideri, le inclinazioni e le naturali aspettative dei suoi giovani, come lo stesso Jamie, concludendo, racconta: «vivo in un piccolo villaggio esterno dalla provincia di Macerata, e quel che noto abitando qui, è che i giovani sognano, e sognano come non ho mai visto fare a molti altri ragazzi. C’è un mix di fiducia, ottimismo e speranza che ogni giorno li porta ad andare avanti, senza arrendersi o abbattersi. Questi sogni, però, sono quasi sempre incompresi dalla società, che li e ci guarda un po’ dall’alto al basso. Nel brano, spiego questo concetto quando dico che il semplice “stare bene” paradossalmente non ci fa stare, perché non ci basta “stare bene quaggiù” ed accontentarci di quel che stiamo vivendo ora. A rendere distopica la nostra situazione, inoltre, probabilmente è anche l’istruzione, che per alcuni di noi è stata un rifugio, per altri una cella e, per altri ancora, entrambe le cose». «Mi impegnavo solo a scuola e il resto andava male, zero amici tra i compagni»; un flusso di coscienza che nel fluire di liriche e barre evidenzia come le apparenze nascondano una realtà completamente differente, per molti versi opposta, volutamente celata da un «cuore fatto di latta», divenuto tale a causa dell’indifferenza sociale - «nessuno che ci guarda» -, ma che Jamie invita ad esternare attraverso le proprie passioni, proprio come lui continua a fare con la musica - «mi esplode la testa, canto ciò che c’è dentro» -, ricordando a tutti, suoi coetanei e non, che abbiamo la possibilità, quasi il dovere, di cambiare le carte in tavola, per assicurarci un domani migliore - «la tua vita è una merda, bro tu cambiala adesso» -, in cui quell’”Oggi Piango”, si trasformi in un lontano ricordo.... Continua a leggere

Ci sono artisti che diventano delle vere e proprie icone, personaggi dello spettacolo che anteponendo con coraggio e determinazione la loro persona alla maschera mediatica, portano l’arte in ogni ambito che sfiorano, innovando e stravolgendo gli schemi e le convenzioni comuni. Tra questi, vi è senza dubbio Raffaella Carrà, un’Artista con la A maiuscola, a tuttotondo, che ha ispirato, emozionato, guidato e supportato milioni di persone in tutto il mondo. Proprio a lei, emblema moderno dell’emancipazione femminile, da sempre in prima linea nella lotta a stereotipi e bigottismi, è ispirato “Mille Luci”, il nuovo singolo della brillante cantautrice veronese Alyce, al secolo Laura Bellavite. Un omaggio nel titolo, che riprende quello del quinto album della showgirl bolognese, e negli intenti, che l’energica bionda classe ’96, traendo dall’immenso lascito musicale della leggendaria Raffaella, dedica a tutte le donne, celebrando ed incoraggiando quel “girl power” che non ha nulla a che vedere con i trend del momento o con un hashtag in caption ad un selfie salvato su mille scartati, ma trova identità e carburante nel cuore, nelle idee e nel coraggio di ciascuna ascoltatrice. La libertà, quella di essere per esserci e non viceversa, quella di soverchiare giudizi e preconcetti con la fiamma di un’unicità che non prevarica ma include, quella che parte da dentro e si irradia all’esterno, dissipando la paura di chi viene etichettato per poi disciogliere quella di chi etichetta, quella di chi vive nell’ombra dominata dall’insensata idea che diverso e pericoloso si equivalgano, così come sensibile e debole. Perché essere complesse ed emotive, logiche ed irrazionali al contempo, lunatiche nel proprio equilibrio raggiunto, non corrisponde ad una fragilità da mascherare, ma ad una marcia in più di cui ogni donna dovrebbe e deve andare fiera, tutelando il proprio universo animico da un mondo esterno che ancora troppo spesso pensa di doverle proteggere da se stesse. Il desiderio di essere al timone della propria esistenza, padrone delle proprie scelte e artefici delle successive conseguenze, senza bisogno di dipendere da nessuno, smantellando così, con quel seducente mix di passione e dolcezza, la convinzione di vivere sempre alla ricerca di un appiglio, di dover essere sempre salvate - «perché mi vuoi portare in salvo? Posso fare da me», dimostrando definitivamente a se stesse in primis e al mondo poi, di avere tutte le carte in regola per cavarsela da sole, per poter “fare da sé”. «Se tutto finisse, se il mondo cadesse, tra sole due ore andrei al mare da sola, poi sotto Trieste per fare l’amore» canta Alyce, evidenziando un’indipendenza che ancora troppo spesso viene percepita come un traguardo da acquisire anziché un diritto di nascita e che in quel «cerco parti di me», trova risoluzione e risposta in un «non chiederò più scusa», una presa di coscienza della propria natura di essere umano che, come tale, non ha bisogno di giustificarsi per esprimere la sua vera natura, il suo immenso potenziale. E nel «ti lascio da solo con il rumore», l’artista punta i riflettori sull’elegante dignità che accompagna il saper dire “basta” a relazioni e frequentazioni che calzano strette, che fanno sentire una donna «sola in bilico» su un percorso che non le appartiene più, avvalorando l’importanza di scrivere la propria storia oltre i margini e i confini che qualcun altro ha disegnato per loro - «non sarò mai più quella che vuoi tu» -, iniziando, o ricominciando, a brillare di quelle “Mille Luci” che le illuminano con estrema naturalezza - «mille luci brillano e tutto viene da sé» -. «Questo brano – dichiara Alyce - è stata una sfida per me, perché mi ha spinta oltre la mia comfort zone, caratterizzata dalla composizione di ballad tranquille e più pacate. Lavorare con un team di professionisti mi è stato molto d’aiuto; ci tengo tanto a ringraziarlo e voglio anche ringraziare anticipatamente tutti coloro che ascolteranno il pezzo e si ritroveranno nel mio racconto». Scritto dalla stessa cantautrice in collaborazione con Riccardo “Erre” Speziali, e Giorgia Sudati, “Mille Luci”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Gabriele Canepa, è un faro acceso e vibrante sul cammino della women’s empowerment e segna un’ulteriore tappa del nuovo percorso di Alyce, il secondo tassello di un concept EP di prossima pubblicazione che, avviato con “Billie Eilish”, sarà dedicato alle donne simbolo di emancipazione e libertà.

Più di due milioni di followers sui social network ed oltre 10 milioni di stream e views sulle piattaforme digitali, sono solo numeri che confermano ma non circoscrivono il talento da fuoriclasse e l’urgenza espressiva di una delle artiste più brillanti, incisive e raffinate della scena urban pop italiana, la cantautrice, attrice e modella canturina Greta Ray, che dopo l’incredibile successo ottenuto con la denuncia sociale “Heaters” (release co-scritta con Fausto Cogliati che ha collezionato un milione e mezzo di stream a pochissimi giorni dall’uscita), con cui difende la libertà delle donne di esprimere se stesse e la propria femminilità oltre preconcetti, giudizi e cliché, torna nei digital store con “Flowers” (Beatfactory/Believe Digital), una suggestiva e accattivante reinterpretazione in chiave R&B dell’ultimo e già iconico singolo di Miley Cyrus. Prodotto dal tocco incantato di uno dei più grandi autori e arrangiatori del Belpaese, Filadelfo Castro (già per i Pooh, Max Pezzali, Claudio Cecchetto, Gatto Panceri, Valerio Scanu, Dodi e Daniele Battaglia, Kekko dei Modà, Pupo, Cristina D’avena, Alexia e molti altri) in collaborazione con Massimiliano Cenatiempo, fondatore, insieme alla stessa Greta, di Greys Production, “Flowers” di Greta Ray apporta ulteriore magnetismo ad una delle release più amate e suonate di questo 2023, unendo l’immediatezza del pop all’indiscutibile emozionalità dell’R&B; un intreccio irresistibile cullato e avvalorato dalla vocalità calda, avvolgente ed elegantissima di una delle più talentuose interpreti della scena nazionale. Il testo, un inno all’amor proprio che ha valicato i confini geografici, culturali e generazionali, abbattendo ogni barriera come solo l’Arte è in grado di fare, si sposa perfettamente alla mission artistica di Greta, che, sin dai suoi esordi, ha saputo incidere tra le note valori ed emozioni, traducendo in liriche i sentimenti e in performance il carisma e la grinta di chi ha imparato a cavarsela da sola, facendo leva sulle proprie attitudini, senza dipendere da chi elargisce parole di salvezza ma non sa proteggere nemmeno se stesso e senza badare ad una società inclusiva a parole, ma ancora troppo ghettizzante, retrograda e sessista nei fatti; un concetto che ben si esprime nel passaggio «I can love me better than you can» («posso amarmi meglio di te») del testo di Miley Cyrus. “Flowers” è accompagnato dal suggestivo ed emblematico videoclip ufficiale che, diretto da Massimiliano Cenatiempo, traspone in frame l’essenza del brano, colorando con la vivida presenza scenica e le intensissime sfumature vocali di Greta il caratteristico bianco e nero della clip; una scelta che segue e delinea il significato di parole dal valore universale, ricordando a ciascuno di noi che non è mai troppo tardi per volersi bene, per riprendere in mano le redini della propria vita e promettere a se stessi che sì, «I can love me better» («posso amarmi meglio»). Proprio come i “Flowers” cantati nel brano, la voce di Greta è delicata, rigogliosa, ammaliante, ricca di sfumature e, al contempo, sensuale, calda e avvolgente come il profumo che emanano ed al quale è impossibile resistere. E se nella pioggia i fiori trovano ristoro, rigenerando se stessi e l’animo di chi li osserva, allo stesso modo Greta Ray scrive e canta per sciogliere la nebbia dal cuore di chi l’ascolta, e con questo pezzo, dedicato ad un risveglio consapevole e titolato all’emblema stesso della rinascita, quello che sa portare in sé l’ambivalenza della vita, onorandone l’inizio, i suoi traguardi, ma anche la sua fine, riconferma la sensibilità e la ricercatezza del suo percorso in musica, un fiore in grado di racchiudere tra coloratissimi petali tutte le emozioni umane, per donarle allo sguardo attento di chi sa osservare oltre le apparenze.... Continua a leggere

Quando due persone distanti per vite e modi di pensare si incontrano sotto l’ala universale e priva di giudizio della musica, il risultato è un’unione “Fantastica”. Ed è proprio questo il titolo del debut single di Umano, fuori per SONOS Records; una dedica sentita e appassionata a quel prezioso intreccio di nuance e sfumature capace di annullare ogni barriera, per collimare e fondersi nell’accordo, nell’armonia cromatica, da cui si genera un arcobaleno di note e sentimenti. Con una padronanza vocale degna dei più grandi interpreti del pop italiano ed una timbrica calda, elegante e avvolgente, il cantautore siciliano dipinge sulla tela delle emozioni una pausa dal sapore di libertà, un meritato e atteso break dal tram tram e dagli affanni quotidiani, per poter vivere e godere appieno di quella spensieratezza che funge da carburante, di quello spazio intimo e personale fuori dal tempo e da quei cliché imposti da una società piena di regole e vincoli - «tu portami via da questa noiosissima monotonia» -. La congiunzione tra due esistenze apparentemente distanti, ma anche l’incontro generazionale di due anime che, solo attraverso la musica, riescono a colmare ed annullare ogni distanza, cogliendo ed assaporando la penetrante leggerezza di un’emozione - «mi sento libero, la musica che ci salverà!» - che le conduce ad esplorare nuovi mondi, nuove frontiere, guidate dal chiarore della luna - «la notte è fatta per vivere quest'avventura con te» - e dall’atmosfera festante di un’estate semplicemente “Fantastica”. Presentato in anteprima nazionale su TGCOM24, il brano è la focus track di “Alla fine delle cose”, primo disco di Umano, uno scrigno di sentimenti e vita vissuta, realizzato con la collaborazione di grandi nomi della scena italiana, come Alberto De Rossi, Joe Gagliardo, Patrizia Belfiore, Adriano Murania, Daniele Guastella e molti altri. Di seguito, la tracklist del disco: “Alla fine delle cose” - Tracklist: 1. Intro 2. In Viaggio 3. Una Stupida Follia 4. Oltre Ogni Limite 5. Fantastica 6. Cielo Senza Nuvole 7. Settembre 8. Essere Felice 9. Senza Fiato 10. Alla Fine Delle Cose 11. Bedda 12. Outro Brillante, raffinato e versatile, attraverso la musica, Umano apre il suo cuore al mondo, regalando al pubblico un’avventura “Fantastica” che prende il via quando sappiamo lasciare andare il passato, quando gettiamo a terra rimpianti e resistenze e cominciamo a scorgere il vero inizio, quello che si cela “Alla fine delle cose”.... Continua a leggere

Si è raccontato al mondo con l’EP d’esordio “Sopra le nuvole”, per poi avvolgerlo con la sua corazza “Antiproiettile” di rime e flow contro giudizi e paure, ed ora, a distanza di 4 mesi dalla precedente release, Blade torna a far parlare i battiti del cuore in “Shakira”, il suo nuovo singolo. Un nome, una promessa quella del giovane e brillante rapper milanese d’adozione cremasca, che proprio come la lama da cui trae il suo pseudonimo, trafigge con verità e coraggio le barriere, i cliché e gli status symbol, ed in questo nuovo pezzo, di musica e di vissuto personale, guarda dritto in faccia l’altro volto dell’amore, quello che invece di colmare di pace, emozione e passione, riempie l’anima di dubbi, incertezze e timori. Su una produzione capace di dar forma al perfetto equilibrio tra l’introspezione e la malinconia del conscious rap ed il desiderio, la sensualità che permeano il reggaeton, Blade mette nero su bianco un dialogo maturo e consapevole, trasformando in barre le parole e in deelay i ricordi, rivolgendo le sue liriche ad una donna criptica e misteriosa che sceglie di chiamare Shakira. L’istinto naturale che ci spinge a fuggire da situazioni problematiche e di sofferenza, fa da cornice ad una serie di sentimenti contrastanti che, attraverso la figura enigmatica di Shakira, si scontrano nel sentire dell’artista, conducendolo in un'atmosfera di solitudine e memorie condivise dal sapore universale. «Angeli che mi proteggono dal bene, da tutto quel male» canta Blade, dando voce ad una profonda riflessione che evidenzia come l’attaccamento al passato e alle emozioni che lo accompagnano - «eri qua ancor prima di quei soldi, prima di quel podio, prima dei ricordi» - sia spesso l’ostacolo più arduo da superare per scrivere un presente ed un futuro liberi dal dolore che possiamo risparmiarci, quello che dipende esclusivamente dalle nostre scelte quotidiane. «Questo brano – dichiara l’artista - è tratto da un’esperienza vissuta in prima persona. Mi sentivo stanco, stufo della solita monotonia, dei classici problemi legati all’amore. Volevo fuggire, allontanarmi da tutto e da tutti. La complessità dei sentimenti, molto spesso ci dice di scappare, per non soffrire mai». E in un «ho dimostrato di essere diverso» che non si identifica in quell’egocentrismo sempre più marcato nella scena emergente italiana, ma va «fuori da questi schemi», trovando spazio nel suo opposto, nella consapevolezza di avere aspirazioni ed ambizioni differenti - «tutti sti sogni non fanno per me» -, il senso di smarrimento iniziale, generato dalla difficoltà di trovare una soluzione definitiva e permanente ai problemi, lascia spazio alla volontà di affrontare le complessità anziché evitarle e di mettere un punto - «vuol dire che non fai per me, vuol dire che siam troppo lontani per stare insieme» - a tutte quelle situazioni che ci tolgono il sorriso. “Shakira”, accompagnato dal suggestivo videoclip ufficiale a cura di OlucasP, riconferma il talento e l’autenticità di Blade, dimostrando come sia ancora possibile unire ritmi ed interpretazioni accattivanti a testi intimisti e riflessivi.... Continua a leggere

Dopo il Capodanno sul lungomare di Napoli, il live al Comicon in Arena Flegrea e la travolgente partecipazione al Pizza Village di Napoli sul prestigioso palco di RTL 102.5, STRE torna nei digital store per mettere a segno un altro colpo nel cuore degli ascoltatori e lo fa con “Pistola ad acqua”, il suo nuovo singolo. Stile inconfondibile, spiccata ironia, attitudine versatile ed un’incisività autorale da cui fluiscono release dal fortissimo impatto socio-emotivo, sono gli elementi chiave di un successo in continua ascesa, gli stessi che hanno consentito al poliedrico artista partenopeo di conquistare tutto lo Stivale, di entrare, per non “Uscire” più, nell’immaginario e nelle playlist di un pubblico sempre più vasto, che gli ha dimostrato calore, affetto e stima non soltanto sui social e sulle piattaforme di streaming – dove ha superato il milione e mezzo di views in pochissimi mesi -, ma anche durante le sue esibizioni dal vivo, in cui esprime al meglio l’essenza della sua identità artistica. Camaleontico, enigmatico, ma al contempo riconoscibile e diretto, in questo nuovo brano STRE ci regala un’immersione nel suo ormai celebre universo ambivalente, ma mai equivoco, in cui la leggerezza si fonde con l'amarezza e l’ironia si amalgama alla disillusione, per dar vita ad un susseguirsi di liriche e passaggi dal duplice significato, guidati da traslati e giochi di parole. L’immancabile dualismo che permea e contraddistingue tutta la sua produzione musicale, si presenta sin dal titolo, che, insieme al sound catchy e ballabile, richiama l’estate, la freschezza che l’accompagna, ma, dall’altra parte, la spensieratezza della bella stagione si scontra con la crudezza e la violenza verbale tipica di quei momenti sospesi tra rabbia, risentimento e possessività, in cui l’irrazionale prende il sopravvento sulla ragione, le ombre della gelosia sulla luce del sentimenti, fino ad offuscare l’invalicabile confine del rispetto dell’altro - «stasera, si, ti ammazzo» -. Una leggerezza verbale, una non curanza comunicativa, che come lo stesso artista dichiara “non va presa alla leggera”, puntando così i riflettori, in maniera finemente velata ma ferma e decisa, su una società che ancora troppo spesso trascura elementi e segnali che possono sfociare, essere il preludio, di abusi e tragedie. «Un brano leggero su un amore turbolento – dichiara STRE - : a volte ci rendiamo conto di quanto l'altro non sia ok, non sia giusto per noi, ma non riusciamo comunque a farne a meno perché lo amiamo, o pensiamo di amarlo. L'amore spesso è come la droga, ma, proprio come la droga, ci rovina e ci logora dentro, anche se apparentemente ci fa stare bene». Proprio come le sostanze, proprio come una “Pistola ad acqua”, che può travolgerci o rinfrescarci, sopraffarci o rigenerarci. «Quando canto "Mi punti quella pistola" – conclude - intendo ovviamente "mi accusi di qualcosa", ma, dall'altro lato, voglio sottolineare che la stessa pistola è il mezzo con il quale l’altro pensa di ferirci, con le sue parole, ma sta a noi decidere di non accusarne il colpo, avvertendo solo l’acqua senza subirne gli schizzi». Sul fronte musicale, il brano si apre con un suggestivo arpeggio di chitarra acustica, per poi accendersi di colori fino ad esplodere nel ritornello, dove tra ritmiche uptempo e sintetizzatori, STRE dà voce alla sua incredibile capacità immaginifica - «e non mi interessa del tuo ragazzo, e ti giro attorno come un compasso» - , concludendo poi con un’inaspettata fusione di violino e synth, un ricercato ed elegantissimo binomio che mette in luce anche le competenze da producer del cantautore e polistrumentista napoletano. Anche “Pistola ad acqua”, come ogni singolo di STRE, trova la sua piena espressione nel videoclip ufficiale che accompagna il pezzo, una vera e propria rappresentazione scenografica dell’accezione apparentemente ludica, ma intima e profonda, del brano. Ideato, girato e montato dallo stesso artista, trae la sua genesi dall’ambivalenza racchiusa nel testo, che trasforma la bellezza di un ricordo - «ho ancora il tuo odore addosso» -, nella riluttanza del presente - «ho ancora la tua puzza addosso» -, portando in scena il rapporto di amore-odio tra due clochard, a cui se ne aggiunge, nel corso della narrazione, un terzo. E come ci ha abituati, STRE non lascia nulla al caso, e dal triangolo raffigurato nel video, avvalora il numero 3 studiando la fotografia e la color correction che ne esaltano l’importanza. Tre sono infatti anche le colorazioni utilizzate per le scene musicali, quelle dei clochard e quelle relative ai flashback. La sottile ironia che corrobora la clip, lascia spazio ad un finale tragicomico capace di smorzare la tensione, uno stallo alla messicana tipico dei western firmati da Sergio Leone. Carismatico, pungente, fuori dagli schemi ma mai sopra le righe, STRE si conferma come uno degli artisti più completi e coinvolgenti della nuova scena power pop italiana.... Continua a leggere

Il filosofo britannico Alan Wilson Watts scrisse che “la vita è un gioco, la cui prima regola è far finta che non lo sia”, e da questa visione dell’esistenza, la cui accezione ludica non collima con la superficialità, bensì con una leggerezza ed una letizia consapevoli, il cantautore e musicista torinese Claudio Rigo trae per regalarci un’estate all’insegna di tutte quelle sottili ma meravigliose sfumature che arricchiscono di incanto i colori del nostro esistere, e lo fa con il suo nuovo singolo, “Un grande gioco” (PaKo Music Records/Believe Digital). Un brano intenso e spensierato al contempo, capace di avvolgere i pensieri in un delicato abbraccio melodico ove raffinate tinte vintage incontrano il ritmo del cuore per sbocciare in un arcobaleno evergreen di emozioni e sentimenti, in cui la magia che guida ed accompagna i ricordi – egregiamente rappresentata dai synth analogici dal forte richiamo anni ’80 -, si posa sulle corde di chitarre acustiche ed elettriche che, nel loro ondeggiare armonico ed elegante, ci ricordano di allentare e distendere le nostre, sempre più tese dalla frenesia, dai dubbi e dai timori sul domani. «Siamo pezzi di un grande gioco in cerca di una soluzione» canta Claudio, mettendo a confronto la realtà che sottende il quotidiano con la fantasia e l’illusorietà che compenetrano i sogni, evidenziando, a partire dalla copertina della release che raffigura un puzzle incompleto, con un pezzo mancante, la continua ricerca di quella risposta, di quella soluzione che potrebbe risolvere ogni problema, ogni enigma, sciogliendo e dissolvendo incertezze e paure. Ideale e concreto si scontrano per incontrarsi nell’animo umano, cessando di alternarsi ed iniziando a coesistere sul varco di un'unica giostra del luna park della vita, quella che lo percorre, lo attraversa e lo circonda senza delimitarlo mai, quella che parte dal cuore e dal cuore si irradia ad ogni altra attrazione: quella dei sentimenti, quella dell’amore. Perché se è vero che «siamo tutti spacciatori di sogni» e proprio in quei sogni ci tuffiamo, ci immergiamo e spesso ci nascondiamo «per tirare avanti, per sopravvivere al successo o alle delusioni», è pur vero che «siamo parte di un universo», che anche se «spesso si mette di traverso», lascia a noi e a noi soltanto, la possibilità di «vivere ad altezza trentamila piedi», di edificare su una «spiaggia che non sarà l'ultima» la nostra «casa al mare, un posto dove piangere, dove ridere», consentendoci di continuare a perderci in una «goccia, ma non di una lacrima» che ci permetta di metabolizzare e superare il nostro dolore - «il tempo del tormento si dissolve in un bicchiere d'acqua» -, comprendendo così che «l'apparenza non fa differenza» e regalando a noi stessi l’«opportunità di imparare ad amare», per dire finalmente «basta con la solitudine». Scritto dallo stesso artista, arrangiato e prodotto da Mauro Lamanna, il brano è un inno a non arrendersi, a lottare con resilienza per «vincere quando tutto sembra andato perso», un eccellente invito in musica a far sì che sia il «vento l'unico elemento a creare qualche turbolenza, oppure a fare chiarezza, spazzare via l'insicurezza», per poter andare «sempre fino in fondo» in “Un grande gioco” chiamato vita.

A distanza di 3 mesi dall’incredibile successo ottenuto con il suo inno di rinascita interiore “L’ultima volta”, il cantautore milanese CRIO, al secolo Simone Campanile, torna ad incidere di profondità e significato liriche e incastri con il suo nuovo singolo, “Mostri” (distr. Orangle Records). Un pezzo dritto, diretto, articolato sulla verità di un testo intensissimo che lo stesso artista ha scritto traendo da un’esperienza drammatica e complessa vissuta sulla propria pelle e tramutata, con la sensibilità e la tenacia che lo contraddistinguono, in una poesia di purificazione dal dolore, una catarsi in chiave conscious pop-rock che commuove ed emoziona sin dal primo ascolto. Delicato e dirompente al tempo stesso, il brano è un flusso di coscienza ove la coscienza del suo autore trova sfogo e riparo disegnando sull’architrave d’unione tra ragione e sentimenti, la via della guarigione da rabbia, rancore e rimorso. Senza giri di parole o congetture, il pubblico viene istantaneamente guidato e condotto in una dimensione in cui le sfumature più cupe dell’essere umano non vengono etichettate come ostacoli da evitare o istinti da reprimere - «sbatto la porta di casa mentre la mano mi sanguina, mi sa che questa volta ho esagerato un po’; nulla di grave, mi calmo, tanto poi passa» -, bensì come ombre sentinella, senza le quali non potremmo accorgerci della luce che abita in ciascuno di noi; “mostri”, per l’appunto, che ci consentono di far emergere la nostra parte, la nostra versione migliore, ma che solo conoscendoli approfonditamente ed accettandoli nella giostra della vita, potremo riuscire a fronteggiare, combattere e distruggere - «devo affrontare i miei mostri e so dove trovarli ed ho promesso che lo farò» -. «Il singolo – dichiara l’artista - nasce dal ricordo di un episodio personale in cui persi le staffe, facendomi del male e finendo in ospedale. Oggi, analizzandone il motivo, ho capito che quel momento mi è servito per iniziare a guarire, migliorando definitivamente quel lato di me. “Mostri” è una canzone che racconta come la rabbia faccia parte di tutti; molti fanno fatica a gestirla, ma voglio dir loro che è accettandola che si impara ad affrontarla». Un punto di vista inconsueto e innovativo, una visione lucida e consapevole capace di illuminare la zona inconscia e più irrazionale che di tanto in tanto bussa alla porta della nostra mente per irrompe con impetuosa veemenza nella nostra anima, non per distruggerla, ma per scuoterla, per rinnovarla e risvegliarla da un torpore di inadeguatezze mascherate da consuetudini; un racconto sincero e privo di filtri in cui la rabbia non ha colpa di esistere, ma esiste per essere accettata e compresa, percepita come un segnale prezioso da cogliere e rispettare, per scavare un po’ più a fondo e scoprirsi, riconoscersi e ritrovarsi - «lo so che questa rabbia vive dentro di me; ci ballo insieme, io ci ballo insieme».

È uno degli artisti più enigmatici, istrionici, teatrali e versatili della scena italiana e dopo aver svestito la primavera dalla sofferenza e dal pregiudizio traendo da “La Patetica" di Ludwing van Beethoven con la sua poesia salvifica “Iris Spogliati”, scritta a quattro mani con Patrizia Kolombo, Al Vox torna per abbracciare il calore e la leggerezza dell’estate appena sbocciata con un pezzo capace di unire la speranza alla necessità di un imminente cambiamento, la spensieratezza alla riflessione. “Magnifico”, questo il titolo del brano fuori per PaKo Music Records con distribuzione a cura di Believe Digital, è un inno ricolmo di ottimismo, uno sguardo fiducioso verso il futuro che cela e nasce da un seme dal duplice aspetto, composto per metà dal sentito ed effettivo desiderio di miglioramento sociale, ma, per l’altra, da una lucida narrazione di una società sempre più disfattista e nichilista. Con la profondità analitica e la minuziosa sensibilità di una penna che fin dai suoi esordi scava a fondo nella mente, nel comportamento e negli atteggiamenti umani, il cantautore ligure regala al pubblico una fotografia che dal bianco e nero di una realtà cupa e alla deriva, si tinge di mille vivacissimi colori, senza ricorrere a filtri o inganni percettivi, ma basandosi sulla verità di ciò che mai niente e nessuno potrà togliere a ciascuno di noi: i sogni e la speranza. Ma dove si collocano la corruzione, la distopia, tutto ciò che lo stesso artista definisce il “maledettismo” da scongiurare, quel velo terribile e raccapricciante che aleggia sulla società e quindi, potenzialmente, su ciascun essere umano che la costituisce? La risposta è semplice: «nel il titolo stesso. Il mio cantato – afferma Al Vox - definisce ''Magnifico'' una miriade di questioni che, se ponete attenzione, non sono proprio tali. Infatti, ho scelto un titolo traviante, un gioco ironico in cui non c'è nulla di magnifico. Ma che si tratti di ironia, o di una presa di coscienza, appena si sente, e allo stesso tempo si balli qualcosa di così apparentemente superficiale, ci si rilassa distogliendo la mente dal negativo. A volte è anche giusto, è giusto uscire un po' da uno schema complesso di vita. Il superfluo potrebbe davvero essere più importante; il superfluo, potrebbe essere davvero l’unica cosa importante». Criptico e misterioso, ma al tempo stesso cristallino nelle sue liriche e nei suoi intenti, Al Vox fa centro con una canzone manifesto di un mondo migliore, in cui tutte «le bombe sono finite» e il Capodanno «è l’unica esplosione»; un mondo dove non esiste giudizio, ma «c’è una possibilità per tutti», un luogo in cui vivere davvero liberi, consapevoli e sicuri di sé e del proprio prossimo, perché «i giornali dicono il vero», «nessun ragazzo si droga» e «non c’ è nessuno il sabato sera che si concede uno stupro alle due della mattina»; un mondo forse troppo utopico, ove «le favole esistono ancora», ma sicuramente “Magnifico”.... Continua a leggere

Alcuni brani non hanno bisogno di essere incasellati in stagioni per echeggiare come veri e propri successi sin dal primo ascolto, perché danno forma e voce a contenuti senza tempo, tematiche di fondamentale importanza per cui non si spenderà mai una parola, una canzone, di troppo. E così, dopo aver guidato il pubblico in un intensissimo viaggio intergeneris sul decadimento umano frutto dell’attuale regresso sociale nell’illuminante album “Esclusi i presenti”, il cantautore e musicista torinese Gianpaolo Pace torna a sviscerare i più cupi ed angusti anfratti del terzo millennio in “Non in nome mio” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che lo vede al fianco di Lorenzo Santangelo. In un emozionante e riflessivo intreccio di rock, pop ed elettronica, si staglia un’asprissima, ma al contempo meravigliosa nella sua crudezza, denuncia nei confronti delle guerre che imperversano sul pianeta, che grazie all’ineccepibile capacità evocativa dei due artisti, proietta istantaneamente l’ascoltatore in una dimensione narrativa che non lascia spazio a congetture - «orfani di un dio che porta l’apocalisse chiamandola democrazia» - e giustificazioni - «non è normale manipolare la realtà, che una bugia se ripetuta poi diventi verità» -, volgendo particolare attenzione ai conflitti più lontani dall’Occidente e, per questo, molto spesso ignorati. In quel «non è normale mettersi le mani sopra gli occhi e fare finta che il problema non ci tocchi», è racchiusa la chiave di lettura di un testo di incredibile levatura, pervaso da profonde riflessioni, che invita ciascuno di noi a non voltare lo sguardo dinanzi alle barbarità commesse da uomini alla deriva, in nome di «ordini di un dio seduto al tavolo di qualche banca d’oltremare». Nell’assordante bang di mitragliatrici imbracciate da «bambini soldato» che marciano «in silenzio al tramonto» con lo stesso terrore negli occhi di coloro contro cui le svuotano - «ho visto sparare soldati per paura di morire» -, svuotando con esse anche l’innocenza delle loro anime rubate a madri che rimangono «senza dei da maledire», Gianpaolo e Lorenzo portano a galla le «lacrime mischiate con macerie, bombe e fumo», con una sensibilità e una finezza di spirito capaci di attraversare le orecchie per arrivare e trafiggere il cuore con la lama della verità, perché «giustificare la follia» e «dire sempre tanto non è colpa mia», non è meno disdicevole delle terribili azioni commesse da chi, tutt’oggi, continua ad appoggiare, commissionare e foraggiare eccidi, stermini e devastazioni in ogni angolo del pianeta. «Questo brano – dichiara Gianpaolo Pace - è nato dopo aver visto un documentario sulla guerra, presentato durante il telegiornale, all’ora di pranzo. Il reportage era stato realizzato da un fotografo sui campi di guerra in Siria. Le immagini mi avevano scioccato al punto da non riuscire a crederci. Erano di una durezza e di una crudeltà inaudite e questo mi ha portato a vedere la guerra con occhi diversi. Ho immaginato di scorgerla con gli occhi del fotografo, un essere umano che, per documentare ciò che stava accadendo, rischiava la vita ogni giorno, secondo dopo secondo, con le bombe che gli scoppiavano a pochi metri di distanza, falciando le persone con tutte le loro storie, le loro vite, i loro sogni. Tutti civili, comunissimi mortali che perdevano madri, padri, sorelle, fratelli, amici. Puoi restare indifferente e continuare a mangiare, come stavo facendo io, certo…Oppure, puoi fermarti e cominciare a riflettere. Scriverci una canzone è stato fin troppo naturale e ho coinvolto Lorenzo Santangelo perché sapevo che ci saremmo subito trovati sulla stessa lunghezza d’onda». Prodotto da Roby Grafio di Atomiche Produzioni, mixato da Fabio Morese di nowmixstudio e masterizzato da Alessandro Ciola di Imagina Production, “Non in nome mio” valica il concetto di canzone e, attraverso la musica, sfiora i popoli di ogni credo e cultura con l’intento di risvegliarne coscienza, empatia e senso civico, ponendo a ciascuno di noi un unico quesito, «in nome di che dio avete calpestato vite come foglie?», al quale un dio che crea e vigila con incondizionato amore sui propri figli, risponderebbe senza esitazione alcuna «Non in nome mio».

Se in “Quanta Luce” ha raccontato l’importanza di rimanere se stessi facendo leva sulla propria unicità oltre il giudizio e in “Nun Pozzo Cchiù Guarì” ha magistralmente dipinto l’amore come una malattia in grado di auto-guarirsi, la penna di Eric Mormile torna più frizzante che mai per ritrarre i mille volti dell’animo umano in “Anema ‘e Lione”, il suo nuovo singolo. Un inno, un encomio dai caldi toni mediterranei a tutti coloro per cui, il duro lavoro, non è soltanto una necessità, ma un vero e proprio valore, una virtù sotto forma di mezzo, mediante il quale raggiungere sogni, obiettivi e desideri. In una dimensione elettro-funk dal fortissimo richiamo anni’80, dominata da tastiere e drum machine, prende vita un synth pop catchy e ritmato che si ispira alle composizioni di Mr. Mister, The Jetzons, Level 42 e Howard Jones per enfatizzare al meglio il concetto chiave del brano: ricercare e perseguire la propria “missione di vita” con la consapevolezza che ogni passo, ogni caduta ed ogni ripartenza, sono volti al suo raggiungimento. «Avere uno scopo che si vuole raggiungere e sapere che nel proprio percorso esistenziale ogni cosa che si realizza è sempre proiettata a questa missione principale, - dichiara Mormile - non può non essere fortificante, non può non rendere ognuno di noi un’Anema ‘e Lione». “Anima di leone”, che riflette su se stessa un’immagine così vivida a livello emotivo, da motivarla a mettersi sempre in gioco, indipendentemente dell’età, dalla posizione e dalla provenienza sociale, e da tutti quei fattori esterni che non hanno nulla a che vedere con il suo più autentico e profondo sentire. Uno scopo, unico e personalissimo, in grado di renderci “Re in questa giungla chiamata mondo”, guerrieri nel fronteggiare le ostilità lungo il cammino e fieri delle nostre scelte, al di là di ogni battuta d’arresto. Scritto dallo stesso artista nel 2019, il brano è lo specchio, la quintessenza in musica, della determinazione di cui si corrobora la via verso il raggiungimento della propria mission, il punto di intersezione tra la pulsante intangibilità di una passione e la concretezza del suo compimento. «Questo pezzo – conclude il cantautore e musicista napoletano – è nato in un periodo in cui stavo letteralmente ‘’facendo le corse’’ tra un impegno e l’altro. La cosa, anziché stressarmi, mi faceva sentire quasi invincibile: qualsiasi ora di qualsiasi giorno era quella giusta per mettermi al lavoro e nei rarissimi momenti di relax, avevo comunque con me il quaderno su cui scrivo i testi, perché non potevo sapere quando i miei pensieri avrebbero incontrato la giusta ispirazione. Questa atmosfera frenetica ha contribuito molto a caricarmi di energia, donandomi la giusta attitudine per comporre. La parte musicale della canzone, è nata prima di quella testuale; quando l’ho scritta, non sapevo ancora quali parole l’avrebbero vestita, ma ero consapevole che l’avrei utilizzata per trasmettere un messaggio assolutamente positivo». “Anema ‘e Lione”, il cui testo è stato supervisionato dal Maestro Salvatore Palomba, è accompagnato da un originalissimo videoclip ufficiale, realizzato a quasi piena conduzione familiare. Le riprese, sono state infatti curate da Sergio Angrisani, cugino di Eric, e nella clip compaiono altri due cugini dell’artista, Simone e Nicoletta Boccardi, oltre ad Elvira Fiore e Diana De Luca, rispettivamente, fidanzata ed amica dello stesso. Con questa nuova release, che insieme alle due precedenti impreziosisce di emozione e personalità il debut album di prossima uscita, Eric Mormile mette in luce l’eclettismo che guida la sua cifra stilistica, una versatilità in continua evoluzione capace di assumere forme e sfumature diverse senza distaccarsi mai dalla centralità della sua essenza artistica, da quell’incredibile capacità di rimanere fedele a se stesso, vero, autentico e perfettamente in linea con la sua vocazione, quella che, seppur differente per ciascuno di noi, riesce a renderci un’“Anema ‘e Lione” in grado di brillare e fortificarsi senza arrendersi mai.

La musica, l’amore: due lati della stessa medaglia, due volti di un unico cuore che batte a tempo di riff e rullanti sotto le tinte mediterranee di un rock travolgente dal sapore tutto italiano. Questo lo scenario in cui si inserisce “Nella testa un sogno”, il nuovo singolo del trio pop-rock gardesano 3nema, che dopo aver incantato il pubblico sui ritmi ipnotici di “Psychedelic” ed averne smosso gambe e coscienze sulle raffinate sfumature funky di “Money”, torna per svelare la sua essenza più romantica e sognante con un pezzo capace di emozionare sin dal primo ascolto. Una canzone autobiografica e sincera, nata da quell’invisibile ma profonda connessione tra mente ed anima, che attraverso la penna, la voce e gli strumenti della band lombarda, si esprime senza filtri, dando vita ad un abbraccio di ritmo e liriche in cui ognuno di noi può avvolgersi per ritrovarsi. Speranza, sentimenti, desideri e passioni si intrecciano imbastendo un tappetto di note che coniuga il fortissimo richiamo alle tradizioni rock nazionali alla poetica universalità del testo, che, come una preghiera laica cantata davanti ad un falò sotto il chiarore delle stelle, ci ricorda quanto le cose apparentemente più semplici e scontate, come amare e sognare, siano in realtà il carburante principale delle nostre esistenze. «Questo brano – dichiarano i 3nema – nasce dalla nostra convinzione che nella vita, quando si ha un sogno e lo si insegue, diventa davvero importante avere accanto una persona capace di spronarci, di motivarci a dare sempre il massimo, anche nei momenti più bui. È un pezzo che si è praticamente scritto da solo; il nostro unico compito è stato quello di ascoltare le emozioni che provavamo e farle fluire in musica e testo. “Nella testa un sogno” rappresenta anche il cammino che stiamo facendo, la nostra ricercatezza, il voler sperimentare nuove sonorità come fossimo viandanti sempre in viaggio, perché non esiste sentiero quando lo si crea camminando». Viandanti di musica, di sogni e di storie, che danno voce all’amore in modo autentico e spontaneo - «penso a quando un tuo sorriso…e in tilt il cervello» -, senza cercare di definirlo, né di ingabbiarlo in cliché o frasi scritte a tavolino - «canzoni d’amore non so come farle, non so mai cosa dire» -, che con questo nuovo singolo regalano un’ulteriore prova di versatilità, maturità autorale e riconoscibilità stilistica, unendo rock e sentimenti lungo il tragitto di una “3nema’s way” che, proprio come la vita, ha come unico limite il timore del suo superamento.... Continua a leggere

Con la sua vocalità intensa e avvolgente ha affascinato tutto lo Stivale rendendo ogni ascoltatore “Libero di volare” e oggi, a distanza di 10 mesi dalla precedente release, il cantautore calabrese d’adozione lombarda Domenico Zumbo torna per mostrare al pubblico il suo lato più leggero e sensuale, e lo fa con una dedica pop tinta di elegantissime sfumature elettro-lounge, “Voglia di te”. Se con le prime due pubblicazioni ha messo in luce la profondità della sua scrittura e l’emozionalità delle sue interpretazioni, in questo nuovo singolo, l’artista che ci invita alla consapevolezza gentile nell’essere “Padroni di questo mondo”, svela una versatilità raffinata, prestando il graffio intimo della sua voce ad una produzione ammaliante che, curata dal tocco ineccepibile di Vins De Leo presso il Crossroad Recording Studio di Cologno Monzese (MI), cattura, rapisce e seduce sin dal primo ascolto. Un’esigenza, quella di sperimentare nuovi orizzonti musicali, che Domenico vive come un’evoluzione artistica e personale, un salto nel vuoto senza il paracadute da una comfort-zone che ingabbia e che in questo pezzo si esprime nel riuscitissimo connubio di sentimenti, leggerezza e riflessioni. Un intreccio magnetico, cullato e impreziosito dall’ipnotico dondolio di ritmi e delay capaci di rappresentare in maniera impeccabile le altalenanti dinamiche proprie di una coppia in cui passione, amore, attrazione e gelosia si alternano come «la scena di una serie TV da filmare». Un rollercoaster di emozioni che tra l’ardente carezza del desiderio e la struggente morsa dell’insicurezza e del dubbio, si avvia con un quesito ironico e tagliente al tempo stesso - «Ma ti pare normale litigare alle 4:00 di notte?» -, per proseguire il suo viaggio tra incantevoli scenari - «gocce di mare nei confini d’estate, con il sole d’inverno, tra i ghiacciai sopra i laghi» -, frasi d’amore di disarmante dolcezza - «ho voglia di te, dei tuoi occhi innocenti» - e terminare con la coscienza che sì, «non è poi così male litigare alle 4:00 di notte» se ci si ritrova a perdersi negli occhi dell’altro - «fissare i tuoi occhi a miei sguardi?» -, finendo «a ridere come due matti». A mezz’aria tra una moderna hit estiva da ascoltare al tramonto sorseggiando un cocktail in un prestigioso club esclusivo in riva al mare ed un evergreen che per sua natura esula dal concetto di trend e stagioni per farsi spazio tra orecchie e cuore, “Voglia di te” è un’attestazione in musica, una dichiarazione di intenti che, accompagnata dal videoclip ufficiale, supera le barriere dell’orgoglio e dei dissapori momentanei per abbracciare l’eternità di quei «singoli istanti» che sanno d’amore.... Continua a leggere

Il graffio, la grinta e l’indiscutibile capacità narrativa del cantautore e polistrumentista partenopeo Gianni Negri, al secolo Giovanni Sambiase, tornano a decifrare le emozioni in “Eterno Amore” (PaKo Music Records/Visory Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo. Dopo l’intensissimo inno di speranza dalle tinte calde e delicate “Ci sarà”, rilasciato anche in un’ancor più suggestiva versione acustica in collaborazione con Gianluca Gentilesca, l’artista che sin dall’esordio traccia il suo percorso “Da uno spazio in mezzo al cielo”, dirigendosi dal “km.zero” a “Dove si muove il cuore” e trasformando il “Nero” di chi vede “Tutto uguale a ieri” in una tavolozza di note e sentimenti in grado di racchiudere tutti “I colori dell’amore”, riconferma la versatilità della sua penna in un meraviglioso ritratto di ciò che di più astratto, ma al contempo tangibile, concreto e universale possa sperimentare l’essere umano: l’Amore. In un mondo privo di certezze assolute, ove l’effimero pare vestire ogni battito di un tempo che sfugge e corre troppo veloce per essere vissuto, Gianni Negri riporta alla luce il preziosissimo concetto di perennità, di quello spicchio di eterno sito nella sublime, ma troppo spesso data per scontata, capacità di amare che abita e vive in ciascuno di noi. Perché siamo tutti alla costante ricerca di amore, di quel brivido che attraversa anima e sensi e nella profondità di uno sguardo - «mi perdo infondo agli occhi tuoi» - dona nuova linfa, dissipando il buio - «la mia rabbia è un’ombra» - e facendoci così riscoprire la bellezza dentro e fuori di noi, la meraviglia celata in ogni piccolo assaggio di vita. «Con questo pezzo – dichiara l’artista - ho voluto raccontare cosa accade, dal mio punto di vista, quando camminiamo verso l’amore. Indipendentemente da tutto, esso lascia un segno, un segno che ci cambia, ci trasforma, ci aiuta a vivere. E questo è il motivo per cui non dovremmo mai smettere di cercarlo, anche quando pensiamo di non averne bisogno o di esserne immeritevoli». Avvolto da un abbraccio sonoro leggero che lo rende il perfetto accompagnamento per una golden hour in riva al mare, il brano custodisce in sé un testo ricco di verità e riflessioni, che ci ricordando di non arrenderci mai - «l’amore esiste, tu resisti, non arrenderti mai» -, perché è solo imparando a «camminare senza regole e volare» che potremo trovare l’equilibrio del nostro caos interiore e, così, sperimentare la libertà di amare davvero ed aprirci all’immortalità di un “Eterno Amore”.... Continua a leggere

Dopo averci fatto ballare lo scorso anno con la travolgente dedica alla sua terra “Salento” ed aver dato prova della versatilità delle sue interpretazioni e dell’intimismo della sua penna con l’introspettiva lettera autobiografica “Eri, sei, sarai”, il cantautore pugliese d’adozione comasca Emiliano Melcarne torna ad infiammare l’estate con “Il Sound Nella Testa” (PaKo Music Records/Believe Digital), una nuova spumeggiante hit dalle tinte elettro-pop che ne riconferma grinta ed eleganza. Nel riuscitissimo parallelismo tra il ritmo ipnotico di un tormentone da dancefloor ed una passionale fiamma nata in riva al mare con cui danzarlo e scatenarsi fino a tarda notte, avvolti nel sensuale intreccio di sguardi ed anime, Emiliano dà voce a quei fotogrammi cristallizzati nel ghiaccio del cuore durante l’inverno che, con l’arrivo della bella stagione, si schiudono per disciogliersi ed ardere emozioni e pensieri. Perché se per molti l’estate profuma di mare, salsedine, leggerezza e divertimento, per altri rappresenta una scia, un’ondata impetuosa di flashback impressi dai sentimenti su piccoli e ardenti granelli di sabbia che, roventi, graffiano sottopelle per riportarci con la memoria a quella persona conosciuta per caso, quella che, in un solo giro di orologio, è riuscita a farci girare la testa, ad inebriarci i sensi come una sostanza - «ubriachi, niente alcool, noi due sballati» -, per poi ripartire e lasciarci scottati, disorientati, con il cuore privo di protezione sotto i raggi del sole ed un cocktail dolceamaro stretto nella mano. «Molte volte – dichiara l’artista – ci innamoriamo in estate, spesso in discoteca, tra un ballo e l'altro. Nel mio nuovo singolo parlo proprio di questo, del ricordo di quella persona per cui ci siamo presi una bella cotta. Quando le vacanze finiscono, però, rimaniamo così frustati dalla sua partenza, che basta un pizzico di sole per farci ricordare i momenti condivisi, quelli che non dimenticheremo mai più per il resto della vita». Un ricordo che, come inchiostro indelebile sulla nostra tela interiore, ci accompagnerà per sempre, e tra malinconia e dolcezza, rimarrà il suono di una meravigliosa avventura, “Il Sound Nella Testa” di un amore fugace ma vissuto pienamente, fino a «non capire niente e cantare».

