Giulio

Un romanzo tra amore, natura e magia ambientato nelle Dolomiti in un mondo che affonda le sue radici nella leggenda di Re Laurino Enrico Pedace firma il suo primo romanzo fantasy, “Petali di spine”, ambientato tra le maestose Dolomiti e ispirato alla leggenda dell’enrosadira, il fenomeno naturale che tinge le montagne di rosa all’alba e al tramonto. Dopo una carriera letteraria dedicata a racconti contemporanei ambientati in montagna, l’autore cambia registro ma non scenario: anche stavolta la montagna è protagonista, viva, incantata, portatrice di verità e di trasformazione. Il libro ci conduce nella valle di Eveis, nel regno di Ladinia. Il giovane principe Hauryn sogna di esplorare le vette argentee che lo circondano, ma il padre, re Galdavor, gli ha proibito di oltrepassare i confini del regno. Per garantirne l’obbedienza, lo affida alla sorveglianza di Cyrmoul, una fedele guardia reale. Nel frattempo, il glaciale re Taller del vicino regno dell’Adige complotta per espandere il proprio dominio, promettendo in sposa la figlia Moena al miglior alleato. Come se non bastasse, un’antica creatura demoniaca, Spindemul, si risveglia dalle profondità della montagna, minacciando il fragile equilibrio del mondo conosciuto. “Petali di spine” è un fantasy classico, ma attraversato da una sensibilità contemporanea. Pedace costruisce il mito con attenzione filologica: i personaggi principali sono liberamente ispirati al poema epico di Karl Felix Wolff, come Re Laurino e Similda, ribattezzata Moena. Le fonti storiche diventano trampolino per una narrazione appassionante, pensata anche per i lettori più giovani. Il messaggio è chiaro: la montagna non è solo sfondo, ma agente di cambiamento. «La bellezza delle montagne riesce a scavare dentro l’anima di chi ha il coraggio di ascoltarle», scrive l’autore in uno dei passaggi più intensi del libro. E ancora: «Anche tra le spine più dure, se si ha fede, può nascere un petalo». Acquista il libro amazon.it/Petali-Spine-Enrico-Pedace/dp/B0DV9N13DW Nato a Rossano nel 1983, infermiere pediatrico, Enrico Pedace vive da anni a Rocca di Papa. Appassionato lettore e amante della montagna, ha già all’attivo diversi romanzi, tra cui “La neve è candida anche in estate”, presentato ufficialmente nel 2023 a Moena, Perla Alpina della Val di Fassa. Con “Petali di spine”, Pedace mette in scena una favola per tutte le età, dove il coraggio, l’amore e la connessione con la natura diventano strumenti di salvezza contro l’oscurità. Una lettura che incanta e che, proprio come l’enrosadira, lascia negli occhi una luce impossibile da dimenticare. Blog: enricopedace.it/ Instagram: instagram.com/enrico__pedace/ Facebook: facebook.com/e.enricopedace TikTok: tiktok.com/@enricopedace

Una raccolta di pensieri poetici che intreccia vita, arte e ricerca interiore Con “Vivo dove sto”, Antonio La Rosa si conferma una delle voci più autentiche e libere dell’arte contemporanea. La sua seconda raccolta di pensieri poetici, edita da Pavart, è una pubblicazione preziosa, sia per contenuto che per forma: ogni copia è infatti un libro d’artista, un esemplare unico arricchito da un frammento di tela originale, creata e poi suddivisa in mille lembi, uno per ogni lettore. Antonio La Rosa, classe 1976, originario di Calasetta e oggi residente a Roma, è artista, scultore, pittore e poeta. Ha calcato per quindici anni le scene teatrali italiane prima di dedicarsi alla materia, al colore, alla parola scritta. L’opera “Vivo dove sto” nasce proprio da questo crocevia: un punto di incontro fra dimensione personale e universale, fra osservazione del mondo e introspezione, fra esperienze vissute e sogni ancora da abitare. L’autore, attraverso i suoi scritti, non cerca verità assolute ma spunti di senso. “Siamo la diretta emanazione di un risultato personale del rapporto fra lo scorrere del tempo e quel che accade adesso”, scrive. Nei versi si alternano riflessioni filosofiche e momenti lirici, brevi quadri esistenziali che toccano corde intime: “Scardinate il cassetto, / tirate fuori i vostri sogni migliori, / naufragate nel flusso / e lottate per essi / prima di annegare nei sogni altrui”. Acquista il libro antoniolarosa.it/books/vivo-dove-sto/ “Vivo dove sto” è anche un’opera tangibile: mille copie numerate, ciascuna contenente un segnalibro che è parte di un’unica grande tela. Il progetto nasce durante una residenza artistica dell’autore nel 2022 e intende restituire un senso di connessione, invocare una memoria collettiva. “Anche quando non ne comprendiamo il senso, ogni accadimento può essere parte di un disegno più grande”, racconta La Rosa, “e nel riunire i pezzi possiamo provare a ricomporre il puzzle”. La poesia di Antonio La Rosa è fatta di carne e di spirito, di paesaggi interiori e città inquiete. “Nel silenzio, fra le vie della mia mente, una voce passeggia”, si legge in uno dei testi. È uno sguardo che si posa sulle cose, ma anche un invito ad andare oltre, a trovare nello smarrimento una forma di conoscenza. Nel 2024, l’opera ha ottenuto il primo premio al concorso letterario Liberevento come miglior libro dell’anno e per la poesia “Elegia di un milite ignoto”. Un riconoscimento importante che consacra un autore capace di “trasformare il tutto nell’unire passato e futuro in ciò che decidiamo essere nel presente”. Facebook: facebook.com/antoniolarosartista Instagram: instagram.com/antoniolarosa_artist/ YouTube: https://youtube.com/@Antonio94161 TikTok: @antoniolarosartist ... Continua a leggere

Una serata Stoner/Crossover con DJ set aftershow I Biorisk suonano al Carmen Town di Brescia, in Via Fratelli Bandiera 3, domenica 15 giugno alle ore 21:30. Carmen Town: instagram.com/carmentown? La band crossover di Brescia, attiva dal 2018, fa uscire il suo album “Fuori dai Margini” nel 2025. Per la prima volta, il loro progetto verrà presentato integralmente live, insieme ad altri brani inediti. Dopo lo show, verrà allestito il DJ set di Luca Odolini, che intratterrà il pubblico per il resto della serata. Instagram: instagram.com/biorisk_/ Facebook: facebook.com/profile.php?id=61552114978479 YouTube: https://youtube.com/@biorisk TikTok: href='https://www.tiktok.com/@biorisk_'>tiktok.com/@biorisk_

Dal 24 maggio la band suona nelle piazze, nei festival e negli eventi più esclusivi d’Italia L’estate 2025 si accende con il “VICE CREAM Tour 2025” de Il Diavolo e l’Acqua Santa: un’esplosione musicale che attraverserà l’Italia da Nord a Sud, portando energia, emozioni e una dose abbondante di synth pop in technicolor. A partire dal 25 maggio, la band porterà il suo nuovo spettacolo nelle piazze, nei festival, nelle ville storiche e negli eventi più iconici della stagione estiva. Il palco si trasforma, rinfrescato da un’estetica ispirata agli anni Ottanta, quelli delle luci al neon, dei glitter, dei balli sotto le stelle, reinterpretata in chiave contemporanea con un sound che fonde glamour, cantautorato e vibrazioni elettroniche. Ogni data sarà molto più di un semplice concerto: un’esperienza immersiva, visiva e sonora, capace di sospendere il tempo tra malinconia e vitalità. Una celebrazione collettiva in cui il pubblico sarà protagonista, tra coreografie luminose e beat ipnotici. Mettete gli occhiali da sole, anche di notte: il “VICE CREAM Tour 2025” sarà un’estate infinita, una festa che non finisce mai! Date VICE CREAM Tour 2025: – 25.05 – Pesaro – SOTTOMARE – 30.05 – Civitanova Marche – BUSSOLA BEER VILLAGE – 31.05 – Brescia - PRIVATE PARTY, Tenuta Acquaviva – 13.06 – Fermignano - ROCK N ROLL live Days – 20.06 – Fossombrone – KUMA – 22.06 – Cerasa di San Costanzo – PIAZZA IV NOVEMBRE – 29.06 – Fano - BAGNI ARZILLA – 04.07 – Matelica (MC) - VIGNETO FERNANDO ALBERTO – 06.07 – Canavaccio di Urbino – AREA CONCERTI BCC – 13.07 – Fano – BAGNI ARZILLA – 20.07 – Castelplanio (AN) – PIAZZA LIBERTA’ – 25.07 – Fossombrone – PIAZZALE GRANDE TORINO – 02.08 – Piagge (PU) – CAMPO POLIVALENTE SCIREA – 10.08 – Marotta – BAGNI FRANCO – 12.08 – Senigallia – SCALO ZERO, Concerto all’alba – 15.08 – Urbino – CONVIVIO di NONNO CIRO – 20.08 – Fontanafredda (PN) – LA CONCA – 21.08 – Udine – LOCANDA FORCHIR – 31.08 – Montelabbate – FESTA di FINE ESTATE, Pescheto Pedini – 06.09 – Serrungarina – PIAZZA BERNARDINO SERAFINI – 07.09 – Fano – BAGNI ARZILLA – 13.09 – Piacenza – BARRIO CAFE’, Travo – 20.09 – Incisa Valdarno (FI) – PIAZZA MARSILIO FICINO – 26.09 – Urbino – PIAZZA RINASCIMENTO – 27.09 – Arcevia – PIAZZA CROCIONI Hyperlink: bit.ly/ildiavoloelacquasanta ... Continua a leggere

Una ballata pop tra disillusione, rabbia e consapevolezza emotiva Esce il 6 giugno su tutte le piattaforme digitali e nelle radio italiane “Non m’importa”, il singolo di Reyson: un brano pop vibrante e diretto, che racconta la fine di un amore illusorio attraverso una scrittura sincera e una produzione moderna, con richiami soul e sfumature autobiografiche. Scritto insieme con Francesco Facchinetti e Matteo Ieva de “Le Ore”, il brano nasce da una storia personale, quella tra Reyson e una ragazza conosciuta per caso, che inizialmente sembrava perfetta ma si è poi rivelata tossica e distante. Da questo spaesamento emotivo e da un forte senso di rabbia nasce il brano, che scava nella delusione verso l’altro ma soprattutto verso se stessi. «Mi ostinavo a credere che fosse come me l’ero immaginata, basandomi su quel poco tempo passato insieme», racconta Reyson. «Ero deluso da lei, ma ancora di più da me stesso. La canzone è nata da lì, dalla voglia di scuotermi e reagire». “Non m’importa” è una riflessione in forma pop sulla tendenza a idealizzare l’amore, a proiettare su qualcuno le proprie aspettative ignorando i segnali contrari. Il titolo esprime quella sensazione di svuotamento e stanchezza che si prova dopo aver investito troppo in qualcosa che non ha funzionato. «Quando finisce male ti viene solo voglia di fissare il soffitto, dice l’artista. E ti chiedi perché non hai voluto vedere le cose per quello che erano». Il brano unisce delicatezza e potenza emotiva. Nella parte più intima emerge l’influenza di Paolo Nutini, mentre nel crescendo finale si avverte l’impronta melodica di Tiziano Ferro, artista da sempre fondamentale per Reyson. Il tutto è attraversato da una venatura soul, quasi gospel, che porta l’ascoltatore a una catarsi emotiva. «Mentre la registravo mi sentivo un po’ Marvin Gaye alla fine di Ain’t No Mountain High Enough, racconta con ironia. Senza paragonarmi a lui, ovviamente, ma un ragazzo deve pur sognare». Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/1wZgImoDwWzGfbMkzVyjhJ?si=GE6xkOWHTwSvtkHYozQsXg Nato nella Repubblica Dominicana da madre italiana e padre argentino, Reyson ha 24 anni e ha alle spalle una formazione artistica trasversale: canta, recita, scrive, vive l’arte come necessità. Dopo un’esperienza in band (i Kanama), oggi prosegue il suo percorso solista cercando un equilibrio tra le sue molte anime musicali. «Vorrei che la mia musica servisse a qualcuno, conclude. Che potesse ispirare, aiutare, raccontare chi sono davvero. Vivo nei sogni, e mi va bene così. Prima o poi si realizzeranno». “Non m’importa” è solo il primo tassello di un cammino autentico, dove pop e verità camminano insieme, senza paura. Instagram cantante: instagram.com/sonoreyson/ Instagram attore: instagram.com/reysongrumelli/ Tiktok: reysongrumelli

La ballad rock del duo romano esce il 6 giugno su tutte le piattaforme digitali e in promozione radio nazionale “È solo un sogno” è il quinto singolo della band romana Overcardano, disponibile dal 6 giugno su tutte le principali piattaforme digitali e in promozione nelle radio a livello nazionale. Un brano che anticipa l’uscita del primo album ufficiale della band, atteso per settembre 2025, e che conferma la cifra stilistica di un progetto musicale unico nel suo genere: un equilibrio originale tra rock e synth. Il nuovo singolo si presenta come una ballad d’impatto, che si poggia su una struttura sonora potente, fatta di chitarre e batteria, senza però rinunciare alla componente elettronica che caratterizza da sempre il suono di Overcardano – The Band. “È solo un sogno” è anche un viaggio interiore, un confronto con la vita e le sue domande senza risposta. “Spesso non ci sono risposte chiare e dirette alle nostre domande, ma non per questo dobbiamo smettere di cercarle”, spiegano i componenti del duo. Nel testo del brano si susseguono immagini evocative, fotogrammi di una condizione umana condivisa: “siamo frecce di un arco, iniziamo volando ma siamo destinati a cadere giù”. È la presa di coscienza che accompagna il passaggio dall’età dell’innocenza alla maturità, quando ci si accorge che il tempo cambia tutto: “il ragazzino felice dagli occhi blu scompare ed il grande amore non torna più”. “Via Pian di Scò” è uno dei simboli più forti del brano: un luogo reale che diventa spazio della memoria, sintesi di un tempo felice che, solo col senno di poi, si rivela per quello che era. “Il ricordo di Via Pian di Scò rappresenta quella fase della nostra vita in cui siamo stati felici senza saperlo”, racconta la band. Il sound si sviluppa su più piani: al centro le chitarre elettriche di Giancarlo Gabanella, con l’uso inedito di una sette corde nel ritornello e la batteria di Francesco Isola, che conferisce al pezzo una dinamica rock intensa, alternata a momenti più riflessivi. A completare l’atmosfera sonora, i synth di Gianluca Meloni, che generano uno sfondo evocativo, “non terreno”, quasi liquido, come onde che si propagano su uno specchio d’acqua. Il tutto perfettamente amalgamato con un’interpretazione d’altri tempi di Maurizio Cardaci. “È solo un sogno, la vita è sogno”: il mantra ripetuto nel finale del brano è un invito a credere nella possibilità di riscrivere la realtà, anche nei momenti più duri. “La nostra convinzione è che quello che ci accade, specialmente le cose negative, siano temporanee. Come parte di un sogno da cui prima o poi ci sveglieremo”, affermano gli Overcardano. Ascolta la band open.spotify.com/intl-it/artist/0DmFsULvuka9Xfvd9xKUdU?si=Zn9xfi8RTnKgb8IEFI5uBw Il progetto nasce a Roma alla fine del 2022, dal legame umano e artistico tra Maurizio Cardaci (voce e chitarre) e Gianluca Meloni (producer e synth). Due musicisti con background molto diversi – rock il primo, elettronico il secondo – che hanno scelto di unire esperienze e visioni per costruire un linguaggio personale. “Il nostro obiettivo è rivendicare il diritto di esistere musicalmente, di poter dire ‘ci siamo anche noi’”, afferma Meloni. Dopo quattro singoli e una crescente attenzione da parte del pubblico, “È solo un sogno” rappresenta per gli Overcardano un nuovo passo avanti verso l’uscita del loro primo album. Un disco che conterrà brani inediti e tutte le tappe sonore fin qui compiute. E che segnerà l’inizio di una nuova fase, quella dei concerti dal vivo. Overcardano – The Band è un progetto fatto “a modo nostro”, come ci tengono a precisare. “Senza compromessi, esattamente come lo vogliamo fare. Con la voglia di contribuire anche noi al potente spettacolo della vita, con un nostro verso... e con un suono”. YouTube: https://youtube.com/channel/UC8PCPJeOjbAaBtdJTSzA7jw Facebook: facebook.com/overcardano/ Instagram: instagram.com/overcardanotheband/ TikTok: tiktok.com/@overcardano ... Continua a leggere

Una ballata pop tra disillusione, rabbia e consapevolezza emotiva Esce il 6 giugno su tutte le piattaforme digitali e nelle radio italiane “Non m’importa”, il singolo di Reyson: un brano pop vibrante e diretto, che racconta la fine di un amore illusorio attraverso una scrittura sincera e una produzione moderna, con richiami soul e sfumature autobiografiche. Scritto a quattro mani con Francesco de “Le Ore”, il brano nasce da una storia personale, quella tra Reyson e una ragazza conosciuta per caso, che inizialmente sembrava perfetta ma si è poi rivelata tossica e distante. Da questo spaesamento emotivo e da un forte senso di rabbia nasce il brano, che scava nella delusione verso l’altro ma soprattutto verso se stessi. «Mi ostinavo a credere che fosse come me l’ero immaginata, basandomi su quel poco tempo passato insieme», racconta Reyson. «Ero deluso da lei, ma ancora di più da me stesso. La canzone è nata da lì, dalla voglia di scuotermi e reagire». “Non m’importa” è una riflessione in forma pop sulla tendenza a idealizzare l’amore, a proiettare su qualcuno le proprie aspettative ignorando i segnali contrari. Il titolo esprime quella sensazione di svuotamento e stanchezza che si prova dopo aver investito troppo in qualcosa che non ha funzionato. «Quando finisce male ti viene solo voglia di fissare il soffitto, dice l’artista. E ti chiedi perché non hai voluto vedere le cose per quello che erano». Il brano unisce delicatezza e potenza emotiva. Nella parte più intima emerge l’influenza di Paolo Nutini, mentre nel crescendo finale si avverte l’impronta melodica di Tiziano Ferro, artista da sempre fondamentale per Reyson. Il tutto è attraversato da una venatura soul, quasi gospel, che porta l’ascoltatore a una catarsi emotiva. «Mentre la registravo mi sentivo un po’ Marvin Gaye alla fine di Ain’t No Mountain High Enough, racconta con ironia. Senza paragonarmi a lui, ovviamente, ma un ragazzo deve pur sognare». Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/1wZgImoDwWzGfbMkzVyjhJ?si=gwTtOtewQIC8-kGAec0Aaw Nato nella Repubblica Dominicana da madre italiana e padre argentino, Reyson ha 24 anni e ha alle spalle una formazione artistica trasversale: canta, recita, scrive, vive l’arte come necessità. Dopo un’esperienza in band (i Kanama), oggi prosegue il suo percorso solista cercando un equilibrio tra le sue molte anime musicali. «Vorrei che la mia musica servisse a qualcuno, conclude. Che potesse ispirare, aiutare, raccontare chi sono davvero. Vivo nei sogni, e mi va bene così. Prima o poi si realizzeranno». “Non m’importa” è solo il primo tassello di un cammino autentico, dove pop e verità camminano insieme, senza paura. Instagram cantante: instagram.com/sonoreyson/ Instagram attore: instagram.com/reysongrumelli/ Tiktok: reysongrumelli ... Continua a leggere

Un grido ruvido contro l’omologazione e la perdita di sé “Concupiscenza” è il nuovo singolo dei Sonny and the Stork, in uscita il 6 giugno su tutti i principali digital store e in rotazione radiofonica nazionale. Un brano crudo, viscerale, nato di getto in un momento di fragilità e trasformato in un manifesto sonoro contro la violenza dell’adattamento forzato. Composto da Diego Vermiglio, voce e chitarra e accompagnato dalla batteria energica di Stefano Carlucci, “Concupiscenza” si presenta con un suono alternativo, sporco, diretto. Il testo si ripete in tre cicli, come un mantra ossessivo e inesorabile, mentre l’arrangiamento cresce fino a esplodere in un finale catartico. È la goccia che fa traboccare il vaso, ma anche l’urlo che afferma l’urgenza di esistere per come si è, senza compromessi. «Ho scritto il testo in cinque secondi, dopo una serata faticosa e insonne, racconta Diego. Non avevo filtri, non cercavo bellezza o coerenza: avevo bisogno di gridare. “Concupiscenza” è nata così, come uno sfogo sincero, rabbioso e necessario». Il brano parla di corpi e anime costretti in stampi, della fatica di restare autentici in un mondo che impone velocità e superficialità. La musica diventa così il mezzo per denunciare, ma anche per guarire. «È una dedica provocatoria a tutto ciò che ci impedisce di essere noi stessi, spiega l’artista. A volte la rabbia è l’unico modo per difendere la nostra identità». Ascolta open.spotify.com/intl-it/artist/3XM1y7aK9IenOBAAGyJ7Kn?si=k0mJmMNESSKCMXrAlT0ohg Attivo dal 2014, il progetto Sonny and the Stork ha attraversato diverse fasi evolutive, dall’originario duo alla forma attuale, guidata da Vermiglio, autore e motore creativo del progetto. Dopo due album e diverse produzioni live, è ora pronto il nuovo lavoro in studio, “Panta Rei”: nove brani sulla perdita, il cambiamento e l'inevitabilità dell'entropia. “Concupiscenza” anticipa questo percorso con coraggio e autenticità. È un brano che non cerca approvazione, ma reazione. E nella sua ruvidità, lascia spazio a una verità che non ha bisogno di essere addolcita. Instagram: instagram.com/sonnyandthestork/ YouTube:

?si=Hjk55XOcUoN-0n8D Facebook: facebook.com/SonnyandtheStorkOfficial Web Site: sonnyandthestork.wixsite.com/sonnyandthestork ... Continua a leggere

Emanuela Castaldo firma un libro-verità per trasformare la violenza in parola e la parola in speranza Emanuela Castaldo ha scritto un libro che non lascia indifferenti. “I pensieri di una donna scalza” è il diario sincero e coraggioso di una rinascita, un’opera che attraversa il dolore per trasformarlo in consapevolezza e libertà. Pubblicato nel 2023, nasce come parte di un percorso terapeutico all’interno di una casa rifugio per donne vittime di violenza. Ma da quell’esperienza personale è nato qualcosa di più: un testo che oggi parla a molte, moltissime persone. «Scrivere è stato come trovare la mia voce quando parlare era impossibile» dice l’autrice, che dopo sedici anni di abusi ha scelto di denunciare e ricominciare da capo insieme ai suoi tre figli. La sua storia prende forma nelle pagine con una scrittura semplice ma potente, che alterna passato e presente, riflessioni interiori e immagini della quotidianità. La protagonista del libro non è solo Emanuela, ma anche Ema: il nome simbolico della donna nuova che nasce dopo la fuga. «Quella che ero è morta il giorno in cui sono scappata. Ema è nata in quel momento, scalza, fragile e libera». È così che il lettore entra nel vissuto di una donna che ha dovuto ricostruirsi partendo dalle macerie. Il libro è anche una riflessione sui meccanismi della violenza: sulle sue forme meno visibili, sulle difficoltà della denuncia, sul senso di colpa, sulla solitudine. Ma soprattutto è un atto d’amore verso sé stessa, verso i propri figli e verso tutte le donne che ancora non hanno trovato il coraggio di dire basta. Acquista il libro amzn.eu/d/gArcQpS «La paura è una prigione senza sbarre. Ma anche da lì si può uscire» scrive Castaldo, e in queste parole si coglie l’essenza della sua scrittura: autentica, dolorosa, ma proiettata verso la vita. Ogni pagina è una tappa di un percorso che va oltre il trauma, fino a riscoprire la propria identità, non solo come madre, ma anche come donna. Dopo la pubblicazione, Emanuela ha partecipato a incontri, interviste e testimonianze pubbliche che hanno dato al suo libro una risonanza nazionale. Da “Il Mattino” a “La Stampa”, fino a trasmissioni televisive, la sua voce è diventata quella di tante. Il suo messaggio è chiaro: si può sopravvivere, ma soprattutto si può vivere di nuovo. “I pensieri di una donna scalza” è molto più di un libro. È uno spazio sicuro in cui riconoscersi, un grido che diventa carezza, una lettera aperta a chi ancora non sa da dove cominciare. Instagram: instagram.com/emma_libera19/ ... Continua a leggere

Un viaggio emotivo in tre atti per superare un amore a senso unico e ritrovare la bellezza nel mondo C’è un modo per superare un amore non corrisposto? Davide Giuliodori prova a rispondere a questa domanda con la sua nuova silloge poetica “Le stagioni del cuore – Storia di un amore a senso unico”, pubblicata nel 2025 per Progetto Cultura. Dopo il successo di “Cuore ombreggiato”, l’autore marchigiano torna a parlare di sé, e lo fa con uno stile ancora più consapevole, intimo e articolato. La raccolta è strutturata in tre sezioni, ognuna delle quali rappresenta una tappa emotiva di un percorso di guarigione: dalla sofferenza iniziale per un amore non ricambiato, al buio interiore, fino a una rinascita possibile grazie alla riscoperta del mondo esterno. «All’alba piangerai di meno», scrive Giuliodori, e in quel verso si condensa la speranza di una luce dopo la notte. Acquista il libro amzn.eu/d/c7HW0PC Nella prima parte del libro, l’autore ripercorre la storia del suo amore inconfessato, dando voce a un dolore autentico, ma mai fine a sé stesso. Sono testi attraversati da emozioni viscerali, versi che sanno di attesa e di resa, come in: «Sono qui, fermo dove mi hai lasciato, senza un perché». La seconda sezione è la più oscura. È il tempo della notte, dei sogni infranti, del vuoto. Ma è anche il passaggio obbligato verso una nuova consapevolezza. «Nel silenzio, solo il battito del mio cuore a tenermi compagnia» scrive, scegliendo l’oscurità come metafora di un dolore che scava, ma che non distrugge. L’ultima parte segna un cambio netto: Giuliodori distoglie lo sguardo da sé stesso per aprirsi alla bellezza del creato. Osserva il mondo, gli animali, la natura. «La luce sui campi è più gentile quando smetti di guardarti dentro» scrive, indicando una via possibile per la guarigione. La poesia si fa allora strumento di rinascita, ponte tra il sé e l’altro. Con “Le stagioni del cuore”, Davide Giuliodori conferma la propria vocazione alla scrittura autentica, capace di affrontare con delicatezza temi universali come l’amore, il rifiuto e la rinascita interiore. Nato nel 1996 a San Severino Marche, l’autore è alla sua seconda pubblicazione, ma già mostra un’identità poetica chiara, riconoscibile. La sua voce si distingue per un lirismo misurato, mai artificioso, e per un coraggio emotivo raro. Un libro che parla a chiunque abbia amato senza essere ricambiato. E che insegna a trasformare il dolore in cammino. A tratti ruvido, a tratti luminoso, ma sempre profondamente umano. Instagram: instagram.com/dave_joker_/ ... Continua a leggere

Una parodia tra Dan Brown e l’attualità pandemica, dove Marco Travaglio diventa il Langdon italiano in un’epopea che smaschera poteri occulti, profezie perdute e complotti bio-politici Davide Ferrari firma “Angeli e asini. Il raglio di Travaglio” una satira parodistica sospesa tra realtà e invenzione, che rilegge il thriller esoterico in chiave politica e pandemica. Dopo “Il Codice Berlusconi”, lo scrittore ferrarese, psicologo, commercialista, autore da anni dedito alla saggistica e alla narrativa borderline, torna a vestire Marco Travaglio dei panni di un detective dell’anima e della verità, catapultandolo in un’Italia distopica sotto assedio sanitario. “Nel nuovo millennio le ombre non si nascondono: governano”, si legge nel romanzo. E in effetti il racconto non lesina colpi di scena: dalla minaccia di un virus sconosciuto nascosto nelle fondamenta di San Pietro alla creazione di uno Stato Italo-Pontificio che riscrive i Patti Lateranensi, fino all’abdicazione di Papa Francesco e all’assedio della Chiesa da parte dei paladini del Movimento 5 Stelle, tutto è grottesco, ma mai del tutto inverosimile. Il complotto ruota attorno a tre fiale contenenti virus, vaccino e antidoto. “Una geniale macchinazione per mettere sotto scacco il papato”, dice un Beppe Grillo reinventato in chiave tragicomica. Accanto a Travaglio, torna Sophie Nevjeust, già comparsa in “Il Codice Berlusconi”, moderna sacerdotessa e discepola di Sai Baba, guida spirituale che, come Papa Giovanni XXIII, aveva previsto l’avvento di una dittatura in Italia. Il testo attinge a una costellazione di riferimenti, religiosi, politici, storici, giornalistici, per costruire una narrazione surreale ma profondamente radicata nel nostro presente. C’è spazio per Montagnier e i suoi neuroni-specchio antivirali, per la critica al “regime dell’informazione” incarnato da virostar e opinionisti TV, ma anche per l’idea di una “terza Italia”, evocata dalle visioni di Giovanni XXIII e da un Sai Baba riscoperto come contro-profeta moderno. Amazon: amzn.eu/d/3dNumdJ Davide Ferrari utilizza l’assurdo come lente per scandagliare i fantasmi di una società spaccata, dove “la verità non ha un solo volto, è come il dio romano Giano bifronte”, e il confine tra scienza e fede, bene e male, ragione e paranoia si fa sempre più labile. Il suo Travaglio è cinico e scettico, ma destinato a dubitare perfino di se stesso. Una storia che non cerca redenzione, ma un’ultima, disperata occasione per scegliere. “A volte la soluzione risiede esclusivamente in una terza opzione”. In un mondo dove tutto è già deciso, la parodia è forse l’unico spazio di vera libertà. Facebook: facebook.com/p/Davide-Ferrari-autore-61551488608130/ YouTube: https://youtube.com/@sajreft ... Continua a leggere

Una storia di donne, potere e redenzione ambientata in una prigione siciliana che non lascia scampo Il carcere di Pietracci è sempre lì, sulla collina fra Agrigento e Favara. Lì comincia la storia di Eva Rinaldi, diciannove anni e un’accusa di rapina che non le appartiene. Una giovane donna perbene, catapultata in un universo ostile e violento, dove le regole sono dettate da codici non scritti e da equilibri precari. Con “Pietracci”, Cristina Granchelli firma un romanzo denso e spietato, che alterna due voci femminili in apparenza distanti ma unite da un destino comune: Eva, la nuova detenuta, e Donna Anna Tedesco, ex regina mafiosa costretta a difendere ciò che resta del proprio potere. Pubblicato nel 2024, “Pietracci” nasce dall’incontro reale dell’autrice con una donna legata a una famiglia mafiosa, e da un successivo viaggio umano dentro storie di detenzione, marginalità e identità negate. «Una famiglia dove i legami di sangue contano poco. O troppo», scrive l’autrice nel romanzo, e in questa contraddizione affonda il senso stesso della narrazione. Acquista il libro amzn.eu/d/e15ZAXW Il libro si muove su due piani temporali che si rincorrono: da un lato la quotidianità all’interno del carcere, fra alleanze, soprusi e strategie di sopravvivenza; dall’altro la vita di Anna, che dopo la morte del marito si ritrova suo malgrado a capo di una famiglia mafiosa. Entrambe lottano per qualcosa che le precede: un sogno di vita normale per Eva, un’illusione di controllo per Anna. Il titolo è già una dichiarazione d’intenti: “Pietracci” unisce i nomi di due prigioni reali, Petrusa e Cavallacci, diventando un luogo simbolico e letterario dove tutto può accadere. Granchelli, con una prosa asciutta e incisiva, tratteggia un mondo dove le lacrime sono quelle «che gli altri non devono vedere», e in cui la solidarietà femminile diventa l’unica ancora possibile. Il romanzo ha già ottenuto importanti riconoscimenti: premio speciale della giuria al concorso Victoria 3.0 (2023), finalista con diploma d’onore all’Argentario 2024 e menzione speciale al premio 'Una storia per il cinema'. Un libro che non consola, ma che restituisce dignità alle storie dimenticate. E che impone una riflessione sul carcere come specchio della nostra società. Instagram: instagram.com/cristinagranchelli/ ... Continua a leggere