Quando la musica valica i confini del marketing per abbracciare la sua accezione più intima e profonda, tornando a rappresentare uno dei più potenti mezzi di espressione e condivisione, il risultato è un ensemble di emozioni, che accendono i colori del cuore trasformandone le ombre in varchi di libertà e rinascita. Questo è da sempre il filo conduttore delle release di LIIA, brillante e raffinata cantautrice slovacca naturalizzata italiana, che dopo aver affascinato il pubblico con l’EP “Flowering Trees”, una sorprendente analogia tra la fioritura degli alberi e l’evoluzione interiore dell’essere umano, attraversa le corde del cuore con “Hold on”, una carezza sensoriale sospesa tra la raffinatezza dell’indie, il calore del soul e l’immediatezza del pop. Traendo dall’arcobaleno emotivo-sensoriale che alberga in ciascuno di noi, l’artista formatasi alla Beverly Hills Playhouse che ha fatto della versatilità, della sperimentazione e della raffinatezza autorale la sua cifra stilistica, presta la sua voce inconfondibile ad un’impeccabile richiesta d’aiuto tradotta in musica, un raffinatissimo fluire di liriche capace di trasformare un’incessante tempesta interiore in una rigenerante pioggia estiva, un limpidissimo ruscello di serenità da cui abbeverarsi per tornare ad amare la vita. Ogni essere umano, nel corso della propria esistenza, sperimenta sensazioni di frustrazione, impotenza, inadeguatezza; condizioni che nella loro silente costanza, paralizzano giorno dopo giorno, arrivando a bloccare le emozioni, ad assiderare totalmente anima e cuore, fino all’apatia, fino all’indolenza. “Hold on”, letteralmente “resisti”, è un inno alla resilienza, un punto di incontro tra le aspettative disilluse di un futuro ormai alle spalle e un presente da cui ricominciare, togliendo gli ormeggi a tutte quelle insicurezze e paure che ci hanno sempre impedito di salpare verso i nostri sogni, accettando l’oggi e agendo – non aspettando con inerzia – per un domani migliore, perché è nell’attesa partecipata che si rinasce, da se stessi, in se stessi. «Questa canzone – dichiara LIIA – è nata lo scorso Dicembre. Stavo uscendo da un periodo molto difficile per me, e il mio producer, Jason Rooney, insistette per farmi scrivere qualcosa di nuovo. Suonerà come un cliché, ma in quel momento mi è scattato dentro qualcosa e sono arrivate dal cuore le prime parole, come se le dicessi a me stessa: “Hold on, Hold on”; “Resisti, che domani è un altro giorno”». Un incontro in musica con chi ci circonda per ritrovare autostima e fiducia e, mediante un sano amor proprio, tendere la mano a chi vacilla, diventando una spalla - «Let me be your shoulder» - per chi si sente «heavy with the burden» («appesantito dal fardello») delle proprie ombre interiori e «paralyzed by the night» («paralizzato dalla notte») dei propri pensieri, ricordandogli che nei momenti di totale smarrimento, l’unica via da percorrere è quella del cuore, perché «Love is the way» («L’amore è la strada»). Un brano che echeggia come un mantra e rinsalda le crepe dello spirito, sovvertendole in preziosissimi fori da cui assimilare ed irradiare tutta la luce e tutta la bellezza che appartiene a ciascuno di noi. “Hold on”, con mix e master a cura dei Phaser Studios di Milano, è impreziosito dagli scatti di Elena Padovan e Carla Marchetta, immagini in grado di catturare con eleganza l’eclettismo di LIIA, un’artista poliglotta dall’anima cosmopolita che sa raccontare il mondo attraverso l’unica lente capace di carpire e rimandare le infinite e meravigliose sfumature dell’essere-umani, quella della verità di chi sa ascoltare il proprio cuore oltre ogni giudizio.... Continua a leggere

Ci sono voci capaci di far vibrare all’unisono tutte le corde dell’anima sin dal primo ascolto, voci dotate di un magnetismo tale da sfuggire al concetto di trend per sovvertirlo, farlo proprio e renderlo al servizio del cuore, voci che avvolgono i sensi in un abbraccio senza tempo, a mezz’aria tra la delicatezza di un’amorevole carezza sulla fronte e la potenza di un bacio passionale, un porto sicuro in cui rifugiarsi ogni qualvolta ci si senta soli, incompresi, delusi dal mondo e da se stessi. Una di queste, è senza dubbio quella di Valentina Volpentesta, cantautrice calabrese classe 1983 che dopo aver incantato pubblico e critica con “Forse non è andato tutto perso” e “L’amore nessuno te lo può insegnare”, torna ad affascinare in “La tua anima somiglia alla mia” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo suggestivo dipinto di note ed emozioni. Con l’intimismo e la raffinatezza che permeano la sua penna e la contraddistinguono fin dalla prima release, Valentina dà vita ed espressione ad uno spaccato di intensa bellezza, una preghiera d’amore purissimo che attinge alla capacità di amare e farsi amare per restituire i colori al mondo, una dedica a chi, con la propria presenza costante, i propri sorrisi e tutti quegli apparentemente piccoli ma importantissimi gesti quotidiani, ci salva dalle ombre che albergano in noi, da quei taciti ma assordanti pensieri che di tanto in tanto affollano la nostra mente e come una discesa verso gli inferi, ci conducono all’autosabotaggio, per farci sentire sbagliati, inadatti, immeritevoli di attenzioni, cure e protezioni, immeritevoli di essere amati. In quel «sento che la nostra anima ha lo stesso colore», l’artista racchiude non soltanto la sua straordinaria abilità immaginifica, ma anche l’inizio e la fine di un viaggio in grado di diramarsi per tutte le cromie del sentimento, con la consapevolezza di una nuova e meravigliosa scoperta, quella di poterlo condividere con chi si porta dentro un arcobaleno le cui tinte e chiaroscuri equivalgono ai propri. E così, quella «voglia di stare male e di rovinare un equilibrio irrazionale di emozioni corteggiate», si dissipa in una cascata rigogliosa e limpidissima, ove liriche di ineccepibile eleganza rappresentano gli ipnotici sussurri di un cuore che ha deciso di esondare dagli argini delle insicurezze per liberarsi dal dolore ed aprirsi, finalmente, ad un mondo capace di regalare emozioni, «brividi che hanno reso liberi quei sentimenti più fragili», un microcosmo che ci ricorda che siamo tutti «un cuore legato all’anima». «Questa canzone – dichiara Valentina - è la prova che i momenti più difficili possono diventare i più costruttivi, creativi e genuini. Dico questo perché è nata nel terribile periodo della pandemia: mi son seduta al piano ed è venuta fuori, rapidamente, con naturalezza. La considero un’orazione, un canto d’amore, ed è un ringraziamento a chi mi ha teso la mano e mi ha salvata, restituendomi la capacità di vedere tutti i colori che mi circondano. Il messaggio che voglio comunicare è proprio questo, che è bello ringraziare chi ci regala il proprio tempo, ed invito anche voi a farlo! Ringraziate chi abbellisce la vostra vita, chi riesce a tirar fuori il meglio da voi stessi, chi vi stima e mette al primo posto la vostra felicità, regalandovi il sorriso. Ringraziate chi vi rispetta. Ringraziate, ringraziate!» Dotata di una padronanza vocale degna delle più grandi interpreti della Canzone Italiana e di una timbrica unica, istantaneamente riconoscibile, Valentina Volpentesta è un graffio d’amore in una società anestetizzata ai sentimenti, un tocco soave e sensuale che sfiora le orecchie per giungere dritto al cuore, «come un cannone» di sensazioni rasserenanti che echeggiano, ci pervadono e ci consentono di non sentirci più soli nella nostra ricerca di quella persona a cui poter dire, con un filo di fiato, “La tua anima somiglia alla mia”.

Quando la vita ci pone davanti alla perdita di una persona cara, tutto il nostro mondo sembra sgretolarsi in un solo istante, portando via con sé, in un tenebroso oblio, non soltanto una preziosa parte della sfera affettiva, ma anche valori, convinzioni e punti di riferimento che franano sotto i piedi del corpo e del cuore, che scosso e svuotato vacilla, privato della pienezza di quei battiti istantaneamente trasformati in meri ed automatici atti meccanici. Ma la perdita fisica di chi abbiamo amato e continuiamo ad amare, ci ricorda di onorare i loro insegnamenti attraverso comportamenti e azioni quotidiane che li celebrino e li commemorino, gesti in cui ritrovarli per ritrovarsi. Da questo assunto, temprato dalla forza generata da dolore, è nato “Prometto” (Red Owl Records/Ingrooves), il nuovo singolo dell’eclettico e brillante cantautore romagnolo PlatoNico. Se con “Sharks Land” e “Non fai per me” ha mostrato versatilità e grinta, dando prova di un’attitudine trasversale e fortemente sperimentale, con questo nuovo piccolo capolavoro di anima e poesia, l’artista che scardina sin dai suoi esordi i preconcetti di una “Vita Stretta”, stupisce e incanta per la sua capacità di rendere in musica un argomento così intimo, spirituale e personale con l’eleganza e la delicatezza proprie di chi non necessita di classificarsi in generi per arrivare dritto al sentire del pubblico. Un impegno quotidiano con se stessi, questo il senso più profondo del pezzo, un giuramento che non obbliga, non costringe, ma ci permette di sentirci liberi tenendo fede a quella promessa fatta su fili di fiato capaci di connetterci, senza l’ausilio di parola alcuna, a chi non possiamo più abbracciare, ma non per questo percepiamo meno nell’anima e nella quotidianità del nostro percorso terreno. Sulla soave carezza del pianoforte, culla della prima strofa tra intensità e sentimento, si fonde la suggestiva enfasi della chitarra, che come la sottile e attesa brezza di una nuova stagione, schiude i sensi per aprirli a nuovi orizzonti; una purificazione dalla sofferenza, una vera e propria catarsi tra le note, in grado di sollevare l’esperienza dal suo giudizio e di infondere serenità e armonia, stati d’animo imprescindibili per riappropriarsi del dono più importante e prezioso di tutti, onorando, con esso, chi non lo può più celebrare. «“Prometto” – dichiara PlatoNico - ha un grande valore per me ed è nata in un momento di dolore ma al tempo stesso di speranza. Quando facciamo i conti con il lutto, tendiamo a chiuderci a riccio e ad isolarci dal mondo. Potremmo sentirci persi e vulnerabili. Questa canzone è una promessa verso me stesso per essere sempre migliore di come sono stato in passato e vivere una vita piena, anche per onorare chi non c’è più. Il brano parla anche della forza dell’amore e della mia ragazza, del modo in cui io la vedo. Questo perché lei, in quel periodo, mi ha dato tantissima forza per tornare a guardare la vita con il sorriso». L’amore che supera e permea di significato la perdita, impreziosendo di vita ciò che comunemente, e forse solo all’apparenza, rappresenta il suo contrario, accompagnando l’ascoltatore in un viaggio di riflessione, emozione e speranza che trasforma il buio in luce e l’assenza in una presenza costante, intangibile, ma più cristallina ed evidente che mai. “Prometto” è accompagnato da un intensissimo videoclip ufficiale, che a causa delle tragiche vicende che hanno coinvolto l’Emilia-Romagna, verrà rilasciato nel corso delle prossime settimane.... Continua a leggere

«Dedicato alla mia terra, l'Emilia Romagna... che in più occasioni ha conosciuto tragedie terribili. Prendendo coscienza di quanto accaduto in questi giorni, questa canzone ha assunto un significato nuovo. Vorrei che questo brano potesse infondere speranza a tutte quelle persone che si sono sentite smarrite e impotenti di fronte ai danni causati dal maltempo in questo mese di Maggio 2023. Gli emiliano-romagnoli sono persone davvero cazzute... Con un cuore gigante e sempre pronte a rimboccarsi le maniche per lavorare duramente e ricostruire. Non dobbiamo mai dimenticarci che la nostra più grande dote è quella di saper ricominciare». Con queste parole si apre il videoclip ufficiale di “Sole (Lalala)” (Orangle Records/ Universal Music Italia), il nuovo singolo del celebre cantautore, conduttore e vocal coach faentino Ruggero Ricci, dedicato alla sua terra, l’Emilia-Romagna. Dopo aver sperimentato con naturalezza ed eleganza generi e sonorità differenti che gli hanno consentito di mostrarsi al pubblico sotto nuova veste e di essere riconosciuto dalla critica come uno dei talenti più carismatici e versatili della musica d’autore italiana contemporanea, l’artista torna alle sue origini indie-pop per regalarci un freschissimo assaggio d’estate, senza però rinunciare all’intenso magnetismo della sua penna, capace di svegliare menti e coscienze come una calda brezza in riva al mare. E proprio dal calore tipico della bella stagione e della sua regione da sempre sinonimo di accoglienza, inclusione e condivisione, nasce questa release, un pezzo in cui basta chiudere gli occhi per immaginarsi in una golden hour di rinascita, cullati dal vivace ritmo di un cuore ritrovato. Prodotto da Max Giorgetti (già per Random e MamboLosco), il brano posa su un sound raffinato e leggero la narrazione di un level up interiore, raccontando la necessità di liberarsi dalle scorie di una relazione tossica, elaborandola con dignità e sano amor proprio, senza farsi travolgere da un pericolosissimo circolo vizioso di rimpianti, rimorsi e mea culpa, che dopo gli ultimi drammatici eventi che hanno duramente colpito l’Emilia-Romagna, assume un nuovo ed ancor più rilevante significato, quello della speranza e della forza che proprio il simbolo per antonomasia dell’estate, il sole, sa rappresentare fin dagli albori della società. Una presa di coscienza fluita in musica, in grado di far scorrere dalle orecchie all’anima quella sensazione meravigliosa di pace e benessere, sentendosi nuovamente pervasi di luce, la stessa che i rapporti nocivi e disfunzionali ci fanno dimenticare di possedere, per poi sprigionarla e canalizzarla nella miglior versione di noi stessi. «Dopo gli ultimi avvenimenti terribili che hanno colpito la mia terra, ho deciso di dedicare a tutti gli emiliano-romagnoli il mio nuovo singolo, perché è nella consapevolezza di sé che è possibile rinascere e riconoscersi di nuovo – dichiara l’artista – e noi siamo persone dall’animo puro e dal cuore immenso, capaci di rialzarci sempre. Con questa release, voglio trattare l’estate come un momento di leggerezza e serenità, ma anche di riflessione. Il calore e la luce del sole ci danno l’energia giusta per sentirci e vederci migliori di prima, ricordandoci che la nostra dote più grande resta quella di “saper ricominciare”». Così, come scrisse la romanziera britannica di origine australiana Elizabeth von Arnim “Il sole mi è entrato nelle vene e ha trasformato tutto in oro”, in questa metamorfosi animica e percettiva, Ruggero Ricci fa centro un’altra volta, affrontando senza stereotipi e cliché tematiche complesse e trasversali ad intere generazioni: «dobbiamo sentirci bene a fianco di una persona – prosegue e conclude -; stare con qualcuno deve essere un valore aggiunto, non una detrazione». Riconoscere il dolore, trovando la forza di interrogarlo e metabolizzarlo è la chiave centrale di “Sole (Lalala)” e quella di volta per una vera e propria ricostruzione dell’essere, che solo nel distacco da ciò che non gli appartiene e gli impedisce di evolversi, può trovare la sua piena espressione. L’artista ha fortemente voluto dedicare all’Emilia-Romagna il videoclip ufficiale che accompagna il brano: girato da Francesca Gallina nell’iconico ed esclusivo club balneare di Milano Marittima Papeete Beach, si apre con un intenso ed emozionante messaggio curato dallo stesso artista. La clip, che verrà presentata in anteprima nazionale su Sky TG24 nel corso delle prossime settimane, vede Ruggero indossare gli abiti confezionatogli su misura dal celebre brand Amor. In una suggestiva cornice elettronica dalle tinte indie-pop, “Sole (Lalala)” racchiude uno scenario disteso e rilassante, enfatizzando l’importante messaggio trasmesso dall’artista e dando vita a quel «giorno perfetto» in cui ogni cosa si muove nel verso giusto, quello che conduce alla riscoperta di se stessi, ad un autentico ritrovamento interiore dopo un lungo inverno emozionale.

“Ieri è cenere, domani è legno. Solo oggi il fuoco divampa” è uno dei più celebri e significativi proverbi inuit, e proprio dall’Artide Nordamericano trae ispirazione e parte “Eschimesi” (PaKo Music Records/Believe Digital), il nuovo viaggio in musica del cantautore ciociaro Udi, al secolo Felice Pacitto. Come i raggi solari capaci di disciogliere con dolce perseveranza il ghiaccio figlio di un gelido inverno, allo stesso modo l’artista racconta l’amore, quel sentimento universale puro e privo di egoismo che attraversa l’uomo e mediante esso il mondo intero, permeando con la sua stessa essenza, tersa e cristallina, tutto ciò che incontra, colmando ogni distanza e frammentando ogni barriera, fisica, culturale, religiosa e sociale. In un ricercato abbraccio indie-pop alternativo dal caldo richiamo MPB, Udi si avvale di riuscitissime analogie in grado di evocare istantaneamente immagini e scenari ben precisi, per condurre l’ascoltatore in una dimensione ideale avveniristica tra «viaggi superdimensionali», in cui regna un’unica regola, quella dettata dal cuore. «A qualsiasi latitudine o longitudine – spiega Udi - l’amore per me rappresenta sempre il motore di tutto l’universo. Gatti, cani, dromedari, fino ad arrivare agli eschimesi, vivono l’amore secondo natura e istinto. Tramite l’utilizzo di figure retoriche e assonanze, cerco di suggerire la mia personalissima visione di questo. Dalla semplice gestualità di tutti i giorni, come può essere il bere un caffè-latte con l’orzo, alla complessità dell’accoppiamento nello spazio». «Toccami le corde vocali» e «insegnami a disimparare le capriole che non so ancora fare», sono solo due dei tanti esempi della straordinaria capacità iconografica dell’artista intrisa nel testo, un nero su bianco brillantemente ironico, e volutamente immaginifico, che avvolto da sonorità fresche e accattivanti sa echeggiare leggero, proprio come l’amore, intenso, profondamente etereo, eppur così armonioso e delicato. E come accade per tutto ciò che ci solleva pur essendo a noi intangibile e ci pervade pur sfuggendo al nostro controllo, anche con l’amore tendiamo a trattenere, a possedere, per il timore di perdere quell’impeto, quell’ardore e quella meraviglia con cui ci concede di osservare noi stessi e gli altri, per la paura di spegnere il fuoco, la luce interiore che non eravamo in grado di scorgere prima, senza la sua guida: «come in ogni storia d’amore che si rispetti – conclude Udi -, nel brano si avverte l’urgenza di tenere, di stringere, ma anche la consapevolezza che a volte, pur di non perdere se stessi, è necessario accettare il rischio di dover perdere l’altro\a». Un rischio che vale la pena correre, «come gatti siamesi, persiani o cinesi», che non hanno bisogno di bilanciare minuziosamente pro e contro di ogni situazione, ma, semplicemente, vivono secondo la dottrina del cuore.

Vivere il momento presente senza farsi condizionare dalle delusioni del passato e dalle aspettative sul futuro, resta uno dei meccanismi più complessi da innescare per l’essere umano, costantemente ingabbiato tra ieri e domani e difficilmente libero da quelle prigioni interiori che gli impediscono di vivere serenamente e godere appieno dell’apparentemente semplice ma così sfuggente “qui ed ora”, lo stesso che Paulo Coelho, nel suo celeberrimo testo a mezz’aria tra racconto e apologo “L’alchimista”, descriveva in questi termini: “Io non vivo né nel mio passato, né nel mio futuro. Possiedo soltanto il presente, ed è il presente che mi interessa. Se riuscirai a mantenerti sempre nel presente, sarai un uomo felice. La vita sarà una festa, un grande banchetto, perché è sempre e soltanto il momento che stiamo vivendo”. E proprio sul concetto di ricerca, scoperta e riscoperta dell’intensità del presente si articola “Tra il dejavu e l’amnesia” (Estro Records/Ingrooves Music Group), il nuovo singolo della cantautrice ligure Lara Serrano. Dopo essersi fatta conoscere e apprezzare da pubblico e critica per una serie di emozionanti release che ne hanno comprovato eleganza e maturità autorale, l’artista genovese riconferma l’attitudine intimista e sensibile del suo estro creativo con un brano in cui fiducia, fragilità, sincerità e sentimenti si intrecciano sulla tela delle relazioni, dando vita ad un vivido e suggestivo spaccato sui rapporti umani ed il timore di viverli pienamente, condizionati dai fantasmi, dagli errori e dalle delusioni del passato e da tutte le attese, mascherate da speranze, che si posano sugli utopici abiti del futuro. In quel «partiamo dal futuro per ricostruire il passato» della prima strofa, è racchiuso il desiderio di svincolarsi dalle corde che ci ancorano all’abitudine, l’abitudine di scandagliare i pro e i contro di ogni situazione, persona e circostanza anziché assaporarne colori, sfumature e profumi, allontanandosi dal gravoso fardello delle aspettative e di tutti quei calcoli probabilistici su errori e passi falsi. «Spesso, purtroppo, non riesco a godermi appieno ciò che ho – dichiara Lara Serrano -, perché guardo e analizzo costantemente il futuro, senza soffermarmi mai sul presente. Invece è bello scoprire, o riscoprire, quello che si ha, senza azzardare paragoni con un passato che dovrebbe restare tale. Il rapporto di cui parlo nel brano, nasce per caso, inaspettatamente, con una persona che ho sempre avuto modo di frequentare da lontano, senza mai approfondirne la conoscenza per mancanza di fiducia da parte mia; riprendendo le parole del ritornello, perché non sapevo se era “un poker d’assi o un bluff”. Fin da piccola, ho avuto la presunzione e un bisogno sfrenato di conoscere a fondo, illudendomi di avere così la certezza di non sbagliare giudizio su chi avevo di fronte ma, a volte, i rapporti possono essere equiparati a una partita a carte e forse, il loro bello, risiede proprio nel ricredersi su un presunto bluff». Tra la paura di fidarsi ed il bisogno di lasciarsi andare, scaturito dal sentimento, Lara delinea sul pentagramma del suo cuore un percorso nuovo e del tutto inesplorato - «se la strada non c’è io, ti giuro, me la invento» -, concedendosi l’occasione di abbandonarsi all’eternità di un istante, per ricordarne poi il valore - «disegno le lancette per quando non ho tempo» -, e non ricadere nella trappola di una finta improvvisazione che è, in realtà, la subdola e radicata convenzione all’autosabotaggio - «improvviso da una vita anche la diagnosi di ogni mia ferita» -. «Di quante persone vi fidate? E a chi dareste le chiavi per entrare nelle vostre insicurezze senza bussare?  La fiducia – conclude l’artista -, per la prima volta nel corso della mia discografia, viene qui trattata in modo positivo e sicuro: “ho fiducia in te”. Ecco, penso che quest’affermazione, tanto scontata quanto forte, racchiuda la dedica che ho voluto fare con questa canzone, a me, alla persona che l’ha ispirata e a tutti quanti voi». «In equilibrio su una trave» che sorregge al contempo lacrime e sorrisi, Lara impara a fidarsi e ad affidarsi, a se stessa e al proprio istinto prima, e all’altro poi, cessando di vivere sospesa «tra ciò che sarà, che è stato o che sia» e scegliendo di fluire «a ritmo della marea», consegnando ai propri sentimenti e alle proprie emozioni la password per rinascere e vedere il mondo con occhi nuovi - «so che di ogni porta tu ne hai la chiave».... Continua a leggere

Presenza online e social network, non sono soltanto vittima e carnefici della società contemporanea, ma a volte viaggiano sui binari a cui sono stati predestinati, rappresentando vere e proprie ancore di salvataggio e dando vita ad incredibili storie di rinascita e rivalsa. Una di queste, struggente e affascinante al tempo stesso, è senza dubbio quella di Wendi Grandinetti, celebre barbiere, influencer ed ex attore a luci rosse di Ciriè (TO), che proprio grazie ad Instagram, durante la pandemia, è riuscito a riscattarsi divenendo un vero e proprio punto di riferimento per tutte le celeb del calcio e della musica. Ma non è solo la sua abilità con lame, rasoi e forbici a renderlo ricercatissimo ed un vero e proprio modello da seguire, ma anche la sua esperienza di vita, che lo stesso artista ha deciso di raccontare nell’autobiografia “NATO Per Vincere: La mia storia non è FINITA fino a quando non VINCO” – che ha raggiunto il 2º posto nelle classifiche di Amazon in meno 12 ore dal lancio - e nel suo primo singolo, “Non sono come te”. Il brano, scritto da Wendi per ricordare a se stesso l’importanza di credere nei propri sogni, lottando con dedizione e sacrificio per raggiungerli, si apre con la carezza dolce e delicata del pianoforte, per poi tingersi di mille sfumature mediterranee e vibes tropicali che fanno da netto e voluto contrasto con il testo profondo, sensibile e riflessivo sui cui si articola l’intera release. “Non sono come te”, infatti, racconta la storia di un giovane uomo che ripensa al proprio passato, a tutti gli ostacoli e a tutte le cadute che ha dovuto affrontare, non soltanto per crescere anagraficamente, ma per diventare un adulto consapevole anche nelle emozioni e nello spirito: dal bullismo tra i banchi di scuola - «ricordo quel bimbo picchiato che urlava piangendo tra i banchi di scuola» - alle sregolatezze adolescenziali, passando per i traumi interiori e le porte chiuse in faccia, il giovane incontra l’uomo e quest’ultimo lo stringe a sé in un abbraccio di perdono, accettazione e rivalsa, che trasforma ogni ferita in conoscenza ed ogni dolore in esperienza. La storia di un uomo, la storia di Wendi, che ha visto, osservato e vissuto sul fondo del baratro, ma che dall’oscurità e dalle tenebre dei trascorsi personali è riuscito a ricavarne un fuoco, una luce radiosa che gli ha permesso di rialzarsi e camminare verso una totale e completa rinascita, senza cambiare la sua essenza, ma traendo da essa per guardare il proprio mondo e quello che lo circonda con occhi nuovi - «dopo toccata la merda ed il fondo, ora mi godo il successo rimanendo me stesso». Il titolo del pezzo, volutamente provocatorio, porta però con sé una doppia lettura: se da un lato Grandinetti canta la rivalsa verso tutti coloro che l’hanno sempre deriso e giudicato, dall’altro, è un memorandum per il sé di oggi, che non rinnega ma prende le distanze da tutte le paure, gli auto-sabotaggi ed i conflitti interiori del sé di un tempo. “Non sono come te” è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato a Torino nell’ormai iconica barberia dell’artista. Una hit ritmata e travolgente a cui è impossibile resistere, ma che nella leggerezza delle sue sonorità e nella vivacità dei suoi toni, riflette un messaggio ben preciso e di assoluta importanza: «Non è semplice dimenticare bullismo e violenza, ma non arrendetevi al male e rialzatevi sempre, perché nella vita esistono una o più possibilità di rivincita per ognuno di noi ed io ne sono la prova». Wendi Grandinetti.

Afrobeat, drill, trap e reggaeton si fondono con eleganza e sensualità in “Toca Toca” (Orangle Records/Ingrooves), il nuovo singolo dalle vibes tropicali e decise di Sara J Jones. L’energica rossa del pop italiano, dopo aver chiesto “Scusa” a se stessa e al proprio passato ed aver trasformato in “Caramelle” tutte quelle insicurezze e paure che, proprio come un “Iceberg”, le impedivano di esprimersi appieno, confinandola a vivere il mondo “Seduta di spalle”, dà il benvenuto alla sua primavera interiore con un pezzo che fa della grinta la chiave di volta per rinascere, senza cancellare i trascorsi personali, bensì utilizzandoli come trampolini da cui spiccare il volo, per ripatire con nuova linfa, più forte e determinata che mai. Nell’originalissima commistione sonora cucita ad hoc per la sua attitudine versatile e sperimentale dall’ineccepibile tocco dello staff dei Phaser Studios, la cantautrice milanese mette in musica un’accattivante replica a tutti quei momenti no che di tanto in tanto la vita pone davanti a ciascuno di noi, ricordandoci che anche quando lo sconforto e la desolazione bussano alla nostra porta, tutto può mutare, cambiando in meglio, in un solo istante. «”Toca Toca” – dichiara l’artista - è la mia risposta a quei momenti in cui sentiamo di perdere il controllo, periodi dove sembra tutto buio. Se ci pensiamo bene, alla fine, arriva sempre qualcosa o qualcuno in grado di riportare l’ordine, come Zapdos e Articuno». Proprio nell’analogia con i due Pokémon leggendari, Sara evidenzia l’importanza di mantenere uno spiraglio aperto sulle corazze che indossiamo quotidianamente per proteggerci dagli attacchi esterni, da quelle delusioni che ci conducono a non concedere più la nostra fiducia a chi ci circonda - «non mi fiderò più di nessuno, non voglio far andare i sogni in fumo» -, in modo da poter ritrovare e ritornare alla luce grazie al sostegno e all’affetto delle persone a noi care - «se questa bocca parlerà di te anche in questo buio, saremo Zapdos e Articuno» -, eludendo a volte ed abbattendo altre le barriere del pregiudizio e delle malelingue - «sta gente straparla, non la sopporto» -. Come una ventata d’aria pura, fresca per disciogliere il gelo e al contempo tropicale per riaccendere di vitalità passione e sensi - «quando tu mi entri nella testa, togli il respiro e metti l'aria fresca» -, “Toca Toca” è un inno alla libertà di potersi esprimere mediante tutte le inflessioni del proprio pentagramma interiore - «già lo sai che tu toccherai i tasti che suonano di me» -, una carezza delicata e ammaliante che divampa, senza bruciare, per riaccendere tutti i colori dell’anima.

“Non mi pento dei momenti in cui ho sofferto, porto su di me le cicatrici come se fossero medaglie”, scrisse Paulo Coelho, e dalle ferite animiche e fisiche hanno tratto ispirazione e consiglio i più illustri pensatori, filosofi, poeti e scrittori di ogni tempo. Ma in una società come la nostra, sempre più incline ad etichettare come sbagliato il diverso, vestendolo di preconcetti e confinandolo ai margini, le cicatrici e i cosiddetti “inestetismi” equivalgono ad imperfezioni capaci di scalfire e ledere chi le indossa ben oltre la superficie a cui si riferiscono. Proprio da questa visione distopica e deleteria, ad esclusivo appannaggio dell’apparenza, nasce “Oro” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), il nuovo singolo della cantautrice, attrice e scrittrice bergamasca d’adozione newyorkese Kefàli. Dopo aver dato prova non soltanto della sua abilità tecnica, ma anche dell’emozionalità di cui sono intrise le sue composizioni e le conseguenti interpretazioni, l’artista che ha incantato pubblico e critica con il suo manifesto sul fardello delle aspettative sociali “Please”, torna a regalarci uno spaccato di verità e purezza che trae dall’antichissima tecnica di restauro giapponese Kintsugi per impreziosire di prestigio e valore tutte le tracce, evidenti o impercettibili, lasciate sul corpo e sull’anima da esperienze dolorose pregresse. Nata con l’atresia polmonare a setto intatto, cardiopatia congenita rara e complessa, Kefàli si schiera da sempre in prima linea per sensibilizzare giovani e meno giovani sulle tematiche dell’accettazione e dell’inclusione, e dopo aver fondato l’Associazione La Musica del Cuore ed aver scritto il suo primo libro in cui racconta non soltanto la malattia e la connessione spirituale con gli altri pazienti, ma trasmette anche un importantissimo messaggio di speranza, gioia e sicurezza, mostra al pubblico la parte più autentica, intima e sincera del suo percorso, allontanandosi dalla rincorsa di canoni estetici imposti, per avvicinare tutti noi alla riscoperta della nostra straordinaria bellezza personale. «Due vite che si intrecciano» in una, e come un pregiato e indissolubile ordito, tessono l’anima in perfetta armonia con la trama delle emozioni, generando un vivacissimo bagliore capace di trasformare la sofferenza in esperienza attraverso la fusione di dolore e rinascita - «come oro brillerò in questa luce fatta di riflessi, di noi» -, che porta in essere un’irripetibile ed unica al mondo opera di tessitura, quella della storia, della vita, di ciascuno di noi. «”Oro” – dichiara Kefàli - è una canzone che parla di accettazione e diversità, di dolore e di gioia. Ispirata dalla tecnica giapponese del Kintsugi, vuole portare alla luce le cicatrici visibili e non che tutti noi ci portiamo dentro o sulla pelle. Quando una ceramica si rompe all'improvviso, in Giappone non viene buttata, ma riparata con l'oro. Questo perché le linee di rottura lasciate visibili, diventano delle vere e proprie opere d'arte». Opere d’arte di intensa bellezza, capaci di ricordarci che da quelle apparenti imperfezioni, possono nascere nuove forme di assoluta perfezione, estetica ed interiore. «Le nostre cicatrici – conclude l’artista - sono quelle piccole rotture, imperfette ma allo stesso tempo preziose, perché spesso sono l'unico motivo per cui molti di noi sono ancora qui. “Oro” vuole essere un inno volto ad aiutare chi le porta ad imparare ad amarle – e ad amarsi - un po' di più, sfidando la società a non fermarsi in superficie, bensì a guardare dietro, oltre, dentro. Le nostre storie sono ciò che ci rende unici e le nostre cicatrici sono la testimonianza del nostro vissuto. Questa canzone è per loro». “Oro” è accompagnato dal videoclip ufficiale, che, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, verrà rilasciato nel corso delle prossime settimane. Un brano dal fortissimo valore emozionale, in grado di sfiorare e accarezzare le corde più profonde del nostro universo interiore e di sanare, con la terapia dell’accettazione e della condivisione, tutte quelle ferite che altro non sono che un’opera d’arte che ci ricorda la meraviglia sita nell'essere vivi.

Anticipato dai singoli “Liceo”, “Passatempo”, “Litighiamo per ore” e “Triste da un po’”, approda su tutti i digital store “Emotions” (WD Music Italy), l’attesissimo debut album di Bori, una delle migliori promesse della scena urban italiana contemporanea. Sorretto dall’intangibile ma potentissimo fil rouge delle emozioni da cui prende titolo e forma e dal tocco ineccepibile di Harley alla produzione, il disco è una profonda immersione nell’universo interiore dell’essere umano, caratterizzato da tutte quelle gradazioni e quegli alti e bassi che danno vita ad un arcobaleno cromatico e sensoriale personalissimo, unico per ciascuno di noi. In una dimensione triste e malinconica, intrisa però di speranza e desideri, si staglia il racconto di un giovane capace di dar voce ad un’intera generazione, a quei “Figli dell’emo” che si fanno trasportare dal flusso più passionale e struggente dell’amore, e che quando “Qualcosa non va”, si domandano se il discutere, quel “Litighiamo per ore,” sia il prezzo da pagare per vivere un rapporto, se il destinatario del loro sentimento si senta allo stesso modo, “Triste da un po’”, o se li consideri solo come un temporaneo e transitorio “Passatempo”. Una situazione a mezz’aria tra impasse e nostalgia, che li conduce a rifugiarsi nel passato, in quei ricordi di “Qualche anno fa”, dove, tra i battiti del cuore nati sui banchi del “Liceo”, bastava un solo sguardo per riconoscersi, per dirsi, senza l’ausilio della parola, “Hai sofferto quanto me” e da lì, camminare insieme, voler condividere tutto, in un “Ho bisogno di noi” che non imprigiona, ma da cui scaturisce un’unica dipendenza, quella di respirare e vivere una libertà al quadrato. 9 tracce che come capitoli di un racconto inciso nel libro della vita, sfoggiano senza timori le sfumature da cui sono pervasi, dando vita ad un disco dai mille colori, un vero e proprio concentrato percettivo da cui osservare il mondo attraverso un’iride policromatico capace di cogliere e catturare un’infinita gamma di “Emotions”. A seguire, la tracklist dell'album: “Emotions” - Tracklist: 1. Figli dell’emo(intro) 2. Qualcosa non va 3. Passatempo (feat. Ethos) 4. Litighiamo per ore 5. Liceo 6. Hai sofferto quanto me (Feat Sac1) 7. Ho bisogno di noi 8. Triste da un po’ 9. Qualche anno fa (outro)

Il filosofo francese Gilbert Cesbron scrisse che “ognuno di noi ha un accompagnamento musicale interiore. E se gli altri l’ascoltano bene, si chiama personalità”, e da questo disegno di accordi interiori dai molteplici tratti e colori, un vero artista attinge per comunicare se stesso al mondo e viceversa, con un tocco unico e personale in cui ogni ascoltatore può ritrovarsi, sentendosi compreso e meno solo. Questo è ciò che ha fatto il cantautore e polistrumentista napoletano Eric Mormile, che dopo aver conquistato pubblico e critica con il manifesto sociale elettro-rock “Quanta Luce”, con il quale invitava tutti noi a far brillare il fuoco della nostra anima oltre giudizi e preconcetti, riconferma l’eclettismo della sua scrittura e la versatilità del suo repertorio con “Nun Pozzo Cchiù Guarì”, il suo nuovo singolo. Un brano completamente differente da quelli presentati sinora dall’autore e interprete campano, che si distingue non soltanto per un abbraccio melodico modernissimo ma fortemente affine alla tradizione musicale partenopea, ma anche per una dimensione testuale per lui nuova, volutamente inesplorata, quella del sentimento d’amore, qui esaminato e discusso da un’inedita prospettiva, quella di una malattia, un disturbo che sa curare e lenire ogni sua causa. Celebre ai media per il suo intento di rivoluzionare e ammodernare la scena discografica partenopea mediante fusioni sonore innovative e scelte testuali atipiche e rivoluzionarie, pur mantenendo saldo il viscerale amore per la propria terra ed un forte senso di appartenenza evincibili anche dall’utilizzo del solo dialetto, Eric Mormile fa centro proponendo un brano che sì parla d’amore, ma lo fa in un modo del tutto diverso, come lui stesso spiega: «‘’Nun Pozzo Cchiù Guarì’’ è una canzone molto atipica per quello di cui normalmente parlo: tendo a produrre pochissimi testi a sfondo sentimentale, poiché tutta la canzone napoletana ne è pervasa. Per questo motivo, trovo sia estremamente facile cadere nel cliché quando si parla di trasporto emotivo usando questa lingua. Ma l’amore fa parte di ciascuno di noi e ho quindi cercato il modo meno banale possibile per parlarne, paragonandolo ad una specie di malattia a cui nessuno di noi è vaccinato a sufficienza». Ciò che può apparire a primo acchito in controtendenza per un anticonformista come Eric, risulta però in grado di stupire e avvalorare la sua attitude punk, inserendosi perfettamente in quella visione caleidoscopica e rivoluzionaria, quasi pionieristica, che lo caratterizzano, partendo dalla scelta del titolo, ispirato da alcune riflessioni su una delle pellicole più illustri e blasonate della filmografia italiana, “Il Postino” di Massimo Troisi: «Stavo ragionando sulle frasi di Massimo Troisi nel film ‘’Il Postino’’, - prosegue il cantautore -, quando in una scena, afferma di ‘’non voler rimedio’’ al suo innamoramento, ma di voler ‘’restare malato’’. Da lì, mi sono chiesto: e se parlassi dell’amore come di una malattia? Quando scrivo i testi delle mie canzoni, cerco sempre di raccontare la mia esperienza, il mio vissuto; ecco quindi la mia storia di una malattia benevola!» Dallo stupore iniziale scaturito dalla consapevolezza di provare un sentimento profondo a tal punto da farci diventare come tele su cui il destinatario del sentimento stesso può dipingere tutto quello che ha dentro di se, riversandone ogni colore, fino alla presa di coscienza che dinanzi alla potenza del cuore e dei suoi battiti nessuno è immune, l’artista ci accompagna in un viaggio che ha come unica meta il coraggio di lasciarsi andare agli itinerari del cuore, acquisendo contezza che rassegnarsi a non guarire più significa in qualche modo vivere davvero ciò che abbiamo la fortuna di provare, anche quando ci risulta difficile abbandonarci alle emozioni per timore, esperienze spiacevoli passate o diffidenza. Sotto il punto di vista ritmico e armonico, “Nun Pozzo Cchiù Guarì” si inserisce tra le vivaci fila della World Music, ispirandosi alle composizioni di Peter Gabriel, ma soprattutto, come suggerisce la presenza del Sax Soprano Alessio Castaldi, di Sting e dei Mr. Mister, rappresentando un vero e proprio antipasto del primo album di Eric, in uscita a fine anno, frutto di un lungo percorso di ricerca e sperimentazione. A differenza di tutte le altre tracce che andranno a comporre il disco, scritte negli ultimi 4 anni, “Nun Pozzo Cchiù Guarì” è nato nel 2010, originariamente come un pezzo in lingua inglese, poi scritto ex novo in napoletano e riadattato musicalmente grazie anche alla supervisione del Maestro Salvatore Palomba (autore di “Carmela”, brano della canzone classica napoletana portato al successo da Sergio Bruni). «Come tutte le canzoni che scrivo, - conclude Eric Mormile - ‘’Nun Pozzo Cchiù Guarì’’ è una parte di me, e come esperimento di vecchio brano che acquisisce nuova linfa vitale tramite musica e testo rinnovati, non credo sarà l’ultimo. Con la mia musica, cerco sempre di parlare del mio vissuto personale, ed è per questo che la canzone è anche il racconto di come ‘’il muro’’ della mia diffidenza sentimentale, sia stato abbattuto dalla persona che l’ha ispirata e con cui ormai sto da molto tempo. La stessa persona, Elvira, compare in siluette anche sulla copertina del singolo, curata da Diana De Luca, e nel relativo videoclip, da me ideato». Lasciarsi andare, trasportati dalla maestosa corrente del sentimento, cercando di abbattere la propria diffidenza per rinnovare se stessi, concedendosi così la possibilità di amare e di esprimersi attraverso l’amore, immergendosi completamente nella sola “malattia” che è al contempo cura e terapia di se stessa.

La celebre scrittrice e fumettista statunitense Jodi Picoult scrisse che “nello spazio tra un sì ed un no, c’è tutta una vita” e tra i vicoli, le crepe, le aurore ed i tramonti di quest’ermetica e sconfinata area così soggettiva e personale, la giovanissima e brillante cantautrice, modella e attrice napoletana d’adozione londinese Alba, torna a stupire disegnandone i confini in “No” (Delma Jag Records), il suo nuovo singolo. Dopo aver dato prova della sua versatilità passando dall’elettro-lounge del singolo d’esordio “Ciao” alla dance-pop d’Oltreoceano di “Odiarti Anch’io”, l’artista classe 2000 cattura e affascina dipingendo con la sua vocalità armoniosa, delicata, e al contempo energica e penetrante, un arcobaleno di indipendenza e intraprendenza in chiave elettro-pop, con cui pone fine a tutti quei dissensi e quei dinieghi che quotidianamente ci ingabbiano, impedendoci di realizzare i nostri sogni - «ancora una volta ho spezzato le catene» -, dando vita ad un nuovo capitolo, ad «un’altra storia che non vieti di sognare». “No” che provengono dall’esterno e come porte chiuse in faccia ci lasciano inermi dinanzi alla scelta di proseguire o indietreggiare lungo la via che conduce alla nostra realizzazione, ma anche rifiuti, negazioni e disapprovazioni che ogni giorno rivolgiamo a noi stessi, negandoci la possibilità di essere felici, pronunciando quella lunga serie di “no” che in realtà celano e nascondono il timore di affermarci alla vita, sotto il punto di vista professionale, relazionale e personale. «Questa canzone – dichiara Alba - è la storia di tutti i “no” ricevuti, in abito lavorativo e personale. Ma anche di quelli che diciamo a noi stessi, perché ci è stato insegnato che ad alcune cose bisogna dire di “no”, oppure perché a volte abbiamo paura di dire di “si” a ciò che non è completamente convenzionale, o a qualcosa che potrebbe stravolgere la nostra vita». Un brano che ci invita a troncare ed abbandonare questo circolo vizioso, incoraggiandoci a confidare in noi stessi senza preoccuparci eccessivamente delle difficoltà che potrebbero presentarsi - «spero ormai da anni in una botta di fortuna, la ruota si è incastrata si ma io non ho paura», liberandoci così dalla paura di confessare i nostri desideri ad alta voce - «e no non te lo dico sennò poi non si avvera» -, riappropriandoci della nostra vera natura - «tu ricordati di amare» - e abbattendo definitivamente gli steccati  - «lancio questo missile ho distrutto la barriera» - che ci precludono la possibilità di realizzarci pienamente. “No” è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato a Napoli sotto la direzione di Andiy Yudka.

Dopo aver emozionato pubblico e critica con l’elegante e incantata carezza acustica “Dreamin’ in the sky”, il compositore varesotto Lorenzo Ciffo, artigiano delle note dell’anima, torna nei digital store con “Mechanical Impact 2.0", il suo nuovo singolo. Ispirato all’estro creativo del celebre polistrumentista olandese Tom Holkenborg, noto con lo pseudonimo di Junkie XL, il brano trae dalle più profonde e ricorrenti suggestioni e paure umane, frutto di una società sempre più incline a delegare alle innovazioni tecnologiche incarichi e incombenze proprie dell’uomo, per plasmarsi su una dimensione sonora elettronica e sintetizzata - in grado di evocare istantaneamente il concetto di "meccanico", strettamente collegato a robot e umanoidi -, impreziosita da percussioni cariche di suspense che condensano e riproducano con incisiva efficacia l’impatto netto degli ampi arti artificiali che si agganciano al suolo per invadere la Terra. Forti richiami celebrativi alle battaglie medievali si amalgamano a ritmi futuristici, per dar vita alla narrazione di un’armata di prototipi “2.0” alle prime fasi di analisi e studio, che a causa di un bug del sistema operativo che ne ha compromesso l’intelligenza artificiale ancora in versione beta da cui sono padroneggiati, si ribellano e insorgono contro i loro stessi creatori, provocando caos, panico e terrore su tutto il Pianeta. Uno scenario apocalittico, a mezz’aria tra la pura fantascienza e i timori sempre più concreti da cui fluisce, capace di suscitare al contempo tensione e adrenalina; vivide sensazioni contrastanti che si fondono e si susseguono in poco più di due minuti di composizione all’insegna di emozioni sul filo del rasoio. «”Mechanical Impact 2.0” – dichiara l’artista -, è una colonna sonora carica di suspense in cui metto in musica un immaginario fantascientifico, bellicoso e catastrofico, ma al tempo stesso impetuoso, passionale e adrenalinico. Il mio intento, come sempre, è quello di far riflettere: dove ci porterà la tecnologia e quanto siamo disposti a cederle il controllo delle nostre vite?» Androidi, cyborg e replicanti che sovvertono il mondo come oggi lo conosciamo sono solo il risultato delle nostre suggestioni e di pellicole ideate da sognanti menti brillanti, o un pericolo reale e più imminente di quanto possa dipingere la nostra immaginazione? Eclettico, brillante e dotato di un’incredibile abilità nel saper trasporre in musica sentimenti e stati d’animo senza il supporto di parola alcuna, Lorenzo Ciffo affascina e sorprende sugellando in ogni brano scenari tratti dal quotidiano di ciascuno di noi, che come luce riflessa sullo specchio interiore di chi vi si immerge, conduce ed accompagna a quelle stesse percezioni, con il fine ultimo di ricordare a tutti noi di ascoltarci, di ascoltare i battiti emessi dal cuore che non solo soltanto un automatismo meccanico, ma il suono, unico e inequivocabile, della nostra vita.... Continua a leggere

Ci sono voci capaci di giungere dritte all’anima per intensità e colori, voci che, con la delicatezza del loro graffio e l’eleganza del loro vissuto, attraversano ogni corazza emotiva, accarezzandoci il cuore come una brezza leggera, un vento caldo e gentile che ci consente di guardarci dentro senza filtri e di sentirci compresi, accettati, in ogni nostra fragilità. Una di queste è senza dubbio quella di Lisa Orefice, cantante di origine calabrese nata in Germania e d’adozione bergamasca, che dopo una lunga gavetta iniziata sui palchi tedeschi a soli 15 anni e la pubblicazione del suo primo singolo ufficiale, “Non cambiare mai”, avvenuta lo scorso anno, torna in radio e nei digital store con “Vicinissimo” (La Mia Song), una poesia di melodia e sentimento nata dal perfetto connubio tra musica leggera e pop internazionale. Su un testo d’autore senza tempo, scritto da Remo Elia (già per Carmen Consoli, Ivana Spagna, Tiromancino, Sal Da Vinci e molti altri) e Luca Sala, l’abilità interpretativa di Lisa scandaglia sentimenti e riflessioni, dando vita ad un ritratto animico che, nella struggente malinconia dei suoi tratti, riflette la luce di una ritrovata, seppur sofferta, consapevolezza, quella di amare chi, nonostante la propria vicinanza fisica, si allontana sempre più dal nostro sentire - «tu sei vicinissimo, ma così fuori da me» -, portandoci a dubitare di noi stessi, a rifugiarci, quasi annullandoci, nel nostro stesso sentimento - «quando mi spoglio mi vesto di te» -, che ci rende ancor più doloro e complesso voltare pagina - «come poi ricominciare se di notte c’è la volta di stelle e una luna che sembra abbia gli angoli?» -. In quel «quanto fa male l’amore se amore non è» cantato da Lisa, è inciso tutto il dolore scaturito dalla profonda analisi di una relazione ormai giunta al capolinea, intrisa di vuoti che possono essere colmati soltanto con un amaro ma necessario punto che ci consenta di fare pace con il passato, abbracciando le proprie ferite e ricominciando a vivere, tornando finalmente a sentirci “Vicinissimi” con noi stessi, prima che a chiunque altro al di fuori di noi. Il brano è accompagnato dall’emblematico videoclip ufficiale che, girato tra le incantevoli spiagge di Formia (LT) sotto l’attenta direzione del celebre regista Nilo Sciarrone (già per Giusy Attanasio), coglie ed enfatizza con vividi frame la profonda accezione del testo, rendendo perfettamente in immagini quel «mare tra noi» che l’artista osserva e interiorizza prima di lasciarsi alle spalle. Dotata di una sensibilità comunicativa degna delle più grandi interpreti della discografia nazionale, Lisa Orefice riconferma classe, carisma e urgenza espressiva in un pezzo che attinge alla musica d’autore italiana strizzando al contempo l’occhio alle più moderne tendenze internazionali.... Continua a leggere

Due colleghi, due amici, ma sopra e prima di tutto due anime unite dalla stessa passione, la Musica. A distanza di un mese dal singolo apripista “Liceo” e a meno di tre settimane dall’attesissimo debut EP, Bori torna a collaborare con Ethos su “Passatempo” (WD Music Italy), un bianco e nero di riflessioni e sentimenti, a mezz’aria tra malinconia e dolcezza, che riconferma il sodalizio artistico tra due dei più seguiti e apprezzati esponenti dell’urban-pop italiano. In un abito sonoro elegantissimo e ricercato, cucito ad hoc dal fidato tocco di Harley su un testo ricco di intensità, è racchiusa la suggestiva essenza del brano, espressa nel susseguirsi di pensieri e ricordi che le voci e le liriche dei due cantautori ricamano in maniera impeccabile, disegnando la trama di un rapporto di coppia nebuloso e complesso, da cui fluisce uno stato di stordimento e confusione che conduce i protagonisti della narrazione a domandarsi se tutto ciò che stanno vivendo sia l’inizio di un profondo amore o soltanto un gioco per ingannare, oltre a se stessi, i reciproci vuoti interiori tra il ticchettio delle lancette, un futile e improduttivo “passatempo”. Dubbi, incertezze e perplessità, vengono minuziosamente scandagliati dalla sensibilità autorale ed interpretativa di Bori ed Ethos, che analizzano ogni aspetto della relazione, dal travolgente e inaspettato impeto di passione capace di stravolgere abitudini e programmi - «tu sei una sconosciuta e mi hai cambiato routine» -, a tutte quelle ombre sconosciute che, come un’aura velata, ermetica e criptica, permeano e avvolgono di mistero azioni e atteggiamenti di un partner sfuggente ma al tempo stesso presente in ogni sua voluta mancanza - «se nel suo passato c’è più bene che male» -. Ma se in solitudine, chiusi tra le sbarre delle proprie gabbie emotive, ogni minuto è soltanto un monito della condizione di impasse in cui ci troviamo - «non passa il tempo da solo»-, il solo sfiorare con il pensiero i tratti dell’altro è la risposta a tutti i quesiti - «io non ho mai visto niente di più bello dei tuoi occhi» -, che trovano nella perdita di autocontrollo tipica dell’innamoramento - «quando ti guardo non capisco niente» - la chiave per aprire quella stessa prigione, oltre ogni parola, oltre ogni resistenza - «mi son pure illuso di cambiarti, ma tu mi hai cambiato nel mentre» -. Un pezzo che, nella profonda delicatezza dei suoi versi, esamina non soltanto il rapporto con l’altro, ma anche e soprattutto quello con se stessi, in un faccia a faccia crudo e diretto con la parte più fragile e insicura della percezione personale - «certe cose vorrei dartele, però sono cresciuto ai margini, quindi faresti meglio ad andartene»; «non ti meriti tu il casino che ho dentro, tu eri il casino più bello» -, quella che, imperturbabile e austera, giudica e sabota, puntando il dito verso e contro di sé. “Passatempo” regala al pubblico un’ulteriore prova dell’incisività dei due hitmakers italiani e, con l’emozionalità dei suoi chiaroscuri, aggiunge nuove sfumature al primo EP di Bori, un arcobaleno di ritmi e suggestioni in uscita nel corso delle prossime settimane.... Continua a leggere

Una voce che irrompe con delicatezza e, senza chiedere il permesso, attraversa l’anima: questa è Ginevra, all’anagrafe Ginevra Abrignani, cantautrice veneta classe 1993 che dopo due fortunati album con gli Jansheer ed un percorso solista ricco di importanti traguardi, torna nei digital store con “Heartbroken”, il suo nuovo singolo. Meravigliosamente descritta «Un cerbiatto che canta l’amore e le sue distorsioni» dai giornalisti Francesco Bommartini e Gianni Della Cioppa nel loro libro “Verona Rock” (Delmiglio Editore, 2016), Ginevra è un caleidoscopio di note e colori che si veste di classe e sentimenti per riflettere i molteplici aspetti del cuore. In questo brano, sorretto soltanto dall’intensità della sua voce e avvolto dal tenue e delicato abbraccio della chitarra acustica che sfocia, dopo il primo ritornello, in un incantevole intreccio di basso e batteria, l’artista fa fluire, con disarmante eleganza e lucidità, i battiti interrotti dall’eco di un addio - «You put a mess inside of a girl’s heart» -, espressione di tutte quelle ferite che ci lacerano e ci consumano dentro, scolorendo i sorrisi e recidendo i legami che cessano di rappresentare casa, per divenire fredde ed asettiche gabbie in cui deporre i frammenti di un cuore spezzato. Un acoustic pop-rock potentissimo, impreziosito dal perfetto mix tra la vocalità delicata e l’attitude punk di Ginevra, che tra le irresistibili sfumature dal forte richiamo d’Oltreoceano di inizio secolo, dipinge il suo autoritratto per osservarsi da un’altra prospettiva, catturando nuance e frame di una se stessa interrotta, sospesa e bloccata tra pareti di cristallo infrante, per provare a rinascere oltre il dolore, oltre il sofferto ma necessario addio ad un amore unilaterale, non corrisposto. «”Heartbroken” – dichiara la cantautrice – racconta del disagio e del turbamento che si provano quando si vive un amore a senso unico. Parla delle difficoltà di indossare continuamente maschere e interpretare un ruolo per non far trasparire il proprio malessere e di come, per quanto ci ferisca, quel sentimento sia al contempo ossigeno per la nostra vita». Un pezzo che nella struggente e malinconica afflizione dei suoi versi, si fa spazio tra le crepe del nostro sentire, grazie al sound leggero e raffinato, per lenirle e mitigarle con il fine tocco della verità, la presa di consapevolezza che l’amore vero non distrugge ma edifica e la promessa di costruire, dopo un imprescindibile e liberatorio sfogo, un domani in grado di porre noi stessi al centro di quel cuore che abbiamo il compito di proteggere e tutelare. Dopo l’immersione nel gothic-punk di “Sola solita” e nel respiro etereo di “Anelito”, Ginevra torna a prestare la sua voce all’immediatezza della lingua inglese, riconfermando e avvalorando la versatilità della sua scrittura ed un’incredibile capacità di destreggiarsi, con naturale eleganza, tra generi e interpretazioni completamente differenti, mantenendo come unico filo conduttore il nucleo pulsante della sua cifra stilistica, una voce che sa essere al tempo stesso angelica e penetrante, delicata e graffiante, una carezza in grado di graffiare l’anima per tornare ad amare oltre l’amore. “Heartbroken” segna un nuovo importante tassello nel pittoresco percorso artistico di Ginevra, che tornerà in primavera con un’imperdibile collaborazione con il rapper vicentino Fronzy Vincent e, a fine anno, con l’atteso debut EP solista: 5 tracce in chiave folk-acustica, realizzate in sinergia con l’abilità creativa dei producer veronesi di Discover Underground.

Nato e cresciuto nella periferia di Milano, affascinato dalle sonorità underground del Wu-Tang Clan e dai samples iconici di Kanye West, Neon Dust, il “Lord of the Synth” della vaporwave italiana, torna nei digital store con “Another Way To Love” (PuffRecords), il suo nuovo singolo co-prodotto con il maestro del crossover da dancefloor oZZo. Magistralmente interpretato da Breg Zermann, cantante, chitarrista e bassista italiano celebre per la sua attitude elettro-matal-punk e per la sua capacità di attingere e spaziare da scream, growl e belting a sfumature vocali morbide e avvolgenti, il brano è un upgrade evolutivo per il producer milanese, che grazie al boost accattivante di oZZo, dà suono e forma ad una realtà claustrofobica, una dimensione distopica e visionaria in cui l’umanità, satura dei propri vuoti interiori, fugge dal pianeta Terra alla ricerca di un “Another Way To Love”, cogliendolo e individuandolo nell’emozionante incontro con nuove forme di vita, capaci di donare, senza filtri e senza inganni, inesplorate forme d’amore. Uno spaccato suggestivo a mezz’aria tra sentimentalismo e cyberpunk, in cui l’unico atto di ribellione è quello nei confronti di una società tecnicamente progressista, ma al lato pratico ancora troppo spesso ingabbiata nel giudizio. In quel «Are you real or on my mind? I wanna stay, it’s not a game» («Sei reale o nella mia mente? Voglio restare, non è affatto un gioco»), è racchiusa la profonda necessità di tornare ad amare, di sentirsi pervasi da un sentimento che per troppo tempo è stato oppresso e vessato in favore dell’illogica rincorsa a quel primo posto su un chimerico e solitario podio, nel disperato tentativo di vivere una relazione dai tratti inverosimili, un rapporto di coppia ibrido tra due esseri completamente diversi, come un umano e un androide. In questa chiave di lettura, struggente e malinconica, l’ascoltatore viene istantaneamente condotto in un immersivo stato nostalgico in cui prevalgono sensazioni di impotenza e sconforto, frutto di un desiderio che appare impossibile da esaudire. Un tocco freddo, simbolo di un vuoto incolmabile e di una passione inattuabile che i due attori della narrazione non potranno mai mettere a tacere. Volersi amare nelle proprie diversità e trovarne luce in quelle dell’altro; tratti capaci di arricchirci e migliorarci, ma così difficili da disegnare a soli due cuori e quattro mani, in un mondo che, ancora oggi, difficilmente accetta e approva le differenze, tutto ciò che non comprende e giudica. Un pezzo intensissimo, che nel sognante romanticismo del suo sound, avvolge un testo ricco di spunti per riflettere e su cui meditare, perché non esiste una sola forma d’amore, né un unico modo di amare, ma un sentimento universale sincero, viscerale e totalizzante, che può essere declinato ed espresso con autentica purezza in un meraviglioso e personalissimo “Another Way To Love”.

Con la sensibilità, il carisma e la classe che la contraddistinguono, Grid, la «reginetta indiscussa del pop emergente italiano», torna in radio e nei digital store con “Errestrana” (Rusty Records), il suo manifesto in musica contro pregiudizi e discriminazione. Cantautrice, grid girl, autrice, modella, influencer e showgirl di successo, la giovanissima punta di diamante della storica label milanese, si svela senza filtri in un suggestivo e toccante flusso di liriche e coscienza, facendo i conti con le etichette, le critiche e le malelingue che hanno attraversato, e tuttora mirano ad intralciare, il suo percorso artistico e di vita. Una raffinata ed emozionante dedica a se stessi e a tutte quelle peculiarità che ci rendono unici ma che la società continua ad esecrare classificandole come “difetti”, un’appassionante immersione nel meraviglioso e variopinto mare magnum interiore di una ragazza che ogni giorno diventa un po’ più donna, affrontando giudizi e futili preconcetti - «commenti quello che speravo ti tenessi dietro i denti» -, che con coraggio trasforma in prerogative su cui far leva per costruire una propria identità - «alla mia R strana io gli voglio bene che se cambia non sono io» -, ove ogni caratteristica personale viene accolta e celebrata, sovvertendo così il senso di inadeguatezza in amor proprio, nell’arduo ma imprescindibile percorso verso l’accettazione di sé. «”Errestrana” – dichiara Grid - è un inno contro ogni tipo di discriminazione e schema. In questo brano, racconto quelle mie singolarità che molto spesso sono state definite “difetti”. Avere la R moscia, così come essere molto magri o un po’ in carne, sono solamente involucri di ciò che siamo, della nostra anima, ma non ci definiscono! “Errestrana” è il mio modo di dire “basta” a tutte queste visioni obsolete e ghettizzanti». Una missione, quella di mostrarsi con sincerità sotto ogni aspetto, che Grid ha perseguito fin dalla sua prima release e che in brani come “Testacoda”, perfetto intreccio di grinta e autodeterminazione, e “Nomade”, una vera e propria pergamena pop di indipendenza, in cui invita gli ascoltatori a viaggiare in loro stessi per poi esprimersi appieno, senza badare alle critiche altrui, trovano la chiave di volta per aprire nuove prospettive e nuovi orizzonti sul mondo, guardandolo con occhi diversi, più sicuri e consapevoli del proprio valore. Prodotto dall’immancabile tocco dell’Artist Development di Cosmophonix Production, questo nuovo singolo, accompagnato dal videoclip ufficiale girato a Milano e diretto da Angelo Capozzi – che sarà rilasciato nel corso delle prossime settimane -, svela il lato più maturo, introspettivo e sensibile di una delle cantautrici più versatili, autentiche e apprezzate della scena pop italiana, che proprio grazie al suo carisma e alla sua iconica “Errestrana”, ha conquistato orecchie e cuore di milioni di ascoltatori.... Continua a leggere

Ballerino di fama internazionale, coreografo per le più celebri star italiane, insegnante di danza a bambini e giovani con diversa abilità, rapper e performer da sempre impegnato in progetti inclusivi dal forte impatto sociale, Willy Vi, dopo la pubblicazione del debut EP “Arya” che l’ha consacrato ufficialmente alla scena italiana, torna a raccontare le sue emozioni in “Regalo” (Key Records/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo in feat. con Francy. Dopo una gavetta costellata di successi che gli ha consentito di calcare i più prestigiosi palchi internazionali con nomi del calibro di Coolio, Lil Wayne, Pitbull e di aver reso celebri i videoclip di alcuni dei pesi massimi del rap-game nazionale, da Tedua a Shade, passando per Lazza ed Highsnob, fino ad arrivare alle celebrities più seguite ed apprezzate del web e del piccolo e grande schermo (Giulia Salemi, Giulia Sara Salemi, Michelle Hunziker, Barbara D’Urso, ecc ecc…), il poliedrico artista della periferia di Milano intreccia le sue competenze trasversali in una dedica cuore e barre impreziosita dalla penetrante timbrica della giovanissima cantautrice Francy, al secolo Francesca Calocero. Sull’armoniosa e innovativa fusione di R&B e drill, i due artisti alternano voci e stili per dar vita ad un dialogo in musica in cui i sentimenti prevalgono sulla ragione; un omaggio alle coppie di ieri e di oggi che, nonostante le avversità e gli ostacoli figli della frenesia contemporanea, continuano a scegliersi quotidianamente, anteponendo a loro stessi e al proprio orgoglio quell’amore incondizionato che continua a pervaderli oltre lo scorrere del tempo. Perché amarsi e stare insieme è un impegno costante e concreto, una decisione sorta dal cuore, ma sancita e avvalorata da ciò che la logica, pur non comprendendo, accetta e segue per il prezioso valore che vi attribuisce. Un botta e risposta moderno ed attualissimo, reso ancor più autentico e sincero dalla riuscita e brillante fusione tra l’incisività comunicativa di Willy e l’interpretazione eterea, ma ricca di sfumature Soul-Black, di Francy. In quel «non sono d’esempio, fa parte di me, l'errore l'ho fatto, deludo per tre», l’artista nato e cresciuto nei sobborghi della città ambrosiana, pur essendo un punto di riferimento ed un vero esempio di dedizione, impegno, sacrificio e talento per migliaia di giovani da oltre un decennio, esprime tutto il suo malessere in un’autoanalisi che lo spoglia da filtri e status symbol, mettendo in luce quanto l’amore continui a rimanere il successo più grande, anche in una vita costellata da importantissime soddisfazioni e traguardi raggiunti, come lui stesso dichiara: «Se l'amore non può esistere, allora non può esistere nessun regalo. Questa canzone, che ho avuto il piacere e l’onore di condividere con Francy, uno dei più promettenti astri nascenti del panorama Soul/R&B italiano, è il mio regalo al pubblico per ricordare a tutti che l’amore è la linfa stessa delle nostre esistenze e dobbiamo sempre ritagliarci uno spazio per dare attenzioni e affetto a chi ci circonda, soprattutto al/alla nostro/a partner, che sceglie di starci accanto indipendentemente da tutto e da tutti». Impegno, sacrificio e dedizione sono proprio gli elementi chiave della formazione di un ballerino, ma anche i principi cardine su cui si posa, insieme alla fiducia e al rispetto reciproco, ogni tipo di relazione umana, in un’ottica fortemente Old School, ma non per questo obsoleta e superata, che mira al raggiungimento di rapporti stabili, intensi e duraturi, capaci di superare le difficoltà, mano nella mano, per rimanere in equilibrio pur continuando ad evolvere e maturare nel tempo, come in un Airflare sulle lancette dell’orologio della vita che, nonostante le intemperie, ci consente di trovare sempre la nostra stabilità, individuale prima e di coppia poi. Prodotto da Yazzee del TDLab Milano, il brano è un dono tra le note che evidenzia quanto, ogni battito del cuore, equivalga ad un meraviglioso regalo della vita, come sottolinea Francy: «Ogni emozione ed ogni sentimento vanno vissuti come un regalo, perché anche se non possiamo toccarli, sono quanto più di prezioso abbiamo». Ed è attraverso questa consapevolezza, quella dell’inestimabile valore racchiuso nell’immateriale, che i due artisti ci mostrano, con assoluta immediatezza e spontaneità, come anche nel 2023 i sentimenti siano la vera benzina del nostro motore interiore; gli argomenti più catchy e senza tempo che non necessitano di filtri o waves momentanee per far breccia nel cuore del pubblico di ogni età. “Regalo” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto dallo stesso Willy Vi, che verrà rilasciato su YouTube nel corso delle prossime settimane. Biografia. Willy Vi è un ballerino professionista, coreografo, rapper e performer classe 1988. Cresciuto nel quartiere Maciachini zona 9, ai sobborghi della Città Ambrosiana, si avvicina all’Arte a soli 9 anni, iniziando a ballare per le strade e, a soli 18 anni, calca i più prestigiosi palchi internazionali con star della scena d’Oltreoceano, come Coolio, Lil Wayne e Pitbull. Sul fronte italiano, è coreografo di numerosissimi videoclip dei pesi massimi del rap-game nazionale, da Tedua a Shade, passando per Lazza ed Highsnob, e segue alcune delle celebrities più apprezzate del web, del piccolo e del grande schermo (tra le altre: Giulia Salemi, Giulia Sara Salemi, Michelle Hunziker e Barbara D’Urso). Da sempre impegnato nel sociale, insegna danza a bambini e giovani con diversa abilità e nel 2022, anche grazie al fortuito incontro con RANMAH, una delle più promettenti leve del panorama Hip Hop del Belpaese, dà il via alla sua carriera musicale, pubblicando i singoli “Hey Bro”, “No Stop” ed il debut EP “Arya”, un emozionante diario a cuore aperto che nell’intreccio tra le due sostanze invisibili ma indispensabili per l’essere umano, l’aria e l’amore - che in questo caso è rappresentato dalla compagna di vita di Willy Vi, Arianna -, genera 6 tracce capaci di mostrare come i sentimenti siano sempre la vera linfa del nostro motore interiore, gli argomenti più catchy e senza tempo che non necessitano di filtri o waves momentanee per far breccia nel cuore del pubblico di ogni età. Perché impegno, sacrificio e dedizione sono gli elementi chiave della formazione di un ballerino, ma sono anche i principi cardine su cui si posa, insieme alla fiducia e al rispetto reciproco, ogni tipo di relazione umana, in un’ottica fortemente Old School, ma non per questo obsoleta e superata, che mira al raggiungimento di rapporti stabili, intensi e duraturi, capaci di superare le difficoltà, mano nella mano, per rimanere in equilibrio pur continuando ad evolvere e maturare nel tempo, come in un Airflare sulle lancette dell’orologio della vita che, nonostante le intemperie, ci consente di trovare sempre la nostra stabilità, individuale prima e di coppia poi. Versatile, sensibile, brillante e dotato di un estro creativo da vero fuoriclasse, Willy Vi è uno dei performers più completi e stimati della scena Hip Hop italiana.... Continua a leggere

Uno dei compiti principali di un artista, è sicuramente quello di trasmettere, attraverso la propria musica, esperienze personali, spaccati di vita vissuta in cui, anche un solo ascoltatore al mondo, possa ritrovarsi, per sentirsi compreso, accettato, meno solo. Ma per fare ciò, occorre attingere alla sincerità e all’autoanalisi, scavando a fondo in se stessi per portare a galla ogni insicurezza, ogni paura, ogni tratto di sé che, nel quotidiano, cerchiamo di mascherare con l’illusoria convinzione di apparire migliori. Questo è ciò che ha fatto Simone Campanile, che accantonando una gavetta iniziata oltre 10 anni fa, contrassegnata da molteplici successi, ha scelto di cambiare rotta per dar voce al suo vero sé, tornando in radio e nei digital store con “L’ultima volta” (distr. Orangle Records), brano che ne sancisce l’esordio sotto lo pseudonimo CRIO. Una decisione frutto di un lungo percorso di consapevolezza, che in questo pezzo intenso, viscerale e capace di fondere alla perfezione lo struggente flusso di coscienza del cantautore classe ‘93 al ritmo ipnotico e travolgente su cui si posa - curato dall’abilità creativa di Samuele Murdaca del Phaser Studios -, trova nel passaggio «l’ultima volta che scappo da me» la chiave di volta per rinascere dai propri timori, dai traumi del passato, dagli sbagli e da quelle ferite che, se non sanate, continuano a lacerarci nel profondo, impedendoci di capire chi siamo davvero. Nel perfetto equilibrio di rock, blues, rap e pop, commistione che simboleggia egregiamente l’armonia interiore a cui aspirare facendo pace con il passato ed accogliendo ogni sfumatura della propria totalità, CRIO si mette a nudo raccontando ogni aspetto della sua vita, mettendo così in luce come è solo ponendo fine ai giudizi più empi e dolorosi, quelli che ciascuno di noi rivolge a se stesso - «negli ultimi anni ho smesso di giudicarmi» -, che è effettivamente possibile conoscersi a fondo per poi raggiungere obiettivi, traguardi e desideri senza l’impasse e la sofferenza causati da condizionamenti e critiche esterni - «conservo lacrime per ricordarmi di quanto si soffre se muore un sogno, tu lascia che muoia ritrova la forza e poi sogna più forte» -. «Con questo singolo – dichiara l’artista – ho deciso di raccontarmi senza filtri, per raccontare quanto sia importante accettarsi e non mollare mai, anche quando la vita ci mette all’angolo. Lo definirei un brano nudo, autentico e diretto, dal sapore di rivalsa e di novità. Se ci conosciamo a fondo, qualsiasi risultato vogliamo raggiungere, lo raggiungeremo». “L’ultima volta” è una promessa a se stessi, una dichiarazione d’intenti che suona e riecheggia come una vera e propria hit nella mente, ancora prima che in radio e in playlist. Con la sua vocalità profonda ed una penna fulgida e penetrante, in grado di scavare a fondo tra emozioni e sentimenti, CRIO è il perfetto anello di congiunzione tra due generazioni a confronto, capace di riportare l'interesse del pubblico adulto sul panorama Blues italiano e avvicinando, attraverso un linguaggio immediato, catchy e contemporaneo, gli ascoltatori più giovani a contaminazioni sonore ricercate e liriche d’autore.... Continua a leggere

17 anni all’anagrafe, release sincere e pulite su cui si riversano liriche lontane da cliché ed esperienze non vissute che come fiumi in piena di emozioni e pensieri, colorano l’album dei ricordi di un giovane di oggi, cogliendone e catturandone speranze, sentimenti, gioie e delusioni. Ed è in questa dimensione di verità espressiva che il cantautore argentino d’adozione capitolina giamba, al secolo Gian Bautista Cano, dopo aver magnetizzato pubblico e critica con la fine delicatezza delle sue interpretazioni in “IQOS” e “Domani”, torna a dar luce e voce alla Gen Z con “Con Te” (WD Music Italy), il suo nuovo singolo. Prodotto dal tocco unico e incantato di Steve Tarta (già per LDA, Emanuele Aloia, Albe e molti altri), e scritto dallo stesso giamba a quattro mani con Alessandro Caiazza (co-autore di LDA), il brano è una pop-ballad iper catchy dal sapore mediterraneo, in cui leggerezza, dinamismo e brio abbracciano e attraversano un testo ricco di spensieratezza e romanticismo, una dedica frizzante e vivace alla meravigliosa sensazione che noi tutti siamo soliti definire “colpo di fulmine”. Sin dall’attacco della prima strofa - «Quando ti ho vista per la prima volta la mia bocca non parlava più ed eri così bella, te lo giuro, si ferma il mondo se non ci sei tu» - l’impronta comunicativa dolce ed efficace del giovanissimo talento porteños scandisce il ritmo di quei battiti di cuore interrotti dall’emozione di un incrocio di sguardi, che nella sua inattesa istantaneità, racchiude un preziosissimo frammento di eterno, intrecciando passione, entusiasmo, tenerezza e adrenalina. Un pezzo che, nella leggerezza dei suoi contorni, delinea e sprigiona tutta quella serie di positive vibes generate dal fuoco dell’innamoramento - «mille specchi che riflettono il sorriso, sono loro che proteggono da ogni nemico» -, che si corroborano e si espandono alimentandosi del desiderio di stare sempre accanto a chi ce le ha donate, allontanandosi dalla dimensione malinconica dell’amore, fatta di paura, dolore e pressioni, per regalarci un’istantanea gioiosa e vivace sui sentimenti e le relazioni capace di riportarci indietro nel tempo, ma soprattutto, di ricordarci che amare non significa struggersi, dipendere o annullarsi, ma arricchirsi di istanti e di emozioni che avvalorano e fortificano la bellezza della vita.

A distanza di 6 anni dal primo singolo e reduce dal successo di brani come “Riscatto”, “Vista Mare” e del debut EP “Origine”, il giovane e brillante rapper reggino d’adozione capitolina Bede, torna a raccontarsi in “Gran Galà”, una vera e propria dedica di barre e liriche al più grande e intenso amore della sua vita, la musica. In un’originale e impeccabile trasposizione di un vissuto arduo e complesso, segnato da eventi, ferite e vicissitudini traumatiche su un beat travolgente e super catchy, Bede metaforizza con eleganza e delicatezza il suo rapporto con la musica equiparandolo ad una relazione di coppia che all’improvviso perde la sua accezione benefica, diventando, giorno dopo giorno, tossica e distruttiva. Irrequietezza, instabilità, ansia e disillusione, si alternano ad un profondissimo e sincero amore unilaterale che il protagonista della narrazione continua a nutrire verso la propria amata, una partner venerata, idolatrata e a tratti idealizzata, nei confronti della quale, però, riserva anche un pizzico di rancore, in quanto è stata in grado di rapirlo, sedurlo ed ammaliarlo sin dal primo istante, seducendolo e facendolo perdutamente innamorare, per poi lasciarlo inerme, in balìa di se stesso e di una serie di correnti impervie e tumultuose. Un amore irruento e viscerale che non cessa di esistere e alimentarsi, perché nonostante tutto, nei momenti di assoluta necessità, la musica si è sempre fatta trovare pronta, con una mano tesa volta ad accudire, lenire e ricucire le ferite di un cuore che ha rischiato di interrompere il suo battito per sempre - «non mi hai lasciato manco sul letto dell'ospedale» -. Una storia, quella di Bede, che nell’assoluta sensibilità della sua penna, rimane celata per lasciar spazio alle storie di ciascun ascoltatore, infrangendo con le onde della sola empatia, l’influenza ed il condizionamento di una narrazione-guida volta a raccontare un percorso già delineato, dando così modo di far fluire e parlare solo ed esclusivamente l’altalenante successione di sentimenti contrastanti che avvolgono e permeano l’intero pezzo. La produzione malinconica e impetuosa al contempo, curata dal tocco ineccepibile di Thephra, segue perfettamente il flusso di coscienza riversato nel testo, avvalorando con il suono quel nido di silenzio interiore capace di comunicare ben più e ben oltre le parole. Nel susseguirsi di versi e strofe, l’artista racconta il suo periodo riabilitativo post-trauma, evidenziando quanto, la musica, sia stato il suo unico appiglio ed il solo stimolo che gli ha consentito di trovare la forza di rialzarsi e ricominciare a vivere, esortandolo a dare il meglio di sé ogni giorno - «mi hai insegnato a guardare in alto sempre più in alto» -. Un viaggio arduo e difficoltoso, che l’ha costretto a ripetuti face to face con i propri limiti e le proprie fragilità, conducendolo spesso ad una dolorosa, ma senza dubbio catartica, autoanalisi - «a letto noi ci graffiavamo fino a fare uscire il sangue» -. «L'idea del brano – dichiara Bede - è nata in studio da Thephra, in Trentino. In una settimana, partendo da zero, abbiamo creato questa traccia con l'idea di donare una certa profondità ed importanza al testo. Volevamo chiudere un pezzo che toccasse l'anima della gente e che arrivasse dritto al cuore dell'ascoltatore. Per dare un tono particolare, la scelta di non dedicare il tutto ad una donna, ma di parlare di un tipo di amore che va al di là delle persone e che, in un certo senso, per quanto possa regalarci molto ed essere totalizzante, rimane sempre e solo a senso unico, quello per la musica». Ed è sull’unilateralità di passioni e sentimenti che l’artista ci invita a riflettere, ricordandoci che la centralità dell’esistenza è amare, indipendentemente dal concetto di reciprocità che, ancora troppo spesso, ci impedisce di vivere pienamente e di inseguire emozioni, sogni e sentimenti per il solo, meraviglioso, dono di poterlo fare. “Gran Galà” è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato a Roma sotto la direzione di Valerio e Alessio Vasselli con la partecipazione di Silvia Proietti. «Ritengo fondamentale credere nei propri sentimenti, senza badare al fatto che essi siano reciproci o meno. La bellezza dell'amore sta proprio nella capacità di poter amare; vince sempre e solo il sentimento». Bede.... Continua a leggere

Con la sua vocalità inconfondibile, potente e al contempo intrisa di delicatissime nuance e cromie, Ruggero Ricci, reduce dal fortunatissimo debutto ad Una Voce per San Marino - che l’ha visto condividere il palco con ospiti del calibro di Roy Paci, Eiffel 65, Lorenzo Licitra, Deborah Iurato e Ronela Hajati -, torna in radio e nei digital store con “Firework” (Orangle Records/Universal Music Italia), il suo splendido ritratto voce ed anima sulla necessità di ammettere errori e paure per ricominciare ad amarsi e, di conseguenza, a vivere. Scritto dalla penetrante e fulgida penna dello stesso artista romagnolo a quattro mani con Messya e avvolto dall’abbraccio sonoro minuziosamente cucito sull’emozionalità di strofe e ritornello dall’abilità di Riccardo Brizi (già per Aaron e molti altri), “Firework” è la perfetta commistione di contemporaneità e ricordi, il riuscito connubio tra un suggestivo testo d’autore bilingue ed un emblematico tappeto sonoro capace di coniugare l’elettronica ad una ballad malinconica, viscerale e sincera, che guida ed accompagna l’ascoltatore in un catartico e liberatorio viaggio introspettivo. Il brano, presentato per la prima volta alle semifinali di “Una Voce per San Marino”, nasce dall’esigenza personale dell’artista di voler dar luce e voce alle difficoltà che la vita presenta lungo il percorso di ciascuno di noi sotto diverse forme. Lo scorrere del tempo, la sempre più crescente ansia scaturita dall’esigenza di dover piacere a tutti ad ogni costo, i ritmi frenetici che la società di oggi ci impone, sono solo alcuni dei molteplici fattori che, se perpetrati, possono condurre all’overthinking, destabilizzando contemporaneamente la nostra sfera emotiva, fisica e mentale. Ed è proprio in un momento di sovraccarico e profondo squilibrio interiore che è nato il pezzo, con l’auspicio e l’intento di sensibilizzare il pubblico su una tematica ancora molto sottovalutata e spesso equiparata ad un banale ed ordinario “riflettere molto”, ma che ha, in realtà, non soltanto importanti conseguenze sul benessere complessivo dell’individuo, ma anche e soprattutto una genesi strettamente interconnessa al modo in cui viviamo, o, per meglio dire, al modo in cui riteniamo sia opportuno vivere per essere accettati e apprezzati da chi ci circonda. Nell’incantevole e toccante susseguirsi dei violini di Mariella Papanaga e dei rullanti di Matteo Raimondo, Ruggero Ricci scava in se stesso per riscoprire il valore dell’autenticità e delle peculiarità individuali, decidendo - ed esortando tutti a noi a fare lo stesso - di riconoscere difetti e sbagli, accogliendo ed accettando il dolore per elaborarlo e trasformarlo in forza, connettendosi così alla parte più vera della sua natura. Archi, chitarre, percussioni e pattern elettronici, vestono di sontuosa raffinatezza la sorprendente genuinità del testo, che trasforma l’opaca e vacua incertezza in una realtà concreta e tangibile, avvalendosi dall’abilità interpretativa di Ruggero che richiama l’esplosione dei fuochi d’artificio per travolgere orecchie e cuore con un’estensione vocale degna dei più grandi interpreti internazionali. «Sono molto legato a questo pezzo – dichiara l’artista -, perché evidenzia le fragilità dell’essere umano, ma al tempo stesso ne fa istantaneamente percepire la forza che è possibile trarne, se comprendiamo i nostri errori, i nostri limiti e li trasformiamo in trampolini di lancio verso la libertà, la libertà di essere noi stessi al 100%. Spero dal profondo che questa mia lettera a cuore aperto in musica, possa servire ad aiutare altre persone che si sono ritrovate a superare, o che in questo momento stanno affrontando, un periodo simile a quello che ho vissuto io sulla mia pelle». Con eleganza e delicatezza, “Firework” entra nell’anima sin dal primo ascolto, facendo riemergere ricordi assopiti attraverso un accurato patchwork di liriche ed elettronica; un viaggio la cui meta esula dalla semplice speranza e si allontana dal miraggio, mostrando istantaneamente il traguardo, quella felicità pura e totalizzante che è frutto esclusivo dell’accettazione delle nostre imperfezioni umane, con la vivida consapevolezza che il fallimento non rappresenta la fine, ma è parte integrante e formativa del background di vita di ciascuno di noi. “Firework” è accompagnato dallo spettacolare videoclip ufficiale, presentato in anteprima nazionale su TGCOM24 e girato a San Marino sotto la direzione di R3tro, al secolo Andrea Colucci, che, come un vero e proprio corto, traspone in frame ed immagini la penetrante accezione del testo, anche grazie alla sensibilità performativa e artistica della ballerina pluri-blasonata Veronica Bagnolini. Un brano intenso, che nell’abbagliante contrasto di luci ed ombre e nella sentita interpretazione di Ruggero Ricci, mostra uno spaccato di verità su una società di filtri e apparenze, stupendo l’ascoltatore e riconfermando la cifra stilistica versatile, l’attitudine ricercata e l’innegabile talento del suo autore, in un perfetto sodalizio tra il cantautorato più classico della struttura testuale e l’impeccabile intreccio sonoro che strizza l’occhio alle più moderne tendenze musicali internazionali.... Continua a leggere