Una ballata sincera tra illusione e realtà con sonorità moderne e radici profonde Una storia d’amore vera, nuda, senza retorica. “Il cielo non è blu”, singolo di Roberto Crespi, racconta il legame tossico tra un uomo innamorato e una donna attratta solo dal benessere che lui poteva offrirle. Il brano nasce dal dolore e dalla lucidità, in un dialogo interiore tra bisogno d’amore e consapevolezza. Un compromesso crudo: “stai con me, non importa se pago”. Parole che pesano, e che riflettono la realtà di chi ha amato troppo. L’arrangiamento segue la direzione del progetto La nuova era, con l’obiettivo di recuperare l’anima delle canzoni italiane degli anni ’70, ’80 e ’90, ma attualizzate con suoni contemporanei. “Ho voluto dare nuova vita a quello stile che emozionava senza bisogno di urlare. E ho avuto l’onore di farlo con Tony Cercola, storico percussionista di Pino Daniele”. Il risultato è un brano che unisce profondità e immediatezza, capace di arrivare con forza al cuore di chi ascolta. «Avevo capito che non mi amava, ma ero disposto a pagare pur di sentirla vicina. È un patto, sì. Ma era l’unico modo per non perderla». Una voce che non cerca pietà, ma racconta con disarmante onestà una dinamica purtroppo comune. E proprio per questo universale. Ascolta il brano

?si=ozPKay4BSUg-USiF Originario della Sicilia e adottato dal Piemonte, Roberto Crespi è un artista capace di unire mondi diversi con una penna autentica e una sensibilità rara. Oltre duecento canzoni scritte, partecipazioni a festival, riconoscimenti e un pubblico che cresce nel tempo. La sua musica è un crocevia di passioni, malinconia, speranza e vita vera. “Non voglio stupire, voglio raccontare. Con sincerità. Con musica.” “Il cielo non è blu” fa parte dell’album “Generazione a testa in giù,” un progetto di dieci brani tutti firmati da Crespi. Un disco che fotografa la realtà senza filtri, con l’intento di restituire alla musica italiana un linguaggio più umano, diretto e sentito. Facebook: facebook.com/roberto.crespi.758

Un viaggio tra emozioni giovanili in chiave italo disco tra maschere e sogni a Singapore Un amore adolescenziale che si consuma tra i banchi di scuola e lascia un segno indelebile nell’anima. Carlo Audino torna con “Sogno d’amore”, un brano fresco e coinvolgente che miscela la leggerezza dell’Italo dance con la profondità di un ricordo giovanile. Il risultato è una canzone che cattura fin dal primo ascolto, grazie a un inciso potente e a un arrangiamento che rende omaggio allo spirito italo disco degli anni d’oro, senza perdere di vista l'autenticità del racconto. «Aveva un costume da Charlot, con baffi, bastone e bombetta. Eppure, non riuscivo a pensare ad altro che a lei». È questa l’immagine poetica che accompagna la fuga del protagonista, con in mano solo una foto e nel cuore il dolore di un amore non corrisposto. Una scena tanto malinconica quanto dolce, che prende forma anche nel videoclip realizzato con intelligenza artificiale e ambientato in una sognante Singapore tra alberi di pesco e uccellini azzurri. Il brano ha una genesi speciale: «L’ho scritto durante l’esame da compositore alla SIAE. Quale modo migliore di dimostrare di essere un autore, se non scrivere una canzone in sede d’esame?». Così nasce la prima bozza, rifinita immediatamente dopo, una volta rientrato a casa. L’arrangiamento rimane fedele all’idea iniziale ma si arricchisce di collaborazioni eccellenti: il sax soprano di Marco Cocchieri e il basso di Pippo Matino, musicista italiano di fama internazionale. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/5h3UPV62aIIvrC4BhcPNOv?si=b9bd05854f9d4f4f Classe 1964, Audino ha cominciato a scrivere canzoni sin dagli anni ’80, ispirato da Ivan Graziani, Lucio Battisti e Mango. Ha vissuto la musica nei locali, nei pub, nei festival e anche accanto a un giovane Tiziano Ferro durante l’esperienza all’Accademia della Canzone di Sanremo. Dal 2021 ha iniziato a pubblicare i suoi brani, portando con sé tutto il vissuto, l'ironia e l’intensità di chi ha fatto della musica un mestiere d’anima. “Sogno d’amore” è un inno sincero alla delicatezza degli amori acerbi e al potere che ha la memoria di farli brillare ancora. Sito web: carloaudino.it Facebook: facebook.com/karlaudino Instagram: instagram.com/carlo_audino_music YouTube: https://youtube.com/@carloaudino TikTok: tiktok.com/@carlo_audino_music ... Continua a leggere

L’opera della scrittrice è un ponte tra immaginazione e consapevolezza pensato per accompagnare i bambini nei mondi visibili e invisibili dell’universo emotivo Un libro per bambini, ma anche per adulti che non vogliono dimenticare la magia dell’infanzia. “Sento, Sogno e... Viaggio!” di Elena-Ramona Potoroacă, pubblicato da Kimerik, è una raccolta di due racconti e cinque meditazioni che conducono i piccoli lettori e chi li accompagna, verso uno spazio interiore fatto di emozioni autentiche, gentilezza e coraggio. Educatrice, scrittrice e terapista olistica, Potoroacă ha costruito la sua opera come una mappa interiore per il mondo dei bambini: «Attraverso la mia scrittura, vorrei che i giovani e gli anziani si connettessero ancora di più, viaggiassero insieme e non dimenticassero la magia dell’infanzia». Nata in Romania, oggi residente in Italia, l’autrice mette al centro del suo lavoro il potere trasformativo dell'immaginazione, con storie che si intrecciano a esercizi di rilassamento e meditazione guidata. Acquista il libro Amazon: amzn.eu/d/0AhnT3m Feltrinelli: lafeltrinelli.it/sento-sogno-viaggio-storie-meditazioni-libro-elena-ramona-potoroaca/e/9791254666302 Mondadori: mondadoristore.it/p/sento-sogno-e-viaggio-storie-e-meditazioni-libreria-dei-ragazzi-elena-ramona-potoroaca/9791254666302 I protagonisti delle favole non sono solo personaggi fantastici, ma veri e propri strumenti simbolici: nella “Barchetta dell’Amicizia”, un piccolo vascello dimenticato ritrova la propria bellezza e il suo scopo, grazie alla forza dell’amicizia e della memoria condivisa. «La tristezza distrugge la bellezza che conosciamo quando siamo felici. Gli altri ci vedono belli e luminosi, al di là di come ci vediamo noi», si legge in uno dei passaggi più significativi. Nel secondo racconto, “Il Sentiero Luminoso del Futuro”, il piccolo Kris affronta i propri errori con l’aiuto del peluche Diz, che gli mostra come ogni azione, anche sbagliata, possa essere occasione di crescita. «Non ci sono cattive azioni compiute da te, ricordalo… ciò che consideri negativo è in realtà qualcosa da cui impari», dice Diz al protagonista, in un dialogo che mescola tenerezza e profondità pedagogica. Non mancano le meditazioni, come “Le Gocce Musicali” o “La Terra del Sonno”, pensate per favorire momenti di riflessione, rilassamento e dialogo tra genitori e figli. La voce dell'autrice accompagna i piccoli lettori con dolcezza e fiducia, in un percorso di autoconoscenza: «Regaliamo ai bambini un’infanzia meravigliosa e, noi adulti, non dimentichiamo mai di sognare, di essere bambini e di rimanere il più possibile a giocare insieme a loro». Con illustrazioni firmate da Lara Merlușcă, “Sento, Sogno e... Viaggio!” è un’opera che unisce parole, immagini e suono interiore. L'autrice, oggi anche coach junghiano, esperta in neurografica e costellazioni familiari con oggetti, continua il suo lavoro nel campo dell’educazione emotiva, integrando percorsi olistici e storytelling creativo. Un libro prezioso, per insegnare a respirare la vita, con gli occhi spalancati sui sogni! Facebook: facebook.com/share/18sN3KBuvU/ Instagram: instagram.com/elena_ramona_potoroaca ... Continua a leggere

Una ballata intensa sul momento in cui si sceglie di lasciare con dolore e verità “Com’è difficile” è il singolo di Mirko Labinero, una ballata pop-folk malinconica che scava nell’intimità delle decisioni più complesse: quelle che si prendono quando si sceglie di dire addio. Il brano è disponibile dal 30 maggio su tutte le piattaforme digitali e dal 6 giugno in rotazione radiofonica nazionale. Costruito su un arrangiamento essenziale ma emotivamente denso, con pianoforte, chitarra acustica, basso, pad e batteria, il pezzo si muove su un tempo svelto, ma l’anima è fragile e rallentata. La voce calda e narrante dell’artista accompagna l’ascoltatore in un momento sospeso, dove mente e cuore si fronteggiano in un conflitto silenzioso. «È una canzone che racconta quel punto esatto in cui si capisce che bisogna andare via”, spiega Labinero. Non perché si vuole, ma perché si deve. Perché restare significherebbe mentire. E io credo che amare significhi anche scegliere la verità, sempre». Il testo esplora il lato più umano di chi prende la decisione di chiudere una relazione, rivelando un sentimento spesso taciuto: il dolore di chi lascia. Non c’è trionfo, non c’è liberazione, solo la fatica della sincerità e un senso di colpa che si porta addosso. «È difficile accettare di essere il "cattivo" della storia, quando in realtà si sta solo cercando di non far finta, continua l’artista. Ma è proprio lì che si misura la maturità emotiva. Questo brano nasce da una storia personale, ma penso che molti possano riconoscersi». Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/3OXaQQaBZ2Z3SgDt2BTYSv?si=370f98650ea24665 Mirko Labinero è cantautore e performer. Ha diretto una compagnia di musical originali e ha portato la sua musica nei pub, nelle piazze e sui palchi di tutta Italia. Il suo stile unisce il cantautorato classico italiano a sfumature pop acustiche e indie, in un equilibrio tra profondità e immediatezza. Le sue canzoni, dice, «sono specchi sinceri». “Com’è difficile” è una carezza amara e dolce allo stesso tempo, per chi ha avuto il coraggio di lasciare e per chi è stato lasciato, ma sa ascoltare. Instagram: instagram.com/il_labi_su_ig/ YouTube: https://youtube.com/@labinero ... Continua a leggere

Un inno surreale tra grunge, dadaismo e ironia postmoderna Un gioco di parole nato sotto l’effetto dell’adrenalina dopo un incidente, una sequenza di accordi semplice e accattivante, un testo surreale da cantare tutto d’un fiato: “Non è la Rai” è il nuovo singolo di Isygold, disponibile dal 6 giugno su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica nazionale. Il brano è un mix esplosivo di nonsense, ironia e riferimenti sonori che spaziano dai Nirvana ai Weezer, con un momento a cappella che sorprende e affascina, richiamando le armonie dei Beach Boys. Grunge e leggerezza si fondono in meno di tre minuti in un’esperienza sonora pensata per liberare la mente e lasciarsi andare al puro ascolto. “Non è la Rai” si presenta come una filastrocca senza senso, un inno dadaista che celebra l’assurdo e l’imprevisto. È una canzone da condividere, da intonare insieme in macchina, in spiaggia o sotto un palco. Isygold la descrive come “una canzone paradossale”, nata per caso e diventata rapidamente una dichiarazione d’intenti: non cercare sempre un significato, ma vivere l’attimo. Le chitarre, protagoniste assolute del brano, portano con sé un’energia diretta e un’anima internazionale, ma il cuore della scrittura rimane saldamente legato alla tradizione poetica italiana del Novecento. È qui che si annida la doppia anima dell’artista: da un lato l’ironia onirica, dall’altro il gusto per l’eleganza linguistica. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/3GxOyAI0wpYmfLB47flTf2?si=RXxW82PxRJOrNSJVGIhnhw Isygold è un musicista e compositore dallo stile inconfondibile. Unisce immaginari del nuovo millennio con sonorità vintage e liriche stratificate. Dopo anni di ricerca e sperimentazione, è pronto a lanciare il suo primo album ufficiale, previsto per l’autunno. Intanto, con “Non è la Rai”, offre un antipasto della sua visione musicale fatta di contrasti e sorprese. Il singolo è accompagnato da una promozione radiofonica nazionale ed è già disponibile su Spotify, Apple Music, Amazon Music e tutte le principali piattaforme digitali. “Non è la Rai” non è solo una canzone: è un’idea, un mondo, un sogno ad occhi aperti. E Isygold invita tutti a entrarci, senza chiedersi perché. Instagram: instagram.com/_isygold/ YouTube: https://youtube.com/@isygold ... Continua a leggere

Un viaggio introspettivo fra le dinamiche dell’universo femminile I primi due volumi della trilogia di Lisa Johnson, curati nei minimi dettagli dalla scrittrice Emili Giancarli e pubblicati da EDDA Edizioni, si sono affermati come una delle narrazioni più avvincenti del panorama letterario. La protagonista, che dà il nome all’intera saga, è una scienziata americana, Premio Nobel per la medicina, madre e donna complessa. Lisa rappresenta un ritratto contemporaneo di forza, fragilità e determinazione. Nel primo volume, “Quando tutto ha avuto inizio”, il lettore viene trascinato tra le montagne dello Shanxi, in Cina, dove Lisa ha vissuto l’infanzia con la madre, in un contesto che l’ha forgiata nel corpo e nello spirito. È lì che nascono il suo rigore, la sua disciplina e le sue prime intuizioni scientifiche. Dopo anni di studio a Pechino, Lisa scopre una cura rivoluzionaria contro alcuni tumori, ma la sua ricerca attira interessi pericolosi. Costretta a fuggire, si trova coinvolta in una rete di inganni che mette alla prova ogni sua certezza. Il romanzo ha ricevuto importanti riconoscimenti in ambito letterario, tra cui il Diploma d’Onore al Concorso Internazionale “L’Agenda del Poeta” di Milano e il Diploma d’Onore con menzione d’encomio al Premio Michelangelo Buonarroti di Stazzema (LU). Nel secondo volume, “L’inganno”, la posta in gioco si sposta sul piano affettivo. Lisa, reduce da un matrimonio fallito e vulnerabile, si lascia sedurre da Henrik, uomo d’affari dal fascino ambiguo. Accecata dal desiderio di ricominciare, finisce per ignorare i segnali che la mettono in guardia. Sarà solo grazie all’intervento dei suoi amici di sempre, Giovanna, Yussef e Lukas, che Lisa riuscirà a sfuggire a una nuova minaccia, dando vita a una rocambolesca fuga. Ma anche l’amicizia può tradire, e non tutte le ferite si rimarginano facilmente. Attraverso una narrazione intensa e coinvolgente, i primi due romanzi della serie affrontano temi universali e attuali: l’autodeterminazione femminile, il rapporto tra carriera e maternità, l’amore tossico, l’amicizia come ancora di salvezza e insieme possibile zona d’ombra. Il tutto intrecciato a una trama a metà tra thriller, dramma psicologico e romanzo di formazione. Il terzo volume, “La fuga”, è in arrivo. Una nuova tappa nella vita di Lisa Johnson, in cui segreti, rimorsi e scelte difficili porteranno la protagonista ad affrontare il passato per costruire un nuovo presente. Ma il suo ritorno nello Shanxi e le ombre che ancora la inseguono promettono una storia ricca di emozioni, colpi di scena e redenzione. Acquista i libri amzn.eu/d/iz2Jpsl amzn.eu/d/8aC8M7t Emili Giancarli, scrittrice e fotografa paesaggista, nasce a Pesaro nel 1982. Dopo gli studi umanistici, si forma artisticamente come fotografa e nel 2007 realizza la sua prima mostra personale in una galleria romana. Le sue opere più recenti sono ospitate su piattaforme di arte contemporanea, e si distinguono per la capacità di cogliere atmosfere e dettagli con una sensibilità raffinata e al tempo stesso essenziale. Questo equilibrio tra emozione e nitore visivo si riflette anche nella sua scrittura: una prosa limpida, diretta, priva di orpelli, ma capace di toccare corde intime e profonde. Nei romanzi della serie Lisa Johnson, Emili racconta protagoniste femminili molto diverse tra loro, ma tutte accomunate da un percorso di autodeterminazione, affrontato con forza, ironia e uno sguardo lucido sul mondo. La narrazione dei sentimenti è sempre intima e credibile, costruita con uno stile che privilegia la chiarezza e l’autenticità. Conoscitrice dell’animo umano e delle sue mille sfaccettature, Emili dona alle sue storie un carattere universale, rendendo le vicende di Lisa un viaggio interiore, tra identità, relazioni e rinascite possibili. Instagram: instagram.com/emili.giancarli/ Facebook: facebook.com/profile.php?id=61557943022935 ... Continua a leggere

Un’opera intensa e visionaria che racconta la trasformazione attraverso le ferite dell’anima «Non voglio eternità / né voglio con una verga / segnare il mio nome / sulla sabbia. / Le mie memorie / le scriverò nei cuori / di chi mi ha donato / il suo racconto.» Inizia così “Versi Sparsi”, opera d’esordio della scrittrice e fisica fiorentina Daria Di Francesco Maesa, un libro che raccoglie frammenti di poesia come battiti d’ali, sospesi tra dolore e rinascita. Pubblicato da Aletti Editore il 10 marzo 2025, con prefazione di Alessandro Quasimodo e traduzione in arabo a cura di Hafez Haidar, il volume si presenta come un viaggio nella metamorfosi dell’essere. La metafora del bruco che diventa farfalla attraversa tutta la raccolta, in un percorso di consapevolezza che si radica nelle immagini e nei versi: «Ogni bruco si prende il numero necessario di cambiamento per crescere, non ci sono maestri o dottrine nell’antica arte della sopravvivenza: solo dolore e trasformazione». Un invito poetico all’ascolto profondo di sé, che nasce da un’urgenza espressiva: «Io non sono che una storia d’amore, iniziata in un ascensore di un ospedale... Ho vissuto così tante vite e mi sono persa così tante volte da non essere realmente consapevole di chi sia Daria». Acquista il libro Amazon: amzn.eu/d/faB033t Feltrinelli: lafeltrinelli.it/versi-sparsi-ediz-italiana-araba-libro-daria-di-francesco-maesa/e/9788859198451 Mondadori: mondadoristore.it/versi-sparsi-ediz-italiana-e-araba-daria-di-francesco-maesa/p/9788859198451 Classe 1991, laureata in Fisica e Tecnologie Avanzate, Daria Di Francesco Maesa intreccia biografia, mito, dolore e rinascita in una scrittura che sa di carne e sogno, di lotta e visione. Le sue poesie attraversano i paesaggi dell’anima e i luoghi fisici della sua esistenza: Volterra, Firenze, Bologna, Genova. Ma anche le stanze invisibili delle relazioni, della maternità, dell’amore e della perdita. «Abbiamo vissuto insieme in tenda e poi in roulotte in un bosco sperduto… con la speranza della forza dell’amore. Ma l’amore alle volte non basta, o per meglio dire sfiorisce». Nel libro ogni componimento è una scheggia lucente, un pezzo di identità tessuto con immagini forti: «Mischiamo / amore e odio / come un vecchio pittore / i colori», «Sei il sogno senza tempo / in un mondo dominato dagli istanti». Il linguaggio è asciutto e visionario: «Ombre della notte / rubate i miei pensieri… / agevolate il mio morire / affinché possa rinascere». La forza della scrittura di Daria sta nella capacità di rendere universale ciò che è intimo. L’autrice scrive per sopravvivere e per accogliere: «Quando la persona di cui più mi fidavo mi ha tolto il respiro, ho trovato mani sconosciute tese verso di me. Per questo so con certezza quanto sia importante per me comunicare tramite i miei scritti». “Versi Sparsi” è dunque una ragnatela emotiva tesa verso il lettore, un bozzolo in cui riconoscersi. Tra le poesie più significative: Ombre della notte, Il futuro, Costanza, Sogno ricorrente, A mia madre. Un libro che pulsa e ferisce, ma che sa anche accompagnare nel buio con passo gentile. Un esordio che è già una voce piena. Instagram: instagram.com/daria_dfm/

Dal 31 maggio su tutti gli stores digitali e in promozione radiofonica nazionale Un brano intenso, evocativo, che mette in musica la fragilità della memoria e la forza delle emozioni: Calicò torna con “Non Voglio Più Dimenticare”, disponibile dal 31 maggio su tutte le piattaforme digitali e nelle radio italiane. Il nuovo singolo è una ballata pop-cantautorale che affonda le radici in un progetto narrativo più ampio e mai concluso, nato inizialmente come storia a fumetti e poi trasformato in musica. Dopo il suggestivo “Lei e le sue rose”, con cui condivide l’introduzione e un filo conduttore concettuale, questo nuovo brano rappresenta una sorta di secondo capitolo emotivo. In “Non Voglio Più Dimenticare” Calicò racconta le difficoltà interiori di una persona affetta da Alzheimer, sospesa tra giornate offuscate e rari momenti di lucidità. La canzone si muove tra atmosfere avvolgenti e nostalgiche, in un'alternanza di versi lenti e passaggi più ritmici, con l’intento di restituire in musica l’instabilità emotiva di chi si trova a fare i conti con la perdita della propria identità. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/1cK6sL2UIi0Oud7h3hfCJK?si=oJ-9XaAXSQ2JypvbsJSrXQ Calicò è il nome d’arte di Vincenzo Di Berardino, autore e paroliere abruzzese classe 1991. Da sempre appassionato di scrittura in ogni sua forma, dalla poesia ai testi musicali, passando per filastrocche e sceneggiature, ha scelto di dare voce alle proprie parole attraverso la musica, sfruttando le possibilità offerte dalla tecnologia. Dopo l’esordio con “Laura” agli inizi del 2025, ha pubblicato in rapida successione anche “Non sei la sola” e “Lei e le sue rose”, delineando un percorso artistico personale che mescola pop e cantautorato. Con “Non Voglio Più Dimenticare” Calicò prosegue questo viaggio, mettendo al centro l’aspetto umano e intimo delle sue storie, e offrendo ancora una volta una canzone capace di parlare a chiunque abbia vissuto, direttamente o indirettamente, l’esperienza del distacco dalla memoria. Facebook: facebook.com/share/19GeY4172y/ Instagram: instagram.com/calicoj22/profilecard/?igsh=MWszZnBtNG1xbjAwYg== TikTok: tiktok.com/@calicoj22?_t=ZN-8wlPRKNmnNH&_r=1 YouTube: https://youtube.com/@calicoj22?si=8636zLGdyE4TOi0Z ... Continua a leggere

Dal 30 maggio in radio e in tutti i digital store, insieme all’album d’esordio “Attimi” “Stelle” è il singolo di Wesh Maringo, disponibile in promozione radiofonica dal 30 maggio, stesso giorno dell’uscita ufficiale del suo album d’esordio “Attimi”. Un brano intenso e autentico, nato da un momento di sospensione tra la fine e la memoria, che rappresenta in pieno il cuore concettuale dell’intero disco. “In una pausa prima della rottura definitiva, mi sentivo dall’altra parte dell’universo, solo, a fare i conti con tutto ciò che era stato”, racconta l’artista. “Stelle è nata lì, nell’intercapedine tra quello che si perde e ciò che resta, come una costellazione di ricordi compressi”. Il brano è una ballata evocativa, carica di immagini poetiche e riflessioni personali, in cui Wesh Maringo unisce una scrittura densa di riferimenti simbolici e scientifici, come l’entanglement quantistico o l’equazione di Dirac, a episodi di quotidianità vissuta. “Ho capito che le piccole cose sono tutto”, spiega. “Come quei fiori di campo che raccoglievo per lei. Smettere di farlo sembrava niente, ma a volte basta quello a cambiare tutto”. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/3vrZyveuM1DOA8nAUTbRNW?si=s0ALyIHvTWaC9JjO0TFX9w “Stelle” non ha un lieto fine, ma è attraversata da una consapevolezza matura: ogni relazione lascia qualcosa, anche quando finisce. “È la prima volta che perdono e dimentico, non il contrario”, aggiunge. Il brano, costruito con precisione artigianale da Wesh stesso (autore, produttore e voce del progetto) è nato dopo un periodo di grande trasformazione personale e artistica. “Ho mollato il posto fisso, ho lasciato tutto e mi sono buttato nella musica, piangendo dalla felicità quando ho finito di montare ‘Stelle’. Mi sono sentito sicuro per la prima volta”. Il singolo è il primo estratto da “Attimi”, un album nato in meno di due mesi e composto da testi scritti nel tempo e altri nati di getto, come flussi di coscienza. Il risultato è un progetto che non ha paura di mostrarsi fragile, sincero, fatto di piccole verità che si sommano e brillano come stelle. Instagram: instagram.com/weshmaringo/ YouTube: https://youtube.com/@WeshMaringo ... Continua a leggere

Dal 30 maggio nei principali store digitali e nelle radio in promozione nazionale Dopo un lungo percorso artistico tra gavetta, concerti nei locali e un’intensa attività sui social, Samuele Michero pubblica “Cliché”, il suo nuovo singolo, disponibile dal 30 maggio. Il brano racconta in modo diretto e senza filtri le dinamiche sentimentali che tutti, almeno una volta nella vita, hanno vissuto: quelle relazioni fatte di gesti ripetuti, situazioni prevedibili e amore incastrato in abitudini quotidiane. “Cliché” nasce da una rottura personale, che diventa lo spunto per riflettere con lucidità, e un pizzico di ironia, su un tema universale. Michero osserva il mondo intorno a sé e lo traduce in musica, raccontando di coppie che si vogliono bene ma fanno fatica a sopportarsi, di amori che non funzionano ma da cui è difficile separarsi, di quei piccoli rituali romantici che finiscono per diventare routine. “Come il mazzo di fiori per farsi perdonare, o la sedia spostata per far accomodare la ragazza”: gesti che diventano simboli di un copione ripetuto. Con uno stile indie/pop arricchito da parti parlate, il brano si inserisce nel solco di artisti come Pinguini Tattici Nucleari e Alfa, ai quali Samuele si ispira apertamente. La sua scrittura è autentica, quotidiana, pensata per arrivare dritta al cuore di chi ascolta e riconoscersi nei suoi testi. “Cliché” è un’esplosione di sincerità, perfettamente in equilibrio tra malinconia e leggerezza. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/2e53XbK3vERl3Mo0zi7QeR?si=e02Bst9HQwCAocH-TkCtKA Samuele Michero, classe 2000, originario di Alassio, ha scoperto la passione per la musica da bambino grazie allo zio chitarrista. Dopo un’esperienza con un’etichetta discografica finita male, ha scelto l’indipendenza, costruendo una fan base online, suonando ovunque gli fosse concesso e tornando oggi con un brano che sintetizza il suo percorso: personale, coerente, libero. “Cliché” è la testimonianza di un artista che ha scelto di mettersi a nudo, restando fedele alla sua visione. Instagram: instagram.com/samuele_michero/ YouTube: https://youtube.com/@samuelemichero TikTok: tiktok.com/@samu_michero?_t=ZN-8wl2zFU5L2k&_r=1 ... Continua a leggere

Dal 30 maggio il brano nelle radio italiane e internazionali Il 30 maggio segna un momento cruciale per Mr. Pretty, producer romano, che pubblica “Jump”, il suo primo album ufficiale, accompagnato dalla promozione radiofonica nazionale e internazionale del singolo “Candy”. Un progetto esplosivo, pensato per restituire vitalità, leggerezza e voglia di muoversi attraverso sonorità electro house e un’estetica musicale precisa e riconoscibile. “Candy” è la seconda traccia estratta da “Jump” ed è forse quella che più racchiude l’identità giocosa del disco. “Volevo riportare un po’ di dolcezza nel caos di tutti i giorni”, racconta Mr. Pretty. “La musica può essere un rifugio, e questa canzone è nata con l’idea di far sorridere, di alleggerire le giornate grigie. È una bomba di energia, ma anche un invito a prendersi meno sul serio”. L’album “Jump”, realizzato in oltre un anno di lavoro, è un viaggio attraverso le diverse declinazioni dell’elettronica. Otto tracce in cui Mr. Pretty esplora con consapevolezza mood differenti, dalla potenza della big room house alla profondità della bass house, dall’ironia fino a riflessioni artistiche più complesse. Ogni brano è pensato per trasmettere emozioni e stimolare movimento. “Ho cercato di costruire un’esperienza che fosse completa, che facesse saltare, ballare, ma anche riflettere su quello che ci spinge a fare arte”, spiega l’artista. “Con ‘Superstar’, ad esempio, dico chiaramente che l’arte non è un mezzo per il successo, ma un fine. L’artista è chi crea per amore, chi riesce a sentirsi una superstar per sé stesso, prima ancora che per gli altri”. Tra i brani, “Energy” rappresenta la pura carica da dancefloor, “The Rhythm” si distingue per le influenze afrohouse, mentre “Shake that bombs” gioca sull’apparente leggerezza per lanciare un messaggio contro la cultura della guerra. “Siamo stanchi di bombe e distruzione. Voglio che la gente si liberi, rida, ma capisca anche il messaggio”, dice Mr. Pretty. Con “In the deep”, l’atmosfera si fa cupa e psichedelica, con richiami alla psytrance. Il disco si chiude con “Jump (till the end)”, una traccia pensata come apice e saluto: “Volevo che si arrivasse fino alla fine col fiato corto ma con il cuore pieno”, afferma. Davide Graziosi, in arte Mr. Pretty, ha iniziato giovanissimo tra produzioni, dj set privati e live nei locali romani. Dopo il diploma presso l’AID di Roma nel 2019, ha affinato tecnica e identità. “Jump” è il culmine di un percorso coerente e viscerale, una dichiarazione d’intenti: far ballare, far sentire, far vivere. Spotify: open.spotify.com/intl-it/artist/52SGyz6bmBOeIonIxLcUfR?si=0Kg1rsyBTh6FH0SQanhTTA Instagram: instagram.com/mrprettymusic/ TikTok: https://www.tiktok.com/@mr.prettyofficial?is_from_webapp=1&sender_device=pc Facebook: facebook.com/mrprettymusic

Dal 30 maggio nei digital store e in radio in promozione nazionale “In Discoteca” è il nuovo singolo di Mirko Santini, disponibile dal 30 maggio su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale. Dopo anni di dedizione alla musica, serate live e lavoro in studio, Santini torna con un brano energico, ballabile e carico di significato, pensato per raccontare una storia in cui molti possono rispecchiarsi. Il pezzo nasce con un obiettivo preciso: scrivere qualcosa di più potente e ritmato rispetto al passato. Mirko parte da una base chitarra e voce, costruendo poi l’arrangiamento dance pop che dà forma alla traccia. Inizialmente il testo era in inglese, ma è poi stato riscritto in italiano per mantenere un legame autentico con il pubblico. Il racconto è affidato alla voce di un ragazzo innamorato, coinvolto in una relazione complicata con una ragazza sfuggente, che lo cerca solo quando le fa comodo. Sullo sfondo, le tensioni familiari e le incertezze per il futuro. “In Discoteca” non è solo una canzone da ballare: è anche un racconto generazionale, che parla di sentimenti, frustrazioni e insicurezze, ma anche della forza di voler esserci, comunque vada. È un invito a lasciarsi andare, a ballare via i pensieri, a ritrovare se stessi nella musica. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/54BF03yBKrbsT5TD9kDkuV?si=c7ef9c28006945ba Mirko Santini è un artista che ha fatto della costanza e della passione la sua cifra stilistica. Fin da bambino ha coltivato la musica tra canto, chitarra e performance dal vivo. Dopo gli inizi da autodidatta, ha studiato in accademia e ha costruito il suo percorso con determinazione, alternando serate live in ristoranti e piazze, a sessioni intense di scrittura e registrazione. Il suo primo album “Tutto è possibile” nasce così, dal desiderio di esprimersi davvero, per poi continuare con la pubblicazione del secondo album “Vivi Intensamente”. Dopo la pandemia e un periodo difficile, Santini ha trovato la forza per ripartire e oggi firma un nuovo contratto con Big Stone Studio, pronto a portare la sua musica a un nuovo livello. Con “In Discoteca”, Mirko Santini unisce energia e autenticità, confermandosi come un artista capace di raccontare emozioni vere con sonorità coinvolgenti. YouTube: https://youtube.com/@MirkoSantini-m3m Instagram: instagram.com/mirkosantini86/ Facebook: facebook.com/profile.php?id=61573888899592 TikTok: tiktok.com/@_mirkosantini?_t=ZN-8wl53TDngMU&_r=1 ... Continua a leggere