Dopo essersi fatto conoscere e apprezzare dal grande pubblico in veste di attore protagonista nell’emozionante pellicola a tematica sociale “Autumn Beat” di Antonio Dikele Distefano, in cui ha interpretato il giovane rapper Paco, Marco Renna approda nei digital store con “SOLO con pochi”, il suo primo singolo ufficiale che mette in luce l’eclettismo della sua visione artistica. Nato nella capitale maliana Bamako nel 2009, e trasferitosi nella capitale dell’Arte italiana, Milano, con la famiglia adottiva nel 2011, a soli 9 anni dà vita al suo primo canale YouTube e, poco dopo, inizia a studiare musica e recitazione, mostrando sin da subito una naturale attitudine alla condivisione del suo universo interiore sotto svariate forme ed un’urgenza espressiva vivace, versatile e plurisfaccettata. Un’inclinazione, quella di Marco, che come una vera e propria vocazione prende forma in una comunicazione semplice, diretta ed efficace, evincibile istantaneamente sia dalle sue rappresentazioni attoriali, sia dal flusso di coscienza e liriche di questa sua prima release, che narra con pathos, autenticità e delicatezza la sua storia, mediante barre incisive dal forte impatto emozionale, frutto di cha sa raccontare per esperienza vissuta, interiorizzata e affrontata sulla propria pelle e non per ego, trend o sentito dire. Sin dall’attacco del pezzo - «Ok, ok, ok, giuro non son cambiato» -, il giovanissimo rapper riflette in musica i propri trascorsi, scandagliando con toccante lucidità gli inizi complicati, segnati da un importante abbandono ed un taglio con le sue origini, l’affetto grazie al quale ha costruito un solido e indissolubile legame con la propria famiglia e la straordinarietà di rimanere se stessi, umili, sensibili e generosi, anche e soprattutto di fronte alle delusioni e alle aspettative disilluse cui la vita, a volte, ci chiama a fare i conti. In quel «ha sempre aiutato tutti non ha mai fatto del male, si, per certe persone non c'era niente da fare», si evince la maturità e la consapevolezza di chi rimane fedele a se stesso e ai propri valori e, osservandosi dall’esterno, come uno spettatore incondizionato dal proprio stesso vissuto che osserva affascinato la prima della sua autobiografia, prosegue il suo cammino dando credito e fiducia soltanto a coloro che non l’hanno mai fatto sentire solo, ma, come egregiamente riassunto nel titolo, “SOLO con pochi”. «Questo pezzo – dichiara Marco - mi rappresenta completamente, è il primo vero e proprio racconto di me e della mia vita. Sono un ragazzo piuttosto riservato e scrivere testi mi offre l’opportunità di esprimere appieno quello che provo. Vivo tutto questo come un percorso di crescita, artistica e personale, e spero che nelle mie canzoni si possano ritrovare molti giovani, molti miei coetanei che spesso faticano ad identificare se stessi e le persone che gli sono davvero vicine, quelle di cui potersi fidare. Non sono molti coloro a cui donare la nostra fiducia, ma ci sono ed è fondamentale rendersi conto di quanto siano preziosi!» “SOLO con pochi”, volutamente rilasciato sulle piattaforme digitali il 21 Marzo, in occasione dell’anniversario dell’incontro di Marco con la sua famiglia adottiva, è un brano intenso e suggestivo, nato di getto in seguito alla fortuita scoperta del beat di “Autumn Beat” del musicista e producer colombiano Cristian Vera, come lo stesso artista spiega: «Sebbene mi dilettassi già da diversi anni con la musica, un giorno stavo navigando in rete cercando alcune recensioni sul film a cui ho preso parte, “Autumn Beat” di Dikele. Così, mi sono imbattuto nell’omonima composizione di Cristian Vera, che mi è piaciuta tantissimo sin dal primo ascolto. Mi ha ispirato a scriverci su un testo, che è nato di getto, in pochissimo tempo, tra le mura della mia camera». Ed è proprio tra le mura della sua camera che Marco, nonostante i suoi 13 anni di età, regala a tutti una preziosissima lezione di saggezza e coscienza, quella di rimanere se stessi a prescindere da tutto, imparando ad amarsi ed accettarsi nella propria totalità, perché è solo così che potremmo spiccare il volo verso i nostri obiettivi - «solo con te al mio fianco potrò sempre sognare». Diretto, sensibile e caleidoscopico, Marco Renna svela al pubblico un nuovo volto alla Generazione Zeta, raccontandone emozioni, sentimenti, desideri e riflessioni sotto la lente di un rap genuino, pulito e sincero.... Continua a leggere

Graffiante, anticonvenzionale e dotato di un eclettismo che fa della trasversalità artistica il punto centrale della sua cifra stilistica, il cantautore e musicista ciociaro Zatarra, al secolo Marco Florio, dopo la pubblicazione del debut album “Burning Butterfly Arabesque”, che l’ha consacrato ufficialmente alla scena indie-rock italiana, torna nei digital store con “(If It Moves) Kiss It” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo ispirato ad una delle pellicole più iconiche e controverse del nostro tempo, a sua volta tratta dal distopico e celeberrimo omonimo romanzo di Anthony Burgess, “Arancia Meccanica”. Su un tappeto sonoro dal forte richiamo britpop, capace di rimandare istantaneamente ad una dimensione sospesa tra passato e presente, l’artista prende per mano l’ascoltatore guidandolo tra le pagine della storia di un Drugo che, ormai adulto, dopo aver superato la fase di una giovinezza trascorsa a delinquere, tra quelle “avventure di un giovane i cui principali interessi sono lo stupro, l'ultra-violenza e Beethoven”, citando la locandina, ripensa con un velo di nostalgia a tutta la sua vita, riflettendo su un oggi in cui, nonostante l’età che dovrebbe condurlo ad una nuova consapevolezza ed una conseguente maturità acquisita, continua a farlo spadroneggiare per dettar legge tra le strade insieme ai suoi compagni, uniti da quella fede indomita che, nonostante l’inconfutabile anticonformismo, li rende indissolubilmente legati li uni agli altri. Un brano volutamente provocatorio, quasi irriverente, che ad una più attenta analisi risulta essere nient’altro che una denuncia mordace e penetrante ad una società sempre più incline all’effimero, che in quei «I’m so afraid of this ultra loving sex» («ho tanta paura di questo sesso ultra amorevole») e «my fear is your victory» («la mia paura è la tua vittoria»), rivela egregiamente la visione dualistica e dicotomica di Zatarra, il cui non-personaggio può essere identificato come uno strumento concettuale, utilizzato per esprimere la bidimensionalità esistenziale dell'essere umano, costantemente in conflitto tra la sua dimensione corporea ed incorporea. Una bipartizione che l’artista fa fluire come concept nel suo disco d’esordio, metaforizzando principi contrapposti, quali tenebre e luce, in perenne contrasto tra loro, rappresentando con le prime la memoria e, con la seconda, l'immaginazione, a cui spetta l’oneroso compito di sopperire con l'arte l'oblio frutto dei ricordi, e che qui ritroviamo sotto nuova forma, quella della quotidiana battaglia interiore tra desideri e timori, ma soprattutto, tra prerogative individuali e sociali. Scritto e composto dallo stesso Zatarra, che ne ha curato anche l’arrangiamento e la parte chitarristica, con i bassi di Lorenzo Iorio, le tastiere di Pierfrancesco Di Pofi e i rullanti di Fabio Colicci, “(If It Moves) Kiss It”, registrato e Mixato da Vincenzo Folcarelli con master di Fabrizio Migliorelli del MStudio Center, attinge ad uno dei ritratti più folli e al contempo visionari del XX secolo, per far riflettere su una serie di considerazioni personali specchio del contesto sociale in cui si inseriscono; spaccati introspettivi frammentati e a tratti irregolari, figli di una visione distorta, ma autentica e sincera, di una quotidianità sempre più falsata ed artefatta. Biografia. Zatarra, al secolo Marco Florio, è un cantautore e chitarrista indie-rock ciociaro, con alle spalle una lunga gavetta di concerti live nei locali underground di tutto il centro Italia. Ad Aprile 2022, esordisce nei digital store con “Despite Everithing”, seguito, il mese successivo, dal debut album “Burning Butterfly Arabesque”, che rappresenta la trasposizione musicale del volo leggero e fluido della farfalla, la quale, una volta uscita dal suo stato di larva, brucia a contatto con la luce in una danza verso la libertà artistica. Le canzoni di Zatarra sono intrise di tutte le esperienze e contaminazioni musicali acquisite negli anni e l'album d’esordio, fortemente influenzato dal rock anni '60 e '70, risulta essere costantemente in bilico tra sonorità vintage e innovazione, in una dimensione sospesa sogno e realtà, tra luce ed ombra. Più che un personaggio, Zatarra può essere identificato come uno strumento concettuale, utilizzato per esprimere la bidimensionalità esistenziale dell'essere corporeo e dell'essere incorporeo, ove il corporeo è la memoria e l'incorporeo l'immaginazione. In “Burning Butterfly Arabesque” questi due mondi metaforizzano principi contrapposti quali luce e tenebre, in costante conflitto tra loro. Le tenebre sono l’emblema della memoria, mentre la luce dell'immaginazione, che sopperisce con l'arte l'oblio della prima. Nel 2023, l’artista firma un contratto discografico con l’etichetta milanese PaKo Music Records, con la quale pubblica, nel mese di Marzo, ““(If It Moves) Kiss It”, un trasversale manifesto dai tratti tipicamente britpop, che traendo dalla celebre e controversa pellicola cinematografica “Arancia Meccanica”, racconta la storia di un Drugo che, ormai adulto, ripensa con un velo di nostalgia a tutta la sua vita, mentre continua a dettar legge per le strade insieme ai suoi compagni, conducendo l’ascoltatore a riflettere sui timori e sulle maschere individuali, figli di una società sempre più incline all’effimero.... Continua a leggere

Non basta un mazzo di rose per curare una ferita d’amore: questo è ciò che Sara J Jones, con la sensibilità, la classe e la sensualità che la contraddistinguono, racconta in “Scusa” (Orangle Records/ADA Music Italy), il suo nuovo intreccio di pop e afrobeat avvolto da intense e malinconiche sfumature reggaeton. Sulla ricercata e riuscitissima commistione sonora che sorregge il pezzo, resa possibile dall’abilità creativa di Andrea Cattaldo e Daniele Fasoli dei Phasher Studios, l’intensità espressiva di Sara si focalizza sul mix di emozioni che ci pervadono quando siamo chiamati a guardare in faccia la realtà nell’affrontare traumi emotivi che lasciano il segno, proprio come gli oggetti e i ricordi sulle pareti di un appartamento ormai abbandonato - «Cosa resta di te? Mobili, ritratti, su pareti vuote» -. Scritto dalla stessa cantautrice milanese ripercorrendo un’esperienza personale vissuta anni fa, “Scusa” è la trasposizione in musica di una serie di tentativi di riappacificazione e riconquista andati vani, che non cancellano né la gioia né il dolore dei trascorsi a due anime, ma rivelano, con lo scorrere del tempo, l’esigenza di mettere un punto effettivo a capitoli ormai conclusi, per voltare pagina con un ritrovato e imprescindibile amor proprio. «Correva l’anno 2017 – dichiara l’artista – e, dopo un lungo periodo di relazione, io e lui abbiamo deciso di intraprendere due strade differenti, in quanto, per me, le cose erano totalmente cambiate. Nonostante la mia sincerità e chiarezza nei suoi confronti, è bastato un solo giorno perché lui facesse sparire tutte le sue cose da casa mia. Mi sono ritrovata sola, in una casa improvvisamente vuota. Non è stato un bel momento, ma mi ha insegnato molto. Qualche mese più in là, questa persona ha provato anche a riconquistarmi, regalandomi un meraviglioso mazzo di rose, pensando che tutto si sarebbe aggiustato. Sapete? da quel giorno ho imparato pian piano ad amare davvero me stessa. Questo brano è il mio modo di raccontare l’accaduto e spero che gli ascoltatori possano ritrovarsi nelle mie parole. “Scusa” mi è servito per ricordarmi che le cose belle sicuramente rimangono e che molte volte non abbiamo il coraggio di esporle così come vorremmo. Probabilmente, la me stessa di oggi direbbe che lui non era la persona giusta e non era il momento giusto». Un pezzo penetrante, a mezz’aria tra selfness love e personal empowerment che, nell’autenticità e nella verità delle sue liriche, dà voce e musica ad uno spaccato sui rapporti umani in cui, ciascun ascoltatore, a prescindere dall’età, dalla provenienza e dall’orientamento sessuale, può ritrovarsi, con la maturità, l’umiltà e l’egenza di chi sa chiedere “Scusa”, agli altri e a se stesso. “Scusa” è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato a Milano dall’immancabile e attento sguardo di Alessandra Miatello, che sarà disponibile su YouTube nel corso delle prossime settimane.... Continua a leggere

A poco più di un mese dalla pubblicazione di “Uscire”, il cui videoclip ha superato il mezzo milione di views in pochissimi giorni, il cantautore e polistrumentista campano STRE torna nei digital store con “La Terra è piatta”, il suo nuovo singolo in grado di stupire e affascinare sin dal primo play. Dopo aver appassionato e coinvolto pubblico e critica con l’incisività dei suoi testi, avvolti da sonorità fortemente rockeggianti perfettamente amalgamate ad un pop fresco e attualissimo, l’artista dona un’ulteriore prova del proprio eclettismo presentando un pezzo che si distacca completamente dalla dimensione punk-alternativa finora abbracciata, per esplorare la delicatezza e la suggestione di un indie-pop dal profumo vintage ma dal sapore contemporaneo, mantenendo però la graffiante carezza del rock che sostiene e accompagna l’intera release di riff e rullanti, senza rinunciare ai violini e ad un ritornello dal richiamo britpop a lui tanto caro. Con le sue liriche sospese tra il vuoto scaturito dalla struggente mancanza della persona amata e il desiderio di mettere un punto effettivo ad un capitolo già concluso, “La Terra è piatta” rappresenta la chiusura di un cerchio, della trilogia iniziata ad Ottobre 2022 con “A pezzi”, in cui l’artista ha affrontato il tema della rottura, proseguita con “Uscire”, ove ha raccontato il passaggio tra una fase e l’altra, e che qui si conclude con la narrazione, sentita e viscerale, di ciò che viene dopo, appunto la mancanza. L’assenza dolorosa e sofferta che attraversa e valica il tempo senza trovare senso e pace in nuove abitudini e conoscenze - «passeranno i sogni come compleanni, e ti cercherò un po' negli altri» -, portandoci a dubitare di tutto, di noi stessi «adesso che non son più io» -, e perfino delle evidenze attorno a noi - «divento complottista, perché senza di te la terra è piatta» -. Una vera e propria pop-ballad ricercata ed elegante, capace di cullare ferite e sentimenti tra l’immancabile autoironia dell’artista ed il suo estro creativo, che continua a fare centro per l’originalità delle sue vedute: per supportare l’uscita del pezzo, infatti, STRE ha sfoggiato le sue doti attoriali vestendo i panni di un terrapiattista tra le strade di Napoli e, nel suo riuscitissimo vaneggiare, ha catturato l’attenzione di tutti i passanti e degli utenti online, a cui ha donato un volantino, contenente un misterioso QR Code che riportava, astutamente, all’ascolto di “La Terra è piatta”. Una visione caleidoscopica e personalissima dell’Arte, che grazie al taglio ironico e mordace di cui si compone, gli ha consentito di arrivare dritto al cuore del pubblico sin dai suoi primi inediti e che in questo singolo, senza dubbio il più sofferto e malinconico, ritroviamo sia nel titolo che nel videoclip ufficiale - come sempre ideato, diretto e prodotto dallo stesso STRE -, in cui il flusso di rancore e tristezza espresso nel testo, lascia spazio ad alcuni momenti ilari e leggeri, trasponendo in frame una vera e propria conversazione WhatsApp, per far riflettere su quanto, la mancanza della persona amata, attecchisca sulla quotidianità di chi continua a vivere nella sua presentissima assenza. «Con questo brano – dichiara l’artista – ho voluto fare una cosa a cui tenevo molto, anticipare al pubblico un piccolo assaggio di quello che ci sarà nel mio disco di prossima uscita, anche se ha un mood diverso dai miei precedenti singoli. Nella mia musica, il filo conduttore è sempre quello di vedere la luce in fondo al tunnel ma è anche vero che, a volte, questa luce riusciamo a vederla solo se conosciamo bene il buio. Sentivo il bisogno di pubblicare questa canzone adesso, perché per me rappresenta la chiusura della trilogia iniziata con “A pezzi” e proseguita con “Uscire”. Qui si evince ciò che viene dopo: la mancanza. La mancanza quasi perenne, perché il tempo passa, ma la mancanza resta».

Se per opporre un'efficace resistenza all'azione perforante di proiettili ed armi da fuoco ci basta indossare un indumento antiproiettile, cosa ci ripara dai colpi che, improvvisi e silenti, traforano il nostro cuore trapassando fiducia, ricordi e sentimenti? Da questo interrogativo è nato “Antiproiettile”, il nuovo singolo di Blade che, dopo aver emozionato per l’incisività della sua penna e l’abilità nel saper variare egregiamente sound e flow nell’EP d’esordio “Sopra le nuvole”, torna a raccontarsi mostrando un ulteriore lato di sé, quello più risoluto, indipendente e consapevole. Rap, trap, elettronica ed ipnotiche sfumature lounge e chillout si amalgamano – grazie all’abilità del fidato producer Francesco Brattoli - fino a fondersi per creare una corazza che non si nutre di debolezze e fragilità, né si erge per celare la vera natura di chi la indossa, bensì si adopera per schermare e arrestare tutte quelle cartucce intrise di odio, giudizio, astio e cattiveria che provengono dall’esterno e molto, troppo spesso, ci impediscono di esprimerci appieno, minando e compromettendo il tragitto lungo il raggiungimento dei nostri obiettivi. Un’armatura che non reprime il dolore, ma che di quella stessa sofferenza si e ci fortifica, rendendoci i veri protagonisti delle nostre esistenze ed i soli padroni delle nostre emozioni e delle reazioni che decidiamo di mettere in atto ad ogni attacco esterno. Un guscio invisibile ma più solido e compatto che mai, che non rinvia il colpo al mittente con la stessa pallottola carica di violenza da un mirino pregno di astio e vendetta, ma attutisce il colpo per temprarsi e rinvigorirci, permettendoci una controffensiva molto più sana e soddisfacente, quella del conseguimento dei nostri traguardi personali. Tra incastri, slang e punchlines, il giovane rapper della periferia milanese, che ha trovato nella musica il suo scudo “Antiproiettile”, esorta l’ascoltatore a fidarsi del proprio istinto e dei propri sogni, tralasciando e superando con eleganza, stile e classe, proprio come un «antiproiettile matchato Armani», la malignità e l’avversione di coloro che invece di coltivare un’esistenza piena e armoniosa, non fanno altro che cercare di ostacolare e distruggere le vite e le aspirazioni degli altri. «Un antiproiettile - dichiara l’artista - nasce per proteggere i colpi da arma da fuoco, ma il mio è nato per ripararmi da tutte le persone che mi vogliono a terra. È una corazza perché mi fido solo di me stesso, dopo quello che ho passato ormai niente mi tocca, nemmeno il parere della gente. Vorrei far capire a chi mi ascolta, che è sempre meglio seguire la propria testa, i propri sogni ed il proprio cuore anziché i giudizi e le critiche non costruttive degli altri, superando la paura di quello che potrebbero pensare e di rimanere soli. Vivete al massimo, non smettete per un giorno di sentirvi vivi; questo è il messaggio principale del brano». Ed è quella paura di rimanere soli che a volte si interpone tra noi e i nostri desideri, un timore che, se analizzato a fondo, si dissolve nella consapevolezza che, chi ci ama e ci apprezza davvero, ci ascolta, ci supporta ed esprime pareri ed opinioni in maniera assertiva, senza farci sentire inadatti e fuori luogo. “Antiproiettile” riconferma la versatilità di Blade, un artista capace di differenziarsi ad ogni release, pur mantenendo un’identità e una cifra stilistica fortemente riconoscibili, caratterizzate dalla sincerità e dalla sensibilità tradotte in liriche e barre.

Il graffiante duo rap-trap milanese di fratelli di origine kosovara Nova King, dopo l’incredibile successo ottenuto con le precedenti release, tra cui la suggestiva ed emozionante “Silenzio” ed il travolgente intreccio elettro-house “Dh”, torna in radio e nei digital store con “Romantico” (PaKo Music Records/Believe Digital), il nuovo singolo che ne evidenzia carisma, versatilità e attitudine ad una narrazione onesta e sincera, frutto di esperienze e trascorsi vissuti in prima persona. Cresciuti nell’ex campo rom meneghino di via Novara e figli di una società che ancora troppo spesso fa dell’inclusione un vanto disatteso di cui compiacersi senza adempiervi fino in fondo, Kabis e Capo Pac, avvicinatisi al Rap e alla cultura Hip Hop sin dalla tenera età per dar sfogo alle difficoltà riscontrate nel quotidiano, fin dal loro esordio, avvenuto nel 2020 con “Mi presento”, traspongono in barre, liriche e punchlines luci ed ombre del loro vissuto, riportando l’autenticità e la veridicità dei testi al centro dell’intero progetto artistico, che risulta istantaneamente credibile, attingendo a riflessioni, sentimenti e percezioni dal valore universale che li rendono portavoce di un’intera generazione. Attraverso questo brano, scritto dagli stessi Nova King e prodotto da ProMo L’Inverso del GoldenEye Studio (già per Mezzosanue, Laïoung, Easy One, Shakalab e molti altri), i due artisti si raccontano senza filtri, immortalando uno spaccato attuale e realistico delle difficoltà relazionali che possono insinuarsi in una coppia composta da un ragazzo cresciuto ai margini di una grande città, in costante conflitto con il mondo circostante e ancor prima con il proprio interiore, ed una giovane donna che gli richiede maggiori attenzioni. «Vengo dalla periferia, dove la strada è casa mia, dove la polizia fa pulizia, ho scelto un'altra via», racchiude il significativo fulcro del pezzo, mettendo in luce quanto le decisioni personali siano l’unica vera chiave in grado di aprire le porte del futuro, che non dipende dall’ambiente da cui si proviene, ma, proprio mediante le vicissitudini che in quel contesto si sono osservate, toccate con mano e vissute sulla propria stessa pelle, possono essere invertite, divenendo le basi di un domani migliore. Avvolto da un abbraccio sonoro a mezz’aria tra il dinamismo della trap contemporanea ed una commovente malinconia dal forte richiamo latin-pop, “Romantico” è una poesia in musica in cui ad ogni incastro corrisponde una dedica moderna alla persona amata, una connessione di cuore e intenti che mira a far comprendere all’altra metà della coppia quanto, nonostante le apparenti discrepanze ed un altrettanto superficiale divario sociale, l’amore ci cambi, trasformandoci nella miglior versione di noi stessi. In quegli «alti e bassi della vita» che guidano e delineano il percorso di ciascuno di noi, i due rapper rifiniscono di passione e trasporto il loro tracciato, plasmandosi sul loro stesso sentire, che non li muta per un giudizio o un’etichetta contro cui hanno dovuto combattere fin da bambini, ma li rinnova e li corrobora di nuova linfa, che sottostà a quelle leggi del cuore a cui nessuno è esente - «se vedessi come sono cresciuto diresti “Wo”» -, indipendentemente dalle corazze che indossiamo per far fronte a disagi e sofferenze. «”Romantico” – dichiarano i Nova King - , è un pezzo trap melodico che esprime il modo di essere e di provare amore dei ragazzi cresciuti con poche attenzioni, ragazzi che imparano a stare in piedi da soli in un contesto ricolmo di falsità e corruzione». Un brano intenso in cui immergersi per scorgere oltre le apparenze e ritrovare il senso della condivisione al di là delle influenze esterne, che riconferma i Nova King, per originalità, sensibilità autorale ed eleganza interpretativa, come il duo più “Romantico” della scena trap italiana.... Continua a leggere

A 5 mesi di distanza dall’incredibile successo ottenuto con la struggente pop-ballad “Di te e di me”, che ha riconfermato l’emozionalità della sua penna ed un’estensione vocale da fuoriclasse superando i 100.000 streams in pochissime settimane, il cantautore campano Kimele, al secolo Gianmichele Mocerino, torna in radio e nei digital store con “Dinamite”, il suo nuovo singolo che rappresenta un autentico manifesto sul valore e sulla rinascita dalle ferite dell’anima. Su un incantevole tappeto sonoro che accompagna e culla liriche intrise di pathos e poesia, l’artista dà voce al proprio vissuto, raccontando quanto siano proprio le sofferenze causate da sentimenti e rapporti umani infranti a renderci ciò che siamo, un meraviglioso dipinto in continua evoluzione. E come in un’opera che prende e muta forma in base alla prospettiva da cui viene osservata, il capitolo di un libro d’arte non ancora concluso, “Dinamite” aggiunge nuovi vividi colori al nostro affresco di vita ed in quel «fuoco ardente nelle mani della tua mente», svela la necessità di amare oltre il dolore, oltre il bisogno di essere amati, in un «me contro te» che continua ad unire i protagonisti di un legame che non imprigiona ma libera, tra speranze - «dillo che mi ami» -, ricordi - «tu eri il mio domani» - e accettazione - «rimani sempre, tu tra la gente» -. Dall’incipit saturo di introspezione e riflessioni, il brano si schiude fino ad arrivare ad una vera e propria detonazione emotiva nei ritornelli, che, come lo stesso artista spiega, è in grado di connetterlo a se stesso e al proprio pubblico: «Le strofe piene di interiorità, si aprono via via fino ai ritornelli colmi di contenuti e spessore, che fanno da vero e proprio pilastro all’ intero brano. “Dinamite” è brano intenso, viscerale, emotivamente molto forte. È una vera e propria bomba ad orologeria con un filo conduttore, quello che mi collega prima a me stesso e poi all’ascoltatore, facendoci diventare un tutt’uno». Nato dall’esigenza dello stesso Kimele di mettere in musica una parte del proprio vissuto, il brano è un inno all’amore oltre ogni preconcetto, oltre ogni costrutto umano che troppo spesso ci impedisce di amare come dovremmo, senza pretese, senza aspettative, ma per il solo piacere di sentirci pervasi da un sentimento così alto e puro; perché ogni sofferenza scaturita dall’amore, non è il frutto dell’amore stesso, ma delle attese di cui rivestiamo i suoi destinatari. «Con questo brano – conclude Kimele – vorrei davvero incoraggiare chiunque ad amare, amare profondamente, nonostante tutto. Amare ci rende vivi e credo che tutti noi abbiamo il diritto - oltre che l’umana l’esigenza -, di VIVERE-AMANDO. È un connubio perfetto. L’amore è una forma di bene e credo che ognuno di noi abbia una o più persone importanti nella propria vita. L’amore genera bene. Quindi siate felici, amando chi vi sta a cuore con l’assoluta libertà di farlo». Una libertà nata proprio dal dolore, che ci consente, nonostante tutto, di rimetterci in gioco, perché è soltanto ponendo in campo se stessi senza maschere o filtri, muniti unicamente di quella carica che dona senso e battito al cuore, che potremmo dire di aver vissuto davvero, fino in fondo, come «dinamite sopra le ferite». “Dinamite” anticipa una nuova serie di release di Kimele, che sin dall’esordio nel 2020 con “Come se tu fossi ancora qui”, ha affascinato pubblico e critica non soltanto per una padronanza vocale di raro riscontro ed un’abilità comunicativa degna dei più grandi interpreti, ma anche per quell’attitudine versatile e sperimentale che gli consente di passare con agilità e naturalezza da esecuzioni dal forte impatto emozionale a brani ritmati e carichi di leggerezza.... Continua a leggere

Ci sono canzoni capaci di toccare il cuore sin dal primo ascolto, brani il cui valore abbraccia e permea orecchie ed anima ben al di là dei minuti scanditi dal player. Storie di vita vissuta che si intrecciano e portano con sé la zavorra del giudizio e della cecità sociale che non sa scorgere oltre l’apparenza; esperienze, spaccati e trascorsi narrati da chi, ancora oggi, fa della musica un potente veicolo di messaggi importanti e, dell’essere artista, una responsabilità, quella di dar voce a chi il mondo ha tolto ogni anelito, ogni soffio di fiato. Tra queste, vi è senza dubbio “Fondotinta”, il nuovo singolo del cantautore tarantino d’adozione veneta e romagnola Spinaz. A quasi un anno dall’EP d’esordio “Le mie dinamiche”, che ne ha evidenziato versatilità, attitudine sperimentale ed una cifra stilistica in continua evoluzione, l’artista torna in radio e nei digital store con un vero e proprio manifesto pop-rock contro discriminazione e body shaming, un inno autentico e sincero a quell’amor proprio che troppo spesso, anche a causa di un bombardamento mediatico costantemente volto ad esaltare l’esteriorità dell’individuo, elogiando linee e tratti impeccabili ed una pseudo perfezione fisica a discapito delle prerogative personali, fatichiamo a raggiungere, ottenere e perfino accettare. Il brano si articola sul complesso quotidiano di una giovane donna, travolta dal timore di vivere scaturito dalla paura del giudizio e delle continue discriminazioni a cui è costretta dover far fronte ogni giorno. Insicurezza, sfiducia e quel senso di inadeguatezza costante, sono macigni interposti tra lei ed i suoi sogni, bagagli appesantiti da anni di prevaricazioni ed etichette, che hanno instaurato nella sua mente una serie di complessi la cui conseguenza è una ovvia e dolorosissima chiusura in se stessa, un’implosione fragorosamente silente che le impedisce di relazionarsi con chi la circonda. L’attacco del pezzo, «ascolta i tuoi pensieri, son chiusi in un cassetto che apri di continuo pensando un po' al futuro» rappresenta l’invito, animato e sentito, a dar sfogo al proprio dolore attraverso un viaggio la cui meta non è soltanto l’accettazione di sé, ma soprattutto, la consapevolezza che il proprio valore non dipende e non deriverà mai da ciò che gli occhi giudicanti vedono di sfuggita senza fermarsi ad osservare, ma solo ed esclusivamente da quello che noi riusciamo a coltivare e costruire al di là di quella coltre di trascuratezza e distruzione che è a mero appannaggio di chi si limita a sentenziare senza conoscere, etichettando un’anima dal solo involucro che la riveste. Ma è quel valore intrinseco, incastonato tra vuoti e ferite, a far brillare una luce unica e radiosa, in grado di abbagliare e incantare sguardi attenti e spontanei, occhi che sanno scorgere la bellezza oltre il velo della disillusione, occhi a cui, a primo acchito, non crediamo, proteggendoci dietro la fragile ma compatta corazza delle nostre incertezze e dei nostri autosabotaggi. Ed è così che, a metà del racconto, la protagonista incontra un ragazzo capace di sciogliere, giorno dopo giorno, il gelo interiore che le attanagliava il cuore, senza tentare di cambiarla, ma sanando le sofferenze non soltanto con il suo amore, ma dimostrandole l’effettiva esistenza di quei punti di forza che non sapeva notare, consentendole così di accettarsi fino in fondo e di amarsi per poter essere davvero in grado di amare e di ricevere il bene altrui. «”Fondotinta” – dichiara Spinaz – è la storia di una donna che per troppi anni è stata giudicata per il suo aspetto fisico. Una donna che non si ritiene bella e nemmeno piacevole; insicurezze amplificate dalla cattiveria di alcune persone che continuano a denigrarla, facendola cadere nel pericoloso tunnel della depressione. All’improvviso, però, succede qualcosa: un incontro fortuito con un ragazzo che le cambierà la vita per sempre. Poco a poco, infatti, lei inizia a fidarsi di lui, trovando il coraggio di rinascere dalle sue stesse ceneri. Con tanta fatica, giorno dopo giorno, il tempo si trasforma in una vittoria nei confronti di se stessa e una rivincita verso coloro che si sono sempre presi gioco di lei basandosi sulle apparenze». «Adesso tu sei forte, hai vinto il tuo nemico che prima si sentiva un po' troppo fico», riassume perfettamente il concetto di una rinascita generata dal desiderio di essere se stessi e apprezzarsi in tutte le proprie sfaccettature ed in quel «basta basta» ripetuto come un mantra e un memorandum salvifico - «basta basta fondotinta, basta basta body shaming, basta basta con quegli scemi» -, l’artista ricorda a tutti noi di combattere timori, pregiudizi e discriminazioni con il puro amore nei confronti di noi stessi, senza nessun filtro, nessun trucco, nessun “Fondotinta” che ne alteri l’essenza. “Fondotinta” supporta l’Associazione di Volontariato “Il Bucaneve”, ETS umbra fondata nel 2012 da Maria Grazia Giannini, il cui obiettivo è sostenere, attraverso l’ascolto e l’orientamento, persone e caregiver che vivono una situazione di sofferenza legata ai Disturbi del Comportamento Alimentare, alla violenza di genere e/o maltrattamenti vissuti all’interno delle relazioni affettive, cui Spinaz devolverà parte dei ricavati del pezzo stesso.

“Altro che l'Orlando Furioso, starei con lei 24 ore al giorno senza turno di riposo. È la mia Venere nera” è una delle battute più iconiche e romantiche della pellicola I Liceali di Pietro Valsecchi ed è anche una di quelle in cui, indipendentemente dall’età e dall’orientamento sessuale, ciascuno di noi può ritrovarsi, rivivendo, avvolto da una brezza leggera, quei primi amori nati tra i banchi di scuola. Ed è proprio tra quei banchi di scuola che il giovane e brillante cantautore urban Bori, al secolo Enea Ribolini, ci riporta con “Liceo” (WD Music Italy), il suo nuovo singolo. Dopo gli oltre 2 milioni di streams ottenuti con “Lacrime” ed una serie di release di successo che l’hanno visto collaborare con amici e colleghi come Ethos, il talentuoso artista classe 2000 torna ad emozionare con l’incisività della sua penna e le intense sfumature della sua voce in un’esplosione di nostalgia e sentimenti, capace di ricondurre gli ascoltatori di ogni fascia di età ad un periodo della propria vita in cui la vera esperienza era viverne e costruirne di nuove. Avvolto dal raffinato e malinconico abbraccio sonoro curato nei minimi dettagli dal sapiente tocco di Harley e Yanomi, il brano si apre con quel «Noi siamo fermi al liceo» che, come una deflagrante invocazione, avvia le danze sul dancefloor dei ricordi, facendo riemergere, tra ritmo e armonia, una suggestiva sequenza di istantanee che, attraversate dall’amore, faticano a rimanere chiuse nel cassetto del passato - «sei il presente migliore che io abbia mai passato» -. Un excursus dal semplice concetto di spensieratezza, che mediante un linguaggio giovanile ma per nulla banale e scontato, punta i riflettori su quella che lo stesso artista definisce una “malinconia movimentata”, in grado di farci crescere e maturare anche grazie agli errori commessi e al dolore che si alterna tra la dolcezza e la passione dei suoi «sono tua» e la consapevolezza di non riuscire a dimenticare chi, infondo, ha «fatto di tutto tranne che restare». «Questo pezzo – dichiara Bori – è una guida che vuole accompagnare l’ascoltatore nel viaggio dei ricordi, i ricordi di quello che, per la maggior parte delle persone, dai vent’anni in su, resta il periodo più bello della loro vita. E sicuramente è così, gli anni del Liceo sono quasi sempre intrisi di allegria, leggerezza e ancora distanti da tutte le responsabilità che arrivano in seguito, ma sono anche gli anni in cui tanti di noi si innamorano davvero per la prima volta e molti, per la prima volta, si ritrovano con il cuore spezzato. Ecco, “Liceo” è il mio flashback in musica a quegli anni, tra gli alti e bassi che comportano e da cui impariamo a diventare gli uomini e le donne che saremo». “Liceo” riconferma la sensibilità autorale di Bori e si presenta come la prima di una serie di release che culmineranno, in primavera, con la pubblicazione del suo debut EP.... Continua a leggere

Reduce dalla partecipazione a Casa Sanremo 2022 e dal successo di brani come “Oceano” e “Come in un sogno”, l’intenso cantautore e musicista genovese Alchimista, al secolo Davide Lusardi, torna nei digital store con “Saudade”, il suo nuovo EP in cui si intrecciano, nella perfetta alchimia tra musica ed emozioni, ricordi, riflessioni, esperienze e minuziosa ricerca sonora. Anticipato dall’omonimo singolo e dalla delicatissima e struggente carezza sull’anima “Vertigine”, “Saudade” è un incredibile viaggio tra le note in cui si scorgono e si fondono scenari quotidiani a mondi incantati e fantastici, in un continuum emozionale che, come un rollercoaster nel Luna Park dei sentimenti, alterna al quieto dondolio della serenità, picchi di euforia e tumultuose e impervie discese. Quattro brani accomunati dal fil rouge dell’esperienza, da quei frammenti di vita vissuta che, tra attimi di attesa, gioie e sofferenze, si innestano nei pensieri dove continuano ad esistere, come suggerisce il titolo, in un rewind nostalgico e malinconico di tutto ciò che è stato, ma persiste tra le pagine della nostra memoria. Una mancanza composta, elegante, ricolma di dignità, che si nutre e si fortifica di quell’assenza presente da cui non riusciamo – e non vogliamo – liberarci e che l’artista esprime, mediante la poetica delle sue liriche, in un’autobiografia sospesa a mezz’aria tra mente e cuore, custodita in quell’isola lontana, di cui noi soltanto conosciamo la rotta, dove sono riposti tutti i nostri ricordi. Ricordi felici e sofferti, che tra un abbraccio e una ferita ci hanno reso ciò che siamo e che spesso fatichiamo a lasciarci alle spalle, per il timore di affrontare e affrontarci in un futuro incerto e del tutto nuovo, che richiede, quasi impone, di rinascere ogni giorno, mettendo un punto a quei capitoli che vorremmo continuare a leggere o riscrivere, anziché voltare pagina e trovare la forza per redigerne di nuovi. Un vero e proprio percorso a tappe che, dalla “Vertigine” causata dall’insicurezza verso ciò che verrà, attraversa la “Saudade” degli istanti più leggeri e spensierati trasformati in “Grandine” dalla fugacità del tempo, per giungere ad un timido ma tanto atteso “Ciao presente”, che sancisce al tempo stesso la fine di un’avventura e l’inizio di quella successiva, con la promessa di vivere e viversi istante per istante. La malinconia del passato, ma, in un’incantevole escursione onirica ad occhi aperti, la nostalgia di un futuro capace di sciogliere la fitta coltre tra unione e divisione, mediante paesaggi tropicali che scaldano il cuore e dissipano ogni barriera. «Nelle immagini esotiche e nella nostalgia del futuro, il confine fra separazione e unione si dissolve e ciò che resta è “Saudade”». Alchimista. “Saudade” è supportato dal videoclip ufficiale di “Vertigine” - girato a Chiavari sotto la direzione di Emanuele Lauriola – che, presentato in anteprima su Sky TG24, verrà rilasciato su YouTbe nel corso delle prossime settimane. A seguire, tracklist e track by track dell’EP: “Saudade” – Tracklist: Vertigine Saudade Grandine Ciao presente “Saudade” – Il disco raccontato dall’artista: “Vertigine” è un brano autobiografico che racconta un momento di difficoltà in cui la mente gira vorticosamente senza tregua. Rappresenta la sensazione di trovarsi sull’orlo del precipizio e dover decidere in fretta se fare un passo in avanti, nel vuoto, alla ricerca di nuove vie, oppure aggrapparsi con quanta forza possibile alle nostre certezze. Credo fermamente che alle volte sia necessario fermarsi un attimo per riflettere, staccare il piede dall’acceleratore e godersi il paesaggio, anche se la strada è ancora lunga e in salita. La vertigine per me è questo, quello che si prova nell’attimo esatto in cui si sta prendendo lo slancio per volare e liberarsi dalle costrizioni e dagli ostacoli che molto spesso ci poniamo davanti da soli. “Saudade”, la traccia che dà il nome all’EP, racchiude al suo interno quel sentimento che si respira in un’isola in mezzo all’oceano, al crepuscolo, la sera prima di una partenza. Negli occhi, sotto un cielo a macchie agrodolci, i dettagli indelebili delle ore che precedono la partenza e la separazione. Poi c’è “Grandine”, una canzone che racconta, attraverso ripetuti flash di vivide immagini, i momenti e le emozioni di un viaggio la cui meta non è solo la destinazione, ma la nascita di una nuova relazione, apparentemente “leggera”. Nel ritornello canto «non siamo niente di serio, non siamo niente di che, noi siamo grandine», per cercare di descrivere la fugacità del tempo che ci ridimensiona istantaneamente, ricordandoci che tutto è volubile, proprio come chicchi di grandine che sono inevitabilmente destinati a sciogliersi. “Grandine” è il mio invito in musica a vivere ogni emozione e ogni momento al massimo. Il progetto si chiude con “Ciao presente”, tratta di ritorno da un lungo periodo passato in una terra straniera. In aereo, in macchina o a piedi, questo è il momento più introspettivo dell’intero viaggio, dove si ripensa a ciò che abbiamo vissuto e a cosa ci aspetta al nostro rientro a casa. È un momento di transizione, in cui le strade percorse e le persone conosciute lasciano in noi un profondo ricordo che diventerà, inevitabilmente, cambiamento, trasformazione, catarsi.... Continua a leggere

Romano di nascita e cosmopolita per attitudine, il cantautore, polistrumentista e tecnico del suono Mr Papel approda in radio e nei digital store con “Ricordi che non ho” (PaKo Music Records/Believe Digital), il suo nuovo singolo che ne sancisce l’esordio solista ufficiale. Reduce da una gavetta avviata in tenera età con lo studio del pianoforte e proseguita a pieno ritmo in qualità di frontman della band alternative rock Papel, con cui ha calcato i più prestigiosi palchi dello Stivale e non solo, l’artista dà il via a questo nuovo capitolo di ritmo e liriche con un pezzo capace di coniugare perfettamente passato e presente, senza tralasciare uno sguardo, sospeso tra malinconia e speranza, rivolto verso il futuro. Una congiunzione sonora, testuale e d’intenti, che mediante il racconto di un’esperienza diretta, vissuta in prima persona, è in grado di abbracciare e connettere il pubblico di ogni età, mettendo in luce quanto, a prescindere dalle vicissitudini e dalle vicende individuali, differenti per ciascuno di noi, alcune dinamiche emozionali ci rendano tutti estremamente simili, vulnerabili oltre le nostre corazze e forti nelle meravigliose fragilità che ci attraversano. Come protagonisti di una sceneggiatura senza tempo, a volte spettatori di una rappresentazione teatrale a cui nemmeno vorremmo assistere, la nostra vita si snoda lungo un itinerario diretto da mente e cuore, un circuito che, quando va in corto, ci costringe a fare i conti con noi stessi e con quel bagaglio di sentimenti e riflessioni che a volte diventa essenziale per il nostro stesso approvvigionamento interiore, altre, invece, una zavorra fatta di cocci e frammenti di una vita ormai lontana. «Anche stavolta cado giù, da me, ma non importa anche se è tardi resto qui»; «Non ci sei che tu a far morire in me i pensieri, quei pensieri che mi dai»: passaggi suggestivi e toccanti da cui si evince la necessità di precipitare e crollare in se stessi, per poi giungere, a piccoli passi, a rimettere insieme ciò che rimane della propria anima - «Non importa anche se è tardi mi alzerò di qui» - , voltando pagina e ripartendo da un oggi che non guarda più a ciò che stato, ma si proietta e si costruisce su ciò che sarà. Scritto e composto dallo stesso Mr Papel, prodotto da Alessandro La Padula e registrato nella Capitale tra i Mob Studios ed i pAd Studio, con immagini e grafiche a cura di Karen Natasja Wikstrand, “Ricordi che non ho” accarezza l’ascoltatore per condurlo, in poco più di 3 minuti, in una dimensione di consapevolezza la cui destinazione è la rinascita attraverso l’accettazione dei propri trascorsi.

A meno di un anno dal singolo d’esordio “Ciao” che l’ha consacrata ufficialmente al mercato discografico italiano evidenziandone talento autorale e raffinatezza interpretativa, la cantautrice e attrice partenopea Alba torna nei digital store con “Odiarti Anch’io” (Delma Jag Records), il suo nuovo singolo che ne riconferma eleganza e cifra stilistica, mettendo in luce un ulteriore aspetto della sua sensibilità artistica. Nato dalla mancata possibilità di replica dopo la fine di una relazione, il brano è un bianco e nero di emozioni che fluiscono in vidi pensieri ed intensi ricordi, attraverso cui, la penna aggraziata e la vocalità morbida di Alba, disegnano un ritratto malinconico e avvincente al tempo stesso, in cui immergersi ed immedesimarsi per esorcizzare il dolore e liberarsi dal passato. Sentimenti e percezioni contrastanti, sospesi tra il desiderio di poter rivivere i piacevoli momenti trascorsi insieme e la consapevolezza di aver perso qualcosa di importante ma al contempo nociva e deleteria, si susseguono per poi unirsi e allinearsi nella volontà di voltare pagina per ricominciare da se stessi, amandosi in quella totalità composta anche di ferite, vuoti interiori che non vanno colmati con il ricordo di chi ce li ha causati, o per meglio dire, di coloro a cui abbiamo permesso di causarceli, ma con una buona dose di amor proprio che deve necessariamente essere coltivata giorno dopo giorno. Il bisogno di amare, ma soprattutto di essere amati, conduce spesso ad abbandonare la propria identità in favore di una relazione complessa e tormentata, sorretta da un’accettazione fittizia ed illusoria di ciò che in realtà non ci rappresenta ma fingiamo di essere per compiacere l’altro, una manipolazione subdola e meschina, spesso frutto di un senso di inadeguatezza, che ancor prima di giungere dall’esterno, rivolgiamo a noi stessi, permettendo, di conseguenza, a chi ci sta accanto di prendersi gioco dei nostri sentimenti. «”Odiarti Anch’io” – dichiara Alba – racconta una storia, una storia di manipolazione e terrorismo psicologico. La protagonista è una giovane donna che, in un momento di fragilità, viene manovrata per far sì che diventi dipendente da un’altra persona, il cui obbiettivo è farla sentire inadeguata e annullata dal momento in cui non sono più insieme. Al contempo, però, è anche la storia di tutti coloro che cercano di aprire gli occhi smettendo di illudersi immaginando qualcosa che non esiste, riuscendo a trovare, guardando la realtà dei fatti, un motivo per non provare più quel tipo di amore». «Sono nel fiore dei miei danni, ma scelgo io come distruggermi. Bastava stare insieme, tanto ormai so cadere» e «Tu che non sai star bene, dico stavolta volto pagina», sono tra i più rappresentativi passaggi del brano, mediante i quali si evince non soltanto la maturità della giovane cantautrice classe 2000, ma anche e soprattutto la sua capacità di raccontarsi e trasporre in musica uno spaccato di realtà che ancora troppo spesso passa e rimane in sordina, tra il timore del giudizio e la minimizzazione sociale. “Odiarti Anch’io”, scritto dalla stessa Alba e prodotto da Samuel Aureliano Trotta, è accompagnato dalle emblematiche grafiche di Mery Sinatra e dalle immagini di Diana De Luca. Intensa, penetrante e dotata di una finezza espressiva di raro riscontro, Alba rappresenta una delle migliori promesse della nuova scena pop nazionale al femminile, il perfetto ibrido tra contemporaneità e la classe che da sempre contraddistingue le produzioni cantautorali italiane.

Reduce dal successo del featuring con Mondo Marcio “Nella mia tempesta” e dalle tre serate che l’hanno vista tornare al suo fianco in qualità di corista per il Magico Tour, condividendo alcuni dei più prestigiosi palchi dello Stivale con gli special guest Mostro, Nerone e Nitro, Valentina Rizzi approda in radio e nei digital store da venerdì 3 Marzo con “Arcobaleni” (Zante Label/distr. Altafonte Italia), release che inaugura un nuovo capitolo della sua brillante carriera artistica e ne sancisce l’esordio sotto lo pseudonimo Valy. Scritto in concomitanza con il termine delle restrizioni legate alla pandemia, il brano è un encomio alla vita, un’esortazione in chiave pop autoironica ad allontanarsi da convenzioni e cliché, riappropriandosi di una libertà troppo spesso data per scontata e respirando a pieni polmoni la meraviglia dell’esserci e del poter condividere, con chi ci circonda, il desiderio di ricominciare partendo da se stessi, riscoprendo il valore della propria autenticità e di quella altrui, oltre il giudizio ed il timore di accettarsi ed essere accettati. Non solo un elogio all’esistenza, ma anche a tutte le peculiarità individuali che spesso ci conducono a chiuderci in noi stessi per l’apprensione di non essere accolti e compresi all’esterno, caratteristiche e prerogative personali che la cantautrice milanese invita a percepire come punti di forza, come lei stessa spiega: «Ho scritto questo pezzo post pandemia, periodo in cui la voglia di tornare a vivere e stare in mezzo alla gente era tanta, nonostante la mia sociofobia. Mi sono sentita letteralmente travolta dall’entusiasmo, come se stessi attraversando una seconda adolescenza: sono uscita ogni sera per un’intera estate, ho fatto pace con la mia sessualità e con me stessa; insomma, dopo un periodo così buio, ho colorato la mia vita di nuove esperienze ed è così che è nata “Arcobaleni”. Mi auguro di farvi ballare e divertire con una meritata spensieratezza, perché a volte, concedersi un po’ di leggerezza, è fondamentale». Prodotto da Avanzi che ne ha firmato anche l’arrangiamento in collaborazione con Paolo Raia, “Arcobaleni”, con shooting a cura di Luca Di Trocchio, non è un fotogramma statico ed isolato volto ad immortalare una singola esperienza del passato, ma un insieme di istantanee, scattate da diverse prospettive e con obiettivi differenti, finalizzate a raccontare un percorso in continua evoluzione, che nonostante i suoi alti e bassi, la sua frenesia ed il rollercoaster emotivo che ne consegue, perfettamente rappresentato dall’abbraccio sonoro che avvolge il brano, ci accompagna in un viaggio di ironia e spensieratezza, ricordandoci, al contempo, la necessità di accettare ogni sfumatura e cromia che compone i nostri personalissimi, unici e meravigliosi “Arcobaleni”.... Continua a leggere

Dopo aver mostrato la sua versatilità su YouTube con l’interpretazione di cover capaci di spaziare dall’ heavy metal di “Bark at the Moon” di O. Osbourne al pop raffinato e malinconico di “Inseguendo il Vento” di Mango, il cantautore, insegnante di educazione musicale e polistrumentista partenopeo Eric Mormile approda in radio e nei digital store con “Quanta Luce”, il suo singolo d’esordio in grado di avvalorarne eclettismo e minuziosa ricerca sonora. Il brano, articolato su un travolgente elettro rock ispirato alla corrente new wave/synth pop dei primi anni ’80, mette in luce l’abilità compositiva ed esecutiva dell’artista e rappresenta una vera e propria esortazione a non cedere e non sopperire alla ristrettezza percettiva che ancora oggi, troppo spesso, ci conduce ad etichettare ciò che non comprendiamo istantaneamente come “diverso”, con un’accezione negativa e ghettizzante. Nato dalla carica immaginifica dello stesso Eric, che ha saputo tradurre e trasformare un’esperienza diretta ostile del passato in un innovativo dipinto di ritmo e cromie interpretative, “Quanta Luce” racconta l’emarginazione sociale incoraggiando coloro che vengono classificati come “strani”, e per questo esclusi ed isolati, a non reprimere il loro bagliore interiore, poiché, per quanto arduo e complesso appaia seguire il proprio faro animico, soprattutto in alcune fasi della vita come quella dell’adolescenza, non è mai un errore essere autentici, ma, al contrario, risulta essere l’unica via per scoprire e apprezzare se stessi. Non soltanto un trascorso vissuto in prima persona, ma anche una forte empatia scaturita dall’attenta analisi che, da insegnante, l’ha portato ad osservare quanto, in alcune classi, tutt’oggi, i giovani e le giovani che fuggono dall’omologazione di pensieri, azioni e atteggiamenti, esprimendo se stessi in maniera libera e spesso controcorrente, vengano definiti dai pari - e non solo - come persone da escludere, marginalizzandole in una solitudine dietro la quale non sempre è facile farsi scudo traendone riparo. «”Quanta Luce” – dichiara Eric Mormile - nasce dal vissuto di tutti i giorni, dalla mia stessa pelle all’osservazione degli altri. L’ho scritto durante uno dei primi anni da docente in educazione musicale: sono capitato nella mia vecchia scuola media, un classico istituto di quartiere con vere e proprie classi-ghetto, classi medie e classi eccellenti. Ho potuto notare, a distanza di anni, come le cose, purtroppo, non siano cambiate: la situazione di alcuni alunni era quella di emarginazione totale….Il motivo? Si trattava di giovani intelligenti, brillanti e per questo additati ‘’diversi’’ dalla mediocrità sociale che vivono e viviamo quotidianamente. Lì, ho capito che in un quartiere come quello in cui vivo le cose non potranno mai cambiare se non proviamo a cambiarle noi adulti. Questi alunni, con cui ho fortemente empatizzato, hanno ispirato il brano ed io vorrei ispirare loro e tutti coloro che vivono una condizione di isolamento sociale come frutto di discriminazione e ristrettezza mentale, a combattere la visione distorta del nostro tempo tale per cui le peculiarità soggettive diventano un male per la collettività, dicendo loro di continuare a far brillare la loro luce, il loro modo di essere, senza preoccuparsi del giudizio altrui, perché crescendo si accorgeranno che chi rimarrà davvero abbagliato dalla purezza del loro chiarore, li capirà all’istante e li accetterà ed apprezzerà senza provare a cambiarli». Proprio da questo focus di inclusione e accettazione, la scelta di scrivere e interpretare il pezzo in lingua napoletana, come lo stesso Eric spiega: «Con il tipo di musica che propongo ed il linguaggio che utilizzo per esprimerla, sono di fatto anche io un ‘’diverso’’, e per questo non mi aspetto di essere capito, ma proprio perché credo nel valore della diversità come punto di forza e nelle parole di questa canzone, ho deciso di presentarmi al mondo nel mio dialetto per pura esigenza personale espressiva e per onestà stilistica. Questo è il mio punto di partenza, una presentazione: io sono questo qui, piacere!» Musicalmente ispirato al tapping chitarristico rivoluzionario e innovatore di Eddie Van Halen, a cui il cantautore rende omaggio, “Quanta Luce” incoraggia l’ascoltatore a sottrarsi dalla mediocrità del nostro tempo, continuando ad alimentare il proprio fuoco interiore, e si fa portare anche di un altro messaggio, perlopiù rivolto ai rappresentanti della scena discografica napoletana: «Ai miei colleghi musicisti e cantautori conterranei, voglio dire di non temere la sperimentazione sonora: anche se amate generi e stili che si dissociano dalla tradizione del nostro meraviglioso territorio, integratele al vostro gusto, perché è solo così che potremo, tutti insieme, modernizzare e portare avanti la cultura ed il cuore pulsante della nostra musica». “Quanta Luce”, accompagnato dal videoclip ufficiale, girato ad Ischitella Lido (CE) e diretto da Bruno Guarino, anticipa una serie di release che verranno rilasciate con cadenza bimensile e culmineranno nell’omonimo debut album di Eric Mormile, un viaggio tra sonorità, cultura, innovazione e sperimentazione che ha tutte le carte in regola per riportare la musica partenopea oltre i confini locali e nazionali.... Continua a leggere

Dopo aver mostrato la sua versatilità su YouTube con l’interpretazione di cover capaci di spaziare dall’ heavy metal di “Bark at the Moon” di O. Osbourne al pop raffinato e malinconico di “Inseguendo il Vento” di Mango, il cantautore, insegnante di educazione musicale e polistrumentista partenopeo Eric Mormile approda in radio e nei digital store con “Quanta Luce”, il suo singolo d’esordio in grado di avvalorarne eclettismo e minuziosa ricerca sonora. Il brano, articolato su un travolgente elettro rock ispirato alla corrente new wave/synth pop dei primi anni ’80, mette in luce l’abilità compositiva ed esecutiva dell’artista e rappresenta una vera e propria esortazione a non cedere e non sopperire alla ristrettezza percettiva che ancora oggi, troppo spesso, ci conduce ad etichettare ciò che non comprendiamo istantaneamente come “diverso”, con un’accezione negativa e ghettizzante. Nato dalla carica immaginifica dello stesso Eric, che ha saputo tradurre e trasformare un’esperienza diretta ostile del passato in un innovativo dipinto di ritmo e cromie interpretative, “Quanta Luce” racconta l’emarginazione sociale incoraggiando coloro che vengono classificati come “strani”, e per questo esclusi ed isolati, a non reprimere il loro bagliore interiore, poiché, per quanto arduo e complesso appaia seguire il proprio faro animico, soprattutto in alcune fasi della vita come quella dell’adolescenza, non è mai un errore essere autentici, ma, al contrario, risulta essere l’unica via per scoprire e apprezzare se stessi. Non soltanto un trascorso vissuto in prima persona, ma anche una forte empatia scaturita dall’attenta analisi che, da insegnante, l’ha portato ad osservare quanto, in alcune classi, tutt’oggi, i giovani e le giovani che fuggono dall’omologazione di pensieri, azioni e atteggiamenti, esprimendo se stessi in maniera libera e spesso controcorrente, vengano definiti dai pari - e non solo - come persone da escludere, marginalizzandole in una solitudine dietro la quale non sempre è facile farsi scudo traendone riparo. «”Quanta Luce” – dichiara Eric Mormile - nasce dal vissuto di tutti i giorni, dalla mia stessa pelle all’osservazione degli altri. L’ho scritto durante uno dei primi anni da docente in educazione musicale: sono capitato nella mia vecchia scuola media, un classico istituto di quartiere con vere e proprie classi-ghetto, classi medie e classi eccellenti. Ho potuto notare, a distanza di anni, come le cose, purtroppo, non siano cambiate: la situazione di alcuni alunni era quella di emarginazione totale….Il motivo? Si trattava di giovani intelligenti, brillanti e per questo additati ‘’diversi’’ dalla mediocrità sociale che vivono e viviamo quotidianamente. Lì, ho capito che in un quartiere come quello in cui vivo le cose non potranno mai cambiare se non proviamo a cambiarle noi adulti. Questi alunni, con cui ho fortemente empatizzato, hanno ispirato il brano ed io vorrei ispirare loro e tutti coloro che vivono una condizione di isolamento sociale come frutto di discriminazione e ristrettezza mentale, a combattere la visione distorta del nostro tempo tale per cui le peculiarità soggettive diventano un male per la collettività, dicendo loro di continuare a far brillare la loro luce, il loro modo di essere, senza preoccuparsi del giudizio altrui, perché crescendo si accorgeranno che chi rimarrà davvero abbagliato dalla purezza del loro chiarore, li capirà all’istante e li accetterà ed apprezzerà senza provare a cambiarli». Proprio da questo focus di inclusione e accettazione, la scelta di scrivere e interpretare il pezzo in lingua napoletana, come lo stesso Eric spiega: «Con il tipo di musica che propongo ed il linguaggio che utilizzo per esprimerla, sono di fatto anche io un ‘’diverso’’, e per questo non mi aspetto di essere capito, ma proprio perché credo nel valore della diversità come punto di forza e nelle parole di questa canzone, ho deciso di presentarmi al mondo nel mio dialetto per pura esigenza personale espressiva e per onestà stilistica. Questo è il mio punto di partenza, una presentazione: io sono questo qui, piacere!» Musicalmente ispirato al tapping chitarristico rivoluzionario e innovatore di Eddie Van Halen, a cui il cantautore rende omaggio, “Quanta Luce” incoraggia l’ascoltatore a sottrarsi dalla mediocrità del nostro tempo, continuando ad alimentare il proprio fuoco interiore, e si fa portare anche di un altro messaggio, perlopiù rivolto ai rappresentanti della scena discografica napoletana: «Ai miei colleghi musicisti e cantautori conterranei, voglio dire di non temere la sperimentazione sonora: anche se amate generi e stili che si dissociano dalla tradizione del nostro meraviglioso territorio, integratele al vostro gusto, perché è solo così che potremo, tutti insieme, modernizzare e portare avanti la cultura ed il cuore pulsante della nostra musica». “Quanta Luce”, accompagnato dal videoclip ufficiale, girato ad Ischitella Lido (CE) e diretto da Bruno Guarino, anticipa una serie di release che verranno rilasciate con cadenza bimensile e culmineranno nell’omonimo debut album di Eric Mormile, un viaggio tra sonorità, cultura, innovazione e sperimentazione che ha tutte le carte in regola per riportare la musica partenopea oltre i confini locali e nazionali.... Continua a leggere

Dopo aver valicato i confini dei limiti interiori ed aver spezzato, a suon di elettro-pop-rock, le catene dei timori e degli auto-sabotaggi personali in “Psychedelic”, i 3nema tornano a scandagliare le dinamiche della società contemporanea sotto la lente di riff e rullanti in “Money”, il loro nuovo singolo. Con la sottile e pungente arguzia che li contraddistingue, sorretta da un’indiscutibile eleganza comunicativa, la band gardesana punta il dito e i riflettori sulla spasmodica rincorsa al soldo che contraddistingue i giorni nostri e sul valore, eccessivo, distopico e fuorviante, attribuito al denaro, in particolare da parte delle nuove generazioni che, plasmate dalla malia di un modello sociale alterato e irrealistico, spesso promulgato da social e mass media, appaiono sempre più ossessionati da un arricchimento monetario finalizzato a se stesso, a discapito di tutta quella serie di esperienze e riflessioni che consentono di riconoscere i soldi come un mezzo e non un fine, uno strumento e non una meta. «Malati per i soldi, lavori tutti i giorni, ti spendi tutti i soldi e a fine mese torni con i portafogli sgonfi», è uno dei passaggi più rappresentativi dell’intero brano, da cui si evince, attraverso un’analisi purtroppo non lontana dall’istantanea sociale moderna, non soltanto il maniacale e morboso attaccamento al denaro capace di sfociare nel patologico, ma anche e soprattutto l’utilizzo impulsivo, compulsivo e avventato che se ne fa, la cui conseguenza è il rovinoso tracollo, non soltanto dal punto di vista delle finanze, ma prevalentemente e principalmente sotto l’aspetto emotivo e psicologico. Sin dall’intro, il sound ammiccante e coinvolgente del pezzo accompagna l’ascoltatore in una dimensione audiovisiva ambivalente in cui, se da un lato risulta semplice ed immediato immedesimarsi in una condizione di potere, tra lusso e pseudo-benessere, dall’altro, rende istantaneamente nitido come tutto ciò che proviene dal mero acquisto e dalla smania di possesso, non possa portare ad altro che ad una situazione di finta gioia, una felicità effimera e frammentata che, sul lungo periodo, se non sostenuta da un obiettivo che ne permea senso e prestigio, rischia di trasformarsi in un avvilimento costante, in un’agiatezza di facciata dietro cui si cela una profonda inadeguatezza interiore. Nella seconda strofa, con quel «non dirmi che i tuoi sogni sono morti, a fine mese con la busta svuoti tutti i portafogli», il trio bresciano ci ricorda l’importanza di mantenere vivi passioni e desideri, allontanandoci dalla frenesia di sostituire impegno, sacrificio e dedizione con beni materiali che fungono da surrogati momentanei e irrilevanti. «”Money” – dichiarano i 3nema - parla dell'uso smodato che la gente fa dei soldi, soprattutto le generazioni più giovani, e del modo in cui le persone li cercano e li inseguono, con ossessione. È quasi come se nel mondo esistesse solo il denaro. Sembra che la felicità si nasconda dietro banconote con cui acquistare capi firmati e macchine di lusso, facendosi vedere dagli altri. I soldi..Sono indispensabili? Si, senza dubbio, altrimenti non potremmo vivere. Ma…Sono loro a renderci felici o sono un mezzo che ci permette di rendere la nostra vita migliore, acquistando ciò che davvero vogliamo e di cui necessitiamo? La vera felicità è composta di emozioni e quelle non si comprano». Accompagnato dal videoclip ufficiale, in uscita nel corso delle prossime settimane, diretto da Greysproduction e girato tra Castiglione delle Stiviere e Desenzano del Garda, “Money” segna una nuova tappa della 3nema Way, riconfermando la minuziosa ricerca sonora della band e la loro attitudine a miscelare generi e sonorità mantenendo una raffinatezza espressiva che gli consente di raccontarsi senza filtri al pubblico di ogni fascia di età.

“L’amore che dura più a lungo è l’amore non corrisposto”, scrisse William Somerset Maugham ed è da questa sofferta e travagliata condizione del cuore che ha preso vita “Non fai per me” (PaKo Music Records/Visory Records/Believe Digital), il nuovo intenso singolo del cantautore ravennate PlatoNico, che dopo aver conquistato pubblico e critica con la sensibilità della sua penna in “Sharks Land”, apre il 2023 con un messaggio di speranza, rivalsa e amor proprio. Dall’idealizzazione del partner, scaturita dal sentimento, ma anche e soprattutto dal desiderio di essere accettati senza giudizio per ciò che si è, l’artista conduce l’ascoltatore a percepire la fine di una relazione come un nuovo inizio, l’avvento di un sé rinnovato, capace di amarsi prima di amare, in grado di accogliere ogni lato della propria personalità, con la consapevolezza che occorre completarsi da soli, perché è solo ricercando all’interno del proprio universo interiore integrità ed interezza personale, che è davvero possibile amare, non dipendere e, di conseguenza, essere amati senza annullarsi nell’altro. Le sonorità elettro-pop che avvolgono inizialmente il brano di mistero, si schiudono al primo ritornello, sbocciando in una dimensione di rinascita e coscienza, nella quale il protagonista della narrazione si riappropria a piccoli passi di un’identità perduta, frammentata dall’inseguimento di un benessere fittizio che il tempo ha smascherato, rivelandone il vero volto e mostrando che la sola fonte di pace e completezza, è già insita in lui, congenita a ciascuno di noi. «“Non fai per me” – dichiara il cantautore - racconta di un grande dolore, quello provato da tutti coloro che subiscono all’interno di una relazione, che soffrono per un amore a senso unico. Tratta del baratro ove si può cadere se si sta attraversando una fase fragile della vita, quando era stata riposta molta fiducia nell’altro, mettendolo sempre al primo posto. La canzone, però, è anche un invito a riprendere in mano la propria esistenza, tornando ad esserne il centro, dopo tutto il tempo in cui ci si è privati di se stessi». Ed è così che quel «guardo all’orizzonte e vedo solamente te», lascia il posto ad «un eco di un ricordo, una pagina nel buio», con la contezza acquisita che «ora so che non fai per me». La release è accompagnata dal videoclip ufficiale, girato tra Dozza (BO), Toscanella (BO) ed Imola sotto la direzione di Luca Giorgi e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24. Penetrante, versatile e intimista, PlatoNico riconferma le sue abilità autoriali ed interpretative, regalandoci una profonda immersione in un’interiorità ferita che può essere sanata solo mediante la sua accettazione.... Continua a leggere

Dopo aver magnetizzato il pubblico con le sonorità ipnotiche di “Armageddon” ed averlo cullato con la malinconica dolcezza di “Latte e Biscotti”, il poliedrico cantautore e producer milanese Pecci, nuovo volto della fusione musicale made in Italy, torna a mostrarci il suo eclettismo in “Incubo” (distr. ADA Music Italy), perfetta destinazione del suo Ciclo dei Sogni che, iniziato nel 2021 con la pubblicazione di “Narcolettico”, in questa tappa conclusiva trova senso e valore mediante la sua antitesi. Su ricercate ed attualissime sonorità indie-lunge, minuziosamente curate dall’abilità figurativa di Delicottero, si posa infatti un testo d’autore in cui l’incubo simboleggia il viaggio verso la scoperta di se stessi nella propria totalità, perché è solo entrando in contatto con timori e conflitti interiori, temprati dall’indomita volontà di guardarli dritti negli occhi, che è possibile comprenderli a fondo prima, per esorcizzarli e superarli poi. Una vera e propria accettazione della ciclicità dell’esistenza, in cui bene e male non si identificano in concetti necessariamente contrapposti, bensì in un incessante fluire nel quale, senza la presenza di uno, non potrebbe esistere l’altro e, di conseguenza, ove ciascun essere umano è conscio di dover accogliere entrambi all’interno della propria quotidianità. Questo è “Incubo”, una carezza delicata sulla ruvidità di paure complesse da scardinare, una brezza fine e leggera sulle zavorre che gravano e gravitano nel nostro universo animico, una vivida istantanea su ciò che è la nostra vita al momento presente e su ciò che, invece, sarebbe stata se avessimo pensato e agito in maniera differente: «In questo pezzo – dichiara Pecci -, cerco di entrare in un incubo per rassicurarmi in un momento di stress e tensione, rendendo il più lucido e nitido possibile un sogno che poteva finire male». In quel «fragile gioco d’istinto», rappresentato da un’impeccabile sequela di liriche e traslati, l’artista narra inizialmente le complessità che si celano dietro alle maschere che abitualmente indossiamo per l’apprensione di mostrare la nostra vera natura, come «palazzi argento e neon che nascondon la provincia»; maschere che, come pozzanghere sul cemento del cuore, riflettono un volto alterato e distorto, portandoci a confonderci e confondere - «nelle pozzanghere non ti tuffare che ti fai male, che ti fai male e poi piangi e fai danni anche agli altri» -, per poi affrontare, nella seconda strofa, l’importanza di vivere appieno gettando a terra ogni filtro - «per un secondo fatti sto viaggio» - ed inutile dissimulazione, perché infondo «è così bello avere coraggio», il coraggio di scorgere oltre «un futuro già visto», al di là un’immagine distopica e ingannevole proiettata da «specchi infranti» che solo l’audacia di guardarsi dentro sa ricostruire, ricomponendone ogni frammento, senza sostituirlo, ma rendendolo parte di un nuovo processo creativo, più autentico e realistico che mai. La release è accompagnata dal videoclip ufficiale, diretto da Andrea Pomarico, in cui Pecci ripercorre flashback e ricordi per poi liberarsi dei fardelli del suo passato, raffigurati nella clip attraverso la suggestiva metafora di un bagaglio, gettato, alla fine del viaggio, tra le fiamme di un falò, simbolo di trasmutazione e rinascita. “Incubo” chiude ufficialmente il Ciclo dei Sogni, inaugurando al contempo il nuovo percorso artistico di Pecci, un cantautore originale e versatile che ha fatto della fusione di generi e stili la sua cifra stilistica e, dell’emozionalità e dell’eleganza, i punti cardine di un successo in continua ascesa.... Continua a leggere

Imprenditrice, manager, autrice e cantautrice di successo, SciaronC approda in radio e su tutti i digital store con “Superwoman” (Made4Fame), il suo primo singolo ufficiale che ne risalta talento, carisma ed una potenza vocale degna delle più grandi popstar internazionali. Meticolosamente avvolto da travolgenti sonorità Slap House intrise di frizzanti nuance Dance anni ’90 – curate dalla creatività di Dany De Santis -, il brano è un vero e proprio inno alle donne contemporanee, sempre più protagoniste consapevoli della loro quotidianità poliedrica e di una società che troppo spesso non richiede, ma impone loro, di destreggiarsi abilmente tra lavoro, famiglia, casa, collettività e responsabilità. Donne indipendenti e intraprendenti, capaci di dribblare gli ostacoli della vita in virtù dei loro sogni e dei loro affetti più cari, determinate, ambiziose ma mai prevaricatrici, in costante evoluzione con se stesse pur rimanendo fedelmente connesse alle loro radici; donne che sognano in grande, ma sempre con i piedi saldi a terra, donne che amano il benessere e lo raggiungono, lo costruiscono, giorno dopo giorno con le proprie sole forze, senza dipendere da persone ed influenze esterne. “Superwoman” è tutto questo e molto di più, è un encomio alla forza d’animo femminile scritto da una giovane e brillante rappresentante di una quota rosa che sa racchiudere in un unico colore tutte le sfumature dell’esistenza, riuscendo a padroneggiarle con estrema sensibilità e con quell’incredibile mix di dolcezza, eleganza, sensualità, energia ed efficacia che ognuna, in maniera del tutto unica e personale, porta dentro di sé. Ed è questa potentissima luce interiore che ha consentito a SciaronC di realizzare tutti i suoi sogni, continuando a crearne e conseguirne di nuovi: l’artista meneghina, titolare di Made4Fame, una prestigiosa azienda in perfetta linea con le sue attitudini e passioni, mediante questo pezzo, nato dalla proficua collaborazione con il suo team di musicisti e produttori ed il coreografo Lino Villa, incoraggia tutte le donne a riappropriarsi del loro super potere, quello di vivere una vita completa e appagante, senza il bisogno di aggrapparsi a relazioni nocive o a convenzioni e cliché distorti e obsoleti. «Mi sono divertita molto a scrivere “Superwoman” – dichiara l’artista -, che è arrivata di getto, come una ventata d’aria fresca. È un pezzo che mi rappresenta sotto ogni punto di vista, ma in cui qualsiasi donna può ritrovarsi: dalle mamme che si dedicano a tempo pieno anima e corpo ai propri figli facendo le casalinghe, alle giovanissime che stanno tracciando il loro futuro, perché infondo, ognuna di noi è super, nessuna esclusa. Ciò che conta davvero, è non provare invidia verso chi ci circonda e continuare, step by step, ad essere le regine indiscusse del nostro castello più prezioso, quello che abbiamo nel cuore. “Superwoman” è una rivalsa su una cultura ancora troppo limitata e si pone l’obiettivo di incoraggiare all’azione le donne che, come me, vogliono uscire da uno spazio limitato per colorare fuori dai bordi». Una rivalsa verso un mondo ancora troppo immerso nella disparità di genere, nel maschilismo e nel patriarcato, una bandiera di note e valori che simboleggia tutte coloro che, da donne, si impegnano quotidianamente per realizzare i propri desideri e apportare un cambiamento finalizzato ad una parità effettiva, priva di prevaricazioni e di un femminismo volto a primeggiare sull’uomo; un’uguaglianza globale in cui nessuno è migliore degli altri, perché ciascuno è unico e fondamentale per il conseguimento di un domani migliore. «Ritengo importantissimo – conclude la cantautrice - continuare a coltivare, inseguire e raggiungere ciò che desideriamo, perché suppur ci chiamano e ci definiscono da sempre “sesso debole”, noi donne di debole non abbiamo proprio nulla e possiamo, anzi, dobbiamo, gettare le basi per un futuro di vera uguaglianza!» “Superwoman” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto da Made4Fame, che in maniera volutamente provocatoria, traspone in immagini la rilevante accezione del testo. Grintosa, magnetica, versatile e incisiva, SciaronC rappresenta perfettamente la donna di oggi, una donna che sa chi e cosa vuole essere e si impegna costantemente per raggiungere i propri obiettivi. ... Continua a leggere

Ci sono release che non necessitano di parole per giungere dritte al cuore degli ascoltatori, artisti capaci di fondere alla perfezione stati d’animo ed emozioni alla loro attitude creativa che, unita ad un’abilità esecutiva frutto di impegno, dedizione e formazione, regala al pubblico una profonda immersione sensoriale in grado di coinvolgere, stupire ed affascinare. Uno di questi è senza dubbio Lorenzo Ciffo che, reduce dal successo delle sue precedenti release, tra cui l’avvincente celtic-ballad “Opening the Battle”, torna nei digital store con “Dreamin’ in the sky”, il suo nuovo singolo. Speranza, gioia ed evoluzione personale si susseguono in meno di un minuto e mezzo, cullate dal soave incalzare del pianoforte e dalle positive vibes scaturite dalle percussioni, avvolgendo mente, orecchie ed anima in un abbraccio delicato che conduce istantaneamente a quell’imprescindibile connessione con se stessi resa sempre più complessa e frammentata dalla frenesia della nostra contemporaneità. «”Dreamin’ in the sky” – dichiara Ciffo – è un viaggio introspettivo, circondato da un paesaggio collinare, una maturazione dell’essere che si eleva sempre più, guidando l'ascoltatore verso la retta via». Una retta via esclusiva e soggettiva, ma atta ad estendersi al collettivo mediante la serenità con cui permea ogni singolo individuo, che “Dreamin’ in the sky” – letteralmente “Sognando nel cielo” – rappresenta in maniera eccelsa, fungendo da obiettivo di un meraviglioso scatto animico, circondato dall’inestinguibile forza della natura, che, attraverso suoni iconografici ed una progressione sempre più dinamica, avvalorata dalla crescente modulazione di strumenti e dall’arricchimento di una voce maschile a metà dell’opera, simboleggiano l’avanzamento e lo sviluppo dell’essere umano, la ricerca individuale della propria essenza. Il raffinato brio che compenetra l’intera opera, rimanda senza indugi ad un contesto naturalistico ove leggerezza, fiducia e armonia diventano gli ingredienti principali di un piccolo ma straordinario capolavoro, quello della nostra vita. L’artwork del brano è stato realizzato dalla competenza professionale e dalla sensibilità raffigurativa di Elena Conte, che ha saputo trasporre l’incantevole accezione del pezzo in forme e cromie.... Continua a leggere

Brots, piattaforma leader in Italia che consente agli artisti di condividere con un click i frutti della loro creatività nel mondo web3 (NFT), inaugura il 2023 annunciando una nuova significativa collaborazione, la partnership con l’etichetta discografica Asian Fake. I primi tre progetti rilasciati lo scorso anno dalla label meneghina con GINEVRA, Deriansky ed ALDA hanno collezionato un sold out dietro l’altro, confermando il sempre più crescente interesse nei confronti dei digital collectible su Brots. I contenuti digitali realizzati da Brots e acquistabili sul portale, sono infatti uno strumento innovativo e tecnologico che permette ad ogni artista di instaurare, sviluppare e alimentare solide relazioni con le proprie fanbase di riferimento, offrendo omaggi esclusivi, quali video inediti, live performance, esperienze AR o merchandise in anteprima. Con questa partnership, Brots prosegue la sua ascesa nel mercato musicale nazionale, offrendo a cantautori, interpreti e musicisti non soltanto uno spazio virtuale in cui promuovere la loro attività ed i conseguenti prodotti, ma anche nuove opportunità di monetizzazione, limpide, etiche e puntuali. Questa nuova collabo, è solo l'ultima di una lunga serie che vedono Brots cooperare con alcune delle più celebri e solide realtà del mondo discografico internazionale, come quella recentemente avviata con FIMI, che ha è approdata nel mondo del web 3.0 utilizzando la tecnologia blockchain e premiando l'artista Lazza come best-seller dell'anno con un premio in formato NFT. «Siamo entusiasti di lavorare con Asian Fake e di offrire ai loro artisti l'opportunità di espandere la loro presenza sulla nostra piattaforma - dichiara Alessandro Marin, CEO di Brots -. Siamo fermamente convinti che i contenuti digitali rappresentino il futuro della musica e siamo davvero lieti di essere all'avanguardia nel loro utilizzo». About us. Brots è una piattaforma che rende l'esperienza Web3 accessibile a tutti, consentendo pagamenti in euro e creazione del wallet in un solo click. L’azienda, #1 in Italia, sta sperimentando metodi innovativi nell’utilizzo di NFT per l'industria musicale, connettendo il Web2 al Web3, in un’ottica di qualità, condivisione, avanzamento e ricerca tecnologica, senza dimenticare la costante attenzione a scelte etiche ed ecologiche.... Continua a leggere

“Gli altri sanno chi sono?”, un quesito da cui si innesca una profonda riflessione, un interrogativo che ci conduce a porcene altri, per scavare oltre le maschere e capire in prima persona chi siamo davvero; una domanda, forse la più arcana e viscerale, da cui è partito “Delorean”, il nuovo viaggio introspettivo di Seta. Reduce dal successo di “Tarantola”, singolo che ha affascinato pubblico e critica per le intense sonorità creepy-pop e la visione ambivalente e dicotomica del dolore, sublimato mediante la sua esorcizzazione in musica, il cantautore brianzolo dall’animo caleidoscopico, torna nei digital store con un pezzo dal forte impatto emozionale, che riconferma la sua penna intimista dall’attitude universale. Su ricercate ed elegantissime sonorità chill, immancabilmente curate dal sublime tocco di Indako, si posa un testo cupo e malinconico, che nel fluire di penetranti e suggestive istantanee animiche tradotte in liriche, racconta i pensieri da cui siamo pervasi nei momenti di solitudine, evidenziando non soltanto il raffinato dualismo compositivo dell’artista, ma anche la sua abilità nel coniugare emozioni in antitesi attraverso impeccabili commistioni di parole e suoni. «Sono solo in strada e faccio quattro passi, vorrei farli da gigante, ma c'è l'ansia dietro l'angolo», un’intro che simboleggia egregiamente l’incipit di ogni face to face con se stessi, il principio di quel confronto con la propria essenza che ci costringe a guardarci dentro, scorgendo, per cercare di comprendere, ben al di là di ciò che raccontiamo, in primis a noi stessi, di essere. «”Delorean” – dichiara Seta – è pura introspezione. Dà voce a quei momenti di solitudine che bussano alla porta ed entrano in ciascuno di noi, quando ci sentiamo soli con noi stessi, incompresi, in balìa dei nostri pensieri e ci domandiamo se gli altri, le persone a cui teniamo, sappiano davvero chi siamo». Situazioni e sensazioni rappresentate egregiamente sia nel videoclip ufficiale che accompagna il brano, diretto da Davide Pasquale - in cui il protagonista si ritrova solo con se stesso, in un parcheggio vuoto, riflesso della sua anima, un’anima intenta a meditare sui suoi trascorsi, sull’esistenza e su tutte le relazioni interpersonali che la compongono -, sia nell’iconografia del pezzo stesso, che rimanda ad un immaginario di isolamento, inadeguatezza e desolazione nelle strofe - «Mi faccio male quando penso troppo»; «La bile sale, ingoio acqua di mare ogni volta che sono a disagio» -, per poi sbocciare e aprirsi in una dimensione di totale serenità e rilassatezza nei ritornelli che, omaggiando “Never Alone” della band metalcore australiana The Amity Affliction, trasformano l’emblematico «We are one, the lonely hearts» («Siamo uno, i cuori solitari»), in un ancor più rappresentativo «Non siamo soli, siamo un solo cuore», per ricordarci che non siamo mai soli, ma tutti insieme uniti nella nostra solitudine, basta solamente accorgersene, per connetterci l’uno con l’altro e condividere. Emblema per eccellenza di un “Ritorno al futuro” in cui l’unico mezzo per viaggiare tra le lancette che scandiscono il nostro tempo è la riappacificazione con un passato di cui non possiamo e non dobbiamo eliminare le tracce - «non posso cancellare niente dentro il mio passato» - e la consapevolezza di un momento presente irripetibile e concepito per essere l’unica e solida base da cui costruire ciò che saremo domani, trasformando tendenze auto-sabotanti in nuove luminose consuetudini «fammi sentire come fossi tua abitudine» - capaci di silenziare i pensieri distorti - «abbassa quella voce e dimmi che il peggio è passato» -, “Delorean” mette in luce la sensibilità creativa di Seta e precede il terzo ed ultimo apripista del suo EP d’esordio, in uscita ad inizio estate, che verrà rilasciato nel corso dei prossimi mesi.