Dal 30 maggio nei digital store e in radio in promozione nazionale “In Discoteca” è il nuovo singolo di Mirko Santini, disponibile dal 30 maggio su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale. Dopo anni di dedizione alla musica, serate live e lavoro in studio, Santini torna con un brano energico, ballabile e carico di significato, pensato per raccontare una storia in cui molti possono rispecchiarsi. Il pezzo nasce con un obiettivo preciso: scrivere qualcosa di più potente e ritmato rispetto al passato. Mirko parte da una base chitarra e voce, costruendo poi l’arrangiamento dance pop che dà forma alla traccia. Inizialmente il testo era in inglese, ma è poi stato riscritto in italiano per mantenere un legame autentico con il pubblico. Il racconto è affidato alla voce di un ragazzo innamorato, coinvolto in una relazione complicata con una ragazza sfuggente, che lo cerca solo quando le fa comodo. Sullo sfondo, le tensioni familiari e le incertezze per il futuro. “In Discoteca” non è solo una canzone da ballare: è anche un racconto generazionale, che parla di sentimenti, frustrazioni e insicurezze, ma anche della forza di voler esserci, comunque vada. È un invito a lasciarsi andare, a ballare via i pensieri, a ritrovare se stessi nella musica. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/3psDO4ZF3g3abmRVNkQWcu?si=VJbOunj4TJ6lAaoabg9jLw Mirko Santini è un artista che ha fatto della costanza e della passione la sua cifra stilistica. Fin da bambino ha coltivato la musica tra canto, chitarra e performance dal vivo. Dopo gli inizi da autodidatta, ha studiato in accademia e ha costruito il suo percorso con determinazione, alternando serate live in ristoranti e piazze, a sessioni intense di scrittura e registrazione. Il suo primo album “Tutto è possibile” nasce così, dal desiderio di esprimersi davvero, per poi continuare con la pubblicazione del secondo album “Vivi Intensamente”. Dopo la pandemia, la perdita della madre e un periodo difficile, Santini ha trovato la forza per ripartire e oggi firma un nuovo contratto con Big Stone Studio, pronto a portare la sua musica a un nuovo livello. Con “In Discoteca”, Mirko Santini unisce energia e autenticità, confermandosi come un artista capace di raccontare emozioni vere con sonorità coinvolgenti. YouTube: https://youtube.com/@MirkoSantini-m3m Instagram: instagram.com/mirkosantini86/ Facebook: facebook.com/profile.php?id=61573888899592 TikTok: tiktok.com/@_mirkosantini?_t=ZN-8wl53TDngMU&_r=1 ... Continua a leggere

L’energia che ci anima, meditazione sonora "Meditation" è una riflessione sulla natura della mente, sulla ricerca della pace interiore e sull'energia che muove la materia. La canzone è strutturata come un viaggio in due parti. La prima parte della canzone è un'immersione nella calma e nella serenità, con suoni e ritmi che evocano un senso di pace e di tranquillità. La canzone accompagna l'ascoltatore a respirare profondamente e a lasciarsi trasportare in un mondo di serenità. La seconda parte della canzone è un risveglio, un'esplosione di energia e di vita. I suoni e i ritmi diventano più intensi e più percettibili, evocando un senso di consapevolezza e di percezione dei propri sensi. "Meditation" è una canzone che invita l'ascoltatore a chiudere gli occhi, a respirare profondamente e a lasciarsi trasportare dalle vibrazioni della musica in un viaggio di scoperta interiore e in movenze incontrollate. È un invito a esplorare il proprio corpo e la propria mente, a scoprire nuove sensazioni e nuove emozioni. Ascolta "Meditation" e scopri il potenziale che si nasconde dentro di te. https://youtu.be/9kY48bVMuXQ ASCOLTA SU SPOTIFY open.spotify.com/intl-it/album/2j3rdDbpqSZYCEOgTGMq4M?si=m7J3OdtxT1ia-0GIq395GQ Muffmean è un compositore, autore e cantante italiano, proveniente da Varese, che muove i suoi primi passi nel mondo musicale, per gioco, intorno al 2013, per poi trasformarsi nella sua passione più grande, diventando una sua espressione terapeutica. Influenzato dal cantautorato italiano insieme alla musica anglofona internazionale, Muffmean prende ispirazione da entrambi i mondi musicali, intrecciandoli in più generi. La sua formazione è totalmente autodidatta e le sue musiche sono la trasposizione musicale di ciò che prova a livello interiore e l’improvvisazione al momento della scrittura. La sua visione artistica si può immediatamente notare nel primo grande lavoro, l’album “Initiatio” dove più generi e tematiche si intrecciano fra di loro a formare un racconto interiore dell’artista. Social instagram.com/muffmeanofficial / facebook.com/people/Muffmean/100081262210618 / Contatti utili linktr.ee/muffmean managementmuffmean@gmail.com ... Continua a leggere

Un viaggio house strumentale tra country, latin e jazz nato da un momento quotidiano Dopo la pubblicazione digitale del 29 marzo 2024, “Bouncy Dance” di Prem Gandharv arriva ora in promozione radiofonica nazionale dal 16 maggio. Un brano house strumentale sorprendente, dove groove e melodia si intrecciano con mondi sonori diversi, dando vita a una composizione ritmica e coinvolgente che cattura fin dai primi secondi. “Bouncy Dance” unisce chitarre country, una ritmica latin marcata e passaggi house classic style, con incursioni jazz e variazioni strumentali che mescolano strumenti acustici, loop elettronici e suoni campionati. Il risultato è una traccia capace di far muovere il corpo e viaggiare la mente, con continui cambi di scenario sonoro. A rendere ancora più affascinante il brano è la sua genesi, raccontata così dall’artista: “Stavo semplicemente scendendo le scale di casa allegramente saltellando e l’ascensore emise un sibilo di frizionamento simile al suono che dà inizio al brano, tutto questo mentre nella tromba delle scale echeggiavano alcuni accordi alla chitarra di un mio vicino (che hanno ispirato gli accordi country nel brano) e il mio solito grosso mazzo di chiavi che tintinnavano nella tasca della giacca (agogo bells e shaker). Una volta in macchina questo mix di suoni e ritmo, che si stava insinuando nella mia testa, si è andato ad unire al ritmo del motore di una moto appena accesa nel cortile condominiale (il ritmo suonato con il Cajon e i timbales)”. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/425j4KHM32IisI4ajCqZjl?si=ea6349c557d54a01 “La Musica è un’espressione dell’Assoluto e andrebbe danzata e ascoltata con gli occhi chiusi, la mente spenta e il cuore acceso.” Prem Gandharv Prem Gandharv ha curato interamente la produzione del brano, suonando personalmente tutte le percussioni e il pianoforte. Una dimostrazione della sua abilità da polistrumentista e compositore, con una discografia già composta da 36 brani e altri due in uscita. Fiorentino con amate radici baresi, Prem Gandharv è un artista trasversale e non etichettabile, capace di spaziare tra afro-tribale, techno, ballad romantiche, chill-out, ambient e musiche per meditazione e danza estatica. Un’idea di musica che abbraccia la vita in tutte le sue sfumature. Hyperlink: hyperfollow.com/premgandharv

L’artista torinese torna con un concept album che fonde tradizione e innovazione per raccontare un'umanità in bilico. «Volevo creare un suono delicato ma allo stesso tempo potente, che parlasse dell’umanità tra bene e male, della sua continua ricerca di equilibrio.» Stefano Napolitano Stefano Napolitano con “Una Nuova Luce Sul Mondo” riprende la tradizione del concept album, creando un'opera che mescola melodia pop occidentale e atmosfere orientali. Attraverso una ricerca sonora profonda, il disco fonde strumenti come violini, bonghi africani, sitar indiano, duduk armeno e voci arabe, dando vita a una miscela esplosiva e intensa, capace di trasportare l’ascoltatore in un viaggio spirituale e simbolico. L’album si sviluppa attorno a una narrazione in chiave futuristica e mistica, immaginando il ritorno sulla Terra di due figure centrali della storia umana: Gesù e Maddalena, una coppia sacra in grado di ricreare un’antica formula esoterica per salvare un mondo impazzito tra guerre e caos. A livello di produzione “Una Nuova Luce Sul Mondo" è il primo disco ad essere realizzato con il sintetizzatore virtuale TH8 di Acustica Audio, offrendo un suono innovativo e unico sul mercato. Gli arrangiamenti di Danilo Ballo, storico arrangiatore dei Pooh, enfatizzano la componente mistica e sacrale del progetto, con testi profondi e ricercati che esplorano la fede, la speranza e l’essenza dell’essere umano. TRACK BY TRACK: Una nuova luce sul mondo – La canzone descrive contrasti estremi: le fiamme e il cielo, l’eterno e l’inferno, la miseria e la ricchezza. Ma il cuore del brano è un messaggio di rinascita e trasformazione, una riflessione sulla necessità di un nuovo modo di vedere il mondo. Vecchia Terra – Il ritorno di Cristo sulla Terra dopo duemila anni di assenza è raccontato in un crescendo emotivo che mescola solennità e malinconia. Il Messia ripercorre la sua crocifissione, il suo sacrificio, e si confronta con la realtà di un’umanità che ha perso il controllo, immersa nel caos e nell’avidità. Carboni ardenti – Qui Cristo osserva la Terra nel suo stato attuale e vede la deriva di valori, il vizio e la perdizione. I carboni ardenti simboleggiano le tentazioni che divorano l’anima, l’abbandono alla corruzione e la confusione di un mondo che non distingue più tra bene e male. Spazio zero – Il brano propone una riflessione sulla possibilità di ricominciare da zero, di trovare un luogo, anche solo simbolico, dove l’amore possa rinascere puro e incontaminato. Spazio Zero è paragonabile a un’isola immaginaria, un rifugio interiore che ognuno può costruire dentro di sé per ritrovare la propria essenza e il vero significato dell’amore. Lucifero – Un brano che affronta il mito dell’angelo caduto in una chiave nuova e provocatoria. Qui Lucifero non è solo il simbolo del male, ma diventa un Essere di Luce, specchio di un mondo che ha perso i riferimenti tra bene e male. Ecco l’uomo – La figura del Messia ritorna sulla Terra, avanzando con la stessa verità di ieri ma rivolgendosi a un’umanità trasformata. Cristo si mostra ancora una volta al mondo, cercando di risvegliare le coscienze e riportare l’umanità sulla via della verità. Donna di Magdala – Una delle figure più enigmatiche della storia prende vita in questo brano, che racconta la fuga di Maria Maddalena dopo la crocifissione di Cristo. Il pezzo segue il suo viaggio attraverso la Terra Santa fino alla Francia, dove trova rifugio in una grotta oscura destinata a diventare il luogo del suo eremitaggio. La narrazione mescola storia e leggenda, tratteggiando un personaggio forte e controverso.

?feature=shared Stefano Napolitano nasce a Torino il 15 febbraio del 1966.
A 18 anni lavora presso un’agenzia pubblicitaria che si occupa di sondaggi per l’allora nascente Mediaset. Comincia a scrivere articoli musicali e culturali per alcune testate giornalistiche della sua città. Nel 1998 Giorgio Gaber gli concede un’intervista presso il Teatro Alfieri di Torino, un’esperienza che descrive tra le più emozionanti della sua vita. Poi è la volta di Morgan e dei Bluvertigo, di Nicolò Fabi, dei comici della rassegna Zelig come Giobbe Covatta, Paolo Hendel e Raul Cremona fino ad arrivare a Valerio Liboni, Alberto Fortis, Johnson dei Righeira, Natalino Balasso, Walter Rolfo e il mago Alexander, Don Backy, Garbo. Dopo un’esperienza con Publitalia, nel 2000 decide di abbandonare definitivamente l’ambiente perché nocivo e troppo politicizzato.
Nel 2021 pubblica il suo primo libro “Pensieri di seconda scelta”, una raccolta di brani sull’amore, la vita e la morte.
L’anno successivo pubblica una web series dal titolo “A Real and Reactionary Resurrection” che fa da ponte all’uscita del suo nuovo libro “Lucifero si racconta” scatenando una serie di reazioni sul web al punto che nell’aprile del 2023 conduce insieme ad Ivana Posti un programma su GRP, emittente televisiva torinese, che porta il titolo omonimo del libro, per spiegare le motivazioni che lo hanno spinto a scrivere quell’opera. Durante la programmazione delle 4 puntate vengono invitati giornalisti del calibro di Anna Tamburini Torre e scrittori come Laura Fezia, oltre ad attori e pensatori. Con “Lucifero si racconta” parteciperà al Salone del libro di Francoforte.
Nel 2023 esce il suo terzo lavoro letterario dal titolo “Inseguendo L’aura” e il 1 dicembre 2023 viene pubblicato il suo primo singolo dal titolo “Cadendo” il cui testo era già presente nel primo libro. E’ stato ospite fisso per un anno, tutti i mercoledì mattina, nel programma di Wlady Tallini “Cosa succede” trasmesso da Primantenna Tv nel quale recitava alcune sue poesie partecipando anche come opinionista sui fatti del giorno. Ad aprile 2024 esce il libro di Lucia Stendardo "Viaggio di sola andata" di cui è curatore editoriale e sarà presente al Salone del libro che si terrà a Torino dal 9 al 13 maggio. Il 19 aprile 2024 esce il nuovo singolo “Il mio momento”. Il 25 aprile 2025 arriva in radio “Una nuova luce sul mondo”, title track del nuovo album in uscita il 23 maggio. CONTATTI E SOCIAL facebook.com/stefano.napolitano.scrittore/ instagram.com/stefano.napolitano.scrittore/ ... Continua a leggere

L’EP d’esordio del giovane cantautore bresciano è un viaggio musicale tra emozioni e crescita artistica Ricky Martinelli presenta il suo primo EP "AILY Really", una raccolta di brani che raccontano il suo percorso musicale e personale. Il progetto include i quattro singoli già pubblicati, che hanno segnato tappe importanti della sua evoluzione artistica, insieme a una traccia inedita che ne rappresenta il cuore più profondo e viscerale. Con influenze che spaziano dal pop al rock retrò, l'EP mostra una scrittura intensa e coinvolgente, tra suoni evocativi e melodie raffinate. "AILY Really" è un lavoro che racchiude esperienze, introspezioni e sentimenti autentici, in un perfetto equilibrio tra nostalgia e modernità. TRACK BY TRACK 1. Pictrure of two – Una ballata pop-rock dalle atmosfere anni ‘70/’80, nata dall’osservazione di una coppia abbracciata su un treno. Un ritratto musicale del desiderio di un amore eterno, che ha conquistato il pubblico, raggiungendo la prima posizione nella classifica degli esordienti del maggio 2024. 2. You may take a photograph – Un brano dal ritmo leggero e un testo riflessivo, che invita a vivere il presente senza la necessità di immortalare ogni momento, sottolineando l'importanza di essere davvero presenti nella propria esistenza. 3. My heart is filled with jealousy – L’inedito dell’EP e il suo cuore più tormentato. Un brano viscerale, una confessione cruda e senza filtri, nata da un momento di smarrimento emotivo. Con una scrittura profonda e immagini potenti, racconta la gelosia che consuma, che fa dubitare di sé e della realtà stessa. 4. Not a second try - Una canzone che affronta il rimpianto e la resilienza, mescolando elementi sonori distintivi come un piano elettrico in stile Doors e una chitarra tremolante, per mantenere alta l’intensità emotiva. 5. The boat that I built for you - Un brano intenso e malinconico, costruito sulla metafora di una barca creata insieme e poi lasciata affondare. Una ballad che segna una tappa importante nella maturazione artistica di Ricky. Riccardo Martinelli è nato a Brescia il 9 aprile del 2006. Studia chitarra con Marco Tiraboschi e Gabriele Fersini dal 2012, sitar col maestro Ashanka Sen, impara a suonare basso e pianoforte da autodidatta e si dedica allo studio del canto con Luigina Bertuzzi. Partecipa come cantautore al Tour Music Fest e Tour Music Camp 2023. Nel 2023 comincia a registrare i suoi brani nello studio di Paolo Costola a Brescia. Il 12 aprile esce il singolo “Picture of two”, il suo esordio discografico per l’etichetta G Records che raggiunge la prima posizione nella classifica cantautori indipendenti del 27 maggio. Il 5 luglio 2024 esce il singolo “You may take a photograph”. Il 18 ottobre esce “Not a second try”. Nel 2025 arriva “The boat that I built for you”, nuovo singolo in radio dall’11 aprile, che anticipa l’EP “AILY Really” pubblicato il 9 maggio 2025. Etichetta: G Records CONTATTI E SOCIAL facebook.com/profile.php?id=61557460753132 instagram.com/riccardo_marti?igsh=eTNvbzgyMmduMTBz https://www.tiktok.com/@ricky.martinelli1?_t=8lO9h2f9zzU&_r=1 open.spotify.com/artist/26AJIG9Rp7vsDdQVuAM4GG?si=DtsnIepnTgutTsfdda6ZKQ ... Continua a leggere

Esce il secondo album della rock band che tratta tematiche sociali attraverso sonorità del mediterraneo e del Sudamerica Il trio elettro acustico calabrese che, con la sua musica parla di diritti sociali dal meridione al sud America, esce il 16 maggio col suo secondo lavoro realizzato a The Cave di Catania. Luciano Amodeo è l’autore dei testi autobiografici dei nove brani facenti parte del disco dal titolo “A piedi nudi”, mentre le musiche sono state realizzate in collaborazione con gli altri componenti della band, Pasquale Caracciolo e Felice Christian Gangeri, rispettivamente chitarrista e batterista, avvalendosi della prestigiosa produzione artistica di Daniele Grasso anch’egli autore delle musiche. Nel disco è inoltre presente la collaborazione di Maurizio Musumeci (Dinastia), coautore nel brano “Chi sono?”. La scelta delle sonorità e degli arrangiamenti indica in modo chiaro ed inequivocabile la provenienza mediterranea della band. TRACK BY TRACK È UN ALTRO GIORNO - La canzone esprime il racconto autobiografico di una delle tante giornate vissute. Giornate molto spesso iniziate nel silenzio, per poi buttarsi nel caos della vita di tutti i giorni, dove sostanzialmente, da tempo, non si apprendono cambiamenti positivi dai notiziari, mentre il mondo sembrerebbe voler prendere una direzione opinabile. Ed ecco, che dopo il tramonto i pensieri conducono l’autore verso un sano rifugio spirituale, proiettando la propria mente alla ricerca di un conforto interiore. VIENI CON ME - È un’esortazione a voler lasciare il vincolo della paura dettata dalla diffidenza, nonché un invito a fare quel salto nel futuro affinché tutto possa accadere. SEI QUI? - È la ricerca di un confronto con un’entità astratta. Con quel “Dio” che sembra non voler apparire mai, destando frustrazione in chi lo ha cercato senza ricevere le risposte attese. La canzone si conclude con una riappacificazione, in cui l’autore afferma: “A me importa poi chi sei!” IN BASSO - Il testo della canzone mette subito in chiaro il punto di vista dell’autore, il quale, impegnato in prima linea nella lotta per la rivendicazione dei diritti, denuncia la situazione del Paese, che in questo momento sembrerebbe aver preso la rincorsa verso un punto di non ritorno. CHI SONO? - Questa canzone, pur essendo un altro tema autobiografico, è stata scritta a quattro mani, ossia da Luciano Amodeo e da Maurizio Musumeci (in arte DINASTIA). Non è altro che il racconto di sé stesso, di un Luciano che ha fatto l’ingegnere, il capotreno, il segretario nazionale di un sindacato, ma ancor di più il buon amico, racchiudendo nella propria arte ogni singola esperienza vissuta. Nel domandarsi: Chi sono? L’autore stabilisce senza alcun dubbio: “Io suono chi sono io!”  IL MIO MODO - È una rock ballad che nasce nel silenzio delle ore notturne. Ore in cui l’autore si rinchiude spesso nel circolo dell’introspezione, approfittando dell’unico lasso temporale utile della giornata (la notte), in cui può riappropriarsi di sé stesso, alla ricerca di quelle energie necessarie per non cadere. Talvolta avrebbe la necessità di sentirsi maggiormente sostenuto: Ma in fondo sorride e comprende di dover confidare sulle proprie stesse forze, aggrappandosi al credo in sé stesso. TERRA ROSSA - Terra Rossa è una canzone autobiografica, nella quale vengono descritte le atmosfere incontrate lungo la linea immaginaria che collega il mediterraneo con il sud del mondo. Un viaggio di oltre 11000 km, lungo il quale gli occhi si riempiono di sorpresa e di stupore per le atmosfere incontrate, attraversando il deserto e gli oceani, sorvolati lungo l’alternanza delle correnti calde e fredde. Un viaggio, inizialmente intrapreso alla ricerca di quella cultura diversa, che ha saputo catturare il silenzio trasformandolo nella costanza di un pensiero in grado di annullare le distanze. Un parallelo dal quale emergono le differenze tra il mondo globalizzato e la terra rossa, rimasta ancora vergine ed incontaminata, e nella quale la condizione di povertà diffusa ed il disagio giovanile incontrato, non hanno comunque lasciato spazio alla tristezza sul volto della gente. L’arrangiamento del brano, dalle sonorità mediterranee, ha creato un connubio indissolubile caratterizzato da parole descrittive e ricche di emozioni, accentuate dalla particolare linea melodica che trasporta con sé le origini della band, sino alla destinazione finale segnata dalla ricerca della verità. Quella stessa, in grado di annullare le distanze tra i popoli e le proprie culture in un clima di festa costante dove ognuno potrà ballare la propria danza. SUDAMERICA - Questa canzone parla del fenomeno della globalizzazione come utile strumento dei potenti che nel tempo hanno estirpato le culture indigene, espropriandole all’insegna degli interessi economici. Nella visione di Luciano, ci sono ancora luoghi nascosti in Sud America, che hanno la fortuna di poter godere della propria bellezza intrinseca, mostrando comunque preoccupazione per un fenomeno che probabilmente, nel futuro, potrebbe non risparmiarli.   Nigra è un trio musicale (Luciano Amodeo, Pasquale Caracciolo, Christian Felice Gangeri) elettro/acustico dalle sonorità rock, caratterizzato dalla ricerca di un suono “oltre confine” capace di mettere in evidenza l’essenza mediterranea della band. La band è stata finalista nazionale a "Sanremo Rock”, "Arezzo Wave" e alla festa della musica di Zocca 2024 (contest nazionale indetto da Vasco Rossi in collaborazione con il comune modenese). Vincitrice, inoltre, di molti altri contest nazionali, che hanno consentito alla band di distinguersi in diverse regioni italiane. I precedenti tour hanno accompagnato il progetto lungo tutto lo stivale con oltre 150 concerti dal vivo, valicando altresì i confini nazionali sino ad arrivare anche in Spagna e Sud America. All’attivo della band due album, entrambi prodotti dal maestro Daniele Grasso presso lo studio The Cave. Il primo disco è stato pubblicato da Top Records di Milano, mentre il secondo, “A piedi nudi”, sarà pubblicato nella primavera del 2025 con l’etichetta DCAVE Records di Catania.  “Terra rossa” è il primo singolo estratto dal nuovo album, in radio dal 28 marzo 2025. L’uscita del disco “A piedi nudi” è prevista per il 16 maggio 2025. Etichetta: DCAVE RECORDS
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Il nuovo singolo del rapper napoletano è un viaggio tra rap, esoterismo e rivoluzione personale Dopo "Tarot", il rapper napoletano Jus Cuma torna con “Da Babilonia a Gerico (la torre)", il secondo capitolo della trilogia esoterica che fonde musica e simbolismo. Un brano dal sound hip-hop moderno, con un’impronta che richiama le sonorità statunitensi, alternando strofe in dialetto napoletano e un ritornello melodico intenso. La produzione musicale curata da XS Studio Ritmo&Blu di Pozzolengo (BS) mixa due diversi stili sonori, creando un impatto dinamico e originale. “Da Babilonia a Gerico (la torre)” racconta il concetto di distruzione, toccando temi profondi e attuali legati alla società, alla strada e alla dimensione personale dell’artista. La carta dei tarocchi associata al brano è La Torre, simbolo di crollo e trasformazione. «Questo progetto nasce dall'esigenza di comunicare sempre in lingua napoletana, ma con un racconto che prende spunto da conoscenze esoteriche, esprimendo un percorso di trasformazione interiore. Se ‘Tarot’ apriva la trilogia, questo secondo singolo esplora concetti più violenti, sociali e personali.» Jus Cuma Giuseppe Sorrentino, in arte Jus Cuma, nasce a Napoli il 4 marzo 1994 da genitori originari di Ercolano. Durante l’infanzia si trasferisce con la famiglia nel nord Italia, stabilendosi nella provincia mantovana, dove sviluppa fin da piccolo una forte passione per la musica, inizialmente espressa attraverso la danza nella cultura hip hop. Il suo percorso come rapper inizia ufficialmente nel 2019 con l'uscita del singolo di debutto "Hermano", che segna l'avvio del suo progetto musicale. Dopo anni di formazione e ricerca artistica, il 24 maggio 2024 pubblica "Napoge", un brano incentrato sul tema della rinascita, che rappresenta una tappa significativa nella sua evoluzione creativa. Un punto di svolta nel suo percorso musicale è stato l'incontro con il producer XS presso lo Studio Ritmo&Blu nella provincia bresciana. Da questa collaborazione nasce il singolo "Battesimo", pubblicato nell’agosto 2024. Il titolo del brano non è casuale, poiché celebra simbolicamente l'inizio della sinergia artistica tra Jus Cuma e XS. Il 24 gennaio 2025 pubblica il nuovo singolo "’90/’00" con l’etichetta Orangle Records, mentre il 28 marzo esce con un brano che sarà l’inizio di un nuovo progetto formato da tre singoli, il primo è “Tarot”. Il 16 maggio 2025 arriva in radio il secondo capitolo: “Da Babilonia a Gerico (la torre)”. CONTATTI E SOCIAL instagram.com/juscuma_official/profilecard/?igsh=cXAyOWF4Zzgzancz open.spotify.com/artist/7M6iMqbdYlOFo28gUfBMgu?si=o1ZomJxoQLuFRnWUoVU23Q tiktok.com/@juscuma_official?_t=ZN-8srx2W7jqsg&_r=1

Il nuovo romanzo di Marta Brioschi è un giallo raffinato che indaga i confini labili della memoria tra Genova e Bogotá “In alto mare”, edito da Be Strong Edizioni, è il nuovo romanzo firmato da Marta Brioschi: un giallo atipico, raffinato, a tratti struggente, che prende forma da un aneddoto familiare e ci conduce in un viaggio tra verità contrapposte, ricordi distorti e radici ritrovate. Protagonista del romanzo è Paolo Matera, uomo di mezza età che da Novara si è trasferito con moglie e figlio in una vecchia casa sul Lago Maggiore appartenuta al nonno Luigi Pellegrino. È proprio attorno alla figura enigmatica di Luigi che ruota tutta la vicenda: un test del DNA rivela a Paolo l’esistenza di un cugino di primo grado in Colombia. I due condividono lo stesso nonno, ma di lui hanno ereditato memorie radicalmente diverse. Chi era davvero Luigi Pellegrino? Un ballerino affascinante sulle navi da crociera degli anni Trenta, un padre devoto o un uomo capace di segreti tanto profondi da cambiare il destino dei propri discendenti? Il romanzo intreccia con sapienza due linee temporali: da un lato il passato, fatto di traversate oceaniche a bordo del transatlantico Augustus, incontri con personaggi memorabili e misteriose sparizioni; dall’altro il presente, in cui Paolo e il cugino colombiano, Nino Ferraris, si imbarcano in una ricerca identitaria che li porterà a Bogotá, affiancati ancora una volta dallo stravagante scrittore di gialli Jean Mae. Tra omicidi irrisolti e memorie da ricostruire, il lettore è trascinato in un’indagine che è insieme storica, emotiva e psicologica. Acquista il libro Amazon: amzn.eu/d/gIKzxL1 Be Strong Edizioni: bestrongedizioni.it/prodotto/in-alto-mare/ “In alto mare” non è solo un giallo, ma un’esplorazione della memoria. “Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuove terre, ma nell’avere nuovi occhi”, scrive Marcel Proust in una delle citazioni che aprono il romanzo, accanto a quelle di Kundera e Hosseini. E Marta Brioschi ci invita esattamente a questo: cambiare sguardo, interrogarci sul modo in cui costruiamo e trasmettiamo il nostro passato. Con una prosa ricca e mai eccessiva, l’autrice disegna personaggi autentici, complessi, fragili. Luigi, su tutti, resta una figura ambivalente e affascinante, raccontata attraverso le testimonianze dei suoi nipoti, spesso contraddittorie eppure parimenti vere. “Il ricordo non è mai una copia esatta dell’originale, ma un’opera costantemente reinventata dal nostro io”, leggiamo nel testo. Una riflessione che si fa centrale nell’intreccio e accompagna il lettore fino all’ultima pagina. Il romanzo nasce da un’idea ispirata a un evento realmente accaduto nella famiglia dell’autrice: la scoperta inattesa di parenti in Sudamerica. Un fatto che ha dato origine a una trama avvincente, capace di fondere elementi del giallo classico con l’approfondimento psicologico e culturale di un romanzo di formazione. “In alto mare” è disponibile in tutte le librerie e negli store online. Un romanzo per chi ama le storie dove l’enigma non riguarda solo i fatti, ma soprattutto le persone. E per chi sa che la verità, spesso, non è un punto d’arrivo, ma un mare aperto da attraversare. Instagram: instagram.com/marta.brioschi_official/ ... Continua a leggere

Un viaggio tra amore e vulnerabilità nel terzo estratto dall’album “Ten Little Indies” In radio e su tutte le piattaforme dal 16 maggio 2025
Dopo il successo di “January” e “All My Faults”, i PoST tornano con un nuovo singolo: “Love At First Glance”, brano intenso ed evocativo che affronta il dualismo ancestrale tra amore e morte. Il pezzo è il terzo estratto dall’album Ten Little Indies, pubblicato lo scorso novembre per Reverse Rivers Music. “Love At First Glance” non racconta un amore ingenuo, ma una relazione che nasce all’improvviso e si carica di intensità, consapevole della fragilità dell’esistenza. Un invito a vivere pienamente il sentimento, senza temere la vulnerabilità o la possibilità della perdita. Il sound, alternative indie rock, alterna tensioni ritmiche e aperture melodiche, creando un’atmosfera sospesa tra dolcezza e inquietudine. Il brano è stato registrato presso il Real Sound Studio di Milano con la produzione di Ettore “Ette” Gilardoni, e successivamente mixato a Londra da Pietro Cavassa. “Credere nell’amore, oggi, è un atto radicale, spiegano i PoST,. ‘Love At First Glance’ è un invito ad accogliere questa forza anche nei suoi aspetti più fragili.”
Attivi dal 2001, i PoST (acronimo di Proud of Serving Tuna) sono un quartetto torinese apprezzato per il loro songwriting ricercato e gli arrangiamenti originali, sospesi tra melodie pop e strutture armoniche singolari. Con all’attivo gli album Nulla da decidere (2008) e Fakes from another place (2012), prodotti da Davide Tomat e Gabriele Ottino (Niagara, spime.im), la band ha saputo conquistare una nicchia fedele, anche all’estero. Con Ten Little Indies, i PoST segnano una nuova maturità espressiva. PoST sono:
 Gio Franco – voce, basso
 Davide Novallet – chitarre, cori
 Antonio Monaco – batteria, percussioni
 Daniele Maresca – piano, synth, cori CONTATTI E SOCIAL postmusic.it facebook.com/postarewe instagram.com/postarewe ... Continua a leggere

l’omaggio musicale (e cavalleresco) a Luca Giurato Dal 13 maggio in radio e su tutte le piattaforme digitali il nuovo singolo dall' album “Valvassori del BardFolk” Si intitola “Chiedo Scudo” il nuovo singolo dei BardoMagno, la band folk rock di ispirazione medievale fondata da Valerio Storch (Nanowar of Steel) insieme alla community satirica Feudalesimo e Libertà. Il brano, in rotazione radiofonica e disponibile su tutte le piattaforme digitali è un sentito e ironico omaggio al celebre giornalista e conduttore Luca Giurato, recentemente scomparso. Nel tipico stile bardomagnesco, tra sonorità epico-folk, citazioni parodiche e testi che fondono passato e presente, “Chiedo Scudo” celebra la figura di Giurato elevandolo a eroe cavalleresco e “Duca Giurato”, simbolo della bonaria sbadataggine che lo ha reso iconico. Il titolo stesso richiama una delle sue gaffe più famose, trasformata in vessillo di una cavalcata tra storia, ironia e affetto sincero. Il singolo fa parte del terzo album della band, “Valvassori del BardFolk”, fuori dal 18 maggio 2025. Il videoclip ufficiale, girato a Casalnoceto (AL) da Lorenzo Massa Saluzzo, mostra la cerimonia d’investitura del “duca” tra spade, armature e un popolo festante, in un clima goliardico e surreale.

«Abbiamo sempre sognato di diventare cavalieri, racconta Valerio Storch, e con questo brano celebriamo chi, come Luca Giurato, ha saputo entrare nei cuori del pubblico con spontaneità e ironia. A modo nostro, gli rendiamo onore nel regno del BardFolk.» I BardoMagno sono noti per aver rivisitato il presente in chiave medievale, mescolando musica, satira e cultura popolare in un progetto unico nel suo genere. Dopo il successo dei precedenti album e singoli come “Magister Barbero” e “Cerveza Y Latifondo”, la band torna a far sorridere e riflettere, con una nuova impresa musicale al grido di: Chiedo Scudo! bardomagno.it/ facebook.com/BardoMagnoBand instagram.com/BardoMagnoBand... Continua a leggere

Una riflessione sincera sul tempo che passa, tra musica autentica e sentimenti reali Esce il 23 maggio “Un giorno in più”, il nuovo singolo dei Sesto Senso, disponibile su tutte le principali piattaforme digitali e in rotazione radiofonica nazionale. Un brano che non è solo musica, ma un frammento di vita, nato senza filtri, come tutto ciò che la band scrive e suona. “Un giorno in più” racconta quel momento particolare che è il compleanno: una ricorrenza che può diventare occasione di bilancio, ma anche di rinascita. Una giornata che invita a guardarsi dentro, a ripensare alle persone che ci sono state accanto, a chi non c'è più, e a tutto ciò che si è diventati. Non c’è retorica, solo un messaggio autentico: ogni giorno può essere una nuova possibilità per crescere, per guarire, per essere migliori. Ascolta la band open.spotify.com/intl-it/track/45Zuw9FcK7uzEXsDWF5LkE?si=fa03ce6c6a4a4429 L’autenticità è il cuore pulsante dei Sesto Senso. La band nasce da un’esigenza profonda: suonare per il semplice piacere di farlo, ritrovandosi ogni sabato, senza pretese, senza costruzioni. Solo cinque persone che amano la musica, che si rispettano, e che hanno scelto di dare voce a ciò che sentono nel modo più diretto e sincero possibile. Nessun artificio, nessuna scorciatoia: la loro forza sta nella verità. Ogni nota, ogni parola, ogni arrangiamento è figlio di chi sono, delle loro storie, dei sogni condivisi tra le mura di una sala prove. “Un giorno in più” è una canzone scritta con l’anima, come tutte le cose che contano davvero. I Sesto Senso sono: Antonio Cabiddu: voce e chitarra ritmica Ivan Cabiddu: basso e voce Andrea Cabiddu: batteria Michele Curcio: tastiere Davide Mazzei: chitarra e voce I loro brani non cercano il clamore, ma parlano a chi ha bisogno di riconoscersi in una musica che non finge. Con questo singolo, i Sesto Senso continuano a essere ciò che sono fin dal primo giorno: cinque musicisti, cinque cuori che battono all’unisono per dire, attraverso le canzoni, che la verità ha sempre un suono. Instagram: instagram.com/sesto.senso_band?igsh=MTRzZ2Y1bTV0Z3h6OQ== Facebook: facebook.com/share/16Z2q5vAEr/ YouTube: https://youtube.com/@SestoSenso-Band ... Continua a leggere

Il nuovo singolo della cantautrice siciliana racconta la fragilità dei rapporti umani nell’epoca dell’ostentazione da social. Labirinto di Eva torna con “Sottilette”, un brano che esplora le contraddizioni della società contemporanea e delle relazioni affettive. Il singolo, una ballata elettro-pop ritmata e coinvolgente, racconta le imperfezioni nascoste dietro storie d’amore apparentemente perfette, smascherando la finzione e l’ostentazione che spesso dominano i rapporti sui social. Nel testo, il dolore viene visto quasi come una forma di salvezza, un elemento autentico che, pur nella sua durezza, conferisce umanità e profondità a una relazione. “Sottilette” è una riflessione sulle fragilità che convivono all’interno di ogni legame, trasformandolo in qualcosa di vero e tangibile. "Troppe storie sembrano perfette come sottilette ho il cuore sciolto a fette", canta Labirinto di Eva, enfatizzando la distanza tra l’apparenza e la realtà emotiva. Eva Favarò, cantautrice siciliana, fin da piccola intraprende studi di teatro e canto. Consegue tre diplomi presso il CET (Centro Tuscolano Europeo) del maestro Mogol, rispettivamente: Diploma Compositori, con il maestro Giuseppe Barbera, Diploma Autori, con il maestro Mogol, Alfredo Rapetti (in arte Cheope) e il maestro Giuseppe Anastasi e il Diploma Interprete di Musica Leggera, con le insegnanti Giada Amadei e Carla Scarlatto (in arte Carlotta). Nel 2018 crea un nuovo progetto musicale, dal nome LABIRINTO DI EVA, dalle sonorità Electropop. L’incontro nel 2018 con il produttore artistico Enrico “Kikko” Palmosi, rende possibile la realizzazione di tre inediti. Il primo singolo, che anticipa il suo EP, si chiama “Ci siamo persi”, distribuito da Artist First, a cui seguono “Ci rivediamo a novembre” e “Mi mancate tutti”. Oggi vive a Milano e scrive per altri artisti collaborando con vari autori e producer: Luigi Sarto (Tiromancino), Enrico Kikko Palmosi compositore e produttore discografico (Emma Marrone, Giorgia, Laura Pausini, Annalisa), Jason Rooney (Producer Negramaro, Elodie, Arisa, Tiromancino) Mario Marchetti (Demi Lovato), Tony Canto (Nina Zilli, Petra Magoni, Mannarino, Bungaro), Pippo Kaballà (Mario Venuti, Nina Zilli, Carmen Consoli). Ha scritto per: Annalisa Minetti e FRE (Nevica; Blu), Tekemaya semifinalista The Voice (Para ti), Serie tv “Marta&Eva” su Rai Gulp (Al centro del traffico), Gabriele Esposito concorrente X Factor (Ho sempre voglia). Insegna canto e songwriting in importanti scuole di musica e associazioni culturali come: Gattuso Musica, Associazione Culturale La Traccia, G-Records e Upmusic. Il 29 novembre 2024 esce il singolo “Lingerie”. Il 9 maggio 2025 il nuovo brano in radio è “Sottilette”. Etichetta: Elite Music Radio date: 9 maggio 2025 CONTATTI E SOCIAL open.spotify.com/intl-it/artist/0MESaup8vodGT4gxck3WK6?si=Sik_Vzv7S_CHiooneT3vLQ instagram.com/labirintodieva?utm_source=ig_web_button_share_sheet&igsh=ZDNlZDc0MzIxNw== ... Continua a leggere

Dal 23 maggio il brano tra scrittura intensa e pop urban, dalle delusioni amorose alle onde dell’oceano: una metafora potente per il cuore dei giovani “Fosse Delle Marianne” è il nuovo singolo di juanito, la paranoia, disponibile dal 23 maggio su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica. Edito da Synthomi S.a.s. e Victoria Music, il brano è stato prodotto, mixato e masterizzato da Tony Colangelo presso Join The Gap Studio di Gerenzano (VA). “Fosse Delle Marianne” racconta la difficoltà, comune a molti giovani, di superare una delusione amorosa. La persona amata viene paragonata all’oceano, una figura tanto affascinante quanto pericolosa: fredda, profonda, capace di risucchiare ogni altra cosa nello sguardo ipnotico che cattura e annulla tutto il resto. La traccia combina un testo denso di immagini poetiche con una melodia orecchiabile e immediata, pensata per essere condivisa, sentita e cantata anche attraverso i linguaggi veloci e visivi dei social come TikTok e Instagram. “Fosse Delle Marianne” nasce da un giovane innamorato per tutti i giovani innamorati, in bilico tra vulnerabilità e bisogno di riscatto emotivo. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/2eyiDAsfOjC6LSLvEvQf33?si=rpk1SdaDS-COM76r-XJPMA juanito, la paranoia, nome d’arte di Juan Guillermo Gallon, è un rapper torinese classe 2004, di origini colombiane. Inizia a scrivere musica a soli 14 anni, mosso da una naturale propensione alla scrittura e da una vasta gamma di influenze musicali. Nel 2022 inizia il suo percorso ufficiale con l’etichetta indipendente Ciao Proprio, che ne intuisce da subito il talento e pubblica i suoi primi due singoli: Sansa e MANGIauomini. I brani ottengono un ottimo riscontro dal pubblico, superando insieme i 150.000 stream e visualizzazioni tra Spotify e YouTube. Nel 2023 la crescita artistica di juanito si consolida grazie alla collaborazione con il produttore T.N.Y. (già al fianco di J-AX, Articolo 31, Il Cile). Da questa unione nascono i singoli Lo sai che lo sei e Bambola, che totalizzano oltre 130.000 stream e raggiungono diverse playlist editoriali su Spotify. Il 2024 segna una pausa dalle pubblicazioni ma non dalla creatività: l’artista si dedica interamente alla scrittura e nasce la collaborazione tra Ciao Proprio e Dissections. Un’alleanza che porterà alla luce, nel 2025, una nuova stagione musicale in cui juanito è pronto a mostrare tutto il suo talento e la sua ecletticità. Instagram: instagram.com/parathvstra/ Youtube: https://youtube.com/@juanitolaparanoia TikTok: https://www.tiktok.com/@juanito.laparanoia?_t=8s7kGtGwHR3&_r=1 ... Continua a leggere

Il nuovo singolo del duo formato da Matteo Bosco e Valeria Molina è un tributo musicale ad una figura storica simbolo di resistenza e lotta sociale. «In "Thomas Sankara" si intrecciano le voci dell'ex capo di stato del Burkina Faso, che scelse come metro di valutazione del suo mandato la felicità e come "auto blu" delle Renault 5. Si oppose agli abusi dell'occidente, pagando con la vita.» Bande rumorose in A1 Il duo Bande Rumorose in A1, formato da Matteo Bosco e Valeria Molina, torna con un brano potente e simbolico: “Thomas Sankara”. La canzone intreccia le voci e l’eredità dell’ex capo di Stato del Burkina Faso, che scelse di misurare il successo del suo mandato attraverso la felicità del suo popolo, opponendosi agli abusi delle potenze occidentali fino a sacrificare la propria vita. Attraverso una narrazione incisiva e carica di significato, “Thomas Sankara” racconta l’integrità e il coraggio di un leader rivoluzionario che rifiutò i privilegi del potere, scegliendo per sé un’auto comune, una Renault 5, e ponendo al centro del suo operato il benessere collettivo. Musicalmente, il brano si sviluppa su un ritmo intenso e ipnotico, sul quale si innesta la voce di Matteo Bosco che canta quasi declamando un testo denso di amarezza e cinismo. Il nuovo singolo estratto dall’album “Gli inquilini del sottoscala" conferma dunque la vocazione del duo a raccontare storie di resistenza e di lotta sociale attraverso la musica. Matteo Bosco è un cantautore friulano, nato a Palmanova e trasferitosi a Milano. Inizia come busker e, piano, piano, si avvicina alle prime registrazioni in studio. Con il nome d’arte di Teo Ho escono i primi dischi con la New Model: “I gatti di Lenin” (2014), “Il campo del vasaio” (2016). Nel 2023 esce, autoprodotto, “Reggae a Stalingrado”. Gran parte dell’attività artistica è basta sui live “voce e chitarra” in locali e circoli in varie parti d’Italia. Valeria Molina nasce a Vercelli, si avvicina al basso all' età di 17 anni, dedicandosi principalmente al genere metal, da sempre il preferito. Nasce in quel contesto il gruppo nu metal Black Monday, attraverso il quale acquisirà le prime esperienze live. Sarà poi l'incontro, nel 2017, con il maestro Gianni Cicogna a rendere più tecnico il suo approccio allo strumento, permettendole di sperimentare e spaziare in un più ampio ventaglio di generi, per poi approdare al progetto attuale. Nel 2022 Matteo conosce Valeria e inizia la collaborazione, nonché la nascita delle “Bande Rumorose In A1”. Collaborazione che, grazie all’incontro con Davide Tosches e Luca Swanz Andriolo, ha portato alla realizzazione di questo disco: “Gli Inquilini Del Sottoscala” (Private Stanze - 15 novembre 2024). Dal 20 settembre 2024 il primo singolo “Faccio pena a Pavese” è in tutte le radio e digital store, seguito il 25 ottobre da “Nuvole rosse”. Il 31 gennaio 2025 in radio il terzo estratto “Gli Stati Finiti” mentre il 9 maggio arriva il nuovo singolo “Thomas Sankara”. Etichetta: Private Stanze CONTATTI E SOCIAL instagram.com/banderumoroseina1/ facebook.com/TeoHoCantautore

Il nuovo singolo del cantautore sardo è un inno alla sincerità e alla ricerca della verità. Il cantautore Igor Mulas torna con il nuovo singolo “Dimmelo tu”. Il brano affronta il tema di un amore ormai spento e il bisogno imprescindibile di un dialogo sincero per trovare una svolta definitiva nella relazione. Musicalmente, l’arrangiamento essenziale e dalle sfumature quasi tribali richiama la sacralità dei sentimenti, sottolineando la necessità di rispettare e onorare l’amore con dedizione e onestà. Un viaggio emotivo che porta l’ascoltatore a riflettere sulla fragilità delle emozioni e sull’urgenza di una comunicazione autentica. Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale girato nelle suggestive spiagge di Marina di Cerveteri e diretto da Stefano Di Carlo. Il video segue l’artista nel suo percorso alla ricerca della verità dietro un sentimento incerto, lontano dalla città e immerso nella natura incontaminata. A piedi nudi, accanto al mare, Mulas ritrova se stesso e la propria dignità, esprimendo la necessità di un amore puro e sincero. https://youtube.com/watch?v=gvdTPnNm-U0 Igor Mulas è un cantautore di origini sarde con un percorso artistico che attraversa l’Italia e l’Inghilterra. A diciotto anni si trasferisce a Londra, dove vive per oltre un decennio, immergendosi nella scena musicale internazionale e studiando canto presso The City Lit, approfondendo generi come pop, rock, soul, jazz, opera e blues. Durante la sua permanenza nel Regno Unito, inizia a produrre professionalmente le sue canzoni, collaborando con diversi arrangiatori. Le influenze della multi-etnicità londinese e il pop britannico contribuiscono a definire la sua identità artistica. Alla fine del 2000 rientra definitivamente in Italia, stabilendosi a Roma, dove avvia una nuova fase della sua carriera musicale. Ha partecipato a importanti eventi e concorsi canori, tra cui Sanremo Giovani, Castrocaro e Music Village. La sua discografia comprende tre album da cantautore: Io sono Igor Mulas (2009), Tutto è giusto (2019) e A un passo da me (2021), oltre a un album di cover in inglese, Starlight (2021), in cui reinterpreta brani internazionali che ha sempre apprezzato. Negli ultimi anni ha collaborato con Stefano Di Carlo, sia nella produzione musicale che nella realizzazione di videoclip, pubblicando diversi singoli tra cui Su Dimmi (2022), Non è (2023), Geloso Remix (2023), Sì (2024), Volare (2024) e Meno Male (2025). Questi ultimi brani anticipano il suo nuovo album di prossima uscita insieme a Dimmelo tu, in radio dal 9 maggio 2025. CONTATTI E SOCIAL facebook.com/share/16cpLfcYZ2/?mibextid=wwXIfr instagram.com/igormulas?igsh=MTU0Nmh6bGxkNnEzZw%3D%3D&utm_source=qr open.spotify.com/artist/5uPMZlA6DEKw4Q3sSDGPdb?si=T3o7iXXyTFivCGDxTs21dQ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo del cantautore sardo è un inno alla sincerità e alla ricerca della verità. Il cantautore Igor Mulas torna con il nuovo singolo “Dimmelo tu”. Il brano affronta il tema di un amore ormai spento e il bisogno imprescindibile di un dialogo sincero per trovare una svolta definitiva nella relazione. Musicalmente, l’arrangiamento essenziale e dalle sfumature quasi tribali richiama la sacralità dei sentimenti, sottolineando la necessità di rispettare e onorare l’amore con dedizione e onestà. Un viaggio emotivo che porta l’ascoltatore a riflettere sulla fragilità delle emozioni e sull’urgenza di una comunicazione autentica. Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale girato nelle suggestive spiagge di Marina di Cerveteri e diretto da Stefano Di Carlo. Il video segue l’artista nel suo percorso alla ricerca della verità dietro un sentimento incerto, lontano dalla città e immerso nella natura incontaminata. A piedi nudi, accanto al mare, Mulas ritrova se stesso e la propria dignità, esprimendo la necessità di un amore puro e sincero. https://youtube.com/watch?v=gvdTPnNm-U0 Igor Mulas è un cantautore di origini sarde con un percorso artistico che attraversa l’Italia e l’Inghilterra. A diciotto anni si trasferisce a Londra, dove vive per oltre un decennio, immergendosi nella scena musicale internazionale e studiando canto presso The City Lit, approfondendo generi come pop, rock, soul, jazz, opera e blues. Durante la sua permanenza nel Regno Unito, inizia a produrre professionalmente le sue canzoni, collaborando con diversi arrangiatori. Le influenze della multi-etnicità londinese e il pop britannico contribuiscono a definire la sua identità artistica. Alla fine del 2000 rientra definitivamente in Italia, stabilendosi a Roma, dove avvia una nuova fase della sua carriera musicale. Ha partecipato a importanti eventi e concorsi canori, tra cui Sanremo Giovani, Castrocaro e Music Village. La sua discografia comprende tre album da cantautore: Io sono Igor Mulas (2009), Tutto è giusto (2019) e A un passo da me (2021), oltre a un album di cover in inglese, Starlight (2021), in cui reinterpreta brani internazionali che ha sempre apprezzato. Negli ultimi anni ha collaborato con Stefano Di Carlo, sia nella produzione musicale che nella realizzazione di videoclip, pubblicando diversi singoli tra cui Su Dimmi (2022), Non è (2023), Geloso Remix (2023), Sì (2024), Volare (2024) e Meno Male (2025). Questi ultimi brani anticipano il suo nuovo album di prossima uscita insieme a Dimmelo tu, in radio dal 9 maggio 2025. CONTATTI E SOCIAL facebook.com/share/16cpLfcYZ2/?mibextid=wwXIfr instagram.com/igormulas?igsh=MTU0Nmh6bGxkNnEzZw%3D%3D&utm_source=qr open.spotify.com/artist/5uPMZlA6DEKw4Q3sSDGPdb?si=T3o7iXXyTFivCGDxTs21dQ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo dell’artista dance-techno è una risposta ironica alla provocazione di Tommy Cash. Rebekka Vox, artista affermata nel panorama dance e techno, torna con un nuovo singolo dal titolo “Cameriere Cappuccino”, una traccia esplosiva che fonde l’energia dell’italo dance con una vena ironica e provocatoria. Il brano rappresenta una risposta elegante e divertente a "Espresso Macchiato" di Tommy Cash, in gara all’Eurovision Song Contest 2025 di Basilea. Con un sound travolgente, “Cameriere Cappuccino” è un vero riempipista, capace di catturare l’attenzione con ritmi incalzanti e atmosfere accattivanti. Il testo, giocoso e irriverente, vede l’artista interpretare una donna straniera affascinata dall’uomo italiano, attribuendogli fascino e sensualità persino nel suo modo di bere il caffè. Un contrasto con gli uomini del Nord Europa, descritti come più distanti e inclini a uno stile di vita diverso. Prodotto da Antonio Summa al Summit Studio di Milano, il brano esalta le caratteristiche distintive di Rebekka Vox: energia, ironia e la capacità di far ballare il pubblico con sonorità potenti e fresche. Rebekka Vox è un’artista poliedrica attiva nel mondo della dance e techno dal 1996. Diplomata in danza classica presso la Russian Ballet Society di Edimburgo, ha costruito una carriera dinamica come cantante, speaker radiofonica, vocalist, dj e autrice. La sua energia vibrante e i suoi look camaleontici l’hanno resa una figura riconoscibile nel panorama musicale europeo. Tra il 2001 e il 2003, con lo pseudonimo Rehb, ha collaborato al progetto S.M.S., affiancando i DJ Danny Verde e Gianni Vitale, autori di hit eurodance come La Vie C'est Fantastique, pubblicata da TIME RECORDS e diventata un tormentone nelle discoteche di tutta Europa. Parallelamente alla musica, ha diretto il gruppo di ballerini professionisti STAR DUST, esibendosi nelle principali discoteche italiane e del Nord Europa. Nel 2021 è stata street model per il brand DIESEL, mentre dal 2023 anima e canta per il Festival Dance Live Show, ideato da DJ Jump, esibendosi nelle piazze e club italiani. Negli ultimi anni ha collaborato con artisti come Walter Mangione (progetto Brothers) e Antonio Summa, con cui ha scritto il singolo "Cameriere Cappuccino", una risposta ironica al brano Espresso Macchiato di Tommy Cash, in gara all’Eurovision Song Contest 2025. Distribuzione: Believe Music Etichetta: Summit Production CONTATTI / SOCIAL instagram.com/rebekkavox/ open.spotify.com/user/rebekkavox?si=SqEctZQ4QR6jaA3gYeMNZQ facebook.com/share/19YcMJDPSu/?mibextid=wwXIfr tiktok.com/@rebekkavox?_t=ZN-8w4pOkRDMRi&_r=1 ... Continua a leggere

Dal 23 maggio in radio e su tutti gli store digitali il brano che unisce introspezione urbana e ribellione poetica “La scia della follia” è il nuovo singolo di Fil, disponibile dal 23 maggio su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica. Il brano è nato a Londra, in un momento di forte cambiamento personale e artistico, in cui l'autore era alla ricerca dell'amore e di nuove esperienze capaci di scuotere la sua interiorità. Nel cuore della metropoli, tra il cemento degli uffici e le storie marginali di chi ha scelto di vivere ai bordi della società, Fil ha trovato l'ispirazione per raccontare un’umanità diversa, fragile e allo stesso tempo coraggiosa. Un gruppo di ragazzi accampati sotto un ponte, simbolo di resistenza e libertà, ha acceso l’immaginario di una canzone che osserva con lucidità e poesia le contraddizioni del nostro tempo. “La scia della follia” è un brano che riflette sul prezzo da pagare per adattarsi a un sistema fondato sull’ipocrisia, sull’omologazione e sul successo a tutti i costi. Fil canta la difficoltà di trovare una via autentica in un mondo che impone regole sempre più disumane, scegliendo di abbracciare l’irregolarità, l’emotività e il disincanto come forme di ribellione e salvezza. Il sound del brano fonde influenze cantautorali, R&B e indie, confermando la versatilità artistica di Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/2W9UUZCGqI5Hj8WxF1wNe3?si=uxSOB7rcSi2a1AO_ifsKzw Fil, già noto per il suo percorso originale e ricco di contaminazioni. Nato a Faenza nel 1992, Filippo Filidei ha mosso i primi passi in Spagna sotto lo pseudonimo Flep, avvicinandosi al rap e alla musica di protesta. Le esperienze di vita a Londra, in Uruguay e in Australia hanno arricchito il suo bagaglio artistico, portandolo a una scrittura che affonda le radici nella realtà ma sa elevarsi verso riflessioni universali. Con “La scia della follia”, Fil firma un brano maturo, personale e profondamente attuale, capace di raccontare il disagio contemporaneo con una voce autentica e mai banale. Instagram: instagram.com/filmusicofficial?igsh=MXA3eWcyYTBjdHlybQ== YouTube: https://youtube.com/@fil6692?si=xLBEfYGPpDbWY4ob ... Continua a leggere

Esce il nuovo singolo del cantautore piacentino estratto dal suo ultimo disco in uscita per l'etichetta Orzorock Music Nel nuovo singolo di Edoardo Cerea, il protagonista della canzone sta vivendo un momento di totale sconforto e distacco nei confronti della società che lo circonda, avverte un’atmosfera opaca e soffocante, vede le persone depresse e scontente ma, tuttavia, disposte a subire qualsiasi cosa senza protestare e senza stupirsene. Sente quindi il bisogno di ritirarsi nella propria dimensione privata cercando un punto d’osservazione il più in disparte possibile per analizzare meglio e dare un senso a questa realtà, quasi come un eremita in cima ad una montagna). “Quando al sentimento della sciagura si unisce l’assenza di speranze, gli uomini obbediscono finché un contraccolpo esterno non restituisce loro la speranza” così dice Cerea nel suo brano “Una ragione ancora”. 
Da un punto di vista musicale si tratta di sonorità un po’ anni 90 tipiche delle rock ballad di quel periodo, come influenze parliamo quindi di Tom Petty, Pearl Jam e Neil Young.
; Edoardo Cerea debutta come autore nel 2004, dopo una lunga esperienza da interprete, con l’album “Come se fosse normale”, edito dalla BMG RICORDI e arrangiato dal musicista e produttore torinese Mario Congiu. Contemporaneamente, è anche la voce del fortunato tributo a Luigi Tenco “L’aria triste che tu amavi tanto”, spettacolo allestito da Assemblea Teatro (Teatro Stabile di Innovazione di Torino). Da questo spettacolo, sono stati tratti due CD ed è stato realizzato un tour, che per due stagioni è stato presente nei teatri di tutta Italia. Il 29 gennaio 2008 esce “Disperanza“, il secondo disco di Edoardo Cerea edito dall’etichetta indipendente “La Locomotiva”. Il 18 ottobre 2015, esce il terzo album dal titolo “E’ meglio se continuo a cantare”, prodotto da Fabrizio Naniz Barale (Ivano Fossati, Yo Yo Mundi): tra le tracce, anche un duetto con Francesco Di Bella (24 Grana). Nel mese di ottobre 2017 sbarca in Uruguay la tournée che rende omaggio Luigi Tenco, con le serate al Teatro “Maccio” di San Josè de Mayo e al Teatro “Verdi” di Montevideo, nell’ambito del festival internazionale FIDAE. Un anno dopo Assemblea Teatro è di nuovo chiamata a ricordare il talento di Luigi Tenco in ambito internazionale con un concerto a La Valletta (Malta), in occasione della Settimana della lingua Italiana nel mondo/La Valletta capitale Europea della Cultura. Il 27 ottobre 2022 “La Lunga Strada”, nuovo album di inediti contenente 10 brani con una bonus track, uscito in contemporanea col singolo. Fra il 2023 e il 2024 Edoardo Cerea è impegnato nell’attività live, in collaborazione con ANTHILL BOOKING di Davide Motta. Tante le aperture di prestigio: Modena City Ramblers, Omar Pedrini, Pierpaolo Capovilla, Meganoidi, Filippo Graziani. Il 10 aprile 2025 ha presentato dal vivo alla serata dell'etichetta Orzorock, il suo nuovo album in uscita su tutti i digital store dal 16 maggio, il cui titolo è “Scelte...?";. Etichetta: Orzorock Music CONTATTI E SOCIAL instagram.com/edoardo.cerea.3/ facebook.com/EdoardoCereaCantautore open.spotify.com/intl-it/artist/4BPov1c7hOGqne6Vw3p44X?si=ndiOMlLrRGOFmCT6yXlWPg&utm_source=copy-link&dl_branch=1&nd=1&dlsi=6677fc59d1654cc6 ... Continua a leggere

Premio per la sezione Testo Canzone “Chiedersi il perché” di Luca Fol alias Luca Fallini (Rimini) e “Petali e diamanti” di Esma (Moncalieri, TO) Grande successo per la premiazione della ventiquattresima edizione al Salone del Libro e al Teatro Café Muller di Torino, il premio speciale “InediTO RitrovaTO” a Totò È stato un finale traboccante di valori, significati, emozioni, quello di sabato 17 maggio, a conclusione della ventiquattresima edizione del Premio InediTO - Colline di Torino organizzato dall’Associazione Il Camaleonte di Chieri (TO). Il pubblico attento, caloroso e assiepato, ha partecipato alla proclamazione dei vincitori all’Arena Piemonte (messa a disposizione dalla Regione Piemonte) del Salone del Libro di Torino e alla premiazione, inserita nel programma del Salone OFF, che si è svolta nella bellissima location del Teatro Cafè Muller di Torino e in diretta streaming sulla pagina Facebook del premio, attraverso la consegna dei premi e il reading dedicato alle opere dei vincitori, condotte dal mattatore della giornata, il poeta e performer Valerio Vigliaturo, direttore del concorso. La designazione, realizzata ad aprile alla Scuola Holden di Torino, aveva nominato 84 finalisti nelle varie sezioni e premi speciali, selezionati su 864 iscritti e 905 opere ricevute da tutta Italia e dall’estero, dal Comitato di Lettura (formato da Rosanna Frattaruolo, Riccardo Levi, Clara Calavita, Davide Bertelè, Francesco Halupca, Beneddetta Marchiori e lo stesso Vigliaturo). La valutazione finale della Giuria presieduta da Margherita Oggero e formata dai poeti Umberto Fiori, Francesca Serragnoli, dagli scrittori Enrico Pandiani, Eleonora C. Caruso, Graziano Gala, Elena G. Mirabelli, Daniele Barbieri, Sonia Caporossi, dagli attori Ilaria Drago, Alessandro Averone, dai registi Adriano Valerio, Irene Dorigotti, dai cantautori Peppe Voltarelli, Beatrice Antolini, e dai vincitori dell’edizione 2024 (Alfredo Panetta, Giulio Iovine, Valentina Ghelfi, Chiara Martinelli, Dario Postiglione, Francesco Lorusso e Molla alias Luca Giura), ha premiato 39 autori, 32 nelle varie sezioni e 7 nei premi speciali. Le opere vincitrici delle sette sezioni sono state: per la Poesia “Dei vivi e dei morti” di Loriana D’Ari (Genova), per la Narrativa-Romanzo “L’ultimo (Omissis)” di Alberto Del Fabbro (Torino), per la Narrativa-Racconto “Ibis” di Leda Baöl alias Leda Bartolucci (Castiglion Fiorentino, AR, vive a Torino), per la Saggistica “Diderot salonnier” di Daniele Bondi (Pavullo nel Frignano, MO), per il Testo Teatrale “Decomposizione sacra” di Fabio Marson (Trieste), per il testo Cinematografico “U Sciurlat” di Ottavia Farchi (Bari) e Arianna Pignataro (Conversano, BA), per il Testo Canzone “Chiedersi il perché” di Luca Fol alias Luca Fallini (Rimini) e “Petali e diamanti” di Esma (Moncalieri, TO). Mentre per il premio speciale “InediTO RitrovaTO”, dedicato un’opera inedita di scrittori non viventi, “Lettera per Carlo Nazzaro” di Antonio De Curtis detto Totò, scritta per il giornalista, scrittore, direttore del “Roma” e del “Mattino” per la prefazione della prima edizione della raccolta poetica “’A Livella”, scoperta da Max Brod (giornalista e autore televisivo della Rai), che ha ricevuto un riconoscimento, per “InediTO Young”, attraverso una penna stilografica offerta da Aurora Penne e l’Officina della Scrittura, “Essere te stesso” di Giacomo Dell’Aquila (Roma), “Perché sempre la gioia si volge in dolore” di Giuliano Guanti (Roma), “Dove vanno i numeri primi” di Caterina Cammarata (Cecina, LI), per “InediTopic”, dedicato al tema grafico della XXIV edizione “À la guerre comme à la guerre”, la silloge “Davaj” di Michele Trizio (Bari) e racconto “Il colore del fango” di Pietropaolo Morrone (Cosenza) e infine per “InediTO IA” il romanzo “Mistero in erba” di Giuseppe Croci (Erba, CO). Il premio sostiene e accompagna i vincitori verso il mondo dell'editoria e dello spettacolo, senza abbandonarli al loro destino, grazie al montepremi di 8.000 Euro come contributo per la pubblicazione, promozione e produzione delle opere (pubblicate con editori come La Nave di Teseo, Fandango, Moretti & Vitali e presentate ad altri concorsi, fiere, rassegne e festival come il Premio Strega, Premio Hystrio, Più libri più liberi, Bookcity Milano, AstiMusica e Premio Lunezia). A coronamento di tutto ciò, la prossima pubblicazione del romanzo “Cartilagine” di Giulio Iovine che vedrà le stampe con la casa editrice Accento fondata dal conduttore televisivo Alessandro Cattelan, che si occupa di portare alla luce nuovi talenti e di riscoprire autori dimenticati.  A interpretare gli estratti delle opere vincitrici sono stati Ilaria Drago (attrice, autrice e regista, membro della giuria), accompagnata da Paolo Dellapiana (strumenti elettronici non convenzionali) e Fabrizio Modonese Palumbo (viola elettrica e percussioni metalliche) che hanno sonorizzato la lettura scenica, caratterizzante da sempre la cerimonia finale. Il premio è inserito da diverse edizioni nella manifestazione Il Maggio dei libri promossa dal Centro per il Libro e la Lettura, ha ottenuto in passato il contributo e l'alto patrocinato del MIBACT, e nella scorsa edizione il contributo di Regione Piemonte, Città di Chieri e Città di Moncalieri, il patrocinio e contributo in servizi della Città di Torino, il patrocinio di Città Metropolitana di Torino, Salone del Libro, il sostegno di Fondazione CRT, Camera di Commercio di Torino,  Iren e di Aurora Penne. Inoltre collabora con Film Commission Torino Piemonte, Etnabook Festival, Biblioteche Civiche Torinesi, SBAM (Sistema Bibliotecario dell'Area Metropolitana di Torino), Accademia dei Folli, Tekla Films e L’Altoparlante. Per info: info@premioinedito.it cell. 3336063633