Quanti kilometri siamo disposti e percorrere per amore e quanto, della persona amata, siamo davvero pronti a scoprire ed accettare per il sentimento che proviamo per lei? Quesiti che molto spesso diamo per scontati, ma che quando si trasformano in realtà, esigono una risposta immediata, un riscontro istantaneo che deve, necessariamente, partire dal cuore. Domande a cui l’intensa sensibilità autorale ed interpretativa di Sara J Jones ha dato forma, voce e replica in “563” (Orangle Records/ADA Music Italy), il suo nuovo singolo disponibile in radio ed in tutti i digital store. Presentato in anteprima nazionale ad Area Sanremo 2023 e anticipato da un’emozionante e coinvolgente serie di reels Instagram che ha accarezzato e commosso la fanbase della brillante cantautrice lombarda durante tutto il periodo dele festività natalizie, “563” è una lettera a cuore aperto, un viaggio intimo e personale che l’artista regala al suo pubblico e ne riconferma veridicità compositiva ed un’ineccepibile capacità di trasporre sul bianco e nero del suo pianoforte, tra pagine di versi ed anima, esperienze che, nella loro consuetudine, racchiudono l’eccezionale insito in ciascuno di noi, quello straordinario coraggio innato con il quale decidiamo di accettarle, viverle e trarne insegnamenti. Le sonorità delicate e profondamente toccanti che avvolgono il pezzo di pathos e malinconia – curate dall’immancabile tocco di Andrea Cattaldo del Phaser Studio -, sorreggono con rispettosa eleganza la voce inconfondibile di Sara, che si spoglia per un istante di quella corazza da guerriera divenuta una seconda pelle, per far parlare il lembo più intimo e fragile del suo drappo più prezioso, quello che riveste le emozioni, le sole, da sempre, a dare senso ad ogni battito, ad ogni respiro. «Riderci su è sempre stato il mio forte, tengo il dolore chiuso in una cassaforte»; parole che echeggiano tra gli affranti di ricordi resi indelebili dall’amore che li corrobora, espressioni che sgorgano da dentro e attraverso il canto si librano nel vento caldo dell’accoglimento, come il riflesso di un’anima che, seppur ferita, ha cessato di combattere se stessa, perché a volte, il miglior modo per vincere, è accettare le sconfitte, percependole come parte del percorso e non come un fallimento. «In questo brano – dichiara la cantautrice –, molto intimo e personale, descrivo nitidamente il momento in cui ho scoperto un passato indicibile della persona che amavo, iniziando a metterla in discussione. Il titolo, “563”, rappresenta i chilometri tra Milano e Roma, la distanza che mi separava da quell’amore irreale, destinato a concludersi». Un trascorso ineffabile – «scopro il passato e vado in blocco, resto senza baricentro, di questo terremoto, tu sei l’epicentro» - che bussa alla porta e nel suo incessante e silenzioso frastuono, ci priva di ogni cosa, facendoci sentire soli, inadeguati, spezzando, di fronte ad una realtà inaspettata, anche quell’ultimo filo di voce, lo stesso che, fino a ieri, ci teneva a galla nel nostro umano e splendido caotico equilibrio - «se sei lì davanti la mia voce manca, non so stare a galla dove non si tocca». Ma da ogni inaspettata e a primo acchito insostenibile scoperta, da ogni velo sollevato sui decorsi di chi ci ha fatto sentire vivi, è possibile compiere una scelta, decidendo se avvizzire e consumarsi nella rabbia e nella sofferenza, rendendo il nostro cuore un fiore destinato ad appassire, oppure, al contrario, accattare ciò che è stato, lasciar andare e, soprattutto, perdonare se stessi, acquisendo una nuova consapevolezza, quella che ciascuno di noi è il frutto del proprio passato, ma non per questo ne deve rimanere ingabbiato, quella che, ognuno, può decidere dal momento presente come, chi e cosa diventare domani. Scritto dalla stessa Sara J Jones con la consueta e proficua collaborazione di Marco Conte, “563” è accompagnato dal videoclip ufficiale, girato nel quartiere Barona di Milano, dalla raffinata e suggestiva cifra iconografica di Alessandra Miatello, disponibile su YouTube da martedì 17 Gennaio. Autentica, incisiva e penetrante, Sara J Jones, dopo l’enorme successo ottenuto con le sue precedenti release, apre il 2023 svelando un nuovo lato di sé, più raccolto e malinconico, ma non per questo meno genuino rispetto al brio e all’energia coinvolgente a cui ci ha abituati e che torneranno ad entusiasmarci nel corso dei prossimi mesi.... Continua a leggere

Come promesso a fine 2022, in occasione dell’uscita di “A Pezzi”, brano apprezzatissimo da pubblico e addetti ai lavori, trasmesso dalle più illustri emittenti italiane ed eseguito live sul palco del Lungomare partenopeo per il prestigioso Capodanno a Napoli 2023, il cantautore, musicista, regista e videomaker campano STRE torna in radio e nei digital store con “Uscire”, il suo nuovo atteso singolo. Eclettico, brillante, camaleontico e definito dalla critica come una delle migliori promesse della scena pop-rock nazionale, l’artista inaugura l’anno con un pezzo che riconferma la versatilità della sua Arte, senza abbandonare l’affascinante dualismo a cui ci ha abituati sin dalla sua prima release. Il titolo, infatti, racchiude come sempre un’accezione ambivalente, enfatizzata anche da un abbraccio melodico il cui punto di forza è la spiccata originalità dell’arrangiamento, che spazia da suoni di matrice euro-dance anni ’90 a ritmi tipicamente punk-ska con sfumature funky, accennando a barre rap nelle strofe; il tutto, per raccontare le difficoltà derivate dalla fine di una relazione che possono, o per meglio dire, necessitano, di un balzo oltre se stessi, oltre il proprio dolore, per essere comprese, affrontate e lasciate andare. “Uscire”: da una relazione di coppia giunta al capolinea, da tutte le abitudini legate ad essa, da quella comfort-zone che rappresenta sì afflizione e tormento, ma è pur sempre familiare alla nostra coscienza, connessa a tutti quei ricordi, rapsodici e costanti al contempo, che ci impediscono di riappropriarci della nostra libertà individuale, della nostra identità. Ma anche “uscire” con gli amici per un drink e staccare i pensieri, evadendo per qualche istante da quelle gabbie interiori in cui noi stessi ci inseriamo per il timore di un salto nel vuoto che non è altro che un tuffo nell’amor proprio, cullati da quelle wave autentiche e connaturate al nostro DNA che ci consentono di ritrovare noi stessi. «Questa canzone – dichiara STRE -, costituisce il sequel diretto di "A pezzi", in cui descrivevo quanto mi sentivo frammentato, sia moralmente che fisicamente. In "Uscire", racconto ciò che ne consegue, ovvero, come ho scritto nel testo, quel momento in cui "dovrò poi ricucire", per poi “resuscitare". Perché dopo la fine di una relazione, ci si sente un po’ morti dentro, si instaura una routine dalla quale è difficilissimo discostarsi in maniera istantanea, da un giorno all'altro». Una routine da cui la mente non riesce a sfuggire, tornando senza sosta a quei momenti condivisi, distrutti a volte dalla stessa abitudine, da quella consuetudine tanto cara all’essere umano che tende troppo spesso a trasformarsi in monotonia, riflettendo in maniera sempre più opaca e distopica un’immagine divenuta ormai irregolare, frastagliata in quei bordi che un tempo erano il confine di pace e serenità, ma ora sono soltanto un ciglio raggelato, con «tutte le parole da scongelare»,  da cui scorgere la nostra vita a picco sul mare, un mare da cui possiamo scegliere se farci travolgere e affondare, o trasportare a riva per ricominciare a vivere - «tutto da ricominciare, dopo di te» -. «In questo brano – conclude l’artista – ho voluto coniugare l’uscire da una storia d’amore all’uscire con gli amici per andare in città a bere qualcosa, come ho cercato di esprimere nella copertina, che raffigura un drink versato in un bicchiere che sta per rompersi in mille pezzi, e questo per prendere il largo, appunto “uscire”, da quel dolore che ci impedisce di pensare e lasciar andare definitivamente ciò che ormai si è rotto e ci fa solo del male». La release è accompagnata dal volutamente irriverente videoclip ufficiale, girato nel cuore di Napoli ed immancabilmente diretto e montato dallo stesso STRE, che si ritrova, come in un incubo, catapultato dal suo letto nel caos cittadino, in un sublime traslato della stasi nei confronti dell’esistenza; un’esistenza celere e frenetica, intenta a proseguire la sua corsa inarrestabile, mentre il cuore di chi soffre la osserva statico, inerte, immobile. La clip, in una perfetta commistione di passato, presente e futuro, eleva il valore intrinseco del brano mediante metafore visive e l’alternanza di sequenze più vintage con riprese in stile VHS.... Continua a leggere

Reduce da una gavetta pluridecennale e da un 2022 che l’ha consacrato ufficialmente come una delle penne più intimiste e penetranti della scena italiana, il rapper pugliese Karlito Akastoca torna nei digital store con “Zero UNPLUGGED”, rivisitazione cuore e voce di uno dei suoi più grandi successi che lo vede al fianco di Josè Conserva. Vibranti chitarre malinconiche sono la cornice perfetta in cui si innesta un testo ricolmo di anima e poesia, attraverso cui l’artista esprime, senza filtri e cliché, un flusso di coscienza che si identifica nel fluire stesso del suo sentire, in un bianco e nero che grazie al liricismo di un rap conscio delle proprie radici, esonda dai trend per giungere con incisiva immediatezza al cuore degli ascoltatori. Pensieri e riflessioni si susseguono sul ticchettio del nostro tempo, che per quanto appaia fugace, celere e irrefrenabile, non sarà mai in grado di stare al passo con il turbinio di input e considerazioni che affollano una mente vigile e indagatrice - «per quanto il mondo girerà, non va alla velocità dei miei pensieri» -, dominata dall’estenuante ed incessante lotta tra istinto e ragione, gioia e dolore, e dal rapsodico attaccamento a tutti i frammenti che ne derivano - «nella vita il caso è il suo codice morse» -. Ma in questa situazione di caos e subbuglio interiore, ove non ci è possibile scegliere e nemmeno agire per modificare il nostro passato, le penetranti barre di Karlito Akastoca e la vocalità avvolgente di Josè Conserva ci ricordano che possiamo, o per meglio dire dobbiamo, determinare il nostro futuro partendo dalle decisioni dell’oggi - «scegli come fiorire, non puoi scegliere il suolo» -, cessando di demandare la responsabilità della nostra vita a fattori e persone esterne. Perché se è vero che «una foto non fotografa l'interno» ed è possibile continuare a nascondersi dietro un’immagine fittizia, falsata e a tratti distopica, portando l’occhio di chi ci osserva a non scorgere oltre ciò che vogliamo mostrare - «da lontano mi vedi fiero, vedi un arcobaleno, sembra così luminoso il cielo, ma da vicino è nero», è vero anche che l’unica via di uscita dai nostri nidi di sofferenza, titubanze e impasse, è quella della consapevolezza, a cui conseguono l’accettazione prima e la rinascita poi - «non sconfiggerete mai chi ci riproverà in eterno» -. «”Zero UNPLUGGED” – dichiara il rapper - racconta la rinascita dopo un periodo difficile e, di periodi difficili, ce ne sono tanti nella vita di ciascuno di noi. È un po’ quello che accade in seguito ad acquazzone, ad un temporale: esce l’arcobaleno ed è così anche per noi essere umani, che dopo aver attraversato le nostre tempeste personali, rinasciamo. Dobbiamo farlo, per risplendere più luminosi e brillanti di prima». Un brano di rivalsa, che lontano da stereotipi e wave del momento, getta la sua ancora proprio negli abissi più oscuri dell’interiorità individuale, perché è proprio da lì che va tratta la scintilla per irradiare di nuova luce il proprio percorso, diventando, in prima persona, il faro guida della nostra stessa nave. “Zero UNPLUGGED”, perfetto seguito di una serie di release che lo scorso anno hanno messo in luce la sensibilità e la finezza autorale di Karlito Akastoca, segna al contempo fine ed inizio del percorso in musica dell’artista tarantino che, proprio come nel testo del brano, attinge al suo passato senza esserne governato, per tracciare un futuro ricco di entusiasmanti novità.

Reduce dal successo di “Tempesta”, brano che lo scorso anno ne ha riconfermato talento, carisma e sensibilità autorale, il cantautore e tiktoker da milioni di follwers, streams e views Gabriel Zanaga inaugura il 2023 con “Pezzi di me” (distr. ADA Music Italy), il suo nuovo viaggio iconografico tra malinconia e sentimenti. Come in un vero e proprio puzzle musicale, l’artista eporediese classe 1996 scava dentro se stesso per portare alla luce i frammenti di un cuore infranto dalla fine di una relazione, che, solamente attraverso il complesso ma necessario processo di accettazione, ricercano nuova linfa per ricomporsi e tornare a battere all’unisono. Dalla penna icastica e figurativa di Gabriel, sgorgano liriche capaci di rimandare istantaneamente ad un immaginario sospeso tra romanticismo - «eravamo io e te, un paesaggio a Venezia» - e afflizione - «quel sorriso così freddo sembra un parquet» -, in cui si inseriscono luci ed ombre di un rapporto di coppia nocivo e deleterio – perfettamente reso in musica dall’abilità del producer YLY, al secolo Fabrizio Caglioti -, commisurato nel testo ad una sostanza stupefacente - «il nostro amore è come se fosse una droga» -, in grado di creare dipendenza e mai assuefazione - «più ci faceva male più ne voglio ancora» -, senza la quale tutto, dentro e intorno a noi, perde di significato, portandoci a sentirci incompleti, incapaci di gestire le nostre emozioni - «perdo pezzi di me, vado fuori di testa» -, nonostante la consapevolezza della sua tossicità - «tutto questo non è amore, solo veleno che fa male al cuore» -. Un veleno che ha come unico antidoto il suo accoglimento, l’ammissione a se stessi di un epilogo che non va e non dev’essere vissuto come un fallimento personale, ma come il primo importantissimo passo verso la riedificazione di un’identità che non può subordinarsi a fattori o persone esterne: «”Pezzi di me” - dichiara l’artista - parla di un amore tossico attraverso immagini, ricordi ed emozioni; parla della voglia di amare anche se si è consci che alla fine, in determinate condizioni e con certe persone, ci si farà solo del male». Il desiderio di amare ed essere amati che prevarica la tutela del nostro equilibrio emotivo e prevale sul dolore scaturito dallo stesso amare, dal donare il proprio cuore, le proprie attenzioni e le proprie energie a chi non è pronto, o non è in grado, di riceverli e continua a sintonizzarsi e progredire su frequenze completamente opposte alle nostre. Ma è proprio da questo innato bisogno di connettersi e condividere, che è possibile ricostruire se stessi, raccogliendo da terra i cocci, quei pezzi di anima e cuore che in un meraviglioso e personalissimo kintsugi interiore possono essere saldati tra loro con il filo d’oro dell’esperienza, l’unica chiave capace di dischiudere le sfumature più luminose del nostro essere, suggellandole con la promessa di tornare a risplendere e di scrivere un nuovo entusiasmante capitolo del viaggio della vita, oltre la coltre di ciò che accade ed esula dal nostro controllo - «ormai sto bene, perché succede»-. “Pezzi di me”, con foto e artwork a cura di Gabriele Francheo, fa da apripista alla nuova avventura tra le note di Gabriel Zanaga, che nel corso di tutto il 2023 continuerà a stupire e coinvolgere il pubblico con un’imperdibile serie di nuove suggestive release.

Dopo aver conquistato il pubblico per originalità e carisma, la critica per versatilità e sensibilità autorale ed aver collezionato un incredibile numero di streams e views in brani come “MUSA”, “Guido Male”, “PEZZI” e "THAT’S AMORE”, che ne hanno riconfermato eclettismo ed attitude fortemente sperimentale, il brillante cantautore triestino Jeremy Dever torna nei digital store con “Paracadute”, il suo nuovo singolo prodotto da Hazel. Se in “PEZZI”, un bianco e nero intriso di passione, rabbia e sentimento, l’artista classe ’93 dava sfogo alle ferite dell’anima per esorcizzarle e sovvertirle in veri e propri punti di forza da cui ricominciare a vivere, in “Guido Male” scansionava i propri conflitti interiori sotto la lente di un beat di matrice Old School ma dalle travolgenti sfumature catchy e in “MUSA” e “THAT’S AMORE” si spogliava di maschere, barriere e timori lasciando fluire esclusivamente la voce del cuore, in questo nuovo pezzo, avvolto da un irresistibile abbraccio Soul con elegantissimi richiami elettronici, il focus è incentrato sui dubbi, le perplessità ed il timore verso il futuro, che vengono sviscerati, in perfetto stile Jeremy, con arguta ironia. Una leggerezza che non si identifica in irresponsabilità, noncuranza o negligenza nei confronti del domani, ma in una brezza sottile che come una carezza sul cuore diventa necessaria, quasi imprescindibile, per poter affrontare l’oggi in virtù di quello che verrà, come lui stesso racconta: «“Paracadute” è un autoscatto tradotto in musica della mia preoccupazione per il futuro, il futuro di tutta la mia generazione. È come se fossimo effettivamente sospesi nel cielo e non sapessimo dove atterrare, perché, attorno a noi, percepiamo e scorgiamo solo acqua. La scelta di trattare il tutto in maniera leggera, è il mio modo di dire “Nonostante tutto, non ci abbattiamo”, perché sono convinto del fatto che prendere le preoccupazioni con il sorriso, sia davvero il metodo più efficace, anche se è probabilmente il più complicato da praticare, per affrontarle». Una condizione, quella di sentirsi sospesi, costantemente in bilico su un terreno instabile e franoso, che attanaglia moltissimi giovani, allarmati dalle sempre più rare certezze che il mondo degli adulti sa fornire e garantire loro sulle prospettive future. Ed è proprio in questa situazione di impasse, ove regnano precarietà e preoccupazioni, che la penna vibrante e incisiva di Jeremy scava per dar luce e vita ad un ritratto realista della nostra contemporaneità, dipingendo, con i toni caldi delle sue graffianti liriche, una sorta di preghiera laica che ben si esprime nel ritornello - «Signore abbi pietà di noi, miglioraci il futuro se puoi, perché se guardo col mio cannocchiale vedo solo mare non dove atterrare» -. Un mare di titubanze in cui ognuno è naufrago di se stesso, alla deriva di una corrente contro cui combattere quotidianamente, per evitare di soccombere, di sprofondare negli abissi della frustrazione, di un abbattimento morale da cui può essere impossibile risalire, risollevarsi. Una richiesta di aiuto in cui si fondono umorismo e riflessioni di un giovane che parla ai giovani nella loro stessa lingua, ma che grazie al magnetismo della sua scrittura e ad un’impronta timbrica e stilistica uniche, si rivolge, riuscendo a catturarlo, anche al pubblico adulto, chiedendo solo di essere ascoltato, perché, troppo spesso, i primi a fuggire da responsabilità e doveri, siamo proprio noi adulti. Anche le strofe, nel fluente susseguirsi di ironia e considerazioni profonde, presentano i tratti antinomici di chi è determinato a lasciare un segno del proprio passaggio nel mondo - «Metto un pezzo di me in ogni traccia, così in questa vita, frate, non mi ammazzeranno mai» -, ma si sente imprigionato in una gabbia di perplessità e irresolutezza - «Chiedo un aiuto al signorino su che ci guarda da un tot (hey, tu!) E se devo essere onesto, non ho più nemmeno voglia di procreare» -. “Paracadute” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto da Mario Orman e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, che simboleggia ed enfatizza perfettamente il dualismo leggerezza-complessità connaturato al testo. Introspezione, malinconia, ma anche desiderio di rivalsa, sentimento ed energia sono i punti cardine della produzione musicale di Jeremy Denver, un cantautore eclettico, che elude l’omologazione e, sin dall’esordio, ha incentrato il proprio percorso artistico sull’emozionalità di testi capaci di giungere al pubblico con intensità e immediatezza, al punto da definire la sua discografia “irriverente”, per l’istantaneità e la dimestichezza con cui “parla” a chi l’ascolta. Un artista a tuttotondo capace di scrivere, interpretare, ideare performance e videoclip e che grazie al connubio tra estro sperimentale e radici profondamente Soul, nella sua accezione più alta ed emozionale, trae ispirazione e guida per le sue release proprio dall’anima, collaudando, per ogni brano, un nuovo mezzo per divulgare i suoi messaggi. Biografia. Jeremy Denver, al secolo Vincenzo Giaramita, è un cantautore e musicista triestino classe 1993, riconosciuto sin dalla sua prima release come una delle più promettenti leve del panorama urban-pop-soul italiano. Si avvicina alla musica a soli 13 anni, rivestendo il ruolo di batterista in diverse formazioni di matrice hardcore/punk. All’età di 18, firma il suo primo contratto discografico con l’etichetta ligure Thisiscore (ex Wynona Records), che includeva nel roster alcune tra le più celebri band nazionali del genere. Nel 2013, dopo lo scioglimento dell’ultimo gruppo di cui faceva parte, decide di proseguire in qualità di solista il suo percorso tra le note, avvicinandosi così, per la prima volta, ad un microfono ed è unendo la passione per la scrittura all’affinità con il metronomo che inizia a rappare. Immerso nelle contaminazioni sonore e nei crossover musicali, Jeremy Denver affronta la scrittura dei suoi testi senza porsi limiti, né autoriali, né interpretativi, né di genere. Pur mantenendo un’icasticità di penna ed un liricismo che solo il rap può vantare, la direzione delle sue release è meravigliosamente intrisa di sonorità più melodiche che spaziano dall’R’n’B al Soul, sfiorando le sfumature del funk, del rock, della dancehall e di qualsiasi altro genere che possa essere fonte di ispirazione: un mash-up di stili, suoni, introspezione e ironia che dà forma e vita ad un meraviglioso quadro impressionista in cui si inseriscono tutti i colori della vita, tutte le nuance dell’arcobaleno creativo-espressivo di Jeremy Denver.

Con l’impeccabile raffinatezza della sua penna ed un’accurata e minuziosa ricerca sonora in grado di intrecciare ritmi attualissimi ad animiche vibes senza tempo, il rapper della periferia milanese Blade chiude il 2022 con “Sopra le nuvole”, il suo EP di debutto. Cinque tracce, sapientemente amalgamate sul fil rouge della quotidianità di un giovane uomo appartenente alla Gen Z che, tra sentimenti, emozioni, dubbi, perplessità e desiderio di rivalsa su una vita in cui spesso si sente ingabbiato, immortala in un disco la sua intera esistenza, dando forma e voce ad una coloratissima istantanea capace di far viaggiare, con orecchie, mente e cuore, “Sopra le nuvole”. Un coinvolgente autoritratto posato sul liricismo che solo il rap è in grado di generare e che Blade, con una sensibilità degna di nota, esprime attraverso un ineccepibile flow, che si identifica, con semplicità e immediatezza, nel flusso stesso del suo vissuto, nelle esperienze che l’hanno condotto ad essere, giorno dopo giorno, la persona e l’artista di oggi. «”Sopra le nuvole” – dichiara – è un progetto molto importante per me, perché, oltre ad essere il mio EP d’esordio, è la prima vera e propria rappresentazione di me stesso sotto forma di canzoni». Canzoni che sfiorano, accarezzano e si innestano istantaneamente nell’anima dell’ascoltatore, che viene accompagnato in un viaggio ricco di flashback, speranze e desideri, tra le soddisfazioni, le delusioni, le sofferenze e le gioie che fanno parte della vita di ciascun essere umano. Dall’opening “Stai con me”, che si sviluppa su uno scenario sospeso tra sogno, amarezza, passione e sentimento, cullato da un beat ipnotico dalla matrice clubbing e dalle sfumature elettroniche, al magnetismo del tormentone catchy “Ue Ue Ue” che fonde sensuali sonorità dal gusto arabeggiante ad un tappeto trap-ballad, arrivando all’epilogo “Successo”, una lettera a se stessi e al mondo ricolma di emozione che ben sintetizza l’intero concept, Blade parla la lingua dei giovanissimi raccontando sfumature d’animo e di vita che esulano dalle gabbie del tempo, mettendo in luce un’abilità autoriale ed interpretativa degne di nota, che affascinano e coinvolgono il pubblico di ogni età. «Sarà perché ne ho passate davvero tante – conclude l’artista -, ma tutte le situazioni che ho vissuto, mi hanno dato la forza per andare avanti senza dare ascolto a nessuno, ponendo attenzione e focus soltanto ai miei obiettivi, con la voglia di arrivare in alto. Ho creduto in me stesso sempre, nonostante tutto e tutti, perché, in cuor mio, sento di avere una missione da compiere, che è quella di trasmettere i messaggi che porto nel cuore a più persone possibili, con la speranza di essere di aiuto, di appiglio, per chi si sente naufragare nel mare incasinato della vita». Interamente prodotto dall’abilità creativa di Francesco Brattoli, che ha saputo vestire ogni brano di suggestione e innovazione, “Sopra le nuvole” è supportato dall’ingresso in rotazione radiofonica di “Stai con me”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Tuap e Samuele Meta. Incisivo, carismatico, ma al tempo stesso riflessivo ed attento osservatore dei moti emozionali, Blade è una della più promettenti leve del nuovo rap-game italiano, un artista capace di differenziarsi e rendersi riconoscibile grazie ad una scrittura e un’attitude interpretativa uniche, che attraverso testi intrisi di riflessioni e sentimenti, giungono al pubblico con l’universalità e la delicatezza che solo le esperienze vissute in prima persona tradotte in musica sono in grado di donare. Biografia. Blade, pseudonimo di Sami Azzabi, è un cantautore classe 2000 nato a Cernusco sul Naviglio e trapiantato a Crema. Si avvicina alla musica sin da piccolo, scoprendo il Rap tramite il freestyle e decidendo di dar vita ai suoi primi testi inediti. Dopo un lungo percorso di introspezione e minuziosa ricerca sonora, a fine 2022 pubblica su tutte le piattaforme digitali “Sopra le nuvole”, il suo EP di debutto che ben racchiude tutte le sfumature della sua anima e della sua visione artistica. Incisivo, carismatico, ma al tempo stesso riflessivo ed attento osservatore dei moti emozionali, Blade è una della più promettenti leve del nuovo rap-game italiano, un artista capace di differenziarsi e rendersi riconoscibile grazie ad una scrittura e un’attitude interpretativa uniche, che attraverso testi intrisi di riflessioni e sentimenti, giungono al pubblico con l’universalità e la delicatezza che solo le esperienze vissute in prima persona tradotte in musica sono in grado di donare.... Continua a leggere

A due mesi esatti dalla pubblicazione del sensuale ed energico inno al female empowerment “I Don’t Care”, Kefàli torna a scaldare i cuori con la raffinata potenza della sua voce in “Please” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), il suo nuovo singolo disponibile in radio ed in tutti i digital store. Bergamasca di nascita e newyorkese d’adozione, la poliedrica artista classe 1996 si spoglia di ogni suo ruolo riversando in musica gli stati d’animo e il turbinio di sensazioni contrastanti che avvolgono la nostra contemporaneità, sempre più focalizzata al raggiungimento di un’effimera e chimerica perfezione, anziché alla promulgazione di un benessere individuale capace di propagarsi nel collettivo. Come ci si sente quando il mondo esterno, soprattutto quello dei nostri affetti, nutre aspettative altissime nei nostri confronti? È da questo quesito che Kefàli, traendo da un’esperienza vissuta dalla sorella, ha dato il via ad una serie di riflessioni e considerazioni che hanno portato alla nascita di “Please”, un grido di aiuto scaturito dalla frustrazione e dal timore di non farcela, di non essere all’altezza e di deludere ogni attesa, una struggente istantanea di un’esistenza, la nostra, sempre più bidimensionale, come lei stessa racconta: «”Please” è nata in un momento di fragilità attraversato da mia sorella. Questo suo periodo, mi ha fatta riflettere moltissimo sulle aspettative che gli altri riservano nei nostri confronti, che diventano quasi delle imposizioni, e su quanto l’avvento e la diffusione dei Social abbia reso la nostra vita bidimensionale. I primi tempi, a New York, non me la passavo benissimo, ma mi sentivo dire: “Ma di cosa ti lamenti? Sei a NY, non sai quanto vorrei esserci io al tuo posto!”. Rimanevo stupita di come nessuno si preoccupasse di come stessi realmente. Tutto ciò ha creato in me un senso di responsabilità e la paura di essere un fallimento nel momento in cui, quello per cui stavo lavorando, non avesse funzionato». Ed è da questa paura che ogni piccolo ostacolo incontrato sul proprio percorso, personale e professionale, anziché diventare motivo di crescita ed evoluzione, si amplifica e si enfatizza sino ad apparire mastodontico, insormontabile e causando, dentro di noi, ulteriore sconforto e avvilimento. Una pressione psicologica spesso involontaria per chi la attua, ma in grado di scatenare una profonda insicurezza nell’animo di chi, ricevendola, si ritrova ingabbiato nella propria vita, nei propri pensieri - «I find myself breathing, but I can’t reach for air» («Mi ritrovo a respirare, ma non riesco a prendere aria») -, incapace di intraprendere un percorso libero dal giudizio e dalle forti attese altrui, perché avvezzo ad una pseudo-scelta, mossa, unicamente, da aspettative mascherate da auspici che, come vere e proprie lame, trafiggono i sogni in favore di quel risultato finale in linea con un volere sociale universale che mira alla perfezione, trascurando la completezza e la soddisfazione che ciascun individuo identifica per se stesso in maniera del tutto soggettiva. Una zavorra frequentemente scaturita dal desiderio di incitare le persone a cui teniamo alla realizzazione e all’appagamento, ma che, con il passare del tempo, si sovverte, divenendo per loro un fardello insostenibile - «I feel the weight on my shoulders, like everyone depends on me» («Sento il peso sulle mie spalle, come se tutti dipendessero da me») -, causa di insoddisfazione e svilimento a tuttotondo: «Quando le persone che abbiamo accanto si aspettano da noi la perfezione in ogni campo, senza lasciarci spazio per commettere errori e crescere, ci sentiamo soffocare – conclude Kefàli -. Questo, capita anche quando avvertiamo il fiato sul collo e percepiamo che alcuni sono lì ad aspettare un nostro errore, come se per loro dimostrare la nostra umana imperfezione sia una soddisfazione. Nel ritornello canto “Stop saying that you want to be me, cause you don’t know what it means” (“Smettila di dire che vuoi essere me, perché non sai cosa significa”), ma anche “Please, start listening” (“Per favore, inizia ad ascoltare”), proprio per far capire come a volte basterebbe prestare maggiore attenzione ai reali desideri di chi amiamo per vederli pienamente soddisfatti delle loro vite, anziché asfissiarli con continue aspettative che portano solo ad insoddisfazione e frustrazione». Una tematica, quella della perfezione, del dover apparire ineccepibili e saper eccellere in ogni campo, sempre più diffusa e diramata, estesa ad ogni aspetto della quotidianità, da quello estetico, enfatizzato dai social network, a quello professionale, finalizzato alla competizione continua anziché ad una collaborazione ove ciascun individuo può mettere in campo le proprie inclinazioni, fino ad arrivare alla sfera più intima e personale, che include la dimensione socio-affettiva, incoraggiando relazioni umane che di umano hanno ben poco, incentrate sull’interesse anziché sul sentimento, e quella interiore della propria personalissima visione di sé, che penalizza le vocazioni soggettive favorendo un’omologazione priva di creatività ed emozione. “Please”, una struggente richiesta di aiuto supportata dalla necessità di essere ascoltati, percepiti nella propria condizione umana che ci dà il diritto di commettere errori perché è solo così che saremo in grado di migliorarci ogni giorno, è accompagnata dal videoclip della versione acustica – arrangiata da Luca Giola -, diretto da Michele Di Rienzo - con audio a cura di Giorgio Andreoli - che riassume, attraverso iconici frame, l’importanza di potersi sentire imperfetti per raggiungere, passo dopo passo, l’unica vera perfezione a cui possiamo aspirare, quella di una vita di cui essere gli unici artefici.

“Chi sei tu, Michele?”: è da questo semplice ma complesso e plurisfaccettato quesito che ha preso vita “Cateto Acrobatico (Se penso a te)” (Pako Music Records), il nuovo suggestivo viaggio tra ritmo e riflessioni del cantautore marchigiano Michele De Martiis. Pop, rock, batteria, chitarre ed un entusiasmante richiamo al britpop - grazie anche all’utilizzo del mellotron -, si fondono per celebrare la pluralità e l’ambivalenza dell’essere umano, che in una sublime analogia con la forma geometrica del triangolo, si destreggia per mantenere in costante equilibrio la dicotomia del suo sentire, tra la parte razionale e responsabile e quella più istintiva, illogica e giocosa. Una lettera di presentazione in musica, attraverso cui Michele De Martiis descrive, con la fine incisività della sua penna, la quasi totalità della sua personalità, del suo carisma, aggiungendo il sottotitolo “Se penso a te”, che come lui stesso spiega, può avere differenti destinatari, a seconda della prospettiva con cui lo si percepisce e, di conseguenza, lo si interpreta: «Spesso mi ingarbuglio in pensieri con delle subordinate, finendo con il costruire periodi lunghi e difficili da seguire. Me lo dicono sempre. E allora ho scelto di mettere un sottotitolo alla domanda di partenza, incasinando, volutamente, ancora di più il tutto. “Cateto Acrobatico (Se penso a te)”; “a te” chi? Ad una lei? Ad un Dio creatore? All’essere umano? Oppure a me stesso?» Un brano in perfetto stile De Martiis, ma per molti versi lontano e totalmente differente dalle release finora pubblicate dal sognatore che sa viaggiare e far viaggiare tra le emozioni giungendo oltre, in quel “L’al di là delle favole” ove è possibile trasformare il dolore in una catarsi da cui rinascere; un pezzo in cui conoscere i tanti pezzi di Michele, incontrando la persona dietro l’artista, così da poter incontrare se stessi dietro le maschere dei ruoli sociali che ci appartengono, o da cui, molto spesso, ci facciamo dominare e dirigere nella quotidianità della vita. “Cateto Acrobatico (Se penso a te)” è una canzone densa di significato, articolata su più livelli di lettura ed una composizione testuale apparentemente intricata e tortuosa, ma, ad una più attenta analisi, quella che sa osservare più in là di se stessa e della sua natura analitica, appare istantaneamente diretta, limpida e cristallina, tanto da restituire immediatamente un perfetto autoscatto di ciò che l’artista è, senza necessariamente averlo ascoltato o conosciuto prima. «Reggo bene il battito cardiaco, le mie pene stanno nel filosofico» e «ti confondo perché sono pragmatico, ti confondo, col mio giro armonico», sono due dei passaggi più rappresentativi di questa radiografia animica in cui il protagonista comprende e ritrova se stesso proprio attraverso l’esposizione delle sue caratteristiche personali, accettando con quella leggerezza che profuma di piena consapevolezza e profondo accoglimento di se stessi con le proprie antinomie e contraddizioni, ogni lato della propria natura. Una personalissima dedica alla vita, che si sintetizza in un ritornello dai toni catchy e dalle sfumature profondissime, - «E non c'è niente di speciale se penso al mondo intero, ma è tutto più speciale se, io penso a te» - capace di far riflettere su quanto, la straordinarietà dell’esistenza, dipenda, forse del tutto o forse per lo più, dalla nostra capacità di scorgerne con trepidante stupore ogni sua connotazione positiva: «In fondo – conclude De Martiis - il mondo è una meraviglia. Il frutto del concatenarsi di infinite casualità (o di una volontà creatrice superiore?), che hanno creato un pianeta unico. Con la vita dentro. Speciale? Certo. Ma lo sarebbe ugualmente se non ci fossero occhi capaci di ammirarlo? Senza l’essere umano la meraviglia avrebbe senso? O sarebbe fine a sé stessa?». Interrogativi che portano ad innumerevoli spunti su cui meditare, a patto di farlo con la cognizione che non a tutte le domande c’è riposta, o per meglio dire, l’unica risposta a certi quesiti è la vita stessa, perché è solo vivendo appieno che è possibile continuare ad essere un triangolo capace di bilanciare i propri cateti con l’ipotenusa del mondo là fuori, nel delicato equilibrio di rimanere in armonia con ciò che siamo e chi ci circonda. Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, scritto e diretto da Mirko Petrini e prodotto da Marranjo.... Continua a leggere

Con l’eleganza e la classe che contraddistinguono e permeano ogni sua release, Gianluca Amore, riconosciuto dalla critica come una delle vocalità maschili più emozionanti, intense ed incantevoli del cantautorato di matrice Pop-R’n’B dell’ultimo decennio, torna ad accarezzare ed avvolgere di incanto e pathos orecchie, menti e cuori con “Disordine” (PaKo Music Records/Visory Records/Believe Digital), il suo primo album. Etimologicamente derivato dal latino “ordinis” con l’aggiunta alla radice del prefisso peggiorativo “dis” a sovvertirne senso e significato, e nella sua accezione più profonda identificabile nella locuzione greca “Caos”, che ritrae una profonda lacuna nella continuità lineare del proprio essere e della propria vita, “Disordine” è un disco che stravolge ogni contorno, mescolando abilmente le carte, le 10 tracce che lo compongono, per riprogrammare e cogliere da nuove e più luminose prospettive quel subbuglio interiore, quella confusione apparentemente irresolubile che affolla e scompiglia lo spazio che ci separa da un tanto inseguito equilibrio in ogni ambito della nostra esistenza. L’intero universo di un giovane uomo di 30 anni racchiuso in un racconto di 10 capitoli, una narrazione sincera, intima e senza filtri, attraverso cui Gianluca Amore si spoglia di ogni difesa, permettendo alle sue fragilità di emergere fin quasi a prenderne il sopravvento, perché questo è l’unico modo per comprenderle ed è soltanto così che è possibile accettarle, custodirle come parte integrante di ciò che siamo e trasformarle, con il tempo, in preziosissimi punti di forza. Stati emotivi differenti, a tratti opposti e contrastanti, trovano espressione, scudo e riparo nella voce calda e nell’esecuzione impeccabile di un artista che canta con l’anima perché è in essa stessa che trae la genesi di tutto il suo percorso tra le note e perché, questo, è il solo modo che conosce per fare musica. Italiano e inglese si amalgamano nei testi così come nella vita di Gianluca, cantautore, musicista, musicoterapeuta, performer, ma prima di tutto persona, che attraverso una spiccata e finissima sensibilità ed un’innata inclinazione alla ricerca e alla condivisione dei sentimenti umani mediante l’Arte, giunge dritto al cuore degli ascoltatori con un’autenticità, una delicatezza e una purezza disarmanti. Non solo stati d’animo, esperienze e lingue con registri differenti; in “Disordine” sono anche le sonorità su cui si posano emozioni e riflessioni a variare di continuo: dalle atmosfere anni Ottanta del brano apripista “I wanna sing forever”, una dichiarazione d’amore dal ritmo incalzante nei confronti della musica, si passa istantaneamente, in un naturale fluire di battiti e di coscienza, al suggestivo R&B di “Senza Ragione”, urlo sospeso tra la silente ma più fragorosa che mai implosione di un sedicenne imprigionato nelle sofferenze dell’adolescenza e la liberazione da essa mediante la sua catarsi in musica, arrivando al pop tipico degli anni Novanta di “Masochist”, primo singolo estratto dall’album, che cullato da una ritmica incessante e travolgente, descrive con ironia la fine di una storia. Vi è poi la pop-rock ballad “Cold and Red”, una delle release più apprezzate del cantautore veneto, un dipinto scaturito dagli acquarelli della passione, dove l’eros incontra la dimensione onirica in un abbraccio che toglie il fiato per riaccenderlo, e l’ipnotico elettro-acustico di “Uno due tre”, brano capace di fondere egregiamente l’elettronica ad un pianoforte un po’ scordato, un basso e una ritmica dal sapore neo-soul, il tutto, per raccontare una serata diversa dal solito, in bilico tra spregiudicatezza e novità. Unica cover del disco, è la meravigliosa “Nothing Compares To You/Purple Rain”, un mash up che rende omaggio al grande Prince, accompagnata dal videoclip ufficiale ed attualmente in rotazione radiofonica, ove ritroviamo tutto il mondo di Gianluca: vocalità Soul, arrangiamenti che intrecciano parte sintetica a parte acustica, cori ed un testo che urla un’assenza struggente, insopportabile, ma profondamente poetica. “Riamarmi in un secondo”, in duetto con Milo Nanni, dà la possibilità a due incantevoli voci maschili dai colori Black di unirsi per fluire in una ballad malinconica, che ha come tema cardine il capolinea di una relazione e la conseguente relativa rassegnazione, ma anche – e soprattutto - la speranza poter e saper ricominciare. In “Disordine” c’è spazio anche per il Gospel, che si manifesta più vivido che mai in “Free me”, una preghiera laica che domanda redenzione, in cui il testo si articola su un sound prorompente, quasi colossale, donando a chi l’ascolta una dimensione intimamente magica, resa possibile anche grazie alle voci del coro Name ed all’abilità dell’orchestra OGAF dell’Accademia Filarmonica Veneta (il brano è stato orchestrato dal Maestro Simone Tonin, direttore della Gaga Symphony Orchestra e collaboratore di artisti nazionali e internazionali). Penultima traccia è “You (don’t) know”, un uptempo fortemente pop in cui Gianluca Amore affronta le malelingue, biasimando chi giudica, chi crede di essere onnisciente, ma, in realtà, sa usare il dono della parola solo per distruggere, senza costruire mai. L’album si chiude con la title track “Disordine”, un piano-voce-archi, che sintetizza, enfatizzando, l’intero concept. A trent’anni come a quindici, Gianluca Amore si immerge, si ripara e si cerca tra le note, negli abissi costituiti dai fogli ricolmi di parole e saturi di indescrivibili ma tangibilissime emozioni, tra la vita quotidiana fatta di occasioni perse e sorrisi ritrovati, di giorni bui e nottate di luce. Un subbuglio che confonde per comprendere, un caos che è necessario per giungere alla tranquillità, all’equilibrio, a quell’ordine che soltanto noi per noi stessi possiamo e siamo in grado di definire come tale; un “Disordine” capace di sistemare ogni cosa, anche e soprattutto attraverso l’Amore. Si, perché c’è e deve sempre esserci spazio per l’amore: l’amore per se stessi, per gli altri, per la vita e per la musica, che in questo album spazia tra stili e mood anche in antitesi, tra note alte, note basse, tasti neri e tasti bianchi, per raccontare, in maniera volutamente disordinata, il mondo di un ragazzo di trent’anni, che di quelle note, di quelle emozioni, di quei sogni e di quelle canzoni, ci vive. Un regalo di Natale che Gianluca fa a se stesso e che ognuno di noi, attraverso la sua splendida voce, dovrebbe farsi: un tuffo nel tumulto animico che ci attraversa per poterlo accettare, accarezzare e poi renderlo, mediante quell’incomprensibile e irrazionale ragione che lo caratterizza, il più equilibrato modo di poter cogliere e affrontare la vita, perché, come scrisse il padre della psicologia analitica, Carl Gustav Jung, “in ogni caos c'è un cosmo, in ogni disordine un ordine segreto” ed è solo sapendo sostare e valicare il “Disordine” che ci avviciniamo sempre più alla nostra personale armonia.... Continua a leggere

Reduce dal successo dell’esordio solista avvenuto lo scorso anno con “Hemingway”, la cantautrice veneta EleJola – al secolo Elena Parpajola – torna nei digital store con “Volevi Solo Una Barbie” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte italia), il suo nuovo singolo scritto a quattro mani con la queen dell’urban Miriam Ayaba. Articolato su arcaici ma fin troppo attuali stereotipi che ruotano attorno all’immagine delle blond girls, il brano, che vanta la produzione del Latin Grammy brasiliano Renato Patriarca, è un tuffo a capofitto nell’universo emozionale di una giovane determinata a smantellare e sovvertire tutti i preconcetti che continuano ad avvolgere le ragazze bionde, una full immersion emotivo-sensoriale che attraverso la leggerezza di un testo volutamente ironico ma mai banale, conduce l’ascoltatore ad un faccia a faccia con la realtà, un crash test contro le invisibili ma ancora oggi salde e complesse da superare barriere che scindono e pongono in antitesi concetti come “bionda-intelligente” e “bella-competente”. Come se la professionalità nel lavoro, la bontà d’animo, o l’attitudine ad essere precisi e responsabili, dipendessero dal colore dei capelli, degli occhi o della pelle, dall’altezza o dalla costituzione fisica. Su un sound energico e dinamico, capace di rimandare istantaneamente ad una dimensione sospesa tra richiami da dancefloor anni ’80 e tinte fortemente hyperpop, si posa il bianco e nero di chi è stanco di nascondere le proprie cromie per il timore di essere giudicato, escluso, etichettato come “diverso” in una società in cui spendiamo encomiabili parole su questo tema, quando, probabilmente, dovremmo solo imparare a parlare un po’ meno e agire di più, o, per meglio dire, a parlare con maggior cognizione di causa per poi agire di conseguenza. «Il tempo passa e so che non sai ancora niente di me, che non sono bella e tonta, ma una che lascia l’impronta. Ma tu non lo saprai mai, che non sai niente di me»: nel ritornello, EleJola esprime perfettamente il concetto di tutto l’intero brano, sfogando, con l’eleganza e la grazia che la contraddistinguono, il suo desiderio di ribellione composto, l’unico che ha senso di esistere ed essere manifestato per riuscire ad estirpare alla radice cliché senza fondamento, ma che traggono le loro basi su leggende scritte e tramandate da chi, semplicemente, non riesce ad accettare che siamo tutti uguali nelle nostre meravigliose peculiarità e differenze. «Questo pezzo – dichiara l’artista – parla di una donna che ha finalmente scelto di essere libera, di non farsi più abbindolare da complimenti volti ad esaltarne solo l’aspetto fisico a discapito di competenze e intelletto, una donna che rispetta e pretende altrettanto in cambio, una donna che reclama di essere capita in maniera più profonda e sincera». Uno sguardo capace di andare oltre a ciò che l’occhio vede e la mente giudica, in un’ottica di accettazione dell’altro che non va né idolatrato né disprezzato per caratteristiche fisiche che continuano a predominare su impegno, sacrificio, dedizione e attitudini personali. «Dopo “Hemingway” – conclude EleJola - ho sentito l’esigenza di realizzare un brano che raccontasse più profondamente chi sono. Ho lavorato molto su me stessa, mettendo a tacere le chiacchiere futili, negative. “Volevi Solo Una Barbie”, mediante una relazione vissuta nella mia adolescenza, racconta proprio questo: una ragazza che diventa Donna, con la D maiuscola, e non si fa più mettere i piedi in testa da nessuno. Dedico questo brano a me stessa e a tutte le donne del mondo: non silenziate mai le vostre idee e lasciate l’impronta!». Il brano, supportato dal videoclip ufficiale nato da un’idea della stessa cantautrice padovana - che si mette alla prova anche in veste di ballerina, accompagnata da due giovani e promettenti talenti dell’Accademia di Danza Flash Dance Academy di Montegrotto Terme (PD), Sofia Compagnone e Joseph Scarabello, sotto la direzione della coreografa Giorgia Chiurato - e realizzato dall’abilità creativa del regista Giorgio Piva, mostra una protagonista tenace e forte nella sua routine, in tutti gli aspetti della sua quotidianità, dal lavoro al work out; una donna che conosce l’importanza di prendersi cura di se stessa e si occupa a tuttotondo della propria stabilità, indipendentemente dalle sue relazioni. La realizzazione della clip è stata resa possibile anche grazie alla collaborazione di Gruppo Mazzini Legal Planner, società padovana che provvede a pianificare e coordinare questioni legali per e con il cliente e da sempre molto attiva nel sostegno di attività musicali e culturali, che l’artista ha scelto di omaggiare proprio nel corto, immedesimandosi in una risoluta “lady boss” della compagnia che ben simboleggia il concept di tutto il progetto. Outfit e make-up sono stati minuziosamente curati da Carlotta Barolo e Nicole Sorti. Interprete, autrice, vocal coach, performer e dal 2022 attiva nel settore anche con iniziative propedeutiche all’Arte e alla Musica con sfondo sociale, inclusivo e collettivo - tra cui la progettazione di un laboratorio musicale didattico per le scuole elementari e dell’infanzia -, EleJola riconferma il suo talento, la finezza della sua visione artistica e il suo carisma con un brano che non solo parla alle donne, ma racconta le donne al mondo intero; un inno garbato e armonioso capace di diventare la miglior arma con cui scalfire la fitta coltre del pregiudizio. Biografia. EleJola, al secolo Elena Parpajola, è una cantautrice, vocal coach e performer veneta. Avvia la sua formazione musicale all'età di 7 anni, perfezionandosi con il tempo grazie alle lezioni di numerosi vocal coach e seguendo masterclass tenute da insegnanti del calibro di Monica Magnani, Grazia di Michele, Michele Fischietti ed altri. Intraprende gli studi accademici nel 2019 presso l'Accademia VMS di Loretta Martinez per il percorso Popular Music Vocals Performace - University of West London e li prosegue nel 2022 presso la VES di Andrea Bianchino, con l’ottenimento del titolo di Certified VES® Trainer, del Diploma in Didattica della Voce e del Licentiate in Popular Music Vocals Teaching presso la West London University. Partecipa a svariate trasmissioni televisive tra cui “Ieri, Oggi...Domani” di Teddy Reno, “Ho imparato una canzone”, “TV7 alle 7”, "The Coach 4" e molti contest canori, tra cui il Coorsal Music, in cui viene premiata con il 1° posto da Red Canzian. All'età di 16 anni, entra nel gruppo Linea 26, band con la quale rimane per tre anni ed accede alla finalissima di Video Festival Live (Mara Maionchi, Elio Cipri, Dario Salvatori, Alexia), partecipa ai FIAT Music di Red Ronnie, vince Il Cantagiro 2017 e si esibisce al Casinò di Sanremo per AREA Sanremo. Approfondisce gli studi musicali e, con Vittorio Matteucci, esordisce in qualità di attrice protagonista nel musical “SARA” (produzione Daigo) al Teatro Verdi di Padova. Si esibisce con varie band e collabora con alcuni artisti, come ad esempio Simone Vianello, in arte LIAM, nel brano "Hollywood" e, nel 2021, pubblica il suo primo singolo in qualità di solista, "Hemingway", che segna l'inizio della proficua collaborazione con la Casa di Produzione multiplatino mantovana Cosmophonix, per il Development. L’anno successivo, è la volta di “Volevi Solo Una Barbie”, prima di una serie di release composte e scritte con la queen dell’urban italiano Miriam Ayaba e prodotte, per Cosmophonix Artist Development, dal tocco ineccepibile del Latin Grammy brasiliano Renato Patriarca. Brillante, energica, grintosa e sensibile, EleJola insegna canto moderno e propedeutica musicale e prepara gli allievi per l'ottenimento delle certificazioni TCL. Attiva nel settore anche con iniziative con sfondo sociale, inclusivo e collettivo - tra cui la progettazione di un laboratorio musicale didattico basato su 10 incontri per le scuole elementari e dell’infanzia, concluso con la pubblicazione del singolo “Per Magia” -, è riconosciuta come una delle cantautrici più eleganti, carismatiche e sensibili del nuovo panorama pop italiano.... Continua a leggere

Dopo aver rapito, stupito e affascinato con il suo estro creativo e la minuziosa incisività anticonvenzionale della sua penna nell’arco di tutto il 2022, Al Vox chiude l’anno con una nuova pietra miliare tratta dal suo scrigno emozionale, “XPertuTurbazione” (PaKo Music Records/Visory Records/Believe Digital). Seguito del mini EP double track “Pinocchio E Il Requiem Quotidiano”, che in sole due tracce ha evidenziato la visione rivoluzionaria del cantautore ligure sulla società contemporanea in un ritratto capace di coniugare impressionismo e decadentismo sul fil rouge della consapevolezza personale, “XPertuTurbazione” è una sorta di pareidolia musicale, o per meglio dire, un ennesimo intrigante gioco di parole attraverso cui l’artista ci conduce ancora una volta nel suo vivido e controverso universo interiore, nell’itinerario mistico, a tratti distopico e trasognante, della sua “Psyche Music”. L’immancabile tocco elettro-pop dalle vibes ipnotiche e raffinate che contraddistingue tutta la produzione discografica dell’autore e interprete genovese, avvolge di tenebroso mistero un testo limpido ma dai tratti cupi e malinconici che si fa via via armonioso e brillante, in cui il reietto, emblema di ogni release di Al Vox, scopre l’amore e proprio attraverso un gioco di parole trova pace, il coraggio e la volontà di tenere a bada un passato incerto e destabilizzante. Perturbazione e turbamento sono i due concetti chiave di un brano che li vince e li sovverte, grazie ad un battito di cuore, il tanto inseguito e desiderato “colpo di fulmine” in grado di inondare di positive vibes le mareggiate e le intemperie di un’anima abituata a celarsi dietro maschere e dubbi per il timore di non essere compresa, accettata; semplicemente, amata per quello che è. «Essere se stessi è la cosa più bella del mondo – dichiara Al Vox -. Molto spesso, teniamo a bada la nostra vera natura perché abbiamo paura di non essere accettati dagli altri, ma quando ci innamoriamo, ci innamoriamo per davvero, il sole torna a splendere nelle nostre vite, dandoci la possibilità di capire che non è mai un errore mostrarsi nella propria frammentata interezza, perché ognuno è meraviglioso nella sua autenticità, in quell’unicità che ci rende tutti uguali e diversi al contempo». Accompagnato dal videoclip ufficiale che rimarca perfettamente la concezione di un lo-fi essenzialista come archetipo da cui partire per ritrovare, o scoprire per la prima volta, un benessere reale, percepibile nella sua accezione immaginifica ma più tangibile e concreta che mai dalle vibrazioni del cuore e dalle vivide cromie delle nostre emozioni, “XPertuTurbazione” è un chiaro e attualissimo esempio tradotto in musica di quanto a volte sia importante, se non fondamentale, lasciar cadere maschere e barriere per far fluire ed esprimere pienamente la nostra vera natura.... Continua a leggere

Come annunciato nei primi giorni di Novembre, in occasione dell’uscita del mini EP apripista “Profumo di Natale” contenente i singoli "Amen", "Heightended Love" e "Natale sei Tu", Babibevis pone la sua voce al servizio della magia del Natale per donare a tutti noi pace, armonia e serenità in “Christmas King”, il suo nuovo emozionante album. Sedici tracce, profondamente intrise di speranza, amore e meraviglia, che ci conducono verso la Festività più incantata dell’anno, ove sogno e realtà viaggiano all’unisono ricordandoci che, anche da adulti, è possibile osservare il mondo, se stessi e chi ci circonda, con lo stesso stupore che aleggia nello sguardo di un bambino e, proprio come un bambino, viverlo senza la necessità di comprenderlo per forza, allontanandoci consapevolmente dal giudizio, dai preconcetti e da tutto ciò che, crescendo, ha fatto sì che smettessimo di sorprenderci ogni giorno della straordinaria semplicità della vita. Un viaggio tra sonorità e culture differenti per ricongiungerci alla parte più autentica e sincera del nostro essere, guidati dalla sublime vocalità di uno degli artisti più sensibili, raffinati e coinvolgenti della scena italiana, che è riuscito a scardinare, con la potente purezza del cuore, la concezione che nel 2022 risulti obsoleto raccontare e raccontarsi con elegante pathos, trasformando gratitudine, emozioni e sentimenti nelle più attuali e catchy delle tematiche musicali. Fin dalla delicatissima carezza sensoriale dell’opening “Jesus Christ”, Babibevis accompagna l’ascoltatore in un percorso introspettivo, fortemente animico, in cui musica e battiti sono l’una la linfa degli altri: 16 stazioni lungo il binario del nostro sentire, ove sostare per rigenerarsi posando a terra i bagagli delle etichette, dei sensi di colpa e di tutte quelle inadeguatezze che per troppo tempo non solo hanno fatto parte del nostro cammino, ma l’hanno governato, manovrato e diretto, impedendoci di scorgere il nostro vero itinerario, quello che ciascuno di noi, ascoltandosi nel profondo, senza condizionamenti, sceglie di intraprendere per e con se stesso. Un dono, quello del cantautore africano naturalizzato italiano, che valica l’accezione di regalo fine a se stesso per identificarsi e connaturarsi in un presente che proprio nel qui ed ora esprime il suo pieno potenziale, perché è nel e dall’oggi che abbiamo la possibilità di riscoprirci oltre la coltre delle definizioni e delle critiche che, per troppe stagioni, abbiamo riservato alla nostra persona e, di conseguenza, a tutte quelle che fanno parte del nostro piccolo ma preziosissimo mondo. «Per diversi anni – dichiara l’artista - ho chiesto al mio cuore di sussurrarmi il momento giusto per pubblicare un album di Natale, un album che potesse far cantare, ballare e festeggiare tutte le famiglie, gli amici, gli innamorati, tutti voi, ricordando la nascita del figlio di nostro Dio, Gesù Cristo. Solo due anni fa, in un periodo di fermo e di grande silenzio interiore, il sussurro ha fatto eco dentro me e finalmente quest'anno posso celebrare con voi il mio primo, intimo e prezioso, progetto interamente dedicato al Natale, “Christmas King”. Il periodo natalizio, da sempre, mi riempie di felicità, di gioia, di amore, è uno dei pochi momenti in cui ho la possibilità di stare insieme e condividere l'amore con i miei cari, un amore capace di abbracciare e nutrire, un amore che vive nella semplicità, che guarda ai piccoli gesti, alle sfumature, un amore che, per sua natura, unisce, che riesce, ogni giorno, a mostrarmi il vero senso della vita. Senza questo tipo di amore, che fondamentalmente è l’unico ad esistere e si declina poi in diverse aree del nostro quotidiano, niente per me ha significato: tutto rimane legato a qualcosa di superficiale, di banale, lasciando quell'insoddisfazione e quel vuoto che, per diverso tempo, ho cercato di riempire con cose materiali senza però sentirmi mai davvero realizzato, soddisfatto, completamente sazio. Quando poi finalmente ho volto lo sguardo dentro di me, ed io ne avevo un enorme bisogno, mi sono riconnesso con la mia parte più vera e allora sì, in quel momento tutto è tornato ad essere perfetto nelle sue splendide imperfezioni; tutto è tornato a profumare di vita, quella vita di cui sono follemente innamorato e di cui auguro, a ciascuno di voi, di innamorarcisi sempre di più». Afrobeat, reggae, pop melodico ed elettronica si susseguono in un disco nato per cantare, ballare e festeggiare: in famiglia, con gli amici, con il proprio partner, ma soprattutto, con quel bambino interiore che abita in ciascuno di noi; un album per celebrare a 360 gradi la meraviglia dell’esserci. “Christmas King”, supportato dall’ingresso in rotazione radiofonica di “Jesus Christ”, è disponibile anche in versione fisica (acquistabile qui), un memorandum tangibile che ci rammenta quanto la vera concretezza dell’esistenza sia racchiusa nell’immaterialità dei moti interiori che ci e la compongono. «Siate benedetti, trascorrete un meraviglioso Natale mentre ascoltate il mio nuovo album, sono con voi – augura a tutti, concludendo, Babibevis -. Questo album è il frutto della gratitudine che ho nei confronti della vita, delle persone che mi seguono e che quotidianamente mi dimostrano e mi esprimono sostegno, riempiendomi di pura energia; questo album è musica che profuma di tutti voi». “Christmas King” – Tracklist: Jesus Christ Merry Christmas Christmas King Amen Natale Sei Tu Christmas Gift Heightenden Love This Christmas Best Merry Christmas Money Dreams Come True Christmas Chocolate My Wish Christmas Lover When Christmas Is Over

“You're only given a little spark of madness and if you lose that, you're nothing” (“Ti viene data solo una piccola scintilla di follia e se la perdi, non sei niente” – R. Williams), è una delle frasi più celebri e rappresentative sull’importanza di mantenere un pizzico di colore in un mondo troppo spesso in bianco e nero, un tocco di autenticità e originalità in una società sempre più standardizzata. Ed è da questo concetto che il rapper luganese Kevin Love è partito per dar forma e vita a “Crazy”, il suo nuovo singolo che lo vede collaborare con una vera e propria star della scena internazionale, il trapper cileno Marlon Breeze, #1 delle classifiche urban del Sud America. Ritmi ipnotici dalle intense sfumature clubbing e sensuali vibes dal forte richiamo underground d’Oltreoceano – curate dal fidato producer Killoz -, sono la cornice perfetta di un testo ricco di incastri e punchlines, un’istantanea scattata a 4 mani che evidenzia il desiderio di leggerezza e libertà oltre e nonostante i problemi, i pensieri e le responsabilità che fanno parte del nostro quotidiano, incatenando menti e polsi al gelido scorrere di un tempo che cede pochi passi alla piena espressione di ciò che siamo davvero - «il mio orologio sopra il mio polso sembra un freezer» -. Un viaggio che parte dalle pendici del San Salvatore per giungere alle rive del Mapocho, intrecciando lingue, culture e trend in un unico flusso di coscienza che esonda e rompe gli argini di una tanto blasonata e rincorsa normalità che non è altro che un fiume di parole superflue e leziose, fluendo in quel piccolo e preziosissimo ruscello personale in cui ciascuno di noi è e si sente “giusto” perché se stesso, libero di esprimersi lontano da pregiudizi, stereotipi ed etichette. «Con questo pezzo – dichiara Kevin Love - volevo far assaggiare a tutti gli ascoltatori una parte di Santiago del Chile, città natia di Marlon Breeze, unendola a quella che è, a tutti gli effetti, una parte di me. Mi sono messo a nudo, senza filtri, mostrando al pubblico la mia parte più folle, perché io, come tutti noi, sono anche questo». Una ricerca minuziosa e continua quella dell’artista svizzero divenuto in soli 10 mesi non soltanto il punto di riferimento della scena elvetica, ma anche uno dei più influenti rappresentanti del panorama trap italiano, capace di regalare, brano dopo brano, uno spaccato realistico della società in cui viviamo e di cui siamo artefici, che prosegue: «Cerco sempre di raccontarmi facendo leva sulle mie esperienze, sul mio vissuto, lasciandomi trasportare e trascinare dalle emozioni che sento e dalle sonorità che mi circondano per lanciare messaggi diversi, ma sempre coerenti con quello è il filo conduttore della mia musica: descrivere la realtà in maniera diretta, facendo sì che arrivi dritta al punto, ovvero alla mente e al cuore di chi mi ascolta, con la speranza di essere un appiglio per chi si sente affondare nel mare della vita e un input al cambiamento, una sorta di faro musicale per chi è stanco di seguire una rotta che non sente propria». “Crazy”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Samuel Mersi, fa seguito alla full immersion nelle radici Old School di Kevin Love “Cosa Vuoi?!” e all’EP d’esordio “Ice Kream Lov3”, mostrando il lato più sciolto e leggero di uno degli artisti più seguiti e apprezzati del 2022, che nel corso delle prossime settimane tornerà a stupire pubblico e critica con una chiusura d’anno “col botto”.

Le suggestioni audio-visive dei Fainest, il duo rap più irriverente della scena italiana, tornano a far breccia nelle playlist e nei più ambiti palinsesti delle emittenti nazionali con “Freddie” (Puff Records/Thaurus), il loro nuovo singolo in feat. con Saimon. Reduci dal successo di “Sgt. Pepper”, ultima release di una gavetta costellata di successi iniziata nel 2013, Blade e Dily scaldano l’inverno con un pezzo capace di fondere incantate sonorità ipnotiche a travolgenti ritmi funky, andando a chiudere l’anno con un’energica ventata di positive-vibes che segna anche l’epilogo dell’iconico capitolo “FunkFainest”. Una vera e propria esplosione di suoni innescata da un’atmosfera sognante e ludica al contempo, in grado di trasportare istantaneamente gli ascotlatori in un universo parallelo ove magnetismo e seduzione viaggiano all’unisono e si intrecciano al forte desiderio di libertà, sapientemente reso in musica dai riff di chitarra di Domenico Cambareri e dalle sfumature timbriche, calde e avvolgenti, della voce di Saimon nei ritornelli. Con un chiaro e voluto omaggio ad uno dei più emblematici ed influenti frontman della produzione musicale di tutti i tempi, “Freddie” è una strobosfera sul dancefloor delle emozioni, un faro guida che indica la rotta verso un trampolino sensoriale da cui tuffarsi a capofitto nell’oceano del ritmo del cuore, accantonando, anche solo per un istante, lo stress, i problemi le responsabilità che affollano insistentemente il tram tram quotidiano di ciascuno di noi. «Un brano audace – dichiarano i due artisti - con una ritmica straordinaria e coinvolgente che lascia tutto all’immaginazione di chi lo ascolta. Un locale in riva al mare, dove tutti si scatenano in pista. Questo è Freddie, il nostro capitolo conclusivo del filone funky dei Fainest che, con un chiaro riferimento al grande Freddie Mercury, ci auguriamo possa portare a tutti una sferzata di leggerezza». Rime incisive e punchlines pungenti si susseguono in un mix di ironia, fantascienza e realismo - «a lavoro un po’ triste un po’ schiava, ti ho vista giù in pista eri al Copacabana; la notte trasforma una rosa in katana, Johnny Cage e Kitana» -, stilema su cui si articola tutta la discografia di questi due ragazzi che, dalla provincia di Milano, in quasi 10 anni di attività hanno divertito, conquistato e fatto ballare tutta la Penisola. Prodotto dall’immancabile e ineccepibile tocco di MasterMaind, “Freddie” è la naturale risoluzione di un concept-project, ma al contempo, proprio come l’istrionico ed indimenticabile leader dei Queen, un porto sicuro in cui rifugiarsi per tornare a sentirsi liberi di essere se stessi.

Con oltre 10 milioni di streams all’attivo e un’indiscutibile capacità di tradurre emozioni e sentimenti in vere e proprie colonne sonore pop senza tempo, Ethos torna nei digital store con “Faraway” (WhatSound), il suo primo attesissimo album. Anticipato dai fortunati singoli “Scusa”, “Una canzone per te” e “Occhi rossi” – inseriti nelle migliori playlist editoriali di Spotify e nella programmazione dei più illustri palinsesti italiani -, il disco è una raccolta di sfumature sensoriali attraverso cui l’artista comasco d’adozione luganese si spoglia di filtri e cliché per avvicinarsi, abbracciare e farsi trasportare dal ritmo del cuore: 10 tracce in cui si identificano i capitoli più significativi del libro della vita di un giovane che sa parlare non soltanto alla sua generazione, ma ad un pubblico eterogeneo fuori da target e schematizzazioni, perché la voce dell’anima non conosce età e nell’autenticità dei suoi versi, si amplifica per raggiungere tutti, indipendentemente dalle epoche e dai contesti sociali. Vivide nuance uptempo sono la cornice perfetta di testi intrisi di riflessioni e poesia, spaccati di vita quotidiana che si cristallizzano in liriche dal forte impatto emozionale, in un susseguirsi di eleganti ritratti introspettivi che si amalgamano per fluire in un unico e impeccabile dipinto impressionista, ove ambivalenza e conflitti interiori assumono le sembianze di un’umanità che non va esorcizzata, ma avvalorata e accolta in tutte le sue sfaccettature. “Faraway”, letteralmente “Lontano”, rappresenta il viaggio antitetico di Ethos che, per ritrovarsi, per tornare ad avere pieno contatto con le proprie più intime sensazioni, ha scelto di allontanarvisi, distaccandosi per un periodo da affetti e comfort-zone, come lui stesso racconta: «Per provare a capire chi sono, me ne sono andato lontano: lontano dalla mia famiglia, lontano dai miei amici d’infanzia e lontano dalla routine che vivevo nella mia città natale. Mi sono spesso sentito lontano…Dalle persone, dal mondo degli altri, ma mai dalle mie emozioni. Ho deciso di intitolare così il mio primo disco “Faraway” perché penso che il termine “Lontano”, nella varietà dei significati che può assumere, sia il più adatto a descrivere l’intero progetto». Interamente prodotto dall’ineccepibile tocco di Sam Lover, fatta eccezione per l’unico feat. dell’album con l’amico di sempre Bori “Un’altra volta”, il cui sound è stato curato da Harley, “Faraway” è un concept intimo, personale, che riconferma l’originalità autoriale di Ethos, evidenziandone sensibilità e capacità comunicativa degne di nota. “Faraway” – Tracklist: Faraway (Stanza 3) Scusa Una canzone per te Stare così (Interlude) Occhi rossi Un’altra volta (feat. Bori) Criminale Fiori del male Dove sei (bonus track) Non mi parli più (bonus track) Biografia. Ethos, al secolo Federico Lucini, è un artista comasco d’adozione luganese classe 2000. Appassionato di musica fin da bambino, compone i suoi primi testi sui banchi di scuola, negli anni del Liceo. Scrivere è per lui una valvola di sfogo, attraverso cui decomprimere stress e turbamenti e, al contempo, dar vita e voce ad emozioni e sentimenti. Un mezzo, ma simultaneamente un fine, per scoprire se stesso, tratti e peculiarità del suo microcosmo interiore, un percorso alla ricerca e alla scoperta della propria unicità e del proprio carattere (da qui la scelta dello pseudonimo “Ethos”, in greco “Carattere, Temperamento”), consentendo, a chi lo ascolta, attraverso le sue release, di fare lo stesso. Nel 2019 esordisce sulle piattaforme digitali e, release dopo release, giunge al cuore del pubblico, collezionando un numero incredibile di stream e views, ma soprattutto, conquistando gli ascoltatori con la finezza della sua penna e la delicatezza della sua voce. Nel 2022, rilascia una nuova serie di fortunatissimi brani, che sfocia, nel mese di Novembre, nella pubblicazione del suo primo album ufficiale. Sensibile, icastico e versatile, Ethos è l’emblema della fusione di Arte e consapevolezza, un eterno sognatore che traduce in musica i propri desideri e le proprie emozioni per esprimere e conoscere se stesso, portando tutti noi a compiere, ogni giorno, un nuovo passo verso la nostra autenticità.

Dopo aver emozionato ed affascinato pubblico e critica con il debut EP “Legami”, un suggestivo concept project capace di racchiudere in sole 7 tracce le più importanti relazioni e connessioni umane di ciascun individuo ed aver conquistato le più ambite playlist delle piattaforme digitali per la caratura dei suoi testi ed il connubio ritmo-anima egregiamente espresso in ogni brano proposto, il rapper marchigiano di origini tunisine Jamie, torna a dar voce alle cromie del cuore in “Disastro” (distr. Artist First), il suo nuovo singolo. Una vera e propria missione quella del giovane artista classe 2002, iniziata dal trepidante intreccio tra un’indomita urgenza espressiva personale ed il lascito della sorella maggiore Ilaria, sensibile e brillante attivista contro la stigmatizzazione sui disturbi mentali prematuramente scomparsa, volto a scuotere e svegliare le coscienze degli ascoltatori su tematiche appartenenti alla sfera emotiva e alle molteplici fragilità che connotano l’universo psichico di tutti noi, che release dopo release si concretizza in un percorso discografico capace di lasciare il segno, oltre ogni parola, oltre ogni etichetta di genere e stile. Dall’enfatizzazione dei sentimenti e delle ombre più oscure in grado di esorcizzarsi soltanto attraverso la loro accettazione al desiderio di rivalsa su un mondo di cui facciamo parte ma da cui troppo spesso veniamo e/o ci sentiamo esclusi, Jamie si racconta senza filtri con la voce dell’anima, utilizzando come amplificatore del proprio sentire un pop-punk che, impeccabilmente imbastito dall’abilità del fidato producer Echoes, risuona come un grido di aiuto, ma anche di libertà, che scandaglia per sovvertire schemi e convenzioni. In questo nuovo singolo, emblema della sensazione di inadeguatezza che attraversa il nostro tempo e ristagna silente tra le insicurezze e le pressioni sociali di una collettività sempre più incline all’individualismo, Jamie tinge con gli acquarelli della sua spiccata emotività promesse e fallimenti, che si susseguono in una disputa scandita da vibranti riff di bassi e batterie. «Io mi sento diverso» e «anche oggi son vuoto e vorrei morire adesso», sintetizzano sin dall’attacco la necessità di liberarsi da una gabbia sensoriale, un oblio interiore connaturato da quel vacuo che racchiude tutto e tutto ci impedisce di affrontare con la serenità e la determinazione che non possono coesistere in un cuore pregno di desolazione e sensazione di fallimento. Ma nello scorrere del pezzo, così come in quello della vita, Jamie fotografa l’evoluzione delle proprie percezioni che, mediante l’esperienza quotidiana e la consapevolezza non soltanto di limiti e paure, ma anche delle capacità personali e dei punti di forza, lo conduce a sentirsi fiero di se stesso - «sono un disastro fiero di esser me» -, conscio delle proprie mancanze e dei propri difetti, ma al tempo stesso determinato a progredire, aspirando a divenire, giorno dopo giorno, una persona migliore - «oggi non sono un disastro, guardami mamma, ho superato quell’esame in cui non ce l’avevo fatta» -. Come in un vero e proprio sogno ad occhi aperti, in cui posti dinanzi ad uno specchio costringiamo noi stessi a scorgere i riflessi delle nostre debolezze e dei nostri timori, “Disastro” ci mostra l’importanza di comprendere e accettare ogni nostra fragilità per destabilizzare e dissipare tutte le ombre che l’avvolgono, rendendola, ad ogni scorcio e da ogni prospettiva, una peculiarità su cui far leva per avvicinarci sempre di più alla persona che vogliamo diventare. «Il brano – dichiara Jamie - è nato per il bisogno di non sentirsi più un disastro. Stavo vivendo un periodo in cui le cose andavano nel verso sbagliato e la colpa, in gran parte, era la mia. Ho scritto la prima strofa nel mezzo del “ciclone”, mettendo su carta la mia routine, i miei sogni ed i miei sentimenti, la solitudine e il mio disperato tentativo di fare qualcosa di possibilmente utile per la società come cercò di fare mia sorella, ma invece di essere una “stella” come lei, mi ritrovavo ad essere un “buco nero disperso nel vuoto”.  Nella seconda strofa, le cose cominciano a cambiare, perché io inizio ad essere consapevole dei miei errori, capendo che sono proprio quelli che oggi fanno di me ciò che sono, ovvero un disastro, si, di cui però sono e posso andare fiero. Questo brano è un sogno, che spero possa esser percepito anche da chi lo ascolta, volto a permetterci di comprendere come tutto ciò che abbiamo fatto, ci porterà poi ad essere una versione migliore di noi stessi in futuro. Questa versione, per me, è un “Disastro”». “Disastro” riconferma la sensibilità e la levatura artistica di Jamie, un giovane cantautore che si distacca dai vezzi e dalle sommarietà di una società in cui le fragilità personali vengono additate come diversità da sopprimere, avvolte da veti, tabù e commisurate alla stregua di capricci, dando forma, anima e voce ad un percorso artistico in cui ogni peculiarità diventa parte integrante di un cammino in e di crescita, di un universo nel quale ciascuno di noi può sentirsi libero di esprimersi per ciò che è in quel momento, senza giudizi e senza timori. Biografia. Jamie, pseudonimo di Aziz Gazzella, è un rapper marchigiano classe 2002. Si avvicina alla musica fin da piccolo, grazie alla passione per la danza della madre e per il pianoforte del padre, che lo lascia però solo con la mamma all’età di undici anni. Durante l’adolescenza, scrive i suoi primi testi inediti, senza accompagnarli da alcuna base, che gli consentono però di farsi notare, spopolando sotto forma di post su Tumblr ed Instagram tramite un nickname anonimo. All’età di 16 anni registra la sua prima vera e propria canzone, senza mai pubblicare nulla fino alla tragica e prematura scomparsa della sorella, sensibile e brillante attivista contro la stigmatizzazione dei disturbi mentali, che si tolse la vita a soli 26 anni, nell’Aprile del 2021. Le prime release di Jamie presentano tratti emo-trap, ma con il passare del tempo vengono influenzate dal pop punk d’Oltreoceano, grazie agli ascolti dell’artista di icone come Machine Gun Kelly, Lil Peep, Juice WRLD ed altri grandi nomi della scena USA. Nel suo percorso artistico, collabora con xDiemondx e Venz e nel 2022 rilascia il suo primo EP, “Legami”, un concept project capace di racchiudere in sole 7 tracce le più importanti relazioni e connessioni umane di ciascun individuo e di cui titolo e copertina sono dedicati alla sorella. Quella di Jamie è una vera e propria missione, capace di intrecciare la sua indomita urgenza espressiva al preziosissimo lascito della sorella maggiore, che si pone di scuotere e svegliare le coscienze, attraverso la musica, su tematiche appartenenti alla sfera emotiva e alle molteplici fragilità che connotano l’universo psichico di tutti noi, tracciando un percorso discografico in grado di lasciare il segno, oltre ogni parola, oltre ogni etichetta di genere e stile.... Continua a leggere

Dopo aver affascinato con la sensibilità della sua penna e la delicatezza della sua timbrica in “La Seconda Pioggia” ed aver dato prova della capacità di adattarle a differenti sound e stili in “Alaska”, Seta torna a raccontare luci ed ombre dell’anima in “Tarantola”, il suo nuovo singolo. Volutamente posato su linee melodiche oscure - egregiamente amalgamate dall’abilità creativa di Indako - in grado di rimandare istantaneamente ad un immaginario creepy da cui si innescano sensazioni di ansia, angoscia e inquietudine, “Tarantola” è lo specchio di un cuore infranto in cui le protagoniste sono proprio le ferite, le crepe che fendono e squarciano l’essenza stessa dei battiti da cui scaturiscono energia e vita. Proprio come nelle antiche credenze salentine gli effetti di malessere generale causati dal morso della migala venivano trattati con salti e danze, allo stesso modo, il giovane e brillante cantautore brianzolo esorcizza la sofferenza e il turbamento interiore generati dalla fine di una relazione attraverso la musica, facendo fluire pensieri, riflessioni e stati d’animo interrotti dal vuoto e dalla dissociazione momentanea da se stessi in un bianco e nero di liriche struggenti, ineccepibilmente avvolte da un abbraccio sonoro che, nella sua oscurità, permette di sentirsi compresi, accettati, accolti. «Una bella tarantola, vestita da bambola può essere amata», è uno dei passaggi che più rappresenta la dimensione contrapposta del brano, una dedica intensa, dai contorni cupi, all’ermetismo di colei che un tempo appariva così chiara, limpida e cristallina allo sguardo innamorato di chi è stato ferito, tradito, deluso da «quelle forme (…) su un letto bianco dentro una camera nuova d'albergo». «”Tarantola” – dichiara l’artista - è un pezzo che racconta tante riflessioni, tutte quelle che affollano la mente dopo la fine di una relazione importante, e ti lasciano lì, solo con te stesso, senza sapere bene cosa fare, mentre continui a ripensare a tutti quei momenti trascorsi che vorresti rivivere. Questo singolo, per me rappresenta rinascita e ripartenza, dopo mesi di stop dalla pubblicazione di nuova musica, trattandosi anche del primo singolo di un EP di prossima realizzazione. Dal punto di vista emotivo, significa tantissimo, perché ho messo a nudo la parte più fragile di me, mi sono esposto ed esporsi, si sa, mette sempre tanta paura, soprattutto quando si narrano frammenti del proprio vissuto in maniera profonda, del tutto intima, personale». Racconti e spaccati di vita vissuta soggettivi, ma in cui ciascuno di noi può ritrovarsi, facendo sì che quella morsa oscura diventi, giorno dopo giorno, una carezza sull’anima da cui trarre nuova luce che, come un faro interiore, sappia indicarci la via verso un futuro in cui rinascita e consapevolezza acquisita siano le chiavi di una ritrovata ed imprescindibile libertà individuale.

Quando energia e introspezione si intrecciano, il risultato ha un solo nome, Rebenga. Dopo aver conquistato pubblico e critica con l’abbraccio elettro-pop del come back estivo “Cuore Rotto”, il duo di fratelli emiliani torna in radio e nei digital store con “Luna”, un pezzo dal quale è davvero impossibile non farsi travolgere. La fresca e coloratissima attitude del pop si intreccia alle sfumature melodiche ribelli e incalzanti del punk, dando vita ad un coloratissimo ritratto di grinta e intimismo in grado di raffigurare in maniera impeccabile il carisma e la vivace personalità della band. La fine di una relazione diventa l’inizio di un nuovo percorso, nel quale Andrea e Fortunato analizzano il contesto sociale in cui sono e siamo inseriti, mediante un susseguirsi di riff accattivanti capace di smuovere teste ed animi. Un tuffo nella spiritualità dei due giovani e brillanti cantautori da cui si evince la loro ricercatezza autoriale, frutto di un’inclinazione all’osservazione e all’autoanalisi degna di nota, che ritrae in musica uno spaccato onesto e sincero della contemporaneità di cui siamo artefici, tra invidie, egoismo, individualismo e sentimenti di odio e avversione. «L'ego ci isola, l'odio scivola come saliva su una ferita» e «tu non lo sai ma hanno le orecchie pure le pareti», sono solo due dei molteplici passaggi di un brano che nell’equilibrio tra connubio e antitesi di suoni e liriche, immortala il desiderio di poter vivere senza il timore di giudizi e preconcetti, abbandonandosi solo ed esclusivamente al volere del cuore. Ed è così che quel tuffo nella sensibilità dei Rebenga ci consente di immergerci tra le controverse e contrastanti consuetudini della nostra epoca - «per me sei quel posto fisso che non ho voluto» -, permettendoci di commisurare l’epilogo di una storia d’amore al mesto e fin troppo repentino declino di una società che nella costante ricerca di evoluzione e progresso, si dimentica fin troppo spesso di considerare l’emotività e l’universo interiore di chi la compone, trasformandosi ed avvicinandoci sempre di più a diventare un agglomerato, un insieme di individui a sé stanti, non curanti del sentire altrui, di quegli altri che diventano un bersaglio su cui riversare e scaricare tutte le nostre personali frustrazioni. «Questo pezzo – dichiarano i due cantautori – parla della rottura di una relazione che fa aprire gli occhi al protagonista sull'ambiente dal quale è circondato, in cui regnano invidia, egoismo ed odio. Un mondo arrogante e per niente inclusivo, che lo porta a chiedersi se al di là di esso, nel fascino della Luna, troverà pace e fortuna». Una fortuna che non si identifica con ricchezza o prestigio, ma con quel benessere immateriale, spirituale e incorporeo, necessario per sentirsi liberi, liberi di essere se stessi. “Luna”, un vero e proprio piccolo capolavoro del pop-punk made in Italy, sarà accompagnato dal videoclip ufficiale, in uscita nel corso delle prossime settimane. Incisivi, caleidoscopici e dotati di una cifra stilistica unica e fortemente riconoscibile, i Rebenga riconfermano la loro originalità ed un’impeccabile abilità nel saper trasformare in versi la policromia del nostro tempo.... Continua a leggere

Ci sono canzoni capaci di arrivare dritte al cuore sin dal primo ascolto, brani in cui ad ogni singola parola corrisponde un’emozione. Battiti espressi in liriche, armonie e fraseggi tradotti in composizioni musicali destinate a rimanere parte della nostra storia, perché in grado di raccontarla, di raccontarci. Uno specchio interiore in cui si riflette tutto ciò che vive ai confini dell’anima, permettendo a ciascuno di noi di guardarsi dentro, senza maschere, filtri e pregiudizi e da cui il brillante cantautore bresciano Mezzanotte trae luci, ombre e riflessi regalandoci, release dopo release, la possibilità di scorgerci, di conoscerci un po’ meglio. Reduce dal successo di “Lockdown nel petto” e “Verità”, l’artista chiude il 2022 con “Mezzanotte (UTC)” (distr. ADA Music Italy), il suo nuovo singolo che rappresenta una vera e propria poesia contemporanea, ma ben oltre il concetto di tempo. Scritto poco prima della pandemia dallo stesso artista con l’irrinunciabile collaborazione di Vigan Mehmedi, “Mezzanotte (UTC)” è una sublime e potentissima virata verso la parte più malinconica e solitaria del nostro Io, che mediante la sua rivelazione si esorcizza e trova pace, sollievo e comprensione, in uno sguardo che travolge i sensi per riportarli in vita, in un profumo che accarezza le fragilità rendendole peculiarità di cui innamorarsi, cessando di identificarle in difetti da celare dietro il sipario dell’insicurezza - «Scusa sai se mi perdo dentro i tuoi occhi, come il tuo profumo, ma quell’azzurro mi ricorda il mare e quel sapore mi ricorda il paradiso» -. Il buio e il vuoto percepiti si scontrano con l’intensa luce di un paio d’occhi che riverberano amore, serenità e accoglienza, tra il desiderio di vivere e viversi pienamente - «se mi seguirai nella notte ti dimostrerò che io penso a noi» - ed il timore di non esserne all’altezza - «scusa sai se poi penso troppo e poi non riesco ad essere diretto e non vado a tempo e non dico ciò che penso» -; paure dettate dall’abitudine di rifugiarsi tra i meandri delle proprie emozioni, di implodere per non fare rumore, ma che, ora, si sgretolano dinanzi alle pulsazioni del cuore, ad un sentimento che riaccende il significato di ogni cosa - «Io che annego nella notte e vivo dentro il buio e non riesco a dare al mondo un senso senza avere prima accanto te» -. «Questo pezzo – dichiara Mezzanotte – è nato un paio di anni fa, quando stavo attraversando un periodo un po’ cupo. Mi sentivo molto solo per svariati motivi e ho cercato l'evasione e la compagnia della mia penna, raccontando una storia d'amore. Ho scritto della mia parte solitaria e insicura, quella che cerco di nascondere sempre. Ho scritto di come sia possibile trovare la via della salvezza, la strada della salvazione, mediante l’impressione di una storia d’amore». Una redenzione da se stessi che prende forma solo nel momento in cui torniamo a metterci in gioco mostrandoci per ciò che siamo davvero, una scintilla che illumina l’oscurità e, grazie alla presenza di un’anima simile alla nostra, ci ricorda quanto sia fondamentale uscire allo scoperto senza temere il giudizio, per poter assaporare ogni secondo, ogni brivido lungo la schiena, perché l’apprensione di non essere all’altezza - «scusa se ho paura di non saper come prenderti» -, non può e non deve impedirci di vivere e far fede ad una promessa, un impegno che valica e supera ogni concetto di tempo, quel «Ti aspetto a mezzanotte» in una “Mezzanotte (UTC)” che attraversa le oscillazioni delle lancette emotive per racchiudere e governare tutte le stagioni del cuore. Il brano, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Francesco Colombo, riconferma la sensibilità artistica di Mezzanotte, evidenziandone versatilità e abilità autorale, comunicativa ed interpretativa, che unite alla capacità di attingere ad un immaginario originale rendendolo universale e fortemente identificativo, ne delineano una cifra stilistica unica e riconoscibile.

Riconosciuta dalla critica come “una delle vocalità più emozionanti e suggestive del panorama pop-cantautoriale italiano” ed essere stata annoverata “tra le più promettenti cantautrici del pop tricolore”, Vi Skin torna a catalizzare e magnetizzare il pubblico in “Sei”, il suo nuovo singolo. “Sei” come declinazione e al contempo congiunzione dell’essere, ma anche come emblema della dicotomia bene-male più allendiana, mistica ed esoterica, ove l’Amore rappresenta tutto e il suo contrario, ove chi ama non si annulla nell’altro, ma per il bene dell’altro, per la sua libertà di crescita ed evoluzione, è disposto a farsi da parte - «ben venga se perdere me ti fa ritrovare te» -, incastonando quegli «sguardi persi, forse troppo persi» nello scrigno dei ricordi. Un brano, intimo, sentito, sofferto, in cui la brillante autrice e interprete ciociara si mette a nudo lasciando emergere i riflessi del cuore, trasformando liriche struggenti e malinconici tocchi sul bianco e nero dei tasti del suo pianoforte in una carezza che inonda, travolge e rapisce i sensi sin dal primo ascolto. Il ritratto evocativo di un’assenza fisica in grado di risuonare più presente che mai - «ti ritrovo nei miei testi, almeno lì so che resti» - in battiti così assordanti da annichilire il cuore - «non sento più il cuore, me lo presti?» -, dove pathos e dolore si fondono nella consapevolezza di non poter amare a metà - «non posso permettermi occhi incolore, baci insapore, profumi inodore, mi appassiscono il cuore» -, ma al tempo stesso, di non voler lasciar andare la sostanza stessa di quel tormento senza il quale ogni cosa perde di significato - «queste lacrime sanno di te, non voglio piangere, non voglio che scivoli via da me» -. Una “non-canzone-d’amore” che attraversa l’anima, perché capace di manifestare sensazioni, emozioni e sentimenti senza cercare di descriverli, di raccontarli; un flusso di coscienza su ciò che, per antonomasia, coscienza non ne ha, perché l’Amore, come scrisse Albert Einstein, “è la quintessenza della vita” e valica ogni ragione, assioma, etichetta, parlando all’universo intero senza alcun ausilio di logica, espressione, parola, perché l’Amore, quello vero, supera i concetti di estetica e aspetto, per racchiudere il nucleo, il cuore del suo cuore, in silenzi che dicono tutto - «non mi è mai importato dell’involucro che hai, non dice chi sei….Sei essenza dei silenzi miei» -. «Ho sempre tenuto in penombra l’amore di coppia nella mia musica – dichiara Vi Skin -, perché credo sia facile parlarne e che di testi sulla bellezza dell'innamoramento, così come sulle relazioni impossibili, ce ne siano ormai troppi, spesso, forse, per consolare un pubblico di cuori infranti, o per cercare di raccontarlo a coloro che lo vedono come una tana fuori dal proprio mondo. Stavolta, però, ho deciso di mettere la mia voce al servizio del mio significato di amore, cantando della più bella e combattuta storia che abbia mai vissuto. Ho scelto di mostrare a chi mi ascolta come un "addio" possa diventare presenza e ricerca costante dell’amore stesso, che va colto in ogni stralcio di quotidiano, perché riecheggia in ogni cosa, e di ogni cosa, ne è l'essenza». La presenza indelebile nonostante l’addio, un sentimento costantemente rivissuto senza il bisogno di un volto, di un bacio, di un abbraccio a cui collegarlo, perché pregno di se stesso, di quella linfa che si sprigiona oltre ed indipendentemente da qualsiasi custodia, propagandosi in ogni luogo dentro e al di fuori di noi. «É così che ho scoperto la forza dell'amore – prosegue l’artista - di quel legame indifferente ad ogni barriera che vi si contrappone. Un sentimento senza limiti, senza condizionamenti esterni, che sa vedere oltre lo sguardo degli occhi, cogliendo la vera bellezza di un’anima. Un sentimento così forte che resiste a tutto, perfino ad un addio. È la prima volta che tratto quest'argomento attraverso la mia storia personale, perché voglio lanciare il messaggio che l’amore non ha sesso, forma, statura e colore; l’amore non si definisce. É un concetto mentale, un'attrazione di anime, simili, complici, che vedono soltanto la loro natura, senza badare a quale corpo appartengano, a chi le contenga». E conclude: «Ho sempre pensato che la società ci imponga troppi limiti, costruisca troppe barriere e che l'amore debba essere l'unica cosa a prescindere da tutto, l'unica libertà che ci concediamo, l'unica cosa a non fare differenze in un mondo in cui ce ne sono già troppe». Perché amare è, e dev'essere, sentirsi liberi. “Sei” riconferma la ricercatezza compositiva, l’emozionalità espressiva e l’intensa delicatezza timbrica di Vi Skin, una voce che affascina e avvolge il cuore per mettersi al suo servizio ed esprimerne ogni sfumatura cromatica.... Continua a leggere