Dal 16 maggio il brano è disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali Dopo l’ottima accoglienza ricevuta a marzo con “Veronica” che ha anticipato il nuovo percorso della band, Il Diavolo e l’Acqua Santa presenta ora “Non ti piace più”, una ballata pop densa di melodia e urgenza emotiva, già disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali dal 16 maggio. "Non ti piace più" è un piccolo inno d'amore, intimo e gridato, una dichiarazione a cuore aperto, la rappresentazione di un istante, il momento dell'incrinatura: ciò che sembrava dover durare per sempre, cambia una volta per tutte. «Speravi fossi forte, ma non basta». Dolcezza e consapevolezza, ricordi e rimpianti che si alternano in quella inarrestabile sezione ritmica che è la vita. Qui, la voce che senti è fragile perché sta esplodendo. “Non ti piace più” è una ballata pop che condensa melodia e urgenza emotiva, è un manifesto sonoro, un disegno crudo e sincero. È una ferita che canta, e che non ha paura di farlo. Ascolta il brano ildiavoloelacquasanta.lnk.to/nontipiacepiu Il Diavolo e l’Acqua Santa è una band in viaggio dal 2010, guidata dalla voce e dalla chitarra di Thomas Reggiani, con Diego Brancaccio al pianoforte e alle tastiere, Manuel Benedetti al basso e contrabbasso, e Alessandro Mazzoli alla batteria e percussioni. Una formazione eclettica che affonda le radici nel rock’n’roll e nello swing all’italiana, contaminandosi nel tempo con il cantautorato e le influenze internazionali, fino a diventare una delle realtà più riconoscibili del panorama live italiano. Dal tour in Germania al Summer Jamboree, dalle piazze gremite ai teatri, la band ha costruito una carriera ricca di concerti, progetti e trasformazioni. Dopo album, tour tematici e sperimentazioni sonore, nel 2025 Il Diavolo e l’Acqua Santa è pronto a lanciare il VICE CREAM Tour. Sarà un tour energico, vitale, scintillante: un ritorno in piena regola alle atmosfere Ottanta. “Non ti piace più” anticipa il nuovo album e segna un altro tassello di un percorso in costante evoluzione. Un brano che conferma la cifra stilistica della band: autentica, elegante, mai prevedibile. Hyperlink: bit.ly/ildiavoloelacquasanta ... Continua a leggere

Nu Soul & Jazz Experience Festival30-31 maggio, 1 giugno 2025 
Via Bonuzzo Sant’Anna 16/A a Verona. Il 30-31 maggio e 1 giugno 2025 la collina di Verona torna a vibrare. In una location unica ed esclusiva, tre giorni di musica internazionale per un nuovo festival che porta in città la nuova scena artistica del Nu soul & Jazz Fusion e le nuove proposte artistiche soulful. Tra gli ospiti: Collettivo Immaginario, Rosa Brunello, Carlo Poddighe "Superego", Naima Faraò, Stanthony, Aaron Dunkies, Mezuru Takahashi, Mother Tongue. Verona, 17 aprile 2025 - Dogshill è tornato! Il luogo che è stato in passato il fulcro e il sinonimo del fermento creativo e culturale di Verona, con i suoi appuntamenti ed eventi dedicati alla pop art e alla new wawe creativa, torna a fare parlare di sé con un nuovo Festival che si prepara a “scuotere” nuovamente la città con un’edizione straordinaria che unisce radici musicali profonde e nuove vibrazioni con la presenza di nomi e artisti di caratura internazionale. Dal 30 maggio al 1° giugno 2025, Verona diventa l’epicentro di una travolgente esperienza sonora, pronta a far vibrare anche i “T-Rex” più affamati di groove. Una line-up d’eccezione, che spazierà dai dj set alle performance live, attraversando stili come nu soul, jazz, funk, electronic & balearic, tribal, psycoblues, deep house, trip hop, r’n’b, dub & reggae, world, afrobeat e roots. Tra gli ospiti più attesi: Collettivo Immaginario, Rosa Brunello, Carlo Poddighe "Superego", Naima Faraò, Stanthony, Aaron Dunkies, Mezuru Takahashi, Mother Tongue., nomi che promettono live dj set, tra sonorità raffinate e contaminazioni globali. PROGRAMMA : VENERDÌ 30 MAGGIO A partire dalle ore 18.00, il festival si apre con l’energia afroitaliana della dj Kasala, seguita dalle sonorità sofisticate del Collettivo Immaginario, in anteprima italiana con il nuovo album “Oltreoceano”. Il trio, composto da Alberto Lincetto, Nicolò Masetto e Tommaso Cappellato, esplorerà nuovi linguaggi tra jazz elettroacustico, suoni ancestrali, modern funk e improvvisazione. La serata è curata dalla crew di Mother Tongue, che firmerà la direzione artistica e chiuderà l’evento con un esclusivo dj set. SABATO 31 MAGGIO Dalle ore 16.00, la collina si anima con il benvenuto musicale della Dogshill Dj’s family Family, a cui seguiranno: il vibrante afrobeat di Mr White, il raffinato soul r’n’b di Stanthony e le selezioni eclettiche del dj Everest Parisi Alle 20.00, il polistrumentista Carlo Poddighe “Superego” porterà sul palco la sua performance creata ad hoc per il festival. La serata prosegue con l’arrivo del Jazz ReFound Collective di Torino, realtà d’eccellenza del panorama nu jazz e soul italiano, rappresentata dal direttore artistico e dj Denis Noego. Alle 22.00, il palco sarà tutto per Naima Faraò e il suo Quartet Ensemble, per un concerto coinvolgente che unisce potenza vocale e ricerca musicale. A concludere la serata, il dj set della crew Bootay, con un mix esplosivo di r’n’b e hip hop funk. DOMENICA 1 GIUGNO La giornata si apre alle ore 11.00 con il brunch musicale tra gli ulivi, accompagnato dal trombettista giapponese Mezuru Takahashi, accompagnato da Nicola Monti, Donato Dalia e Leo Cofano, seguiti da una jam session aperta a tutti i musicisti. Il pomeriggio prosegue con: i suoni soul beat della dj Cate, le atmosfere psichedeliche del trio Tony Sghembo, il dj set di Spoon, che introdurrà il viaggio trip hop live del trio cosmico CousCousClan. “All’ora dell’aperitivo, salirà sul palco Aaron Dunkies, con un set che fonde i suoni e le diverse sfumature della black music.”. 
Alle 21.30, Rosa Brunello Quintet, attesissimo live inserito nel tour internazionale. La contrabbassista presenterà l’album “Senseless Act of Love”, già ai vertici delle classifiche mondiali del nu jazz & soul. Gran finale con il Closing Party: un concentrato di groove e selezioni viniliche curate da alcune delle più apprezzate figure della scena internazionale: dj Paolo LDSQ, dj Nox, Native e Gino Grasso. Dogshill Republic: tre giorni all’insegna della musica, dove le good vibes e la libertà d’espressione saranno protagoniste. Link prevendite ticket: bit.ly/dogshill Info: dogshill@tin.it


Il nuovo singolo del cantautore romano Un altro brano sentimentale e radiofonico ad opera del cantautore romano Riccardo Morganti, che parla di esperienze condivise, nelle quali molti possono riconoscervi del vissuto personale. Un brano che sta per chiudere il cerchio su un periodo e relative riflessioni artistiche e musicali dell’artista. “Baci a Vuoto”, come i precedenti brani usciti in collaborazione con l’etichetta toscana i per i Recording Label, con la produzione di Lorenzo Iuracà, farà parte del suo primo concept EP focalizzato sulle emozioni. I Baci a vuoto sono parole non dette. Un testo diretto alla persona che ti ha fatto innamorare e poi è andata via lasciandoti in balia di te stesso. Racconta di un momento di relazione in cui avviene un tira e molla tra due ragazzi innamorati, ma troppo fragili per prendere una decisione finale, e troppo insicuri nello scegliere il proprio destino. Non sempre le cose vanno nel verso giusto, e alla fine si va via.Rn 1991. Cantautore per Riccardo Morganti nasce a Roma, classe 1991. Cantautore per passione e pedagogista ed educatore di professione; è un creativo ed uno sportivo appassionato, infatti, oltre che scrivere canzoni e gestire quattro asili nido, è innamorato fin da piccolo del calcio, infatti, ancora oggi gioca in una squadra di città a livello di Promozione. Nonostante la professione di educatore sia vissuta con intensità fino ad essere trasformata in una fonte di motivazione, riflessione ed ispirazione e le attenzioni, così come le responsabilità familiari, volute e dovute lo impegnino molto sia come educatore che come padre, Morganti non perde occasione di esprimersi attraverso le canzoni. Ma se la chitarra è l’amica più cara, la musica è il rimedio più efficace, prezioso e capace di guarire l’anima. Riccardo ha incontrato la musica quando si è trovato a vivere profonde ferite, lacerazioni cicatrizzate grazie alle canzoni. Cosi Riccardo ha scoperto la sua vena cantautorale. Lo racconta lui stesso: “ per ciò che ho vissuto, nel 2018 la musica ha avuto, quanto meno inizialmente, una funzione catartica”. L’affascinante chitarra diventa la sua isola felice a seguito della fine di una lunga storia d’amore, quando però non solo ha più tempo per se stesso e per giocarci, ma scopre che può dare forma alle sue emozioni scrivendo canzoni. Il cantautore romano ha rinchiuso i suoi momenti di solitudine e abbandono, di cambiamento e giornate tristi, dentro fogli bianchi, scritti di notte, quando il dolore veniva maggiormente fuori. Accompagnandosi con l’alleata chitarra è riuscito a comporre brani e ad uscire da questo stato di malinconia. Da catartici, testi e musica sono diventati la terapia per alleggerire il dolore e la cura per vivere con pienezza. Oggi Riccardo è papà di due splendide bambine e continua a scrivere canzoni per la loro felicità. Link Social 
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Dal 16 maggio il nuovo singolo è disponibile su tutte le piattaforme digitali e in radio “Anywhere” è il nuovo singolo dei Whynotfrank, il progetto musicale indipendente composto da Asia Angelozzi e Franco Liberati. Il brano è disponibile dal 16 maggio su tutti i principali digital stores e nelle radio italiane ed estere, portando con sé un messaggio delicato, profondo e universale. “Anywhere” racconta, con una scrittura elegante e metaforica, il viaggio interiore di chi affronta la perdita della memoria. Ispirato all’Alzheimer, senza mai nominarlo, il testo si muove come una dissolvenza lenta del mondo conosciuto. Sin dalle prime parole – “immagina se il mondo finisse prima dell’alba, l’ultimo ricordo che avresti sarebbe il colore del sole” – il brano ci ricorda quanto sia importante vivere il presente con consapevolezza e lasciare nel tempo tracce di bellezza. Il singolo, pur trattando un tema così intimo e fragile, è sorprendentemente luminoso, anche grazie all’uso di una tonalità maggiore. È un omaggio alla persona a cui è dedicato: una presenza piena di colore, di felicità, di vita. L’arrangiamento, costruito nel tempo attraverso fasi di decostruzione e riscrittura, è arricchito da strumenti reali registrati in studio: violini e corni aggiungono profondità emotiva e atmosfera, e proprio i corni sono stati suonati da Asia, che oltre a essere autrice e interprete, ha voluto incidere una parte essenziale del brano con le proprie mani, rendendolo ancora più autentico. Il videoclip e le immagini legate al singolo sono attraversate da tessuti colorati, scelti non come semplici elementi estetici, ma come frammenti di memoria. Sono scampoli, avanzi di stoffa appartenuti a una sarta, la persona a cui il brano è dedicato, e ognuno di essi racconta un gesto, un passato che resiste nel tempo, una memoria che sopravvive nel tocco e nel colore. Il risultato è una canzone che parla di ciò che resta: anche quando i ricordi si affievoliscono, rimane ciò che abbiamo donato agli altri, ciò che abbiamo costruito con amore, le impronte lasciate nella vita vissuta. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/artist/5SvKho6RhlVwDtQwpCzmUj?si=9_UPGCzJTeezQDzpmO9lMA Whynotfrank è attivo dal 2022 e ha già raccolto ampi consensi per la propria originalità. Il duo ha saputo distinguersi grazie alla continua sperimentazione del suono, all’unione tra ricerca emotiva e innovazione artistica, e a una cifra stilistica sempre in evoluzione. I brani di Asia e Franco sono stati selezionati da emittenti radio in tutto il mondo e nel 2023 hanno ottenuto il premio Rock the Valley della Valley Cultural Foundation di Los Angeles. Dopo diverse esibizioni tra Italia, Regno Unito e Olanda, Whynotfrank si prepara all’uscita del primo album, prevista per l’autunno 2025. “Anywhere” ne è l’anticipazione più autentica: un esempio della loro sensibilità musicale e della volontà di creare e sperimentare. Linktree: linktr.ee/whynotfrank

Un viaggio house strumentale tra country, latin e jazz nato da un momento quotidiano Dopo la pubblicazione digitale del 29 marzo 2024, “Bouncy Dance” di Prem Gandharv arriva ora in promozione radiofonica nazionale dal 16 maggio. Un brano house strumentale sorprendente, dove groove e melodia si intrecciano con mondi sonori diversi, dando vita a una composizione ritmica e coinvolgente che cattura fin dai primi secondi. “Bouncy Dance” unisce chitarre country, una ritmica latin marcata e passaggi house classic style, con incursioni jazz e variazioni strumentali che mescolano strumenti acustici, loop elettronici e suoni campionati. Il risultato è una traccia capace di far muovere il corpo e viaggiare la mente, con continui cambi di scenario sonoro. A rendere ancora più affascinante il brano è la sua genesi, raccontata così dall’artista: “Stavo semplicemente scendendo le scale di casa allegramente saltellando e l’ascensore emise un sibilo di frizionamento simile al suono che dà inizio al brano, tutto questo mentre nella tromba delle scale echeggiavano alcuni accordi alla chitarra di un mio vicino (che hanno ispirato gli accordi country nel brano) e il mio solito grosso mazzo di chiavi che tintinnavano nella tasca della giacca (agogo bells e shaker). Una volta in macchina questo mix di suoni e ritmo, che si stava insinuando nella mia testa, si è andato ad unire al ritmo del motore di una moto appena accesa nel cortile condominiale (il ritmo suonato con il Cajon e i timbales)”. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/425j4KHM32IisI4ajCqZjl?si=ea6349c557d54a01 “La Musica è un’espressione dell’Assoluto e andrebbe danzata e ascoltata con gli occhi chiusi, la mente spenta e il cuore acceso.” Prem Gandharv Prem Gandharv ha curato interamente la produzione del brano, suonando personalmente tutte le percussioni e il pianoforte. Una dimostrazione della sua abilità da polistrumentista e compositore, con una discografia già composta da 36 brani e altri due in uscita. Fiorentino con amate radici baresi, Prem Gandharv è un artista trasversale e non etichettabile, capace di spaziare tra afro-tribale, techno, ballad romantiche, chill-out, ambient e musiche per meditazione e danza estatica. Un’idea di musica che abbraccia la vita in tutte le sue sfumature. Hyperlink: hyperfollow.com/premgandharv

Dal 16 maggio il brano è in promozione radiofonica in Italia e all’estero “I Will Be Fine” è il primo singolo ufficiale dei Lost Antimo, brano che segna il debutto discografico della giovane band, attiva da settembre 2023. Il pezzo, già disponibile sui digital stores e dal 16 maggio in promozione sulle radio italiane ed estere, è una promessa sussurrata e urlata al tempo stesso: resistere, nonostante tutto. Composto e registrato nel corso del primo anno di attività della band, “I Will Be Fine” è una traccia che esplora il territorio fragile dell’insicurezza emotiva e della vulnerabilità, mettendo in musica quel pendolo interiore che oscilla tra pensieri bui e la voglia di non lasciarsi abbattere. Una canzone che parla a chi combatte con le proprie paure, ma sceglie comunque di andare avanti. “I will be fine, I swear to God I’ll find a compromise”: il verso chiave del ritornello racchiude la tensione e la speranza che animano l’intero brano, fatto di chitarre energiche, ritmi nervosi e un’intensità che cresce progressivamente. Tra le curiosità del singolo, un “hey, hey, hey” che si ascolta nel bridge e che nasce per caso durante una prova: un momento autentico, spontaneo, poi mantenuto nella versione finale e cantato all’unisono da tutti e quattro i membri della band. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/2cSZ9QI2amj4SgOKWiUY5o?si=d536a6aa6fcd4fba I Lost Antimo sono Roberto (voce e chitarra), Andrea (chitarra e seconde voci), Matteo (basso) e Silvio (batteria). Quattro musicisti uniti dalla volontà di scrivere brani originali e dare voce a un’identità musicale che parte dal pop-punk californiano, ma si allarga verso l’hardcore e l’alternative. L’obiettivo è chiaro: lasciare un segno autentico, senza rinunciare alla sperimentazione. Dal primo incontro in sala prove alla realizzazione dell’EP “We Are So Afraid But Insist”, i Lost Antimo hanno trovato nel suono una forma di resistenza e nell’urgenza di raccontarsi il senso del proprio progetto artistico. “I Will Be Fine” non è solo il primo singolo della band, ma il manifesto di un percorso appena iniziato: diretto, sincero, senza filtri. Instagram: instagram.com/lostantimo/ Youtube: https://youtube.com/@lostantimo Facebook: facebook.com/lostantimo ... Continua a leggere

Un brano che mescola sarcasmo e denuncia sociale, patriottismo ferito e musica popolare, per raccontare una nazione intrappolata tra memoria e ipocrisia. I Break Out Of Mind, giovane band friulana formatasi nel 2022, tornano con un nuovo, potente singolo: Bell’Italia. Non è solo una canzone, ma un grido di dolore, una marcia amara attraverso una nazione disillusa. Il brano denuncia senza compromessi la decadenza istituzionale, l’inettitudine della patria, la repressione del pensiero e la perdita d’identità, con immagini crude e simboliche come “bocche tappate” e “teste mozzate”, evocando un’Italia ferita e senza voce. Bell’Italia affonda le sue radici musicali in suggestioni classiche e popolari: dalla Italian Polka di Rachmaninoff alle sonorità della tarantella, fino a richiami cinematografici come la celebre colonna sonora de Il Padrino. L’effetto è una fusione esplosiva di ironia e malinconia, capace di colpire mente e cuore. Il progetto è frutto del lavoro congiunto dei membri della band – Massimo Antoniazzi (voce, chitarra), Alan Barro (chitarra), Alessia Rui (basso) e Mirko Del Ben (batteria), insieme a Riccardo Dissegna e Andrea Sala Danna per la produzione e il sound design, curati presso The Central Recording Studios. Dopo i successi ottenuti con i precedenti singoli Hate U (I Swear), T.A.G.S. e Gente Pro-Tetta, quest’ultimo presentato e premiato nel programma TV The Coach 7, la band conferma la sua identità: un progetto musicale che va oltre il semplice intrattenimento, per trasformarsi in riflessione, dissenso e poesia. Bell’Italia è già disponibile su tutte le piattaforme digitali e rappresenta l’ennesimo passo avanti di una band che ha fatto della consapevolezza e dell’urgenza espressiva la propria firma. Contatti: 
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Un brano sad pop nato da un’esperienza di derealizzazione: l’intimità emotiva al centro della musica di Gangel È disponibile dal 16 maggio su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica “Dimmi cos’è”, il nuovo singolo del cantautore napoletano Gangel, progetto musicale di Giulio D’Angelo. Un brano sad pop di rara intensità, nato nella notte del solstizio d’estate del 2021, in seguito a un episodio di derealizzazione vissuto in prima persona dall’artista dopo un attacco di panico. “Dimmi cos’è” è un flusso emotivo intimo e disarmante, che trova la sua forza nella vulnerabilità. Il pezzo è stato composto al pianoforte mentre l’artista era ancora immerso nell’emozione originaria. L’arrangiamento, scarno ed essenziale, accompagna e amplifica un testo diretto, sincero, mai edulcorato, capace di restituire con precisione quel senso di distacco e disorientamento che spesso accompagna gli stati dissociativi. Gangel dimostra una sensibilità fuori dal comune, trasformando il dolore personale in un’opera universale, capace di parlare a chiunque abbia vissuto momenti di smarrimento o si sia sentito alienato rispetto alla realtà circostante. L’originalità del progetto non risiede solo nei temi affrontati, ma anche in un approccio musicale del tutto personale, costruito negli anni senza una formazione accademica, ma con costanza, dedizione e un’urgenza espressiva autentica. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/album/4ZQXHSTlqDZH15l0Hk6oyG?si=U0N6ywokT8WA6xJaN7Xong Giulio D’Angelo, in arte Gangel, è nato a Napoli il 18 novembre 2000. Si avvicina alla musica a 16 anni, in un momento particolarmente difficile della sua vita, trovando in essa un rifugio e una forma di salvezza. Completamente autodidatta, sviluppa un gusto melodico marcato e riconoscibile, lavorando su ogni dettaglio dei suoi brani. A 24 anni pubblica i primi singoli: “Luna Rossa”, “Mezzanotte” e ora “Dimmi cos’è”, un trittico che già delinea chiaramente l’identità sonora ed emotiva del progetto Gangel. Con “Dimmi cos’è”, Gangel continua a percorrere una strada coerente, sincera e profondamente umana, restituendo attraverso la musica le fragilità e le forze di una generazione che cerca ancora di dare un nome al proprio sentire. Instagram: instagram.com/___gangel___?igsh=b3BuN3dlZml4Mmht TikTok: tiktok.com/@__gangel___?_t=ZN-8wCBk6RUmUI&_r=1 ... Continua a leggere

Dal 16 maggio il singolo è in radio in promozione nazionale e già disponibile su tutti i digital stores “Forza picchia duro” è il singolo dei Crossover, disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica nazionale dal 16 maggio. Un brano potente e personale che riflette lo spirito originale della band e la sua capacità di trasformare emozioni crude in energia creativa. Il pezzo nasce da un momento di rabbia vissuto dal frontman Marco Sigari, che ha trovato nella scrittura un canale per reagire ai colpi della vita. “Il testo nasce dal disagio, dal subire i colpi della vita e incanalarli nella scrittura” racconta Marco. Dopo averlo scritto, lo condivide con Piero Cappitta (chitarra), che compone un arrangiamento malinconico. Il demo viene inviato a Simone Nevola (basso), in Germania in quel periodo, e ad Alessio Vindigni (batteria). Anche a distanza, la band costruisce insieme la prima versione del brano, che nei mesi successivi prende forma fino a portarli alla finalissima del Sanremo Rock 2024 sul palco dell’Ariston. “Forza picchia duro” è un inno alla resilienza, un incoraggiamento a reagire, a incanalare la rabbia e il dolore in qualcosa di produttivo. Il sound riflette questa trasformazione emotiva: strofe cupe e introspettive si alternano a ritornelli rabbiosi e incalzanti, culminando in un finale esplosivo che amplifica il messaggio del brano. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/6oiTmJ719ahAdfiOIAuWfA?si=af69b99358084946 I Crossover nascono nel 2020 nella periferia siciliana da Marco e Piero, uniti da una profonda affinità musicale nonostante le diverse influenze. Dopo alcuni cambi di formazione, nel 2023 si uniscono Simone e Alessio: la band trova così la sua identità definitiva, con un’alchimia sonora che fonde alternative hip hop, rock, grunge e funk. Originali, autentici e affilati, i Crossover si distinguono nel panorama italiano indipendente per la capacità di unire parole sincere a un sound personale e potente. I loro testi, scritti da Marco, parlano di fragilità, rabbia e crescita, offrendo un punto di vista lucido e senza filtri su ciò che significa vivere oggi. “Forza picchia duro” è la sintesi perfetta di questo percorso: una canzone che urla, resiste e non si arrende. Instagram: instagram.com/crossover_official_?igsh=bzF6eGViNzJrMTVz TikTok: tiktok.com/@crossover_officia?_t=ZN-8wNS88cE34Y&_r=1 Facebook: facebook.com/share/16gkhveHPo/ YouTube: https://youtube.com/@crossoverofficial-m7b?si=vaCbExWVYkCcOviq ... Continua a leggere

Il nuovo album del chitarrista e compositore pugliese fuori dal 30 aprile 2025: sette brani originali per sola chitarra classica, tra meditazione e poesia sonora. 
Disponibile dal 30 aprile 2025 Riflessioni in musica, il nuovo album del chitarrista e compositore Nicola Albano. Un lavoro interamente dedicato alla chitarra classica, in cui Albano propone sette brani originali dal carattere intimo, leggero e riflessivo, capaci di trasportare l’ascoltatore in un’atmosfera di profonda contemplazione. Originario di Santeramo in Colle (BA), Albano è un musicista e docente con una solida formazione accademica, laureato in chitarra e musica jazz presso il Conservatorio “E.R. Duni” di Matera e diplomato al secondo livello al “N. Piccinni” di Bari. La sua carriera è arricchita da numerose pubblicazioni discografiche e didattiche con etichette come Four, Wondermark e Acoustic Sound, oltre a una formazione continua con maestri di fama mondiale quali Leo Brouwer, Tommy Emmanuel, Franco Morone e John Scofield. In Riflessioni in musica, Albano intreccia stili e suggestioni per dare vita a un linguaggio musicale personale e poetico. Tra i brani, spicca Irene, pezzo simbolico del progetto e sintesi emotiva dell’intero lavoro. Con questo nuovo album, Albano si conferma un autore sensibile e maturo, capace di raccontare emozioni attraverso uno strumento che, nelle sue mani, diventa voce dell’anima. Per ascoltare l’album e seguire le attività di Nicola Albano:
 nicolaalbano.eu/ facebook.com/share/1AbFLVnUQc/ facebook.com/share/166RsJWwhd/ ... Continua a leggere

Il secondo singolo estratto dal nuovo album di prossima uscita del cantautore siciliano. Un racconto musicale tra radici e spaesamento "Generazioni di persone spaesate, pronte a remare contro il proprio destino, allontanandosi dalle radici per cercare una strada lontana. Ma nel cuore restano i sorrisi e i profumi di ogni strada mai dimenticata.” Luca Di Martino Ad un anno dall’uscita di “Non importa la meta”, il cantautore e chitarrista siciliano Luca Di Martino prosegue il suo percorso artistico con “Spaisati”, secondo singolo estratto dal suo prossimo album di inediti. “Spaisati” è un brano in dialetto siciliano che mantiene viva la tradizione della canzone d’autore, fondendo sonorità pop con influenze world music. Con una narrazione intima e riflessiva, il brano affronta il tema dello spopolamento dei piccoli paesi del Sud Italia, attraverso la conversazione di due anziani amici di gioventù. Una storia di radici e nostalgia, di partenze e ritorni sempre più sporadici, in cui il diritto a migrare si contrappone al diritto di restare, come descritto da Vito Teti e Cesare Pavese nelle loro riflessioni sulla “restanza”. Musicalmente, il brano si sviluppa su un arrangiamento curato da Aldo Giordano, che intreccia chitarre e pianoforte con suggestioni sonore evocative. “Spaisati” non è solo una canzone, ma una riflessione sulla perdita progressiva di identità e legami, sulla difficoltà di mantenere vivo un luogo e la sua storia di fronte alla spinta incessante della modernità. Il videoclip di "Spaisati", diretto da Giacomo Bennardo, porta in immagini la narrazione del brano, con riprese che esaltano il legame tra il paesaggio e il senso di appartenenza.

?feature=shared Luca Di Martino è nato a Palermo nel 1987 e originario di Isnello (PA), è chitarrista, cantautore e compositore con una lunga esperienza nel panorama musicale italiano. Diplomato in chitarra classica al Conservatorio “V. Bellini” di Palermo, ha sviluppato una carriera sia solista che in band, distinguendosi per la sua visione artistica e poetica del “fare musica”. Per quasi vent’anni ha militato nei Vorianova, con cui ha inciso tre album e ottenuto riconoscimenti prestigiosi, tra cui la Targa Tenco 2021. Parallelamente, ha costruito un percorso solista pubblicando cinque album, tra cui Di Istinti e di Istanti (2017), Dalla Mia Parte (2022) e Il Richiamo e l’Abbandono (2023), nei quali ha esplorato sonorità evocative e intime legate alla chitarra classica. Nel 2023 ha reso omaggio a Fausto Mesolella con l’album A Bassa Voce, mentre nel 2024 ha vinto la Sezione Strumentale del concorso “L’artista che non c’era” con il brano Mare di naufraghi. Nel suo recente percorso da cantautore, ha pubblicato Non importa la meta (2024) e ricevuto il Premio Miglior Testo al festival Autori al Centro. Nel 2025 prosegue la sua evoluzione artistica con l’uscita del nuovo album di inediti, anticipato dai singoli Novi misi e Spaisati, quest’ultimo accompagnato dal videoclip presentato in anteprima sulla rivista online Mescalina. CONTATTI E SOCIAL lucadimartinomusic.com/ facebook.com/LUCADIMARTINO instagram.com/lucadimartino87/ open.spotify.com/intl-it/artist/6MI659pdp8Ihue37BVQkd7?si=d306fd7nRoO6mfUlFkxEaw

Il singolo è disponibile dal 14 maggio su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale Esce “Nuvole”, il singolo di Derox, un cantautore napoletano che unisce sonorità pop, indie, r&b e urban, in una sintesi stilistica personale ancora poco esplorata in Italia. Il brano anticipa l’album d’esordio previsto per il 2026, un progetto originale che fonde strumenti suonati e sperimentazione elettronica, cantautorato e hip hop, tradizione e innovazione. “Questa canzone descrive una Napoli surreale, diversa dal solito, ma che resta vicina al modo di vivere e pensare di un napoletano”, racconta l’artista. “Nuvole” vuole essere un esperimento: unire sonorità orientali e neosoul con quelle del pop italiano. Il risultato? Una canzone lo-fi con il ritornello in napoletano. “Ho scritto la strofa in italiano e il ritornello in napoletano proprio per renderla accessibile a tutti. L’idea è nata per caso, da un brano, tutt’ora a me sconosciuto, che avevo sentito per caso mentre mangiavo al ristorante cinese del mio quartiere (RuYi). Tornato a casa, ho subito preso la chitarra e provato ad arrangiare qualcosa di simile alle sonorità di quel pezzo. Dopo un po’ di lavoro e qualche rifinitura qua e là, è nata quella che poi sarebbe diventata la base di Nuvole”. Derox Il ritornello nasce in napoletano proprio da questo episodio raccontato dall’artista. La canzone da cui aveva preso ispirazione era ovviamente in cinese. Derox si è chiesto cosa si potesse avvicinare metricamente a un linguaggio così particolare e diverso dal nostro. La risposta è arrivata spontaneamente: il napoletano. E aggiungendo qualcosa di suo e con un tocco di Pino Daniele… et voilà, ecco trovato il ritornello. La strofa, invece, era praticamente ritrovata già scritta. “A volte, quando faccio sogni particolarmente strani, cerco di scriverli, e a volte li metto anche in rima. Avevo già questo testo quindi e l’ho rimaneggiato solo un po’, per dargli contesto e legame con il resto della canzone. Così ho concluso la stesura del brano. Ho portato il pezzo, già in gran parte arrangiato, in studio dal mio amico e produttore Simone Ottaviano. Siamo entrambi musicisti, e insieme ci siamo divertiti a strutturarlo e definirlo meglio. Abbiamo aggiunto batterie, synth, bassi, samples e tanti altri piccoli dettagli che rendono il brano molto più complesso di quanto appaia all’ascolto”. Derox Ma qual è il senso della canzone in tutto ciò? Qual è il messaggio che vuole mandare? Il messaggio è quello di continuare a lavorare su sé stessi, migliorarsi, credere nei propri sogni e non smettere mai. I sognatori sono quelle persone che per forza di cose vivono fra le nuvole, in un mondo che non esiste o, meglio, che ancora non esiste. Il fatto stesso che loro ci credano, lo vedano e ci vivano rende quel mondo possibile. Bisogna però lavorare duramente per i propri sogni. Se vivi fra le nuvole, non c’è niente di più duro contro cui potresti schiantarti di un’amara verità. E l’impatto può essere molto doloroso. Per questo bisogna farsi trovare preparati. “Non è detto nemmeno al cento per cento che funzioni in realtà, ma io penso che, finché sei lassù, finché ti impegni e continui ad agitare le braccia giorno dopo giorno con costanza, potresti, perché no, un giorno anche imparare a volare. Volare sui problemi, sugli imprevisti, sopra i giudizi della gente, ed essere così libero finalmente di realizzare ciò che vuoi. Il mio, quindi, voleva essere solo un invito ed un augurio dedicato a tutti i sognatori, di restare quanto più possibile con la testa fra le nuvole, perché forse è proprio lì che si nascondono le idee migliori”. Derox Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/1IpwAS6qBfoy87SVRPeHzQ?si=04e90409a8524c7d Storia dell’artista Derox, all’anagrafe Gabriele De Rose, si presenta come una delle voci emergenti più originali e sincere del nuovo cantautorato italiano. La sua voce arriva da Napoli, ma potrebbe venire da qualunque città dove un ragazzo con una chitarra in mano prova a dare un nome a ciò che sente. La sua musica è un punto d’incontro tra mondi diversi: la dolcezza del cantautorato, la rabbia gentile dell’hip hop, l’eleganza del jazz, la polvere del blues. Nessun genere basta, perché ogni emozione ha il suo suono. Derox scrive canzoni intense e orecchiabili, capaci di far convivere malinconia e leggerezza. Le sue canzoni nascono come poesie scritte di notte, tra sogni troppo grandi ed una realtà troppo stretta. La musica è orecchiabile, sì. Ma fa anche male, se la si ascolta davvero. I testi di Derox parlano di sogni e fragilità, di amori universali e battaglie personali. Raccontano dei ventenni di oggi, quelli che non si sono mai sentiti davvero capiti, quelli spesso non ascoltati da una società che corre senza guardarli. Parlano di sogni troppo vivi per restare chiusi in un cassetto. Di ribellione, perché crescere non significa adattarsi. E di amore, che resta il filo rosso che unisce tutte le cose. Ogni canzone è un frammento di realtà filtrato attraverso uno sguardo sensibile, a volte disilluso, ma mai privo di speranza verso il domani. Canta la malinconia con leggerezza, e la speranza con uno sguardo disilluso ma vivo. La sua è una scrittura sincera, che non ha paura di mostrarsi fragile. Ogni parola pesa il giusto, ogni nota è al servizio del significato. Scrive da quando era bambino: poesie, racconti, pensieri che oggi si fanno musica. Ha imbracciato la chitarra a 18 anni per suonare il rock, ma ha scoperto la verità solo a 24, quando ha scritto la sua prima canzone. Nel 2025 pubblica Nuvole, un brano che fotografa una Napoli onirica ma vera, e anticipa il suo primo album, previsto per il 2026. Un disco sorprendente, dove la canzone d’autore si fonde con sperimentazioni hip hop, jazz, folk e atmosfere internazionali. Con la sua musica Derox non cerca la perfezione, ma l’emozione. Vuole solo arrivare a chi ascolta, il resto viene dopo. E se anche una sola persona, ascoltando, si sente meno sola, allora ha già fatto tutto. Instagram: instagram.com/derox.music?igsh=cjlnbDkzOHBwcGM1 YouTube: https://youtube.com/@derox-music-77?si=iTYYgNqS5PYyNqOi TikTok: https://www.tiktok.com/@gabri.derox?_t=ZN-8wJWr5UfeoY&_r=1 ... Continua a leggere

Primo estratto dal nuovo album di inediti di prossima uscita Il chitarrista e cantautore siciliano Luca Di Martino pubblica il suo nuovo singolo “Novi Misi”, disponibile dal 21 marzo su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica. Il brano è il primo estratto dal suo prossimo album di inediti, in uscita nei prossimi mesi. A un anno di distanza dal disco “Non importa la meta” (802Records), Luca Di Martino torna con una ballata intensa e delicata, scritta in dialetto siciliano. “Novi Misi” racconta i nove mesi di attesa per la nascita di un figlio, vissuti con emozioni contrastanti: trepidazione, gioia, paure, preparativi e sconvolgimenti interiori. Il brano, scritto e musicato dallo stesso Di Martino, è stato arrangiato insieme al musicista Aldo Giordano. Le atmosfere musicali alternano dolci momenti da “ninna nanna” a passaggi più decisi, creando un equilibrio sonoro che accompagna la forza narrativa del testo. Luca Di Martino è un artista poliedrico: diplomato in chitarra classica al Conservatorio “V. Bellini” di Palermo, ha pubblicato otto album in studio, ha ideato l’“Isnello Guitar Festival” ed è stato per anni parte integrante del gruppo Vorianova, con cui ha ricevuto riconoscimenti come la Targa Tenco 2021. Dal 2023 ha avviato anche un percorso da cantautore, affermandosi con brani originali e premi prestigiosi, tra cui “L’artista che non c’era”. “Novi Misi” rappresenta una nuova tappa nella sua evoluzione artistica, confermando la sensibilità compositiva e poetica che lo contraddistingue. CONTATTI E SOCIAL SPOTIFY: open.spotify.com/intl-it/artist/6MI659pdp8Ihue37BVQkd7? si=d306fd7nRoO6mfUlFkxEaw
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Il nuovo singolo dell’artista varesino è un crocevia importante nella sua evoluzione artistica, un viaggio introspettivo tra luci e ombre dell’inconscio “Judy” è il nuovo singolo di Loste, cantautore varesino attivo nel mondo della musica indipendente, del punk e del rock italiano sin dai primi anni 2000. Il brano anticipa l’album di inediti in uscita a ottobre 2025 per Fiabamusic, etichetta trentina già al fianco di artisti come Caterina Cropelli e The Bastard Sons of Dioniso. Dopo i singoli “Elevato Tasso”, “Amaro in Bocca” e “A-a-amici gatti”, Loste torna con un brano che segna una svolta nella sua produzione musicale. “Judy” abbandona la goliardia e i doppi sensi che hanno caratterizzato il suo repertorio, per immergersi in un viaggio interiore nel buio dell’inconscio. Il sound richiama atmosfere alla Twin Peaks, con una massiccia presenza di tastiere e effetti che avvolgono una struttura originariamente punk, trasformandola in una dimensione ovattata e psicologica. La figura di Judy, ispirata alla serie "Twin Peaks The Return", rappresenta un'entità ambivalente, capace di donare la vita ma anche di generare sofferenza. Loste esplora temi universali, dalle relazioni in bilico alla fragilità emotiva, fino al costante duello interiore tra ciò che gli altri vorrebbero che fossimo e ciò che realmente siamo. “Judy” si pone come un crocevia importante nella sua evoluzione artistica, segnando un distacco dal punk canonico per abbracciare nuove sonorità e nuove modalità espressive. «Nella celebre serie di David Lynch, ci si chiedeva spesso chi fosse Judy. Anche la mia Judy è qualcosa di oscuro: un’energia che permea la nostra vita nei momenti di passaggio, nei silenzi non detti, nelle relazioni che si sgretolano. È quella sensazione che ti spinge a scappare ma ti tiene legato a ciò che più ti fa male, in un continuo circolo di autoalimentazione.» Loste Classe 1985, Loste è un cantante, chitarrista, autore e personaggio legato al panorama della musica indipendente italiana. Esordisce sui palchi di Varese e provincia con la sua storica band punk/rock, i Collettivo01, formazione durata fino al 2014 con la quale ha pubblicato due album e ha avuto modo di far parte della storica scena punk/rock lombarda di fine anni ‘90/’00 condividendo tanti palchi con band di riferimento come Pornoriviste, Punkreas, Skruigners, Rappesaglia, Gerson, etc e diventando un piccolo punto di riferimento per il genere nella sua Provincia. Tanto che, a cavallo tra il primo e il secondo album dei Collettivo01, ovvero nel 2011, Loste viene chiamato proprio dalle Pornoriviste per sostituire lo storico chitarrista/cantante Dani Marceca partecipando attivamente alla stesura e alla registrazione dei brani dell’album “Le Funebri Pompe” (2013), senza però prendere parte al tour successive a causa di forti dissidi con la produzione; terminata nel 2014 la promozione del secondo disco “Cronovendetta” dei Collettivo01, complici dei problemi fisici al braccio sinistro e agli impegni professionali nel mondo della musica come agente di booking ed organizzatore di eventi, Loste è costretto a stoppare l’attività artistica per molto tempo, almeno fino a fine 2019, quando contro ogni pronostico medico torna ad imbracciare la chitarra salendo a sorpresa sul palco della Festa del Rugby di Varese come ospite dei Sicks, altra storica formazione della sua città. A fine 2021, nel periodo post-covid e dopo quasi un decennio dalle ultime composizioni originali, un periodo molto “no” della vita di Loste permette comunque la nascita delle sue nuove canzoni, il cui risultato è una produzione punk/rock di nuova concezione con testi irriverenti e provocatori, inserti di elettronica e dance, ma che ovviamente strizzano sempre l’occhio al suo retaggio degli anni ‘90/’00. Inizia quindi la collaborazione con Auditoria Records per la stesura e la produzione di questi brani, e con i consigli “da lontano” dell’amico Fabio Ilacqua, peraltro quasi dirimpettaio di Loste. Nel 2022 Loste ritorna anche sui palchi della provincia per alcune apparizioni, tra cui la prestigiosa partecipazione a Woodinstock ’22 (Ternate – VA) dove si è esibito insieme a Omar Pedrini in un emozionante concerto composto da brani della scena grunge di Seattle, dei Timoria in un vero e proprio tripudio di rock, punk e grunge. Dopo un altro periodo in studio di registrazione, il 17 marzo 2023 Loste pubblica per l’etichetta Piuma Dischi “JackPunk”, cover della celebre colonna sonora del film cult anni ’90 “Jack Frusciante è Uscito dal Gruppo”, tratto dall’omonimo romanzo. Questo brano da’ il via ufficialmente alla carriera solista di Loste che, nell’estate 2023 partecipa poi all’evento benefit “Anna on The Beach” a Verbania insieme a Bad Frog, Rubber Room e The Monkey Weather, il cui ricavato è stato donato alla Fondazione Hollman di Cannero per i bambini ipovedenti; sempre dall’estate 2023 Loste partecipa regolarmente come ospite di diverse serate di Trashmilano, seguitissimo collettivo di dj del varesotto e altomilanese, mettendo in piedi degli show a metà tra concerto e dj-set. Il 12 giugno 2024 è invece uscito “Elevato Tasso” il primo singolo originale di Loste presentato alla Festa del Rugby Varese davanti a 8000 persone e seguito da alcune date promozionali, anche in apertura a nomi importanti della musica alternativa italiana come Bandabardò, Giancane e The Bastard Sons of Dioniso. Il 22 novembre 2024 è uscito il singolo “Amaro in Bocca”, il 28 marzo 2025 “A-A-Amici Gatti” e il 2 maggio “Judy”, brani che anticipano l’album di inediti previsto per ottobre 2025 e che inaugura la collaborazione con l’etichetta Fiabamusic di Trento. Etichetta: Fiabamusic

In occasione della 6° stagione dei “Venerdì d’Eresia” con la partecipazione di Anja Rizzi Bogdan, insieme a Rossella Seno e Fabio Crisafi di Disobedience Roma Venerdì 16 maggio 2025 alle ore 21 andrà in scena quello che doveva essere il secondo appuntamento della 6° stagione dei “Venerdì d’Eresia” nel teatrino del Circolo Insieme MCL di San Piero a Sieve (Via Provinciale,17), Antonio La Rosa presenterà il suo libro “Vivo dove sto” con il supporto di Anja Rizzi Bogdan (attrice e graphic designer). Serata rinviata per l’alluvione che ha colpito il territorio di San Piero a Sieve e non solo lo scorso 14 marzo. Saranno presenti la cantattrice Rossella Seno (it.wikipedia.org/wiki/Rossella_Seno) e Fabio Crisafi (regista televisivo) di Disobedience Roma. Un parterre di assoluto valore. Serata in collaborazione con la Pro-loco San Piero a Sieve e il Circolo Insieme Mcl di San Piero a Sieve che ci ospita. Ingresso libero. Supporto tecnico a cura di Fabio Berti e delle Volontarie della Biblioteca afferenti alla Pro-loco di Ronta. Dopo i saluti istituzionali del Presidente della Sezione Soci Coop di Borgo San Lorenzo Franco Megli e dell’Assessore alla Cultura del Comune di Scarperia e San Piero Marta Cappelli. Interverranno rappresentanti del Consiglio della Pro-loco di San Piero a Sieve e del Circolo MCL. In seguito, il Direttore Artistico della rassegna Ezio Alessio Gensini introdurrà gli artisti e i responsabili di Disobedience. “Vivo dove sto”, come Antonio La Rosa presenta la sua opera: “Questa è la mia seconda raccolta di pensieri sparsi, nati in questi anni di successi e fallimenti, personali e globali, nella continua sperimentazione artistica che, giorno dopo giorno, compio alla ricerca di una mia verità, per esprimere il sentire più profondo libero da orpelli. Spero, almeno quando leggerai i miei versi, tu possa abbandonare il razionale per l’incertezza del sogno nell’ampliare la porta dell’inconscio. Anche questa edizione è limitata a mille copie. All’interno di ogni copia troverai un segnalibro: in apparenza può sembrare solo un pezzo di stoffa colorata, ma nella realtà è un millesimo di un quadro che ho realizzato apposta per donartene un lembo, così da tenere sempre a mente che, anche quando non ne comprendiamo il senso, ogni accadimento e incontro possono essere parte di un disegno più grande. Unendo i pezzi, nella vita come con questo segnalibro, avrai l’opportunità di ricomporre il puzzle e, in sinergia con gli altri proprietari dei millesimi, dare luce a un quadro di senso compiuto. Buona vita ovunque tu sia, che possa sempre nutrirti del presente durante il cammino verso i tuoi sogni.” Antonio La Rosa (Calasetta 1976) è un artista e un libero pensatore. Ha recitato nei teatri italiani per quindici anni e oggi vive a Roma, dove dedica il suo tempo in prevalenza alla scultura, alla pittura e alla scrittura di pensieri poetici. Si ringrazino le associazioni organizzatrici: BiblioCoop, Sezione Soci Coop di Borgo San Lorenzo, Associazione I colori delle stelle. Gli enti che hanno dato il patrocinio: Comune di Borgo San Lorenzo, Comune di Scarperia e San Piero, Comune di Vicchio, Unione Montana dei Comuni del Mugello, e ancora un grazie a Pro Loco Ronta, Circolo insieme MCL, Ass. Disobedience Roma, Pro Loco San Piero a Sieve, Civico undici, Il filo, ok!Mugello, Radio Mugello 99FM. ... Continua a leggere

Il nuovo singolo della band toscana è un inno al riscatto e alla rinascita "Questa vita è mia" è il nuovo singolo dei Lamarea, band toscana attiva dal 2014 nel panorama della musica indipendente italiana. Il brano affronta il tema della liberazione da una relazione tossica, un percorso di consapevolezza e di rinascita che si muove tra nostalgia e determinazione. “Questa vita è mia" racconta la volontà di riprendere in mano la propria esistenza, lasciandosi alle spalle manipolazioni e influenze negative. Un viaggio interiore che richiede tempo e forza, dove la guarigione è un processo che si sviluppa lentamente, ma con una direzione chiara: quella della libertà. Ad accompagnare il singolo, il 5 maggio verrà pubblicato il videoclip ufficiale, che approfondirà visivamente il messaggio della canzone, amplificandone l’intensità. Lamarea, dopo anni di attività e riconoscimenti in contesti nazionali come il Festival Gaber, Sanremo Rock e Emergenza Festival, continua il suo percorso musicale con una nuova maturità artistica. La band ha affinato il proprio stile attraverso esperienze dal vivo e collaborazioni con importanti produttori della scena italiana, consolidando un’identità che fonde introspezione ed energia. Lamarea è una band toscana nata nel 2014, formata da un gruppo di amici accomunati dalla stessa urgenza espressiva: fare musica. Con una carriera decennale nel panorama indipendente italiano, la formazione ha consolidato il proprio stile attraverso un’intensa attività live e numerosi riconoscimenti. Nel 2015, la band ha vinto due edizioni del Band War Tournament, a cui sono seguite importanti esibizioni live, tra cui il palco della Cittadella del Carnevale di Viareggio e la finale del Emergenza Festival all’Alcatraz di Milano. Nel 2017, Lamarea si è aggiudicata il Classic Rock Band Contest, distinguendosi tra le migliori realtà emergenti del paese. Nel corso della sua evoluzione artistica, il gruppo ha collaborato con produttori di alto livello, tra cui Daniele Grasso (Afterhours, Greg Dulli, Cesare Basile), affermandosi come una delle band più promettenti della scena rock italiana. La loro musica ha ricevuto riconoscimenti in festival prestigiosi come Sanremo Rock, Festival Gaber e Burlamacco del Carnevale di Viareggio. Tra le release dei Lamarea spiccano l’album Oltre (2016) e Respiro (2019), seguiti da una serie di singoli tra cui “Diventare grandi”, che ha superato le 100.000 visualizzazioni su YouTube e le 65.000 riproduzioni su Spotify. Nel 2025, la band continua il proprio percorso con il singolo “Questa vita è mia”, in radio dal 2 maggio 2025. ... Continua a leggere

Il nuovo singolo dell’artista brasiliana è un’esplosione di ritmo e colore per l’estate 2025 Regina torna con il nuovo singolo "Slow Down", un brano vibrante e coinvolgente che unisce la tradizione musicale brasiliana con l’energia della dance pop europea. La produzione moderna e l’arrangiamento dinamico creano una miscela sonora irresistibile, perfetta per ballare e per accendere l’atmosfera estiva. «Questo brano è un invito alla gioia e al divertimento, un inno alla libertà di esprimere la propria energia senza freni. “Slow Down” è pensato per chi ha voglia di lasciarsi andare e vivere il momento con intensità.» Regina Realizzato con la produzione di Summit Production e distribuito da ADA Warner, il singolo vede la partecipazione di Antonio Summa (arrangiamento e mix) e Fargetta (remix), assicurando un sound esplosivo e internazionale. Regina Saraiva, nata a Sorocaba, São Paulo (Brasile), ha costruito una carriera internazionale nel mondo della musica e dello spettacolo. Il suo percorso artistico inizia in Francia con il gruppo Forbidden Fruit, per poi imporsi nel panorama dance con la cover di Killing Me Softly (1996), uno dei singoli più venduti in Italia e hit dell’estate. Nel 1997, il successo internazionale arriva con Day By Day, brano iconico che conquista Francia, Germania e Inghilterra, raggiungendo il 4° posto nella Hot Dance Chart di Billboard negli Stati Uniti. Negli anni successivi, Regina continua a distinguersi con produzioni che spaziano dalla dance alla bossa nova, collaborando con artisti di rilievo come Mark Picchiotti e partecipando a eventi prestigiosi, tra cui il Gay Pride europeo. Parallelamente alla musica, Regina si afferma anche come attrice, lavorando con Marco Ferreri nel film Le Banquet e partecipando a trasmissioni televisive italiane come Festivalbar, Roxy Bar e Markette di Piero Chiambretti. Nel corso degli anni, la sua versatilità la porta a esibirsi in festival internazionali come il Sziget Festival di Budapest (2018), accanto a artisti del calibro di Dua Lipa, Shawn Mendes e Liam Gallagher. Attualmente, Regina è anche speaker radiofonica nel programma Procediamo su R101, oltre a condurre Dance Party nel weekend. Nel 2025, Regina continua a sorprendere con il nuovo singolo Slow Down, una miscela esplosiva tra tradizione brasiliana e sonorità dance pop europee. Il brano, prodotto e arrangiato da Antonio Summa, e remixato da un noto DJ, è pronto a diventare un tormentone estivo, distribuito da Summit Production e ADA Warner. Distribuzione: ADA Warner CONTATTI / SOCIAL instagram.com/reginasaraivaofficial_?igsh=YWEybjByZGg2emUx&utm_source=qr open.spotify.com/artist/1HbDYaW1oLlOhdgLCma5O8?si=4OoFLVdWQcWdS_M1kKp-rA facebook.com/daybyday97 tiktok.com/@reginadaybyday97?_t=ZN-8vnYJLK8xrq&_r=1 ... Continua a leggere

Il nuovo singolo del cantautore vicentino tra bossanova, nostalgia e slanci surreali "Biglie" è il nuovo singolo di Manuele Albanese, title track dell’album d’esordio del cantautore vicentino. Il brano nasce in un’estate insolita, con una caviglia rotta e il tempo sospeso, trasformandosi in una via di fuga tra realtà e fantasia. Con un sound che richiama le atmosfere bossanova e le eleganti orchestrazioni del pop italiano anni ‘60 e ‘70, il brano si muove tra leggerezza e malinconia, evocando le armonie di Ennio Morricone e Ornella Vanoni. Tra i dettagli più caratteristici spicca il finale strumentale: un intreccio tra il flicorno di Michele Tedesco, un assolo vocale e una chitarra baritono, registrati negli studi Sotto Il Mare in provincia di Verona. Il testo, tra rime incalzanti e suggestioni battistiane, mescola immagini estive e metafore esistenziali, raccontando la traiettoria imprevedibile dei sentimenti e della vita. Così come le biglie sulla sabbia, anche l’amore segue percorsi che sfuggono al controllo, oscillando tra desiderio e destino. La traccia, considerata fin dall'inizio come il naturale “titolo di coda” dell’album, chiude un cerchio emotivo e narrativo, lasciando all’ascoltatore la sensazione di una corsa gioiosa e nostalgica verso l’orizzonte. Manuele Albanese è un cantautore vicentino con radici ben piantate nella musica italiana e internazionale. Cresciuto con il culto di artisti come Battisti, Battiato, Bowie e Springsteen, il suo percorso musicale inizia in età adulta quasi per caso, trasformandosi presto in una necessità espressiva. Dopo un primo approccio alla musica live e alla scrittura, trova la sua identità sonora grazie all'incontro con il produttore Edoardo Piccolo, con cui sviluppa "Biglie", il suo album d’esordio. Il disco, concepito come un concept album, fonde nostalgia e modernità, con arrangiamenti ricercati e un sound che richiama la grande tradizione del pop italiano degli anni ‘70. Il singolo omonimo che anticipa l’album è in radio dal 2 maggio 2025. Etichetta: Cramps Music CONTATTI E SOCIAL facebook.com/profile.php?id=61575362655733 instagram.com/manuele.albanese/?utm_source=ig_web_button_share_sheet open.spotify.com/intl-it/artist/0vkALRLYTZrVkhsL1TQrXj?si=XZh_1_HKQne1eLz2TxMqrg ... Continua a leggere

Il nuovo singolo è disponibile dal 14 maggio su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale Esce “Nuvole”, il nuovo singolo di Derox, cantautore napoletano classe ’99 che mescola generi e linguaggi con una naturalezza rara nel panorama musicale italiano. Il brano anticipa l’album d’esordio previsto per il 2026 e rappresenta un manifesto di stile, poetica e visione. “Questa canzone parla della mia città, Napoli, della voglia di andare avanti e di rivalsa”, racconta Derox. “Volevo scrivere qualcosa che raccontasse una Napoli diversa, surreale ma vera, filtrata attraverso il mio modo di vivere e pensare”. “Nuvole” nasce da un’ispirazione inaspettata, un brano sentito per caso in un ristorante cinese e si sviluppa come un esperimento musicale che unisce city pop, neosoul e pop italiano, con una strofa in italiano e un ritornello in napoletano. Una scelta stilistica originale, che rende il pezzo al tempo stesso accessibile e autentico. “Mi sono chiesto quale lingua potesse avvicinarsi metricamente al cinese, e la risposta è arrivata spontanea: il napoletano”, spiega l’artista. “Poi ci ho aggiunto qualcosa di mio, un tocco di Pino Daniele, e il ritornello è venuto da sé”. Prodotto insieme a Simone Ottaviano, “Nuvole” è un brano lo-fi che mescola strumenti suonati e dettagli elettronici. Una costruzione attenta che restituisce un suono complesso, stratificato, ma leggero all’ascolto. Il messaggio è chiaro: “Voglio dire ai sognatori di continuare a vivere fra le nuvole, anche se spesso si rischia di schiantarsi contro la realtà. È proprio lì, tra le nuvole, che si nascondono le idee migliori. Se ci credi davvero e continui a lavorarci, magari un giorno impari a volare”. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/album/45dbhkTGS31WeO9v32cFHi?si=3AMBfVvXQoOwLKrkwSQO0Q Derox, all’anagrafe Gabriele De Rose, è un autore che arriva dalla scrittura e conserva nei testi l’urgenza di dire, la capacità di emozionare e una raffinata attenzione al suono delle parole. Le sue canzoni parlano ai ventenni di oggi, quelli che si sentono fuori posto, che lottano per un’identità in un mondo troppo veloce e distratto. Con “Nuvole”, Derox firma un singolo che è poesia urbana, pop visionario e atto d’amore per la propria città. Instagram: instagram.com/derox.music?igsh=cjlnbDkzOHBwcGM1 YouTube: https://youtube.com/@derox-music-77?si=iTYYgNqS5PYyNqOi TikTok: https://www.tiktok.com/@gabri.derox?_t=ZN-8wJWr5UfeoY&_r=1 ... Continua a leggere

Un progetto pop-dance che fonde emozioni autobiografiche con sonorità elettroniche e suggestioni internazionali «Ho voluto realizzare un lavoro più ambizioso, che mi permettesse di avanzare gradualmente nel mio percorso artistico. Ogni brano è nato da un’esperienza vissuta, trasformando sentimenti ed emozioni in musica. “Margherite” è un EP che riflette la mia evoluzione, sia personale che creativa.» Anita Brightfly Anita Brightfly presenta il nuovo EP “Margherite”, un lavoro che raccoglie quattro brani unici, scritti dalla stessa artista, ognuno con la propria identità sonora ed emotiva. Senza un filo conduttore prestabilito, l’EP abbraccia diverse sfumature musicali e tematiche, raccontando storie di amore, introspezione e trasformazione personale. La produzione, curata dalla cantautrice, e gli arrangiamenti di Edoardo Piccolo donano al progetto un sound moderno e sofisticato, unendo beat elettronici, melodie pop e influenze internazionali per creare un’esperienza musicale intensa e coinvolgente. TRACK BY TRACK 1. NOI – Un racconto d’amore intenso e fresco, ambientato in una Roma primaverile che si trasforma nel palcoscenico di un sentimento travolgente. 2. We need love – Una traccia che vibra tra desiderio ed incertezza, raccontando l’amore come possibilità fragile ma potente, con un contrasto tra suoni sintetici e chitarre avvolgenti.