Il Natale si avvicina e con esso, la Musica, riflesso del nostro sentire, assume i toni delle speranze e dei desideri racchiusi nel cuore, colorando di incanto e delizia playlist, pensieri e lo scorrere dei giorni che ci separa dalla Festività che più li rappresenta. Ed è proprio in questo magico periodo dell’anno che il cantautore afro-italiano Babibevis, dopo aver conquistato pubblico e critica con il suo eccelso come back della scorsa primavera “Self”, ha scelto di regalarci “Profumo di Natale”, una carezza sull’anima che riaccende la dolce fiamma dei sogni e ne riconferma non soltanto abilità autorale e talento da fuoriclasse, ma anche un’attitude e una capacità interpretativa capaci di sfiorare tutte le corde delle emozioni. Con la sua timbrica calda e avvolgente in grado di catturare e inebriare i sensi e una preparazione vocale degna delle più grandi star internazionali, Babibevis ci prende per mano conducendoci in un universo in cui meraviglia e realtà si fondono e collimano nell’essenza del Natale: un viaggio in tre tappe scandito da modernissime sonorità afro-pop-elettroniche fortemente celebrative e rispettose della tradizione, sulle orme, o per meglio dire sulla scia, della ricorrenza per antonomasia, la cui meta è la genesi dell’esistenza stessa, l’Amore. La scelta del titolo racchiude in sé una duplice accezione, rappresentando l’emblema del concept stesso: il profumo è infatti ciò che ci precede, proprio come il mini EP anticipa l’attesissimo nuovo album di Babibevis “Christmas King” – in uscita il prossimo mese - ed ogni fragranza sa raccontare una storia, un intento, un piccolo frammento di vita vissuta, amalgamando l’essenza di tutto ciò che siamo a quella di ciò che vorremmo e ci impegnano quotidianamente ad essere, ma è anche lo scrigno sensoriale in cui riponiamo ed a cui colleghiamo ricordi indelebili, fotogrammi del nostro percorso immortalati dall’obiettivo del cuore, capaci di riemergere istantaneamente attraverso un’evocativa miscela di aromi e memorie che prende forma in un’impalpabile ma più tangibile e concreta che mai sensazione di benessere. “Amen”, “Natale sei tu” e “Heightened Love” sono i 3 catartici pit-stop di questo cammino tra le note, ma sono anche i 3 step, i 3 stadi, di un’evoluzione personale che deve necessariamente partire dalla gratitudine e dalla consapevolezza dell’esserci per poi amare chi ci circonda e giungere alla fonte di quel sentimento consolidato, potenziato, nei confronti di sé, degli altri e della vita stessa. «Ho scelto queste tre canzoni – dichiara l’artista – perché ho sentito il desiderio di tornare alle origini, di seguire la scia del profumo del Natale, facendomi condurre là, dove tutto ha avuto inizio. Ho deciso di riassaporare ed immergermi nel profumo che contiene tutti i profumi, l’Amore». Una scelta intima e interiore che mediante la composizione dei 3 brani si è espressa ed esteriorizzata dando vita anche ad un progetto parallelo ma interdipendente, la fragranza “Frankincense”, che lo stesso cantautore racconta così: «Ho pensato a questo connubio perché vorrei che tutti si lasciassero abbracciare da questi 3 diversi ma interconnessi aromi uniti in un unico profumo. “Hightened Love” è la più alta manifestazione d’amore da cui tutto ha genesi. Un amore che si insedia profondamente nel cuore, al punto da non riuscire più a farne a meno; un amore che rappresenta il motore dell’esistenza; un amore che si nutre del suo stesso amore perché non può esistere diversamente. Un amore che ci trasforma nella migliore versione di noi; un amore che profuma di generosità e si dona senza aspettative, senza chiedere nulla in cambio. Un amore che si ubriaca di amore, un amore che ti fa venir voglia di regalare le stelle e la luna a chi ami e che, guardandolo dritto nell’iride, ti fa esclamare “Natale sei tu”! Un amore pieno che non manca di nulla, un amore completo che ti eleva ai tuoi ricordi più profondi. Ogni ricordo ha un profumo ed ogni profumo è un ricordo, un'emozione, un'esperienza, perfino l'aria che respiriamo profuma: per me, ha il profumo della gratitudine, perché ci ricorda che siamo vivi ed io voglio ringraziare la vita, cantando e danzando immerso nel profumo di “Amen”». Il mini EP “Profumo di Natale” e la fragranza “Frankincense” evidenziano la concezione artistica eclettica e caleidoscopica di Babibevies: ogni release è meraviglia, scoperta di tutto ciò che pensavamo di conoscere ma che in realtà ravvisiamo appena; ogni canzone è musica, da toccare e respirare.... Continua a leggere

Quando Arti visive e performative si incontrano, il risultato è un intreccio di mente ed anima in grado di lasciare senza fiato, uno scrigno incantato in cui custodire fragilità e virtù, che attraverso i racconti e il vissuto di chi ha saputo immortalare l’universalità dell’essere umano in opere capaci di sopravvivere allo scorrere del tempo, diventa un forziere in cui riporre e coltivare la propria vera essenza, amalgamando esperienze personali a riflessioni e storie lette, ascoltate, sfiorate con il tocco del cuore. Ed è proprio da una di queste storie che l’incisiva penna del cantautore capitolino Samuele Esaltato ha dato vita a “Lupo della steppa”, il suo nuovo singolo liberamente ispirato al capolavoro introspettivo del Premio Nobel tedesco naturalizzato svizzero Herman Hesse “Il Lupo della Steppa”. In una suggestiva ed emozionante analogia con una delle più rappresentative opere sulla multiformità e la dualità antinomica della natura umana, l’artista, che riconferma la sua cifra stilistica nell’impeccabile commistione musica-letteratura presentata anche nel suo debutto “Un Maledetto” – nato dalla lettura della raccolta lirica “I fiori del male” di Charles Baudelaire -, racconta di quanto sia fondamentale riappropriarsi della propria libertà, di azione e intellettuale, condizione troppo spesso data per scontata e per questo sottovalutata nella sua accezione di crescita, di autodeterminazione individuale e collettiva. Così, come nel romanzo del 1927 Hesse descrisse il perenne conflitto tra “umanità” e “bestialità”, l’incessabile contrapposizione tra spirito e istinto, tra nobiltà d’animo, sentimenti e cultura e crudeltà, desideri impetuosi e non sublimata indole selvaggia, trovando nella consapevolezza che questa dicotomia non potrà mai essere recisa e nella riconciliazione delle due stesse parti mediante ironia e umorismo l’unica via di guarigione, allo stesso modo, Samuele Esaltato riconosce nella metafora del lupo l’emblema della società attuale, paragonando la sua indole solitaria, schiva ed esclusiva - « Come potrei non essere un lupo della steppa, un sordido anacoreta in un mondo del quale non condivido alcuna meta» - alla contemporaneità in cui viviamo. «“Lupo della steppa” – dichiara il cantautore - è nato durante il primo lockdown, in un periodo in cui avevo perso la bussola, l’orientamento verso i miei desideri. Mi sono ritrovato senza stimoli per fare musica e per raccontare storie. Fortunatamente, un mio caro amico mi consigliò di leggere e mi prestò “Il Lupo della Steppa” di Herman Hesse, un romanzo illuminante a cui poi mi sono ispirato per creare il brano. Il libro raccontata una vicenda analoga alla mia: un uomo si era totalmente dedicato all’ozio e non voleva in alcun modo liberarsene. Un po’ come è successo, non solo a me, durante la pandemia, ove molti hanno perso stimoli nel fare ed anche nel dire. Lupo mi ha aiutato a ritrovare la strada maestra; banalmente, senza questa lettura, avrei probabilmente smesso di cimentarmi nello scrivere canzoni. Credo sia una canzone in grado di smuovere quelle corde addormentate e spero, in cuor mio, che possa aiutare anche altri a far combattere quel lupo, riprendendosi, riprendendoci, la libertà intellettuale che ci spetta». Una libertà che va ricercata attraverso la conoscenza di se stessi e dei propri limiti, di quelle zone di comfort da cui è necessario cercare di allontanarsi per poter scorgere e scoprire nuovi mondi, fuori e dentro sé. Posato su una cornice sonora uptempo dagli energici toni rockeggianti meravigliosamente intrisi di intime sfumature Blues, capace di accentuare ed enfatizzare il concetto di dualità, contrasto e divergenza, “Lupo della steppa”, invita ad una profonda riflessione sulla sempre più frequente incapacità di ricercare stimoli all’interno di noi stessi, fornendo uno spaccato realistico non soltanto su un’inerzia figlia di scontri emotivi ancor prima che sociali, ma anche sull’asetticità e la sterilità interiore che ne conseguono, incoraggiando l’ascoltatore a riprendere in mano la propria vita partendo dalla libertà, la libertà di essere ed esprimere la propria vera natura. Biografia. Samuele Esaltato è un cantautore, musicista e attore romano. Imbraccia la sua prima chitarra tra i banchi di scuola e, nel 2017, dopo aver studiato lo strumento sia da autodidatta che in accademia, si forma in recitazione, movimento scenico, fondamenti di dizione e fondamenti di studio del personaggio presso la “Scuola di Imprenditori di Sogni” diretta da Sergio Basile. Le sue influenze musicali risiedono nella Canzone d’Autore italiana, in particolare nell’assiduo ascolto di alcuni tra i più iconici cantautori del panorama musicale nazionale, quali Fabrizio De André, Francesco Guccini, Giorgio Gaber, Lucio Dalla ed Ivan Graziani. La sua tecnica chitarristica, pregna di sonorità hard rock e blues, si ispira invece a figure internazionali come Gary Moore, Eric Clapton, Rory Gallagher, Stevie Ray Vaughan, Chuck Berry, JJ Cale, B.B. King, Freddie King, Robert Johnson, Buddy Guy ed Albert Collins. Dopo svariate esperienze in qualità di attore, musicista e interprete, nel 2020 pubblica sui digital store il suo primo singolo, “Un Maledetto”, nato dalla lettura della raccolta lirica di Charles Baudelaire “I fiori del male”, seguito, due anni più in là, da “Lupo della steppa”, un’intensa riflessione sulla natura umana, liberamente ispirata al capolavoro introspettivo di Herman Hesse “Il Lupo della Steppa”, attraverso cui Samuele Esaltato invita a meditare sulla sempre più frequente incapacità di ricercare stimoli all’interno di noi stessi, fornendo uno spaccato realistico non soltanto su un’inerzia figlia di scontri emotivi ancor prima che sociali, ma anche sull’asetticità e la sterilità interiore che ne conseguono, incoraggiando l’ascoltatore a riprendere in mano la propria vita partendo dalla libertà, la libertà di essere ed esprimere la propria vera natura, con cui riconferma la sua cifra stilistica nell’impeccabile commistione tra musica e letteratura.

La sensualità ricercata e l’avvolgente vocalità black-soul di Sara Laure tornano a corroborare di pathos ed eleganza la sua mission “Women Empowerment” in “Voilà” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), un vero e proprio inno contemporaneo all’emancipazione femminile e all’equità di genere. Un impegno, quello della giovane e talentuosissima cantautrice italo-africana, nato dall’intreccio di vocazione, inclinazione personale ed esperienze di vita vissuta, che l’ha portata ad esprimere, attraverso le sue release, i gap quotidiani cui, ancora oggi, molte donne si ritrovano dover far fronte. Raccontarsi per raccontare; questo il concetto chiave del successo della brillante queen del pop-soul italiano, che dopo aver dimostrato un’impeccabile ed esplosiva miscela di attitudine, carisma, sensibilità e groove in “Prima Donna” ed aver dissipato la fitta coltre di giudizi e preconcetti sull’estetica femminile in “Habit serrée”, scardinando la sempre più comune e deleteria analogia tra esposizione mediatica consapevole ed oggettivazione del corpo della donna, fa centro con un pezzo volto a smantellare un altro cliché ancora troppo radicato nella cultura globale, che è possibile riassumere nella locuzione tedesca “Für eine Frau machst du das aber ganz gut” (“Te la sbrighi bene, per essere una donna”). Stereotipi, pregiudizi e luoghi comuni spesso banalizzati con sferzante sarcasmo, tramandati da una cultura prettamente maschilista, che la raffinata artista veneta mette in luce mediante liriche e sonorità super catchy, con l’intento di sottolinearne l’insidiosità in un tessuto sociale sempre più orientato a stigmatizzare per poi smentirsi dietro il sipario del politically correct anziché mettere in discussione sistemi e dottrine di pensiero arcaiche, con la volontà di dar voce prima e vita poi ad uno spaccato in cui congetture e convenzioni sessiste anacronistiche non siano rovesciate, ascrivendo quindi un maggior prestigio alla figura femminile, bensì rese effettivamente eque ed equilibrate, nel rispetto di ciò che è la natura umana, oltre il concetto di genere e appartenenza sessuale, attribuita e percepita. «Fin da piccolina – dichiara Sara Laure - ho dovuto imparare ad essere indipendente, a saper contare su me stessa, addossandomi spesso anche responsabilità che non avrei dovuto portare sulle spalle. Sono sempre stata matura e coscienziosa e crescendo, ho avuto a che fare con uomini che faticavano tantissimo ad accettare la mia determinazione, ad accettare donne ambiziose e che sanno esattamente quello che vogliono. Alcuni di loro, provavano un vero e proprio fastidio nel sapere che il mio primo pensiero era ed è sempre stato il lavoro: la mia carriera, il lasciare un segno in questa mio cammino sulla Terra. Ci tengo a dire che non voglio generalizzare, fortunatamente non tutti gli uomini sono così, ma nessuno dovrebbe esserlo! Purtroppo, ancora oggi, noi donne dobbiamo fare tripli salti mortali quotidiani per poter raggiungere i nostri obiettivi, per cambiare le regole del gioco ed essere, davvero, al pari di colleghi e amici uomini. Io sono grata di essere forte abbastanza per seguire le mie regole, le mie idee, ma non tutte le ragazze hanno la mia stessa tempra. Voglio lasciare un mondo più equo alle future generazioni, un mondo in cui non esistano etichette e dove il sesso con il quale nasci, così come quello che ti senti, non possa in alcun modo influire sulla carriera e su ogni ambito della routine di ciascun essere umano». Scritto di getto in un pomeriggio della scorsa estate dalla penna icastica e graffiante di Sara Laure e prodotto dal fidatissimo team di Cosmophonix Production, “Voilà” canta la rivincita sulla subdola e insensata ghettizzazione nei confronti di quel “gentil sesso” la cui definizione, per troppo tempo, ha collimato con “sesso debole”, rappresentando in musica la libertà di essere e sentirsi donna.... Continua a leggere

Come annunciato la scorsa estate, in occasione della pubblicazione del fortunato singolo a tematica sociale “Diversi da chi”, il duo sassarese Factanonverba torna nei digital store con un’imperdibile raccolta di brani che ben evidenzia la caratura della loro concezione artistica: “Tempi persi”, questo il titolo dell’atteso EP, presenta una selezione di 6 tracce, scelte tra le oltre 30 scritte e composte dai due musicisti sardi nel solo periodo della pandemia. Quattro brani inediti avvalorano il profondo tratto conscious insito nelle due release apripista – “Impossibile” e “Diversi da chi” -, coinvolgendo orecchie e cuori per scuotere e sensibilizzare gli animi di un pubblico che attraverso l’impeccabile intreccio di sonorità rock di matrice USA all’italian-pop più contemporaneo, si ritrova a riflettere su assunti e concetti quali il tempo e la ricerca di sé, mediante il susseguirsi di liriche e riff. Tempo e ricerca sono proprio i due princìpi chiave su cui si articola il concept di un progetto dalla duplice accezione, in cui scenari evocativi, costantemente in bilico tra ritmo e introspezione, si posano su sonorità prive di fronzoli e virtuosismi, per collimare nella stessa ambivalenza dell’essere umano, trattando temi attualissimi, ma imperituri. Dall’open track hegeliana “Strane idee” in cui la dicotomia tra bene e male si manifesta sempre più incline a farsi scudo dietro a fanatismi e pseudo ideali, passando per l’ossessione, il bisogno “malato” di apparire ad ogni costo dettato dalla sovraesposizione magistralmente narrato in “Limiti”, l’eterna lotta tra istinto ragione che ci impedisce di comprendere il nostro reale ruolo nel mondo egregiamente espressa in “Vivere o pensare” e l’eccelsa analisi sulla funzione, il peso della parola ai giorni nostri, esplicata in “Leggero”, i Factanonverba ci regalano uno spaccato onesto e sincero che si distacca da verità assolute e sentenze tendenziose per consentirci di meditare sull’utilizzo del nostro tempo; un quadro realistico e privo di cornice, di tutti quegli orpelli che spesso ci distraggono, o per meglio dire a cui spesso ci affidiamo per sfuggire all’onere di riflessioni e considerazioni personali, in cui è possibile osservare l’evidenza dell’oggi, tutti quegli assiomi quotidiani che si palesano dinanzi ad uno sguardo troppo impegnato ad inseguire la forma anziché la sostanza. A supportare l’uscita del progetto, il videoclip ufficiale di “Strane idee”, girato dagli stessi artisti in collaborazione con il fumettista Joachim Tilloca che ne ha curato le vignette e Alessio Dalerci per la post produzione in editing e montaggio. Intimisti per tempra e comunicativi per vocazione, i Factanonverba sono tra i migliori rappresentanti di un’innovazione musicale necessaria, sospesa tra la dimensione anticonvenzionale tipicamente connaturata nel rock ed i tratti più aware e meditativi del cantautorato italiano, capace di fluire in una serie di pubblicazioni che chiama all’azione, al produrre fatti oltre ogni sterile discussione, tradotta in una semplice ma efficace locuzione: “Facta, non Verba”. A seguire, tracklist e Track by Track dell’EP: “Tempi persi” – Tracklist: Strane idee Leggero Limiti Impossibile Vivere o pensare Diversi da chi “Tempi persi” – Il disco raccontato dagli artisti: “Strane idee” è una seria riflessione sulla malvagità “banale” dell’essere umano, che arriva a compiere le peggiori atrocità in nome di valori assurdi, di credi fanatici e in difesa di pseudo tradizioni e di falsi concetti identitari. “Leggero”: l’analisi di come spesso le parole servano a creare malintesi e malumori e di come siano in grado di costruire verità ad hoc, utili a perorare questa o quella ragione grazie più al potere persuasivo che alla veridicità delle parole stesse. “Limiti” rappresenta uno spaccato non troppo ironico dell’assoluto bisogno di apparire ad ogni costo dei tempi moderni, di quel condividere ogni parte più intima della propria vita con la speranza di ottenere un qualche tipo di consenso da uno dei pubblici più pericolosi e influenzabile, ovvero quello virtuale dei social network. “Impossibile”: c’è un momento della nostra vita in cui iniziamo a guardare indietro, comprendendo tutti gli errori che abbiamo fatto. E la vera sfida è quella di non rimpiangere nulla, andando avanti concentrandosi sul presente. “Vivere o pensare” pine in musica l’eterna lotta tra istinto e ragione, che nel lato pratico, si traduce nelle due attività principali dell’essere umano, delle quali però, spesso, è difficile trovare la vera sintesi, quella che ci permette di comprendere il nostro vero ruolo nel mondo “Diversi da chi” è un vero e proprio inno contro ogni forma di discriminazione, a partire da quelle di genere, razza, ceto; un invito a mettere da parte tutti i pregiudizi in favore di empatia e condivisione in un mondo sempre più individualista.

Tra le giovani cantautrici più apprezzate e seguite di questo terzo decennio degli anni duemila, vi è senza alcun dubbio Grid che, a soli due anni dall’esordio sui digital store con “Splash” (feat. Hugo Marlo), è riuscita conquistare cuori e playlist di un sempre più vasto ed eterogeneo pubblico di ascoltatori grazie a brani come “Testacoda”, “Intimo Glamour”, "Neve In Tasca" e “Nomade”, evidenziando un eclettismo degno di nota, una capacità interpretativa fortemente incisiva e una presenza scenica da fuoriclasse, considerando anche la sua giovane età, qualità che le hanno altresì consentito di aggiudicarsi importanti premi, riconoscimenti e attestati di stima da parte di critica e addetti ai lavori. La giovane e poliedrica artista, modella, conduttrice e “ragazza ombrellino” veneta, prosegue così il suo percorso artistico in continua ascesa, tornando ad infiammare l’autunno con “Nac Nac”, il suo nuovo singolo che la vede collaborare, per la prima volta, con la storica e iconica etichetta lombarda Rusty Records. Prodotto dall’immancabile e inconfondibile tocco del team mantovano multiplatino di Cosmophonix Production, “Nac Nac” riconferma il carisma, la determinazione e la frizzante visione di Grid, in una riuscitissima e avvincente analogia tra la vita e le sue due più grandi passioni, la musica e il motociclismo. Il termine “Nac Nac”, infatti, in gergo sportivo significa “impennare” ed è proprio su questa accezione che si fonda e si articola il brano, paragonando il repentino e voluto sollevamento delle ruote anteriori dei motocicli, alla necessità di risollevarsi, con grinta e risolutezza, nei momenti più bui del cammino di ognuno di noi. Una risalita che ha il sapore della rivincita e i colori di un’evoluzione interiore, senza le quali è impossibile crescere, progredire e raggiungere i propri obiettivi: «”Nac Nac” – dichiara Grid - rappresenta il mio lato più forte, più vero, quello che definirei più “street”. Il termine significa “impennare” e identifica alla perfezione il modo in cui voglio vivere la vita; sempre al massimo, oltre ogni limite, viaggiando a 200 all’ora e dimenticando problemi e titubanze, perché, a volte, quello di cui abbiamo bisogno per rigenerarci, è fare il pieno ai nostri sogni e scappare per un istante dalla routine quotidiana». Scritto dalla stessa Fabiana Mattuzzi con il vincente e fidato duo di autori e producer Stefano Paviani e Nicola Messedaglia, “Nac Nac” fonde alla perfezione i tratti distintivi di Grid ad un testo dal forte impatto emozionale, in una suggestiva commistione di sensualità, dolcezza, energia e dinamismo.... Continua a leggere

Ritrovare la propria luce interiore attraverso l’impervio cammino nell’oscurità è, sin dall’esordio, la mission principale delle pubblicazioni del misterioso e ormai iconico principe del gothic rap italiano Trunchell, Etc., che, dopo aver stupito per la profonda incisività della sua scrittura in brani come “Emily Norton” e “Truman Show” ed aver dato prova di un eclettismo capace di rimanere fortemente identificativo in “Braille”, torna nei digital store con “Camera n9” (PaKo Music Records/Visory Records/Believe Digital), singolo da cui si evincono nuove sfumature della sua sfaccettata visione artistica. Scritto dall’efficace e penetrante penna del cantautore lucano d’adozione lombarda durante il primo lockdown, il brano è un impetuoso lancio tra gli abissi dell’anima, alimentato dalla ricerca di un’unica ed imprescindibile verità, quella di scoprire e perseguire la propria natura, la propria autenticità, oltre ogni convenzione e apparenza. La scelta del titolo, come sempre frutto della sensibilità e della ricerca introspettiva e iconografica del suo autore, connette e correla il numero 9, l’unico i cui multipli coincidono ad esso stesso, all’importanza di prendersi cura e tempo per se stessi, perché è solo imparando ad accettarci prima e ad amarci poi, che potremmo, concretamente, accettare ed amare chi ci circonda. In un’incredibile e sorprendente analisi del proprio vissuto, Trunchell, Etc. scava nel passato - «vedo questi occhi intrisi di ricordi, in braccio ai miei nonni misi dei rimorsi» - con una finezza esplicativa degna di nota che attraversa e ripercorre esperienze e fotogrammi per giungere ad un presente in cui la sofferenza - «nei miei occhi sempre il mio dolore la mia penna è testimone» - può essere trasformata in rinascita mediante la presa di consapevolezza di fragilità e punti di debolezza, che cessano così di rassomigliare a demoni da combattere - «angeli del male come Vallanzasca annegano me in una fottuta vasca» - per diventare compagni di un viaggio - «Signora Paranoia, portami via di qua» - lungo tutto una vita, la cui destinazione è la conoscenza dell’altro  - «Portami in un mondo dove le parole non sono volti, ma sono persone» - attraverso la conoscenza di sé - «Il buio cadrà sempre altrove, game over. Passa da me: camera 9». «“Camera n9” – dichiara l’artista - è uno dei brani a cui tengo maggiormente, perché rappresenta una sorta di rinascita personale, una ritrovata cognizione del proprio Io. Il numero 9 è l’unico i cui multipli si riducono sempre e comunque ad esso (9x2=18 - 1+8=9; 9x3=27 - 2+7=9, ecc…) e l’ho scelto proprio per sottolineare quanto sia importante prendersi del tempo da dedicare a se stessi; quanto, l’amarsi, sia indispensabile per poi poter amare gli altri». Prodotto dall’esperto tocco del fidatissimo Gaedi, in sinergia con Elle e Lorenzo Laruina, “Camera n9” accompagna l’ascoltatore nel complesso e a tratti controverso universo di Tunchell, Etc., che rispecchia il multiverso emozionale insito in ciascuno di noi, invitandolo ad accedere ai luoghi più sperduti dell’anima, per conoscerne e comprendere la vera essenza. Un brano intenso, capace di smuovere, sin dall’attacco, le più profonde corde del cuore, con cui l’elegante e tenebroso principe della scena italiana non soltanto riconferma una sensazionale abilità autorale, ma identifica il punto di incontro tra Francesco, persona, e Trunchell, Etc., personaggio, per esorcizzare il malessere tramite la sua contemplazione, l’unica via per imparare a conviverci e, da lì, rinascere.... Continua a leggere

Ad un mese esatto dalla pubblicazione del fortunatissimo debut EP “Ice Kream Lov3”, il rapper e tatuatore luganese Kevin Love, torna a regalare al pubblico emozioni espresse in barre con “Cosa Vuoi?!”, singolo che segna l’avvio di un nuovo capitolo artistico. Come reso noto in occasione del rilascio del disco, Kevin Love, dopo aver dimostrato versatilità, carisma ed una spiccata abilità nel saper coniugare linguaggi e sonorità attualissime ad esperienze e ricordi del passato, diventando così non soltanto il protagonista della scena contemporanea elvetica, ma anche e soprattutto un esempio di autenticità espressiva e determinazione per la nuova generazione, si prepara a mostrare un ulteriore volto della sua anima compositiva, con un pezzo che parla di rinascita attraverso la voce del cuore, riportando il concetto di rap alla sua dimensione originaria, senza rinunciare all’inconfondibile tocco di innovazione e carisma comunicativo che l’ha reso, sin dalla prima release, uno dei personaggi più rappresentativi del corrente mercato underground. Posato su un beat capace di miscelare l’intramontabile fascino del rap-game d’oltreoceano alle più moderne produzioni europee – realizzato dall’irreprensibile finezza in resa sonora del fidatissimo Killoz -, “Cosa Vuoi?!” traduce in metrica il primo step di un lungo viaggio introspettivo, che lo stesso artista spiega alla stampa con queste parole: «poco dopo l’inizio del mio percorso musicale, ho ricevuto una brutta notizia, che ha innescato un circolo di difficoltà, una sorta di loop di problemi e caos. In quell’occasione, ho compreso che avrei dovuto riorganizzare la mia vita, un po’ come quando ti nasce un figlio. E così ho fatto, anche con la musica. È stato un po’ come ricostruirsi da dentro, passo dopo passo». Incastri impeccabili e graffianti punchlines si amalgamano a racconti di vita vissuta, facendo evincere la sensibilità celata dietro l’armatura, il pulsante battito del cuore cinto da un’obbligata corazza difensiva, allontanando i riflettori da lusso, fama e prestigio, per puntarli su tutto ciò che li precede. «“Cosa Vuoi?!” – conclude Kevin Love - è lo specchio della mia rinascita, il riflesso del nuovo me nato dalle difficoltà attraversate, che vi accompagnerà in un lungo viaggio di positive vibes». Il brano è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto dal pittoresco e irreprensibile sguardo di Samuel Mersi, che rimanda in maniera eccellente all’immaginario street raccontato dal testo, in una meravigliosa cornice old school dai tratti futuristici. Energia, carica e grinta sono le principali caratteristiche di questo nuovo percorso tra barre, liriche, featuring e sentimenti, in cui il rapper svizzero si spoglia di stilemi e cliché per far fluire e dar voce alle emozioni e ai pensieri che l’hanno reso l’artista, e ancor prima la persona, di oggi, incoraggiando gli ascoltatori, soprattutto i giovanissimi, a non nascondere mai le proprie fragilità, ma ad affrontarle per renderle, giorno dopo giorno, i migliori punti di forza su cui far leva per risollevarsi.... Continua a leggere

Definita dalla critica come una delle più promettenti leve dell’italian-pop al femminile, Sara J Jones, a poco più di due mesi dal successo di “Caramelle” – brano inserito nelle migliori playlist editoriali di Spotify ed insignito di svariati premi per originalità e freschezza -, torna nei digital store con “Iceberg” (Orangle Records/Universal Music Italia), il suo nuovo singolo che, per la prima volta, la vede duettare con il brillante rapper bergamasco Johnny Joint. Raffinate e sensuali sfumature afrobeat tingono di innovazione un’esplosione sonora unica e audace, capace di fondere i tratti tipici della dance-pop anni ’90 ad un attualissimo beat underground che strizza l’occhio alle più recenti produzioni trap stelle e strisce, dando vita ad una dimensione musico-sensoriale sospesa tra passato e presente, con un immancabile e imprescindibile sguardo verso il futuro. Ed è in questa commistione di generi, prospettive e melodie super catchy che l’eleganza interpretativa della cantautrice milanese e il flow impeccabile del rapper classe ’99 collimano in un pezzo a primo ascolto leggero e spensierato, ma che, come ben sintetizzato dal titolo, è solo il vertice, la sommità, di un ben più intimo e celato intreccio di emozioni e riflessioni da parte dei due artisti lombardi. Scritto in collaborazione con il “punkautore” e compositore brianzolo DiMeglio (al secolo Duilio Di Meglio) e prodotto dall’immancabile tocco di Andrea Cattaldo del Phaser Studio, il brano è la rappresentazione in musica della punta dell’iceberg, di tutto ciò che mostriamo ad un mondo troppo impegnato a rincorrere i suoi stessi diktat per chiederci – e chiedersi – i fattori scatenanti del nostro agire, portandoci ad una condizione di sempre più precario equilibrio sulla quasi impercettibile ma indissolubile connessione tra ciò che siamo stati e ciò che siamo ora, tra quello che, attingendo al pensiero freudiano, rappresenta un esiguo ma evidente 5% di coscienza e cognizione ed un imponente ma imperscrutabile 95% di inconscio. «Per spiegare la struttura della nostra mente – dichiara Sara J Jones - Sigmund Freud la paragonò ad un iceberg, in cui la parte che emerge dall'acqua corrisponde alla porzione conscia, mentre la parte ben più vasta ma sommersa dall’acqua, rappresenta l'inconscio. Con questo singolo, io e Johnny Joint abbiamo cercato di dar forma e voce al costante equilibrio tra conscio e inconscio, tra quello che si vede e quello che non si vede di una persona, invitando gli ascoltatori a scavare in se stessi per conoscersi a fondo senza timori». Una ricerca che conduce a frantumare le proprie corazze emotive e tutti quegli auto sabotaggi provenienti dalle più inabissate regioni della nostra mente, perché è solamente “rompendo il ghiaccio” dal suo interno, partendo dalle fondamenta, che è possibile liberarsi da condizionamenti, giudizi e preconcetti, sciogliendo nell’abbraccio della consapevolezza le gelide e asettiche catene dell’insicurezza che per troppo tempo hanno cinto i desideri racchiusi nei nostri cuori. “Iceberg”, accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Alessandra Miatello e in uscita nel corso delle prossime settimane, evidenzia la versatilità comunicativa, timbrica e stilistica di Sara J Jones, riconfermandone carisma, attitudine e sensibilità artistica.... Continua a leggere

La Musica è da sempre una delle principali forme d’Arte attraverso cui esprimere e dar voce ai propri sentimenti, uno dei più immediati mezzi per collegare emozioni e pensieri, comprendendoli meglio, e più a fondo, dopo averli trasposti tra il bianco e nero di un pianoforte o su fogli di carta sparsi tra le pagine del nostro quotidiano. Nel susseguirsi delle epoche, mutano e si trasformano generi e trend, di pari passo con il naturale cambiamento della società, ma l’Amore, rimane e continua ad essere, una delle tematiche centrali della produzione musicale. Ed è proprio l’amore, con le sue mille sfaccettature ma un unico ed immutato valore universale, il fulcro di “Iqos”, il nuovo singolo del giovanissimo cantautore argentino d’adozione romana giamba. Scritto in sinergia con l’inconfondibile penna di Massimiliano Acri e prodotto dall’abilità creativa di Fra Melito, “Iqos” racconta l’amore ed il suo epilogo con gli occhi della Generazione Z, coniugando passato e presente in una riuscitissima analogia tra il celebre dispositivo elettronico a tabacco non bruciato del colosso statunitense Philip Morris e la destinataria di ogni vibrante battito di cuore del protagonista della narrazione. Un rapporto di coppia terminato nei fatti, ma più vivido che mai nei ricordi di uno dei partner, capace di riaccendersi e divampare nell’anima alla sola vista di un semplice oggetto che, da inanimato e privo di accezione emotiva, diventa l’emblema di una relazione, la cui fine, coincide con l’inizio di un nuovo percorso. Un simbolo nel quale l’artista fa fluire un esemplare intreccio tra la nostalgia del passato - «Con quell'Iqos e il mio mondo in mano, un altro bacio, col cuore in gola, eravamo collegati nella stessa storia» - ed il complesso universo di sensazioni e vibes del presente - «Con i tuoi sguardi mi togli il fiato, sai soffocarmi più della tua iqos» -. Caratteristiche distintive del brano, sono la spontaneità e la semplicità con cui i ricordi, potenti tramiti del nostro sentire, riaffiorano alla mente mediante piccoli frammenti del quotidiano: gesti, profumi, paesaggi e suoni che, inaspettatamente, assumono una rilevanza del tutto nuova, un valore inesplorato che li trasforma in preziose gemme da custodire nello scrigno del cuore. «"Iqos" – dichiara giamba - è un pezzo dalle sonorità Indie-Pop in cui il protagonista ricorda una storia d'amore importantissima e ormai finita - nella quale però, i partner continuano a vedersi nella vita di tutti giorni -, collegandola all'Iqos che la ragazza in questione spesso fumava. Ho cercato di fondere passato e presente attraverso un oggetto, enfatizzando quanto, i ricordi, soprattutto quelli più significativi, possano riaffiorare in maniera del tutto inattesa attraverso un odore, un’immagine, una canzone. Credo che le cose e le persone per noi fondamentali trovino sempre il modo di riemergere; il nostro compito, è imparare a saperci convivere, senza farci sopraffare da esse e dalla loro memoria». Da queste parole, si evince l’effettivo messaggio che l’artista vuole trasmettere: comunicare la sofferenza, gli strascichi di dolore scaturiti dai ricordi, è l’unico modo per acquisirne piena consapevolezza, e di conseguenza, imparando ad affrontarli, conviverci, metabolizzando nostalgia e malinconia per lasciare spazio all’amore, unica vera linfa dell’esistenza umana. Attuale, versatile, dotato di una caratura vocale delicata e di un’attitude interpretativa fortemente emozionale, giamba è una delle più promettenti leve del nuovo panorama indie-pop italiano. Biografia. giamba, pseudonimo di Gian Bautista Cano, è un cantautore indie-pop argentino naturalizzato italiano classe 2006. Trasferitosi da Buenos Aires alla Città Eterna all’età di 1 anno, si avvicina alla musica e al canto durante l’infanzia e, a soli 12 anni, inizia a trasporre emozioni e pensieri sotto forma di frasi e piccoli testi che segnano l’avvio del suo percorso artistico. Nel 2022, a soli 16 anni, concretizza e avvalora la sua passione pubblicando le sue prime release sui digital store, che ben evidenziano la delicatezza e l’emozionalità della sua caratura vocale, come “Iqos”, un impeccabile ritratto sull’amore, scritto a quattro mani con Massimiliano Acri, capace di intrecciare egregiamente passato e presente fondendoli nella personalissima simbologia di un oggetto che, da inanimato e privo di accezione emotiva, diventa emblema di una relazione ormai giunta al capolinea. Sensibile, versatile e dotato di un’attitude comunicativa fortemente suggestiva, giamba è una delle migliori promesse della nuova scena indie-pop italiana.... Continua a leggere

“Ci sono alcune cose che impari meglio nella calma, e altre nella tempesta”, scrisse l’icastica ed incisiva penna della statunitense Willa Cather, ed è proprio dalla tormenta, dagli impetuosi uragani che si scatenano tra anima e cuore, che noi esseri umani, molto spesso, apprendiamo l’effettiva essenzialità della vita, rendendoci concretamente conto dell’importanza e del valore di chi ci sta accanto. Su questo concetto, il celebre cantautore e fenomeno social Gabriel Zanaga, ha dato vita a “Tempesta”, il suo nuovo singolo che segue l’incredibile scia di successo delle sue precedenti release. Oltre 730.000 followers su TikTok e quasi mezzo milione di ascolti nei digital store, sono solo cifre, dietro le quali si cela un eterogeneo pubblico di appassionati, che nei testi e nell’abilità interpretativa del brillante artista piemontese classe ’96 si rispecchia, empatizzando e riversando esperienze personali in un fiume di liriche ed emozioni che unisco e accomunano, sotto il pulsante battito della musica. Attivo sulla scena dal 2020 con il primo inedito “Restiamo da soli”, Gabriel è riuscito, in un solo biennio, a conquistare cuori e playlist di migliaia di italiani, con la sua chitarra sotto braccio e una vocalità in grado di avvolgere e catturare mente, orecchie ed anima ed un’identità artistica unica e inconfondibile, che gli ha permesso, lo scorso anno, di diventare ed essere riconosciuto dalla critica un vero e proprio idolo per i suoi coetanei, ma soprattutto, un esempio di determinazione e dedizione in una contemporaneità che non sempre evidenzia il sacrificio dietro la riuscita. Dopo aver messo in luce la caratura della sua timbrica e la raffinata e ambivalente suggestività delle sue composizioni, Gabriel torna con un pezzo capace di raccontare la policromia delle emozioni, avvalendosi del traslato della tempesta, su cui si articola un’esemplare sequela di titubanze e malesseri che sfocia in un epilogo già scritto, quello della fine di una relazione, con la persona amata, ma prima di tutto, con se stessi. Un nitido ritratto in cui fluiscono flashback e fotogrammi del passato che miscelano egregiamente la dimensione visiva a quella uditiva grazie all’impeccabile abilità comunicativa del cantautore che, come una guida, una voce amica, accompagna l’ascoltatore lungo tutto il percorso del brano, conducendolo nell’occhio del proprio personale ciclone emotivo, quel punto, quella regione di quasi calma, situata al centro della mappa interiore di ciascuno di noi, da cui prendono vita e si scatenano tutti i nostri turbamenti, ma anche l’unica dalla quale è possibile riflettere sulle conseguenze delle scelte compiute, osservando, senza filtri, ciò che avviene ad un solo passo più in là, oltre il confine che delimita azioni e sentimenti. E come nei tornado tropicali, venti ed intemperie nascono dal centro per essere deviati verso l’esterno, ruotando intorno ad esso, allo stesso modo, ogni nostro disagio, scaturisce dalla parte più profonda dell’anima, tracimando e dilagando poi al di fuori di noi, delle nostre considerazioni e delle nostre insicurezze, coinvolgendo così la sfera delle relazioni, i legami e le vite di tutti coloro che ci stanno accanto. Una burrasca emotiva che travolge tutto in pochi istanti, lasciandoci soli, inermi e attoniti con i nostri pensieri, i ricordi e le immagini di coloro che ci hanno amati, ma siamo riusciti soltanto a ferire e deludere a causa dei nostri tumulti interiori - «Ho un’immagine in testa, tu che piangi sola in mezzo ad una tempesta, lì ferma che mi aspetti ancora» -, che l’artista spiega con queste parole: «”Tempesta” è tutto ciò che si scatena dentro di noi in alcuni momenti della vita. Occorre valutare attentamente le scelte che facciamo, perché, durante il percorso, in un qualsiasi momento, possiamo ritrovarci in mezzo ad un vero e proprio uragano, prendendo decisioni sbagliate e rendendocene conto soltanto a posteriori». Scritto di getto in una serata piovosa tra il bianco e nero dei tasti del pianoforte e le ombre lasciate sul cuore da una relazione giunta al capolinea, con lo scroscio del temporale a fare da sottofondo, “Tempesta” è un brano a primo acchito malinconico, ma ad un più attento ascolto, in grado di trasmettere l’importanza di consapevolizzarsi riguardo le proprie scelte e le conseguenti azioni, dando così valore a chi ci sta accanto quotidianamente e non soltanto quando, a causa della nostra incostanza e noncuranza, ci ritroviamo soli, isolati dal nostro stesso agire. Ma da ogni tempesta è possibile uscire più forti e consci del proprio vissuto, dei propri affetti e di tutti quei miglioramenti che possiamo apportare alla nostra vita, imparando a mostrarci autentici e sinceri, privi di maschere o corazze, iniziando ad essere limpidi e cristallini con il riflesso del cuore e, solo allora, sarà davvero «come uscire da questo fottuto inferno, sarà tu che mi tieni le mani dicendo “tienimi stretta ancora». “Tempesta” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto da Gabriele Francheo tra i meravigliosi scorci di Palafitte di Azeglio (TO), presentato in anteprima nazionale su Sky TG24 e disponibile su YouTube nel corso delle prossime settimane. Biografia. Gabriel Zanaga è un artista e tiktoker eporediese classe 1996. Appassionato di musica fin da giovanissimo, a soli 6 anni dà il via alla sua formazione teorico-pratica, studiando pianoforte e, successivamente, chitarra e canto. Nel 2016, grazie ad intense sessioni di busking, si fa apprezzare dal pubblico di tutto il Nord Italia, che inizia a seguirlo sui Social, in cui posta cover ed esibizioni di strada, collezionando così anche i suoi primi successi su YouTube. Nello stesso anno, Red Ronnie lo premia consentendogli di aprire il concerto dei The Kolors all’Arena 45 e, nel 2020, pubblica in tutti i digital store il suo primo singolo ufficiale, “Restiamo da soli”. Nel 2021, è ospite ai FIAT Music Tour, finalista al Deejay On Stage e sulle piattaforme digitali i singoli “Scusa” e “In quella stanza” continuano a ricevere importanti attestati di stima, raggiungendo incredibili risultati in termini di stream e visualizzazioni. Il 2022, è la volta di “Tempesta”, un uragano di liriche ed emozioni che conduce l’ascoltatore a ritrovare il sole oltre le intemperie del cuore. Da quel momento, la sua carriera è in continua ascesa, tanto che, in un solo biennio dalla sua prima pubblicazione, supera i 700.000 followers su TikTok ed il mezzo milione di ascolti sulle piattaforme digitali. Dotato di una sensibilità autorale e di un’emozionalità interpretativa di raro riscontro e di un’impronta stilistica versatile ma ben definita, Gabriel Zanaga è ritenuto dalla critica come un vero e proprio idolo per la sua generazione, nonché un esempio di determinazione e dedizione in una contemporaneità che non sempre evidenzia il sacrificio dietro alla riuscita.

A distanza di un anno dal fortunatissimo esordio nei digital store con “Remake”, seguito dall’iconica “Alzheimer” e dalla leggera ma profonda “Un motivo c’è”, il cantautore, polistrumentista e regista partenopeo STRE, al secolo Stefano Crispino, torna ad intrecciare generi ed emozioni in “A Pezzi”, il suo nuovo singolo. Scritto dalla fulgida e vibrante penna del poliedrico musicista napoletano, il brano miscela egregiamente un’attualissima e sfavillante dimensione pop dalla melodia super catchy, all’eccentrico e più cupo universo punk tanto caro all’artista, posandosi su un arrangiamento che strizza l’occhio alle rock ballad, avvalorato da chitarre distorte, riff californiani e violini, per dar vita ad un’avvincente antitesi sonora da cui scaturisce un’esplosione di ritmo e sentimento in grado di fondere e attraversare tutte le sfumature del complesso e policromo spettro sensoriale di ciascuno di noi. Come in ogni release proposta da STRE, infatti, la tematica centrale è di fortissimo impatto socio-emotivo: “A pezzi”, si articola sul concetto di perdita, in una sensazionale analogia con la mancanza, l’assenza improvvisa di una parte di sé, del proprio corpo, come lo stesso artista spiega: «Quando si perde una persona importante, si percepisce un vuoto interiore, uno smarrimento paragonabile all’aver perso una parte, dunque, un pezzo, del proprio corpo». Amarezza, disillusione e sottile ironia si amalgamano in un testo in cui si susseguono liriche e passaggi dal duplice significato, con traslati e giochi di parole che, sin dal titolo, accostano la loro accezione morale a quella letterale. «Strapparmi il cuore oppure un braccio, che tanto ormai, sono già a pezzi», è una delle frasi più rappresentative dell’intera composizione, da cui si evince con chiarezza il parallelismo tra l’evidente e tangibile perdita di una parte del proprio corpo ad una più celata e recondita, ma non per questo meno effettiva e sofferta, dipartita di un pezzo del proprio cuore. Altro passaggio chiave del brano è però «questi pugni non fanno più male se tanto ormai sono già a pezzi», con cui STRE mette in luce l’importanza di trarre insegnamento dal proprio dolore, come lui stesso racconta: «A tutti è capitato di confermare che “ciò che non uccide, fortifica”. E allora ecco che la sofferenza può essere concepita sotto una luce positiva, un po’ come secondo la celebre locuzione latina "frangar, non flectar", ovvero "mi spezzerò, ma non mi piegherò"». Una rinascita dalle proprie ceneri, che sfocia e collima in una ritrovata consapevolezza di se stessi e della capacità, insita in ciascuno di noi, di poter scegliere in che modo reagire alle circostanze poste sul tavolo della vita. Il brano è accompagnato da un suggestivo videoclip ufficiale che, traendo proprio dal concetto di rinascita, immortala l’artista mentre continua a cantare, nonostante un boia lo stia decapitando, e come per le precedenti pubblicazioni, lo vede vestire simultaneamente anche il ruolo di regista, riconfermandone versatilità e visione d’insieme. “A Pezzi” fa da apripista al primo attesissimo album di STRE, in uscita su tutte le piattaforme digitali nel corso dei prossimi mesi.