?feature=shared 3. Discriminata – Un brano che trasforma il disagio in energia, affrontando il tema della disconnessione emotiva con una melodia intensa e un sound ballabile e catartico. 4. Paraguay - Un viaggio sonoro tra modernità e suggestioni esotiche, con una produzione elegante e ritmata che fonde synth, beat elettronici e sfumature latinoamericane. Anita nasce a Londra il 19 agosto del 1970 da madre francese e padre italiano. La predilezione e la propensione per l’arte, nelle sue svariate modalità espressive, le fa desiderare di lavorare nel mondo dello spettacolo e finalmente nel 2020 trova un appiglio da dove cominciare. Alla fine del 2021 pubblica il suo primo brano cantautorale “Let me”, mentre l’anno successivo escono i singoli “Memo Audio” il 4 maggio e “Cuore in pace” il 3 dicembre. A settembre 2024 esce “Amorevole Tu”, il primo brano autoprodotto, seguito il 19 aprile da “Iene”. Il 7 giugno 2024 esce il remix di “Cuore in Pace”, voluto e prodotto dalla cantautrice e realizzato da Revenant & Mr. Mine che raggiunge la vetta della classifica Dance indipendente italiana e la Top 20 degli Indipendenti più trasmessi. A settembre esce il nuovo singolo “Fortuna”, seguito da “Una certa età” in radio dal 22 novembre. Il 2025 vede la pubblicazione del nuovo singolo “NOI”, in radio dal 18 aprile, che anticipa l’uscita dell’EP “Margherite”, pubblicato l’8 maggio 2025. SOCIAL open.spotify.com/artist/3Zy7yJZGM2Fv1YM9w3i4xv instagram.com/anitabrightfly19/ ... Continua a leggere

Un nuovo singolo tra blues, pop e fragilità emotiva fuori il 9 maggio in radio e su tutti gli store digitali Esce il 9 maggio “Non è possibile”, il nuovo singolo del cantautore e maestro Paolo Carone, che torna a raccontare l’animo umano con uno stile inconfondibile, in equilibrio tra scrittura tagliente e musicalità ricercata. Il brano sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale. “Non è possibile” è il racconto lucido e struggente di un uomo diviso tra attrazione e disincanto, rapito dalla bellezza di una donna che non può e non dovrebbe, amare. Una narrazione diretta, viscerale, che indaga la contraddizione tra ciò che si sa e ciò che si desidera, tra coscienza e istinto. “È il punto di vista di chi continua a sbagliare, anche sapendolo”, racconta Carone. “Un uomo fragile, forse più umano che mai”. Il brano fonde armonie blues a un impianto pop moderno, con la cassa 808 che scandisce il ritmo e una linea di basso che diventa protagonista dell’arrangiamento, restituendo tensione e sensualità. Un equilibrio perfetto tra tradizione e contemporaneità, che fa emergere la firma stilistica dell’autore pugliese. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/album/6qJwz83jP2BLadT8uuhzjm?si=T9fWdoDbTsulI6mH6pUoEQ Paolo Carone, classe 1981, è un compositore polistrumentista e maestro di pianoforte. Fondatore della scuola “Palco®”, ha all’attivo un repertorio di oltre 120 brani e una carriera costruita sulla coerenza artistica e sull’attenzione alla formazione. Dopo il successo di “Good Boy”, “Close to me” e “Far Away”, con “Non è possibile” prosegue la sua ricerca personale, musicale e narrativa. “Scrivere canzoni è il mio modo di affrontare i dubbi, le debolezze, i desideri che tutti abbiamo. Non sono mai stato interessato alla perfezione: preferisco l’onestà”, aggiunge l’artista. Il singolo anticipa nuove uscite previste per l’autunno e conferma la vocazione cantautorale di Paolo Carone: dare voce a storie complesse con un linguaggio accessibile, diretto, intimo. Instagram: instagram.com/paolocarone1981?igsh=dGk3Y3p1cG5hYWVw YouTube: https://youtube.com/@paolocarone?si=YOJzeZoB04NctqtK Facebook: facebook.com/share/1AFQgeEXjz/?mibextid=wwXIfr ... Continua a leggere

Un brano potente e provocatorio sulla ribellione all’omologazione fuori il 9 maggio in radio e sugli store digitali Esce il 9 maggio “Disclose”, il singolo dei Bounced Back, band rock torinese pronta a scuotere le coscienze con un brano diretto, tagliente e dal messaggio radicale. La canzone sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale. “Disclose” è un grido di disobbedienza. Un’analisi cruda e consapevole delle dinamiche sociali contemporanee, dove l’identità si dissolve nel conformismo e le relazioni umane diventano strumenti di utilità. Il brano racconta il percorso interiore di chi sceglie di smascherare, di esporsi, di non accettare più le regole di un gioco alienante. “Non volevamo solo suonare forte. Volevamo dire qualcosa che facesse rumore dentro”, spiegano i Bounced Back. “Disclose è la nostra presa di posizione”. Il ritornello è un manifesto: “This time it’s time to disclose / what has been known before / but you actually don’t know / it’s time to fall in line or fall”. Non un invito alla resa, ma una sfida: ribellarsi o sprofondare. Il brano si muove su riff graffianti, ritmi serrati e una voce carica di tensione emotiva, in perfetto equilibrio tra energia e profondità filosofica. Citazioni implicite a Foucault, Sartre e Marx arricchiscono il testo, rendendolo una riflessione lucida sull’autenticità in un mondo che insegna a sopravvivere adattandosi. Ascolta il singolo open.spotify.com/intl-it/album/7EuDMXvildWG0G2nTOb8K2?si=e8GBr9bgSxiVw3Cj9CPmHw I Bounced Back nascono nel 2019 a Torino, ma è nel 2020 che la band trova la sua identità definitiva, guidata dal chitarrista e fondatore Francesco Benevento. Con un sound aggressivo e istintivo, il gruppo si distingue per la capacità di portare sul palco un’energia travolgente e senza filtri. La loro musica è una miscela esplosiva di rock moderno, liriche potenti e spirito ribelle. Con “Disclose” la band segna un ulteriore passo avanti nel proprio percorso artistico. “È una canzone contro il compromesso”, dichiarano. “Un invito a smascherare ciò che ci è stato insegnato a desiderare, a perdere, perfino a soffrire”. Instagram: instagram.com/bounced_back/ Linktree: linktr.ee/bouncedback6 ... Continua a leggere

La forza dei sentimenti prende voce in un brano che unisce grinta, leggerezza e autenticità Esce il 9 maggio su tutti i principali stores digitali e in promozione radiofonica nazionale il nuovo singolo di Lenè “Tsunami come te”. Una canzone che abbandona i toni introspettivi dei lavori precedenti per lasciare spazio a un’energia dirompente, mossa da un messaggio chiaro e senza filtri: “Voglio te. Semplice”. Dopo aver emozionato il pubblico con “Ma non sono cose”, brano acustico registrato in presa diretta, Lenè torna con una composizione più strutturata e vivace, dominata dalla sua inseparabile chitarra acustica ma arricchita da svolte armoniche che strizzano l’occhio al pop rock. “L’ho scritta per divertirmi e per divertire”, racconta l’artista. “Dentro di me c’era un bambino che faceva uscire il suo animo rock. E devo dire che mi sono divertito tanto.” Il brano, quasi una dichiarazione d’intenti, si sviluppa attorno alla figura travolgente di una persona impossibile da fermare, come uno tsunami. “Più che una canzone d’amore è una canzone d’arresa. Una bandiera bianca di fronte al non riuscire più a trattenersi dal prendere quello che si è sempre voluto”, afferma Lenè. Il fulcro del pezzo è proprio nella frase che richiama il titolo: “Come posso stare con la mano sulla bocca a cercare di fermare uno tsunami come te?”. Un’immagine potente che sottolinea il desiderio, il lasciarsi andare, la resa totale alla forza dei sentimenti. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/0BSVN0mbjkeaESDisI9jMV?si=bzaRr5F4TFOBV9-aZfgvOg Lenè, all’anagrafe Emanuele De Marco, 39 anni, è cresciuto tra le note di Bennato, Guccini e Ligabue, per poi esplorare il mondo del musical e trovare la sua strada nella scrittura cantautorale. Dopo anni come corista e performer teatrale, oggi si presenta con un’identità artistica matura e personale, capace di raccontarsi senza maschere. Con “Tsunami come te” Lenè conferma la sua capacità di unire emozione e leggerezza, forza e delicatezza, portando avanti il suo bisogno fondamentale: farsi ascoltare e far arrivare alle persone quello che ha dentro. Instagram: instagram.com/lenemusica?igsh=MWU5OTE5bmtzcjJjbA== Facebook: facebook.com/share/19FPo89Bd6/ YouTube: https://youtube.com/@Emanueledemarcolene TikTok: tiktok.com/@emanueledemarcomusica?_t=ZN-8wBQMs4P1OA&_r=1 ... Continua a leggere

Il brano fa parte dell’album “Ritrovarsi” e unisce rock, pop e trap in un crescendo sonoro dal forte impatto emotivo “Veste Bianco” è il nuovo singolo dei TWIK, in rotazione radiofonica nazionale a partire dal 7 maggio. Il brano è uno dei momenti più intensi del nuovo album “Ritrovarsi” e affronta il tema della perdita con uno sguardo intimo, crudo e profondamente umano. Attraverso un mix coraggioso di rock, pop e sonorità trap, “Veste Bianco” racconta il dolore e il senso di vuoto che segue la scomparsa di una persona cara. La canzone si sviluppa come un dialogo muto con chi non c’è più, dove il silenzio diventa protagonista e il tempo pare dilatarsi, creando una condizione sospesa in cui il ricordo è l’unico legame possibile. Il brano si apre con arpeggi delicati di pianoforte intrecciati al suono fragile di un metallofono rotto. Una voce stremata guida l’ascoltatore in un’atmosfera rarefatta, quasi immobile, che esplode poi in un ritornello carico di tensione emotiva con bassi, chitarre distorte e urla di dolore. La parte centrale si colora di elementi trap e riflessioni recitate, per poi crescere progressivamente fino all’esplosione finale, simbolo di un grido liberatorio. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/4yblB24CyoogDmfNePc1a8?si=4b7d4ce82aa44a22 “Veste Bianco” è come una cornice senza foto: rappresenta il vuoto, ma anche la memoria. Il bianco diventa metafora di purezza, di protezione, di spazio sacro. Il brano tocca corde profonde legate alla famiglia, all’identità e al processo necessario di elaborazione del lutto. In questo senso, l’errore, il rimpianto e la sofferenza non sono solo ferite, ma passaggi naturali verso una consapevolezza nuova. Con “Veste Bianco”, i TWIK dimostrano ancora una volta la capacità di fondere linguaggi musicali diversi e di affrontare tematiche universali con sensibilità, forza e autenticità. Instagram: instagram.com/twik_music/ Facebook: facebook.com/TwikMusic/ TikTok: tiktok.com/@twiktok_music YouTube: https://youtube.com/@TwikMusic ... Continua a leggere

Il cantautore romano ripropone in veste ufficiale il brano uscito nel 2023: un messaggio universale di empatia, perdono e responsabilità collettiva Dal 7 maggio “Se fossi Dio”, il brano scritto da Amedeo Scircoli e interpretato da Stefano Manenti, arriva ufficialmente in promozione radiofonica nazionale. Uscito nel 2023, il singolo viene oggi rilanciato con una nuova spinta promozionale per raggiungere un pubblico ancora più ampio. Un’iniziativa che conferma la volontà dell’artista romano di portare avanti una canzone che, per contenuto e intensità, è più che mai attuale. “Se fossi Dio” è una riflessione poetica sulla condizione umana, un sogno che si fa canzone e diventa invito concreto ad agire. Il testo nasce da un sogno dell’autore Amedeo Scircoli e si costruisce su un’ipotesi impossibile – essere Dio – per poi arrivare a un'affermazione fortissima: “ma sono io”. Il brano elenca, con delicatezza e profondità, le molte forme di sofferenza che ci circondano – la malattia, la guerra, la solitudine, il bisogno di redenzione – e lascia all’ascoltatore un messaggio chiaro: non occorrono poteri divini per cambiare le cose, ma solo la volontà di esserci per l’altro. L’arrangiamento firmato da Giovanni Cucinella accompagna con equilibrio un testo che tocca corde intime e collettive, muovendosi tra atmosfere pop, rock e suggestioni new age. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/1ZmFw6M5arFnPcY6lRQC6z?si=e3a99c0f0bf64dc1 Stefano Manenti, con oltre trent’anni di carriera alle spalle, è un artista capace di rinnovarsi senza mai snaturarsi. Dopo quattro album, più di mille concerti e un’attività ininterrotta tra palco, studio e insegnamento, Manenti continua a credere nella musica come strumento di espressione e cambiamento. Prodotto da Restart Recording Studio, “Se fossi Dio” rappresenta una sintesi matura del suo percorso artistico: autentico, empatico, profondamente umano. Con il ritorno ufficiale del singolo in rotazione radiofonica, l’invito è quello di fermarsi ad ascoltare. Perché, come ricorda il brano, non serve essere Dio per fare la differenza. Instagram: instagram.com/stefanomanentinew/ Facebook: facebook.com/profile.php?id=61558792775306 YouTube: https://youtube.com/@maestrostefanomanenti2075 TikTok: @stefanomanenti.autore ... Continua a leggere

Il nuovo singolo della giovanissima violoncellista pavese parla di guerra, ma è anche un inno alla pace. Il brano fa parte di un progetto corale, una playlist di 20 artisti come Cisco, Kento, Roberta Giallo, Yo Yo Mundi e molti altri, che hanno condiviso una frase dei loro brani sulla tematica. Copertina di Mahmoud Amed, grazie alla collaborazione con L2Arte “Oltre il rumore” è il nuovo brano di Diletta Fosso, cantautrice quindicenne che suona il violoncello. La canzone racconta la guerra attraverso lo sguardo di una bambina: un punto di vista fragile e potente, che attraversa il dolore della guerra e cerca un varco verso la pace. Le immagini evocate nel testo (bimbi di seta, case coi tetti di cielo, sirene e segnali di fumo) parlano con forza disarmante di ciò che resta quando tutto crolla. È un inno alla pace, ma anche un grido, un ricordo, una poesia alla resistenza. La canzone esce nel giorno della Festa della Liberazione, che celebra la fine dell’occupazione nazifascista e la riconquista della libertà. Così “Oltre il rumore” si fa voce delle nuove generazioni che scelgono di ricordare, di prendere posizione e coltivare la pace. La copertina del singolo è tratta da un’opera del pittore palestinese Mahmoud Amed, che ha generosamente concesso l’uso del suo quadro legato all’esperienza diretta del conflitto. La collaborazione è stata resa possibile grazie all’intermediazione della galleria d’arte L2Arte di Pavia, che ha creduto nel progetto. Al fianco di Diletta, il brano vede la partecipazione di Brian Belloni alle chitarre, Alberto Fiorani al basso e Corrado Bertonazzi alla batteria, noto anche per il progetto @suonarelabatteria. Ad accompagnare il brano un toccante video lyric di animazione creato con l’AI.

?si=wMnkg8jvTDUL8Dmk Attorno alla canzone è nata un’operazione corale, una playlist tematica con 20 artisti italiani che porta proprio il titolo della canzone di Diletta “Oltre il rumore”. Questi artisti hanno deciso di affiancare Diletta prestando la propria voce a un messaggio condiviso: ognuno di loro ha condiviso una frase sulla guerra, da diffondere insieme al brano. Tra loro nomi di spicco come Cisco, Kento, Roberta Giallo, Yo Yo Mundi, solo per citarne alcuni. Le loro parole compongono un mosaico di testimonianze, riflessioni e visioni, unite dal bisogno di dire qualcosa, di non restare in silenzio. LE VOCI DELLA PLAYLIST – LE FRASI DEGLI ARTISTI Cisco – Venite a vedere
«Venite a vedere i libri e gli appunti, le cose rimaste sparse tra il sangue, venite a vedere i giorni di dolore di questo paese che ha cercato la pace.» Kento – Free Toomaj
«Finché posso farlo ancora, metterò il sangue nell’arte. Finché avremo la parola, la useremo per combattere.» Roberta Giallo – Io canto l’estate
«Io pianterò rose su questo cemento perché a modo mio prego ogni momento.» Yo Yo Mundi – Il silenzio che si sente
«Siamo campi calpestati dagli anfibi dei soldati, qui dove non nasce più niente: non senti che silenzio che si sente?» Mattia Obi – Attimo
«“Attimo” è una canzone che parla di responsabilità, sociali e civili, che, senza rendercene conto, possono essere perse, inconsapevolmente, in un attimo. Con esse sparisce anche la libertà che è il tema centrale del brano.» Erica Boschiero – La memoria dell'acqua
«La guerra non fa che lasciare dietro di sé i semi di altre guerre. Dobbiamo cercare nuove strade, allenarci al dialogo, riconoscerci come membri della medesima comunità.» Tupamaros – La fine della guerra
«La fine della guerra è uno scherzo a carnevale.» Laura B – Norma
«Mi hai sempre detto di lottare per ciò in cui credevo, che la ragione della vita sta nella libertà.» Roberto Grossi – I bambini di Gaza
«I bambini della Striscia stremati dai bombardamenti sono simbolo di tutte le vittime innocenti della mostruosità di ogni guerra.» Vea – Il cielo di Colapesce
«Viviamo in un mondo terribile, abbiamo il dovere di continuare a creare anche solo dei piccoli granelli di bellezza.» Massaroni Pianoforti – Le gattine
«Le colline sono sempre in fiore quando è una festa, al di là del sole c'è una guerra, che cosa ci resta?» Michele Anelli – Cantare la tua voce
«Le guerre sembrano tutte lontane fino a quando non bussano alla tua porta.» Teto d'Aprile – Viva la terra
«Gente e terre dilaniate per guerre un po' insensate e bimbi morti a rate, crepati. Vesti di donne violentate da intere camerate e vecchi vomitati in questa terra senza colpa.» Chiara Atzeni – Esodo
«Quando smettiamo di vedere l'altro come persona e lo vestiamo con i panni del nemico, allora la storia diventa tragedia.» Porfirio Rubirosa – Fu...turista
«Dichiarai la mia guerra con le parole. E mi battei con le azioni. Ma vinsi con l'amore.» Nimby – A Terra
«“A terra” è ispirata alla vicenda di Assange, che aveva pagato con la sua libertà per aver denunciato gli orrori della guerra perpetrati dal mondo occidentale. Il brano però è rivolto alle persone e ai popoli che lottano per la loro libertà nonostante le costrizioni e le violenze della società.» Pellegatta – Stella lontana
«Taran Theran, carovana, stella che brilli, stella lontana, fai luce su una città dove voglio arrivare. Oltre fili spinati, deserti e mare.» Gianluca Lalli – Il mondo che vorrei
«Prima di pensare a una pace globale, bisognerebbe fare pace con sé stessi. È questo il grande problema irrisolto dei signori guerrafondai che generano le cosiddette guerre per la pace.» Bataquaerch – Dongo
«Sono ore che sembrano giorni... di un giorno che ne vale altri cento. Ora davvero è più chiaro, tra poco tutto finirà.» Ascolta la playlist su Spotify 
open.spotify.com/playlist/1Jeyi4sgcowMvAZmbXmfFW? si=uWAkcL1bRlKurgN0HJcWXw Con “Oltre il rumore”, Diletta Fosso firma un’opera collettiva e autentica, dove musica, arte e parole si fondono in un solo gesto creativo. Un modo per trasformare il dolore in bellezza e la bellezza in voce. Diletta Fosso è una giovanissima violoncellista e cantautrice, che fonde in modo originale la formazione classica con la passione per la musica pop e cantautorale. Frequenta il Conservatorio di Musica Vittadini e il Liceo Linguistico Cairoli di Pavia. Nel dicembre 2024 conquista il primo posto al Concorso Nazionale per la Canzone d’Autore Emergente “Città di Quiliano” – riconosciuto dal MEI come quarto contest italiano di maggior rilievo – ottenendo anche il premio “On Air” assegnato dall’ufficio stampa L’Altoparlante. Pochi giorni dopo, il 30 dicembre, si esibisce in apertura e insieme allo storico collettivo folk Yo Yo Mundi presso l’Auditorium Santa Caterina di Finale Ligure. Conquista il primo posto ai concorsi nazionali Gran Galà dei Festival 2024 a Ferrara, Musical Day 2023 e 2024 a Milano, Musical Café 2023 a Milano e School Life Music 2022 a Pavia. Nel 2024 riceve una menzione d’onore al Premio Beatrice Giovani di Verona. Con il racconto “Il Condominio” è tra i finalisti pubblicati al Concorso Letterario Caratteri di Penna 2024 con premiazione al Teatro Fraschini davanti a ospiti d’eccezione come Serena Dandini e Laura Formenti. Invitata il 4 ottobre 2024 alla rassegna del Comune di Pavia dedicata alle donne pavesi in primo piano, ha parlato di guerra, femminismo, nuove generazioni e del ruolo della musica nella società di oggi. Al Teatro Fraschini nel giugno 2024 interpreta il ruolo della protagonista nello spettacolo “Auradon” ispirato al musical Descendants della Disney. Si esibisce come spalla al quartetto d’archi Archimia con brani pop-rock. È arrivata due volte ai callback finali di “Io Canto Generation” (Canale 5) e di "The Voice Kids" (RAI), pur senza approdare alla messa in onda, e ha raggiunto la finale del talent The Coach VI trasmesso su 7Gold. Dal 2022 alimenta i propri canali social Instagram e Facebook con performance live, cover e anteprime dei suoi brani inediti, coinvolgendo un pubblico sempre più ampio. “Nuvole” è il suo brano d’esordio, prodotto da Davide Maggioni per Matilde Dischi, in radio dal 14 marzo 2025. Nello stesso mese, ottiene la benemerenza cittadina per meriti artistici, per poi aprire la fiera dell’arte PaviArt al Palazzo delle Esposizioni di Pavia. Il 25 aprile esce un nuovo singolo dal titolo “Oltre il rumore” che fa parte di una playlist di 20 artisti: ogni artista ha condiviso una frase sulla guerra, da diffondere insieme al brano. Tra loro nomi di spicco come Cisco, Kento, Roberta Giallo, Yo Yo Mundi, solo per citarne alcuni. CONTATTI E SOCIAL instagram.com/dilettafosso/ facebook.com/dilettafosso https://youtube.com/@dilettafosso tiktok.com/@dilettafosso ... Continua a leggere

Dal 7 maggio il singolo in rotazione radiofonica nazionale: un mix esplosivo di ska, reggae e passione urbana “Strike” è il singolo di Ginokiello, cantautore dall’anima ironica e istintiva, capace di fondere musica e racconto in modo originale e autentico. Dal 7 maggio il brano entra in promozione nazionale sulle principali radio italiane, portando con sé tutta l’energia di un progetto nato per il palco, ma cresciuto tra le strade. Nato inizialmente come sigla per un programma comico, “Strike” ha preso forma autonoma fino a diventare un vero e proprio manifesto sonoro dedicato a chi fa dell’arte una forma di resistenza quotidiana. È un omaggio agli artisti di strada, a chi trasforma angoli urbani in piccoli palcoscenici e riesce a emozionare senza luci puntate, solo con la forza della propria presenza e creatività. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/1zqCbw1g3caEADVsFc7Z45?si=10b037ac0d3747ff Musicalmente il brano esplode in un ritmo trascinante dove reggae e ska si fondono con una sezione di fiati vibrante e una melodia contagiosa. “Strike” è una canzone che non si limita a raccontare: chiama all’azione, invita a ballare, a vivere l’arte come libertà, come incontro, come bisogno vitale. Guarda il video

?si=b-7QuNamj2Xv-ZIL Ginokiello è un autore fuori dagli schemi, già noto per brani come “Berlusconi” e “Pelè 58'”, che hanno attirato l’attenzione per la loro originalità e irriverenza. Vincitore del talent “The Best” a Buti (Pisa) e del “Forette Festival” di Verona nel 2018, ha partecipato a numerosi contest nazionali, conquistando pubblico e critica. Con le sue performance dal vivo riesce ad appassionare persone di ogni età, grazie a una proposta musicale fresca, diretta e mai banale. Con “Strike”, Ginokiello firma un pezzo che è insieme ironico e potente, leggero e profondo. Una canzone che pulsa al ritmo della strada e che celebra la libertà di esprimersi, il valore delle emozioni vere, l’unicità degli artisti che ogni giorno, senza clamore, portano bellezza nel mondo. Facebook: facebook.com/ginokiello/ Instagram: instagram.com/ginokiello/ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo dell’artista torinese invita alla riflessione su un mondo in crisi, tra atmosfere evocative e un testo di forte impatto Stefano Napolitano torna con “Una nuova luce sul mondo”, un brano potente e visionario che affronta le sfide dell’umanità con una chiave di lettura profonda e spirituale. Il singolo, che dà il titolo all’album in uscita a maggio, è un manifesto di consapevolezza, un invito a rimettere in discussione il presente e immaginare un futuro guidato da valori universali di unità e fratellanza. Dopo aver esplorato la letteratura, la musica e il mondo della comunicazione, l’artista torinese prosegue il suo viaggio artistico con una produzione dal forte impatto emotivo e sonoro, unendo melodie pop occidentali a influenze orientali per creare un suono unico ed evocativo. «Viviamo in un’epoca in cui la paura e l’incertezza sembrano aver preso il sopravvento. Dopo la pandemia, le guerre e le crisi globali, è necessario fermarsi e riflettere. Questo brano nasce proprio dall’esigenza di immaginare una luce nuova, un cambiamento radicale che porti a un mondo più consapevole. Ho voluto evocare il ritorno di Gesù di Nazareth e Maria di Magdala come simboli di una rinnovata speranza, un incontro spirituale che si trasforma in una possibilità di rinascita collettiva.» Stefano Napolitano

?feature=shared L’album da cui è tratto il singolo è stato realizzato con la collaborazione di Danilo Ballo, storico arrangiatore dei Pooh, che ha utilizzato per la prima volta in assoluto un sintetizzatore virtuale di nome TH8 di Acustica Audio. Quindi “Una nuova luce sul mondo” è il primo disco ad uscire sul mercato con questa caratteristica. Stefano Napolitano nasce a Torino il 15 febbraio del 1966.
A 18 anni lavora presso un’agenzia pubblicitaria che si occupa di sondaggi per l’allora nascente Mediaset. Comincia a scrivere articoli musicali e culturali per alcune testate giornalistiche della sua città. Nel 1998 Giorgio Gaber gli concede un’intervista presso il Teatro Alfieri di Torino, un’esperienza che descrive tra le più emozionanti della sua vita. Poi è la volta di Morgan e dei Bluvertigo, di Nicolò Fabi, dei comici della rassegna Zelig come Giobbe Covatta, Paolo Hendel e Raul Cremona fino ad arrivare a Valerio Liboni, Alberto Fortis, Johnson dei Righeira, Natalino Balasso, Walter Rolfo e il mago Alexander, Don Backy, Garbo. Dopo un’esperienza con Publitalia, nel 2000 decide di abbandonare definitivamente l’ambiente perché nocivo e troppo politicizzato.
Nel 2021 pubblica il suo primo libro “Pensieri di seconda scelta”, una raccolta di brani sull’amore, la vita e la morte.
L’anno successivo pubblica una web series dal titolo “A Real and Reactionary Resurrection” che fa da ponte all’uscita del suo nuovo libro “Lucifero si racconta” scatenando una serie di reazioni sul web al punto che nell’aprile del 2023 conduce insieme ad Ivana Posti un programma su GRP, emittente televisiva torinese, che porta il titolo omonimo del libro, per spiegare le motivazioni che lo hanno spinto a scrivere quell’opera. Durante la programmazione delle 4 puntate vengono invitati giornalisti del calibro di Anna Tamburini Torre e scrittori come Laura Fezia, oltre ad attori e pensatori. Con “Lucifero si racconta” parteciperà al Salone del libro di Francoforte.
Nel 2023 esce il suo terzo lavoro letterario dal titolo “Inseguendo L’aura” e il 1 dicembre 2023 viene pubblicato il suo primo singolo dal titolo “Cadendo” il cui testo era già presente nel primo libro. E’ stato ospite fisso per un anno, tutti i mercoledì mattina, nel programma di Wlady Tallini “Cosa succede” trasmesso da Primantenna Tv nel quale recitava alcune sue poesie partecipando anche come opinionista sui fatti del giorno. Ad aprile 2024 esce il libro di Lucia Stendardo "Viaggio di sola andata" di cui è curatore editoriale e sarà presente al Salone del libro che si terrà a Torino dal 9 al 13 maggio. Il 19 aprile 2024 esce il nuovo singolo “Il mio momento”. Il 25 aprile 2025 arriva in radio “Una nuova luce sul mondo”, title track del nuovo album previsto per maggio. CONTATTI E SOCIAL facebook.com/stefano.napolitano.scrittore/ instagram.com/stefano.napolitano.scrittore/ ... Continua a leggere

Un viaggio didattico e umano dentro oltre sessant’anni di musica italiana tra analisi tecnica e memoria personale Alfredo Baroero, in arte Alpha, firma con Evoluzione +- Involuzione un’opera ibrida che mescola competenze musicologiche, aneddoti biografici e un’autentica passione per l’universo musicale. Il volume, pubblicato nel 2024, analizza brani rappresentativi dal 1960 a oggi, rivelandone i meccanismi armonici, melodici e comunicativi. Ma soprattutto, racconta la musica come esperienza viva, specchio di una società in mutamento. Artista, produttore, tecnico del suono, docente: Alpha mette in campo oltre quarant’anni di attività per restituire al lettore una mappa ragionata — ma mai pedante — dell’evoluzione del linguaggio musicale in Italia. Dai dischi a 45 giri ascoltati da bambino con la nonna Elsa, alle collaborazioni con nomi noti della discografia, passando per l’esperienza diretta in radio, sul palco, in studio e in aula, l’autore trasforma la propria storia in una chiave di lettura dell’intera scena musicale italiana. «Scrivere questo libro è stato come sparare un QRcode nei ricordi», afferma l’autore nelle prime pagine, «un viaggio che mi ha portato a guardare il passato non con nostalgia, ma con metodo». Ogni capitolo è infatti corredato da analisi dettagliate di brani emblematici, con spiegazioni tecniche accessibili anche a chi non ha una formazione musicale, ma desidera comprendere cosa si cela dietro a una hit o a un classico intramontabile. Come afferma nel libro: «Il brano crescerà, evolvendosi con l’interprete e la sua natura vocale. Anche per questo i brani di ieri non si scordano più». Acquista il libro Amazon: amzn.eu/d/iN9pfZv Mondadori: mondadoristore.it/Evoluzione-Involuzione-Analisi-musicale-dal-1960-al- 2024-Alfredo- Baroero/eai979125710000/?srsltid=AfmBOop54JbsojWTyKtRZjmqlLRvniCmiXp4Z866A2xtBikINPItN Ivy EtaBeta: etabeta-ps.com/scheda-libro/alfredo-baroero/evoluzione-involuzione-979- 12-5710-000-1-5502.html IBS: ibs.it/evoluzione-involuzione-analisi-musicale-dal-ebook-alfredo- baroero/e/9791255859499?srsltid=AfmBOoofKFXgP0H6Lj_X- iPXCz5qPXEn_nt19sjTS36CorPiv6aoAfs1 BookDealer: bookdealer.it/libro/9791257100001/evoluzione-involuzione-analisi- musicale-dal-1960-al-2024 Libreria Universitaria: libreriauniversitaria.it/evoluzione-involuzione-analisi-musicale- 1960/libro/9791257100001?srsltid=AfmBOorNGLLo98gkrdd-dcGcu70rMN6CWMPwBnR-Uw- mvoqJQVdcPnVp La Feltrinelli: lafeltrinelli.it/ebook/autori/alfredo- baroero?srsltid=AfmBOopJUMCLfnJr6IX8P9jo-8GTatEtYgmKDY0fbu_K7b9O7-dbiVZN Il titolo riflette un concetto chiave: l’evoluzione musicale non è sempre lineare, talvolta si piega su se stessa, si rifrange, si contraddice. «L’involuzione non è un degrado, ma un rientrare, un ripiegarsi sulla forma per riscriverla». Un punto di vista che diventa anche una riflessione sull’industria discografica, sui meccanismi della produzione contemporanea, sull’impatto dei media e sul ruolo degli artisti. In un tempo in cui tutto sembra consumarsi troppo in fretta, “Evoluzione +- Involuzione” invita a fermarsi, ascoltare, analizzare. È un libro pensato per studenti, curiosi, giovani artisti, ma anche per chi vuole riscoprire, con occhio critico e cuore aperto, la colonna sonora della propria vita. Link Social alphamakeupaudio.thinkific.com/pages/home facebook.com/alfredo.baroero/ instagram.com/alpha_alfredo_baroero/ https://www.tiktok.com/@alpha.alfredo.bar?_t=ZN-8tnpb4uG0ik&_r=1 ... Continua a leggere

Un brano che racconta l’orrore della deportazione nazista attraverso gli occhi di un bambino Un treno che non arriva mai davvero a destinazione. O che forse arriva troppo in fretta, portando con sé dolore, paura e silenzio. Fabio Messieri torna con un nuovo singolo dal titolo “Il treno”, in uscita sabato 3 maggio su tutti gli store digitali e in promozione radiofonica nazionale. Il cantautore bolognese sceglie di affrontare un tema tanto delicato quanto necessario: la deportazione nei Campi durante il periodo nazista, raccontata con la voce e lo sguardo innocente di un bambino. Nel brano, la figura del piccolo protagonista è centrale: un bambino che osserva ciò che accade attorno a lui senza davvero comprenderlo, ma che avverte sulla pelle e nell’anima la gravità di ciò che sta vivendo. Le parole usate sono volutamente semplici, quotidiane, familiari, quasi a voler proteggere l’infanzia stessa da un orrore che non ha spiegazioni. Ma a rendere ancora più straziante il contrasto è proprio quella dolcezza linguistica che si infrange contro una realtà violenta. “Il treno” diventa così una metafora potente, una linea narrativa che si muove tra poesia e impegno civile, portando avanti un messaggio di memoria e di riflessione. Una canzone che colpisce per la sua intensità, ma anche per il rispetto con cui tratta un capitolo doloroso della storia dell’umanità. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/6MPIiWhMBX5h3w0dWRDPyW?si=XgmMK2pkRd20hpE03PO_Yw Fabio Messieri, già autore di brani premiati come “Restiamo umani” e “Vedere, sentire e parlare”, continua a distinguersi per la qualità della sua scrittura. Finalista in diversi concorsi nazionali, premiato per il miglior testo al Festival Via Emilia e per l’impegno civile al Musica contro le mafie, è anche cofondatore del Collettivo Ikaros, una realtà dedicata agli artisti emergenti bolognesi. Con “Il treno”, Messieri conferma la sua sensibilità artistica e umana, scegliendo ancora una volta di dare voce a ciò che non si può dimenticare. Un brano necessario, da ascoltare con attenzione e con rispetto. Facebook: facebook.com/fabio.messieri Instagram: instagram.com/fabiomessieri/ YouTube: https://youtube.com/@fabiomessieri ... Continua a leggere

Un brano Italo-Rumeno che mescola lingue, generazioni e storie di identità Un ponte tra culture, tra esperienze di vita e generazioni. “Opportunità/te” è il nuovo singolo firmato da Costy e T.C.T, disponibile dal 28 marzo 2025 su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale dal 2 maggio. Il brano fonde sonorità Rap/Trap con una narrazione personale, sincera e diretta che affronta temi legati all’identità, alle opportunità negate e alla forza del riscatto. Scritto interamente dai due artisti – ciascuno ha firmato i propri versi – il brano nasce da una collaborazione inedita tra la scena italiana e quella rumena. Costy, classe 2006, è un giovane rapper rumeno cresciuto in Italia, con una carriera musicale già attiva nel panorama nazionale. T.C.T, classe 1994, è invece un artista attivo in Romania, con una lunga esperienza nella scena urban del suo paese. “Opportunità/te” racconta, in modo crudo e consapevole, le difficoltà che si incontrano crescendo da stranieri in Italia: la mancanza di opportunità lavorative, le barriere sociali, la continua ricerca di un posto in cui essere davvero visti e ascoltati. Ma è anche un inno all’identità, alla capacità di restare se stessi pur vivendo tra due mondi diversi. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/5nakU15CrEBcWDQNTA1izu?si=d06004f419a84275 Il brano si distingue anche per la sua costruzione linguistica: italiano e rumeno si alternano nei versi e nel ritornello, creando un ritmo originale e autentico, capace di parlare a più generazioni e comunità. A rendere ancora più significativo il progetto è il legame umano nato tra i due artisti, inizialmente connessi da amicizie comuni e poi uniti da una stima reciproca che ha portato alla realizzazione del brano e del videoclip. “Opportunità/te” è una traccia che non solo unisce musicalmente Old School e New School, ma che rappresenta anche una voce nuova, forte e consapevole, in un panorama musicale sempre più multiculturale. LINK SOCIAL: T.C.T Spotify: open.spotify.com/artist/5zTv1UnfatGDHcFL4yY3Mu?si=DdeHlEGAQKWkMvq3J3RbAA Instagram: instagram.com/tcty94?igsh=MWswbThicDRyeTZ2MA== Tiktok: https://www.tiktok.com/@t.c.t.y94?_t=ZN-8vfk7nbNzvS&_r=1 YouTube: https://youtube.com/@tct-y94?si=nhMBjwOTUy3Wr3iv ... Continua a leggere

Il brano è disponibile su tutte le piattaforme digitali e nelle radio italiane dal 2 maggio prodotto da Simone Aiello per Divina Music Un amore che si consuma mentre si tenta disperatamente di trattenerlo tra le dita. "Facciamoci", il nuovo singolo di Damade, racconta proprio questo: il momento in cui due persone si allontanano, ma una delle due non è ancora pronta a lasciar andare del tutto. Il brano è prodotto da Simone Aiello, già al fianco di nomi come Ed Sheeran, Irama e Michael Bublé e pubblicato da Divina Music. Scritto dallo stesso Damade insieme a Carlo Bonnici, Alessandro Russo e lo stesso Aiello, "Facciamoci" è una ballata pop che si muove tra malinconia e desiderio, tra bisogno e resa. Il protagonista si aggrappa agli ultimi scampoli di una relazione che lo ha segnato profondamente. Lo fa cercando distrazioni inutili, perdendosi in birre svuotate e scroll compulsivi sui social, ma il pensiero torna sempre a lei, all’ex, all’unica con cui vorrebbe passare ancora un’ultima sera. Damade racconta tutto con uno stile diretto, spontaneo e viscerale. Le immagini sono quelle della vita reale: una notte sul divano, una playlist condivisa, un messaggio lasciato senza risposta. Il cuore del brano è proprio quel bisogno disperato di un’ultima occasione, come se bastasse una sola sera per colmare il vuoto che l’altro sta lasciando. La produzione accompagna il testo con un sound attuale, costruito su beat moderni e arrangiamenti caldi. Il ritornello è pensato per rimanere impresso, con la sua melodia avvolgente e il suo richiamo emotivo forte, che tocca chiunque abbia vissuto una relazione al limite, quando tutto sembra finito ma dentro qualcosa ancora brucia. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/album/5hq5gYWoUefBjHXvmkI9qQ?si=aPiuetSST5mSHpwM9Y861Q Damade, classe 2002, è un artista che ha fatto della verità la sua cifra stilistica. Originario di Vigevano, ha iniziato con la voce bianca nel coro cittadino, poi il pianoforte, la chitarra e la scrittura, che oggi è il suo strumento più potente. Cresciuto con la musica come colonna sonora emotiva, ha scelto di non mascherarsi mai: ciò che scrive è ciò che è. Nessun filtro, nessuna posa. Solo onestà. Con "Facciamoci", Damade si conferma una voce autentica e promettente del nuovo pop italiano. Un artista che non ha paura di mostrarsi fragile e che riesce, con pochi versi e tanta verità, a fotografare l’intimità di chi ama troppo, anche quando dovrebbe lasciar andare. Instagram: instagram.com/sidicedamade/ ... Continua a leggere

Un mix tra rock e rap nato in un periodo di grande incertezza e intriso di storie d'amore e generazione Esce il 25 aprile su tutti i principali store digitali e in promozione radiofonica nazionale "Supereroi", il nuovo singolo firmato Selekim, alter ego di Mikeless, all’anagrafe Michael Fortunati. Il brano rappresenta un capitolo centrale del nuovo progetto rock-rap-pop che l'artista sta sviluppando. "Supereroi" nasce in un momento di grande disorientamento collettivo, periodo che ha spinto Fortunati a inventare un nuovo personaggio artistico: Selekim, ovvero Mikeless scritto al contrario. Una maschera digitale con cui affrontare l’imprevedibilità del presente e dare voce al disorientamento della sua generazione di fronte a un evento storico per cui nessuno era preparato. Sul tappeto sonoro si muove un ibrido di rock ed elettronica, con chitarre incisive, beat moderni e inserti vocali dal sapore rap. Il brano è attraversato da un’urgenza espressiva che si alterna tra denuncia sociale e introspezione sentimentale. Il ritornello rivela infatti una dimensione privata: una storia d’amore vissuta in quel periodo, intensa ma complicata, che aggiunge al testo un ulteriore livello emotivo. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/5eAhy9waneQbWBoe1lNJfh?si=Tursg-1kRsWgfab9prxKtg Selekim si presenta come un esperimento sonoro e narrativo, un progetto che ribalta e reinventa l’identità artistica di Mikeless. Michael Fortunati nasce come chitarrista rock-psichedelico, si forma alla Tampa Lirica di Piacenza, e negli anni si è trasformato in cantautore, performer di strada e cantalooper, grazie all’uso della loopstation. Ha alle spalle dischi autoprodotti, premi, collaborazioni trasversali con attori, pittori e scrittori. Tra i progetti recenti, spicca "Galaxy Dust", album strumentale che esplora l’elettronica e l’ambient. Con "Supereroi", Selekim non solo propone un nuovo sound, ma soprattutto un manifesto generazionale che intreccia fragilità, creatività e resilienza. Il brano conferma la versatilità di un artista che ha fatto della metamorfosi il proprio segno distintivo. Facebook: facebook.com/mikelesselekim Instagram: instagram.com/selekim_official/ ... Continua a leggere

Il singolo è disponibile dal 21 febbraio su tutti gli store digitali e in rotazione radiofonica nazionale dal 25 aprile “My Religion” è il nuovo singolo di Nana Motobi, disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 21 febbraio e in promozione radiofonica nazionale dal 25 aprile. Il brano apre il suo nuovo EP, "Ability", e si impone fin da subito come un vero e proprio manifesto artistico e spirituale. Per l’artista, la musica non è solo passione, ma vera religione: la DAW è il suo libro sacro, ogni canzone un capitolo, ogni verso una preghiera. Il brano si sviluppa secondo una struttura B-A-B-A-B, pensata per coinvolgere fin dai primi secondi e adattarsi ai tempi rapidi dell’ascolto digitale. L’andamento è lineare ma magnetico, alternando strofe e ritornelli incisivi, con un bridge che spezza il ritmo e aggiunge profondità. Dal punto di vista produttivo, “My Religion” è un esercizio di essenzialità. Registrato nello studio personale dell’artista in Mozambico, il brano si costruisce su elementi minimali ma potenti: batterie one-shot, pad sintetici leggeri, basso elettrico suonato da Nene Bass e una chitarra elettrica che disegna la melodia portante. L’arrangiamento essenziale valorizza ogni suono, lasciando spazio all’emozione. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/album/7oamaH9g1cCkDGaBNSeh2y?si=tDjSxxjWSwyj44OXtdxICA Il messaggio è potente: così come una religione parla direttamente al cuore, anche la musica di Nana aspira a raggiungere l’essenza, evitando il superfluo. La produzione riflette un equilibrio raro tra tecnologia e umanità, tra innovazione e autenticità. “My Religion” è anche un ponte tra culture. Masterizzato tra il Mozambico e l’Italia — nello studio in montagna a Lagolo — il brano fonde l’energia dell’Oceano Indiano con la profondità delle Alpi italiane. Questa fusione transcontinentale si riflette nel sound e nel concept. Guarda il video https://youtu.be/D5mMaRstn-I?si=zAP4HQviP4ybCWTl Il videoclip, girato al Museo di Mafalala a Maputo, arricchisce il messaggio del brano. Luogo simbolo della cultura e della storia politica mozambicana, il museo fa da sfondo a un’esplorazione visiva sul rapporto tra radici e futuro. Come afferma l’artista, “la tecnologia è parte del nostro presente, ma le radici sono ciò che ci dà forma”. “My Religion” non è solo una canzone, ma una dichiarazione d’intenti. Una preghiera laica, digitale e universale. linktr.ee/nanamotobi li.sten.to/myreligion li.sten.to/nludyklv

Il nuovo singolo dell’artista campano è un ritratto poetico e malinconico che esplora la bellezza, il successo e la ricerca di senso in una vita piena di contrasti «Matilde è una donna magnetica, che incarna la bellezza e il mistero. È la rappresentazione di una continua ricerca e di un viaggio interiore. Ognuno di noi può trovare una parte di sé in lei: un riflesso della voglia di amare, vivere, e scoprire.» Domenico Cuccarese “Matilde” è il nuovo singolo di Domenico Cuccarese, un brano capace di evocare emozioni profonde attraverso la delicatezza dei dettagli e la complessità del personaggio che prende vita. La musica e il testo si intrecciano per dipingere il ritratto di una donna moderna: affascinante, sicura di sé, ma alla continua ricerca di qualcosa che le sfugge. Domenico Cuccarese nasce il 3 agosto 1981 a Castellammare di Stabia (NA), dove vive la sua infanzia tra il mare, il sole e il Vesuvio. I suoi genitori si trasferiscono nella provincia di Latina, a Cori. Gli studi di pianoforte al Conservatorio di Latina e il corso di composizione con il Direttore d'Orchestra Claudio Di Meo segnano l'inizio del suo percorso musicale. Nel 2012 pubblica un album di dieci tracce per solo pianoforte intitolato "Viaggio sulle Nuvole" con l'etichetta Italian Way Music. Dopo un lungo periodo di pausa Domenico intraprende quindi un nuovo percorso musicale, cercando di combinare le parole con le note. Questa ricerca lo porta a scrivere e produrre per vari artisti. Ad esempio, il brano "Siria a piedi nudi" cantato da Sara Provitali, un omaggio al popolo siriano martoriato dalla guerra, partecipa alle semifinali del TourMusicFest. È anche da ricordare la produzione del tenore Filippo Giovagnorio con il brano "Voce". Studia songwriting con Mario Fanizzi, autore di fama internazionale, e frequenta la MAT Academy per diventare produttore. Etichetta: Elite Music Radio date: 18 aprile 2025 CONTATTI E SOCIAL open.spotify.com/intl-it/artist/2tvNO5bgsry5hdXFQ2y52H?si=WQgyouhSSJeTHNy-vs-V9g facebook.com/CuccareseDomenico instagram.com/cuccaresedomenicocantautore/ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo della band veronese è una ballad rock intensa e toccante, terzo estratto dall’album "Frequencies from Nowhere" “Everything” è il nuovo singolo degli stArt, terzo estratto dal concept album d’esordio “Frequencies from Nowhere”. La band veronese torna con un brano che rappresenta l’essenza della ballad rock: semplice e profonda, fragile e potente. Il cuore pulsante della canzone è un pianoforte a coda, registrato in presa diretta per catturare ogni sfumatura emotiva. Le armonie dello strumento creano uno spazio intimo, dove la melodia cresce e si sviluppa, conducendo l’ascoltatore in un viaggio sonoro. La canzone parla dell’essenza dell’amore: un sentimento totale e puro, capace di trasformare il battito del cuore e di creare un universo condiviso con quella persona speciale. Musicalmente, il brano è costruito come un crescendo emotivo costante, culminando nell’assolo di chitarra di Jonathan Gasparini, autentico manifesto di sensibilità e tecnica. DICONO DEL DISCO «Esecuzione perfetta per il genere, con canzoni di eccellente fattura. Un ottimo disco in un ambito sonoro in cui è difficile riuscire ancora a distinguersi. Ma gli Start ci riescono benissimo.» RadioCoop «Con “Frequencies from Nowhere”, gli stArt debuttano sulla scena con un album che lascia il segno. La formazione veronese porta un sound epico e avvolgente, con sfumature romantiche che richiamano le grandi voci del rock internazionale.» Mei Web «Sono suoni di rock dalle sfumature di pop né di soluzioni di banalissima e accomodante politica radiofonica. C’è una dimensione d’autore e di vita personale molto importante dentro questo esordio dal titolo “Frequencies from nowhere”.» Music Map Gli stArt sono una rock band veronese il cui nucleo fondante è formato da Andrea Vettore (voce) e Riccardo Fazion (tastiere), frutto di un’amicizia trentennale e di una lunga storia musicale. Andrea e Riccardo, con esperienze condivise in band come i Notre Dame e i MassMedia, oltre che in numerose tribute band, hanno coltivato per anni il desiderio di creare qualcosa di personale. Il risultato di questo desiderio è un album che rappresenta la sintesi delle loro influenze musicali, radicate negli anni ’80 e ‘90, ma che si spingono verso sonorità più moderne e innovative, il titolo dell’album è "Frequencies from Nowhere" uscito il 4 ottobre 2024 con distribuzione Virgin Music Group. Gli altri membri della band sono: Jonathan Gasparini (Marco Ligabue, Mamamicarburo) alle chitarre, Giorgio Velotti alle chitarre, Michele Tellaroli al basso, Pietro Micheletti alla batteria. Etichetta: PMS STUDIO  Distribuzione: Virgin Music Group CONTATTI E SOCIAL Instagram - Facebook - TikTok: @glistart ... Continua a leggere

Un brano pop-dance che celebra l’amore attraverso un racconto intenso di emozioni e ricordi. Anita Brightfly torna con il nuovo singolo “NOI”, una traccia che racchiude l’essenza delle sensazioni ed emozioni di una giovane donna che vive un amore travolgente e totalizzante. Musicalmente il brano è costruito con estrema cura, con l’arrangiamento di Edoardo Piccolo e la produzione di Anita. La melodia, potente e coinvolgente, si intreccia perfettamente con il testo per creare un equilibrio armonico ed emozionale. Le parole di “NOI” sono un appello sincero e appassionato, ispirato a un periodo speciale della vita dell’artista, vissuto nella vibrante atmosfera estiva tra Roma e il mare. Raccontano il momento magico dell’inizio di un amore, la trepidazione dell’attesa, le emozioni che accompagnano il primo incontro, fino al concretizzarsi dell’unione tanto agognata. Questo scenario estivo, con i suoi elementi intrinsechi – il sole, la sabbia, le stelle luminose – amplifica il pathos e la connessione emotiva. Il brano non è soltanto un racconto d’amore, ma anche una dichiarazione di forza e autenticità femminile: una donna che, certa di essere ricambiata, rivendica apertamente il diritto di amare e di essere amata. Anita nasce a Londra il 19 agosto del 1970 da madre francese e padre italiano. La predilezione e la propensione per l’arte, nelle sue svariate modalità espressive, le fa desiderare di lavorare nel mondo dello spettacolo e finalmente nel 2020 trova un appiglio da dove cominciare. Alla fine del 2021 pubblica il suo primo brano cantautorale “Let me”, mentre l’anno successivo escono i singoli “Memo Audio” il 4 maggio e “Cuore in pace” il 3 dicembre. A settembre 2024 esce “Amorevole Tu”, il primo brano autoprodotto, seguito il 19 aprile da “Iene”. Il 7 giugno 2024 esce il remix di “Cuore in Pace”, voluto e prodotto dalla cantautrice e realizzato da Revenant & Mr. Mine che raggiunge la vetta della classifica Dance indipendente italiana e la Top 20 degli Indipendenti più trasmessi. A settembre esce il nuovo singolo “Fortuna”, seguito da “Una certa età” in radio dal 22 novembre. Il 2025 vede la pubblicazione del nuovo singolo “NOI”, in radio dal 18 aprile. SOCIAL open.spotify.com/artist/3Zy7yJZGM2Fv1YM9w3i4xv instagram.com/anitabrightfly19/ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo dell’artista milanese, un viaggio tra energia, libertà e consapevolezza Con “Scappo Via” Lomas inaugura un nuovo capitolo della sua ricerca artistica, sperimentando un sound fresco e contemporaneo che unisce le sue radici pop, funk e R&B a sonorità più attuali, tra dance e trap. Un brano che rappresenta un’evoluzione stilistica, senza rinunciare alla sua cifra distintiva: una vocalità potente ed espressiva, che rimane sempre al centro del progetto. La canzone è una riflessione sul bisogno profondo – e umano – di staccare, di fuggire anche solo per un istante da una quotidianità imposta, da una realtà che spesso si subisce più che si sceglie. ‘Scappo Via’ diventa così un inno alla libertà personale, al diritto di prendere una pausa senza sentirsi in colpa, di concedersi uno spazio per respirare, per ritrovarsi. Un mix travolgente di ritmo, emozione e identità che racconta il desiderio di evasione con sincerità e forza evocativa, segnando un nuovo e interessante percorso per Lomas nel panorama musicale attuale. Lorenzo Summa, in arte Lomas, nasce a Milano nel 1991 e sin da giovanissimo dimostra una naturale inclinazione per il canto e la voce. Cresciuto tra jingle pubblicitari, spot e cover registrate negli studi milanesi, inizia a muovere i primi passi nel mondo della musica con spontaneità e passione. Figlio d’arte – suo padre è Antonio Summa, bassista e autore – Lorenzo cresce respirando musica e imparando osservando da vicino. Le giornate passate accanto al padre alimentano in lui una forte attrazione per il canto, che diventa presto una vera vocazione. Il suo percorso formativo si distingue per una grande libertà espressiva e un’intensa attività pratica. Gli incontri con numerosi artisti, grazie all’attività del padre, sono fondamentali: da ognuno trae ispirazione, tecnica e motivazione. A soli 17 anni pubblica ‘Davanti agli occhi miei’, una personale reinterpretazione del celebre brano dei New Trolls. Il singolo, riemerso nel 2020 durante il primo lockdown, viene scelto come sigla dello spot Mediaset per il lancio del canale Cine34, riscuotendo un importante successo mediatico. Nel corso degli anni, Lomas sviluppa una scrittura personale e una vocalità riconoscibile, capace di spaziare dal pop all’alternative. Il suo primo inedito arriva nell’ottobre 2024 con il brano ‘Vivo e poi sorrido’. Nel suo percorso artistico si segnalano anche due partecipazioni alle semifinali di Sanremo Giovani, nel 2015 e nel 2017. Tra il 2017 e il 2018 si dedica a un progetto dalle sonorità notturne e elettroniche, avvicinandosi al mondo del nightclubbing. Apre così una nuova fase artistica che lo porterà a pubblicare, nel 2022, ‘Lucciola Lunatica’, seguito da ‘Tu dimmi di no’ (26 agosto 2022), scritto insieme al padre. Il 31 marzo 2023 esce Un mondo diverso, con la partecipazione di Rocco Tanica al pianoforte e anche nel videoclip. Nel 2024 realizza un sogno: raccogliere in un album brani già pubblicati e inediti, tra cui la title track ‘Una sottile linea di demarcazione’. Nello stesso anno partecipa alla trasmissione “Tali e Quali Show”, interpretando Justin Timberlake. Il 18 aprile 2025 Lomas torna con un nuovo singolo, ‘Scappo Via’, un brano dalle atmosfere pop, R&B e sfumature trap-dance, che conferma la sua capacità di mescolare stili e suggestioni con autenticità e carisma. Distribuzione: ADA/Warner CONTATTI E SOCIAL instagram.com/inartelomas/ facebook.com/lomasofficial/?locale=it_IT open.spotify.com/intl-it/artist/6DzLtg9HNcgQEVDB5K6QCk tiktok.com/@inartelomas?_t=ZN-8vFzB2nCg7C&_r=1

Il nuovo singolo in uscita il 25 aprile racconta l’amore nella sua forma più atipica e autentica Dal 25 aprile è disponibile su tutti i principali store digitali e in promozione radiofonica nazionale “Different Kind Of Love”, il nuovo singolo firmato da Beata La Noia. Il progetto, nato dalla mente del cantautore A-Lex Gatti, si conferma ancora una volta capace di trasformare le emozioni personali in riflessioni condivisibili, autentiche e senza filtri. “Different Kind Of Love” è una canzone nata da una richiesta precisa e affettuosa: quella della compagna dell’artista, che desiderava da tempo un brano dedicato a lei. Dopo una lunga attesa, il risultato è arrivato e ha superato ogni aspettativa. Con una gestazione lenta ma consapevole, la canzone è diventata una delle composizioni più emozionanti mai scritte da Gatti. Il brano si ispira alla storia d’amore tra l’artista e Irene – Iris nel testo – una relazione intensa, sospesa nel tempo, messa a tacere per sette anni e poi rifiorita in modo inaspettato. “Different Kind Of Love” nasce da questo incontro ritrovato, ma si apre presto a una riflessione più ampia: l’amore come concetto fluido, personale, che assume significati diversi per ciascuno di noi. “Un amore diverso, che può adattarsi alle biografie di tutti, alla vita, alle scelte, ai tempi dell’anima.” Beata La Noia Musicalmente il brano si muove su coordinate acustic pop, con un’atmosfera rilassata e sognante. L’arrangiamento minimale, costruito su chitarra, voce e loopstation, vuole richiamare la resa live del brano. Nella versione studio, grazie alla collaborazione con Lorenzo Bertoni (chitarrista, fonico e arrangiatore) e Giacomo Lorè (batterista, mixer engeneer e titolare dello studio Glab), sono stati aggiunti tocchi di percussioni e interventi vocali per dare spessore e profondità. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/7fmbBOSlDIyfOMkJKEsNKL?si=LWWB0gAzS8iu3QtvK2Y6FQ Beata La Noia è un progetto che nasce da un’idea ben precisa: trasformare la noia in strumento creativo. Per A-Lex Gatti la noia non è vuoto, ma spazio da abitare, terreno fertile per pensieri, sogni, arte e canzoni. Con questo nuovo brano, il progetto aggiunge un tassello prezioso a un percorso musicale e umano che invita ad accogliere le emozioni per ciò che sono: imperfette, vere e vitali. Instagram: instagram.com/beatalanoiamusic Facebook: facebook.com/alexgattimusic TikTok: tiktok.com/@beatalanoiamusic?_t=8oUCUS9cnzs&_r=1 YouTube: https://youtube.com/@beatalanoia?si=bp6BoDjExjxyf8c6 ... Continua a leggere

Un invito a riconnettersi con la propria parte più autentica alla ricerca del senso profondo della vita Ivan Leonardo Velardi, autore esordiente siciliano con una lunga esperienza nel campo dell’assistenza agli anziani, debutta con un’opera intensa e toccante: L’essenza Divina che vive dentro noi. Un libro che nasce da una profonda esigenza interiore, da una malattia affrontata con coraggio, e da anni di riflessioni spirituali vissute in prima persona, tra esperienze di confine, perdita e rinascita. Il testo è un percorso introspettivo che accompagna il lettore verso la riscoperta del proprio legame con il divino. Non come dogma, ma come voce interiore che ci appartiene da sempre. “Questa voce non parla solo a me”, scrive Velardi, “non esistono persone privilegiate in questo. Siamo tutti legati con essa… abbiamo dimenticato un dono che abbiamo fin dalla nascita, la capacità di creare la nostra realtà.” La scrittura è semplice e diretta, colma di episodi autentici e riflessioni profonde. Come quella notte in cui, ancora bambino, dopo la perdita del cugino, ebbe un incontro che avrebbe cambiato il corso della sua vita. “Mi ritrovai in piedi, al centro della stanza, illuminata da un bagliore bianco… una figura umana mi parlò telepaticamente: ‘Il nostro legame non è finito, si è trasformato in qualcosa di più forte.” Acquista il libro bit.ly/3Zc46c5 Ma L’essenza Divina che vive dentro noi è anche un manuale pratico, con esercizi pensati per aiutare il lettore a rallentare, ad ascoltarsi, ad accogliere emozioni e intuizioni. Ogni pagina è un invito ad accettare il mistero della vita, anche nel dolore: “La felicità non è un traguardo lontano, ma una possibilità costante che puoi cogliere in ogni momento.” Velardi, che vive a Petralia Soprana, nel cuore della Sicilia, e studia da oltre vent’anni tematiche legate alla spiritualità e agli angeli, non pretende di dare risposte assolute. Offre, piuttosto, strumenti per aiutare ciascuno a trovare la propria verità: “Non prometto che sarà facile, ma voglio offrirti un punto di partenza. La tua anima desidera ‘rimembrare’ la sua vera natura.” Un libro che arriva al cuore, dedicato a chi ha vissuto la perdita, a chi cerca un senso, a chi è pronto a guardarsi dentro. Facebook: facebook.com/share/15iik187GW/ Instagram: instagram.com/velardi_ivan/ TikTok: @velardi.ivan YouTube: https://youtube.com/@Velardiivan ... Continua a leggere

Dopo l’anteprima esclusiva su Metal Hammer, il nuovo video degli Endless, “The Haunted” è disponibile nel canale YouTube della band e della Ghost Record. Il brano registrato per la realizzazione del video è disponibile nei principali digital stores, via Ghost Record e via Crashsound. Il brano descrive le paure che dimorano dentro ognuno di noi, rappresentate attraverso una casa in decadenza, il cui ingresso ci tufferà all'interno una dimora buia e senza via d'uscita, nel quale combattiamo contro noi stessi per vincere ciò che si cela nel nostro profondo. https://youtu.be/RRBlzP4fX1c Gli Endless sono una band Alternative/Gothic Metal nata nel 2021. Tra le esibizioni più di rilievo della band ricordiamo: nel 2022 partecipano alla seconda edizione del Titans Of Metal Fest. Nel 2023 sono headliner al Festival "Overlake". Nel 2024 si esibiscono con i Deathless Legacy. Nello stesso iniziano le registrazioni per l'album di debutto "And Here Is the Darkness" e si esibiscono al festival "Slaughter Metal Meeting" di Milano con gli Strana Officina ed altri. In agosto pubblicano il loro primo singolo "The Tears Rain On Tomb Of Love" di cui realizzano il videoclip (trasmesso in varie stazioni radio). A settembre si esibiscono al "Melancholy Doom Fest" al Metropolis Live Club mentre a novembre condividono l'evento "Delirious Night" con Delirio and the Phantoms (Death SS). L'uscita del loro album completo è prevista nel 2025. Line-Up: Leonardo Malaggese (Voce) Mario Nardone (Chitarra) Marco Nardone (Batteria) Emanuele Elia (Basso) ... Continua a leggere

Il cantautore siciliano, romano d’adozione, torna con un brano pop che racconta la fragilità e la ricerca di un rifugio negli occhi di chi sa vedere oltre le imperfezioni. «“Negli occhi di Frida” è una confessione a bassa voce, tra notti “sbagliate”, pensieri stropicciati e giudizi che pesano come interi mondi. È il rifugio che si cerca quando tutto sembra crollare, quando la realtà ti prende a pugni, quando ci perdiamo per strada e l’unico posto sicuro è lo sguardo di chi sa trasformare quel dolore in arte, o in un dolce ricordo sporco di malinconia.» Milomaria “Negli occhi di Frida” è il nuovo singolo di Milomaria, un brano pop che racconta la fragilità e la ricerca di un rifugio negli occhi di chi sa vedere oltre le imperfezioni. La canzone nasce da un dolore fisso, che non molla, che resta nel petto. Si placa solo nel momento in cui la mancanza diventa rivelazione: scoprirsi interi proprio nelle proprie fratture, sentirsi perfetti agli occhi di chi sceglie di guardare senza giudicare. Il brano è stato prodotto da Milomaria e Andrea Allocca, con mix e sound design a cura di Francesco Procacci e mastering di Andrea Corvo. Emiliano Maria Balbo, in arte Milomaria, nasce a Piazza Armerina, in Sicilia. Dopo un lungo peregrinare tra teatro, musica e scrittura, si stabilisce a Roma, dove attualmente risiede. La sua carriera musicale attraversa diversi generi fino a diventare frontman della band indie-rock Perché Mamma ha paura dei Topi, con cui realizza l’album “Tutto Qui". La band si distingue nei principali contest nazionali, tra cui la finale di Sanremo Rock e il Tour Music Fest, partecipando anche a festival dedicati ai diritti civili. Nel 2018, il videoclip del brano “Masticando la realtà” – con un cameo dell’amico attore internazionale Alessandro Cremona (Ferrari, Mafia Roma, Padre pio, Si vive una volta sola, Spectre - 007) – porta la band a essere l'unica italiana finalista al LGBTQ-COMING OF AGE SHORT FILMS FESTIVAL di Parigi e San Francisco. Dal 2021, Milomaria intraprende la carriera solista. I suoi brani ottengono ottimi risultati nelle classifiche italiane: “Yellow Pecora” entra nella top 20 di Indie Music Like rimanendoci per oltre 3 mesi, “Come i Lego” raggiunge la top 5 iTunes Elettronica e la top 100 iTunes Pop, mentre “Terra Marcia” si posiziona al n. 12 tra gli indipendenti emergenti italiani. Nel 2024, il testo di “Terra Marcia” viene selezionato per l’antologia del Premio Internazionale Salvatore Quasimodo, vincendo nella categoria testo di canzone, e nello stesso anno è semifinalista del Premio De André. Parallelamente alla musica, porta avanti la sua attività di scrittore e narratore, con una ricerca espressiva che attraversa diversi linguaggi artistici. Il nuovo singolo è “Negli occhi di Frida”, in radio da venerdì 11 aprile 2025. Etichetta: Kate Records Distribuzione: FUGA CONTATTI E SOCIAL instagram.com/milomaria_/ facebook.com/Milomaria open.spotify.com/artist/1xwk6nbHEOjinJQN2UZYpg?si=wFyrlpaASluSJqRvUAd5Mw ... Continua a leggere

Il singolo, primo estratto dall’album “Per aspera”, sarà in promozione radiofonica nazionale dal 18 aprile “L’inno Dell’Alcolizzato” è il nuovo brano del cantautore Vir, disponibile su tutti gli store digitali dal 4 aprile e in rotazione radiofonica nazionale dal 18 aprile. Si tratta del primo singolo estratto dall’album “Per aspera”, un progetto interamente scritto, suonato e registrato dall’artista nel proprio home studio. Il brano nasce da un coro da stadio, ascoltato per caso tra le vie della città, e diventa un racconto musicale ironico, disincantato e sorprendentemente profondo. Il protagonista è un uomo che sceglie di non rinunciare mai alla propria natura, anche a costo della vita. Un personaggio burbero, libertino, forse condannabile, ma coerente fino in fondo. In realtà, al centro del brano non c’è l’alcolismo, quanto il parallelismo tra l’alcol e la libertà: l’alcol come simbolo di disinibizione, di rottura delle regole, di liberazione dalle convenzioni sociali. “L’inno Dell’Alcolizzato” è una metafora: dentro ciascuno di noi, anche in chi è astemio, vive un piccolo alcolista emotivo, desideroso di essere più libero, più spontaneo, più vero. Il brano è volutamente non autobiografico, ma punta a evocare una sensazione condivisa, una tensione comune verso l’autenticità. Dal punto di vista musicale, il singolo si muove tra indie folk e cantautorato, con un giro armonico semplice e diretto, sostenuto da una chitarra classica, basso e batteria ritmica. Il risultato è un pezzo orecchiabile e sincero, che gioca con leggerezza su temi complessi. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/7ADPuY3inenHz0PThvkSYW?si=5487a0a24e8f447d Vir è un cantautore e polistrumentista che punta a scrivere canzoni capaci di toccare il cuore. Il suo percorso è segnato da un’intensa introspezione e dalla volontà di trasformare le esperienze personali in immagini universali. Con l’album “Per aspera”, scritto tra il 2024 e il 2025, racconta la chiusura con un passato difficile e l’apertura verso un nuovo inizio, attraverso un percorso sonoro che mescola indie folk, rock e sperimentazioni. Con “L’inno Dell’Alcolizzato”, Vir apre la strada a un progetto coraggioso e originale, capace di fondere ironia e profondità con uno stile autentico e personale. Instagram: instagram.com/vir_official93?igsh=bm1rc3B5M24zYzFk TikTok: tiktok.com/@vir93official?_t=ZN-8vMtmGcJ9mA&_r=1 YouTube: https://youtube.com/@lanotadolente9861?si=Ga34QkJPg6mCTZXb ... Continua a leggere

Il nuovo singolo in uscita il 18 aprile racconta un mondo surreale tra simboli e allusioni dove ogni oggetto prende vita e ogni ombra cela un enigma Dal 18 aprile sarà disponibile su tutti i principali store digitali e in promozione radiofonica nazionale “Il Labiriliquido”, il nuovo singolo di Piero Strada scritto insieme a Nicolai Ciannamea. Il brano è un’originale sintesi tra elettronica pop e cantautorato d’autore, capace di evocare atmosfere sospese e cariche di significato simbolico. “Il Labiriliquido” racconta una casa immaginaria, un luogo fuori dal tempo, abitato da oggetti che sembrano vivere di vita propria. Una caffettiera diventa l’uomo di latta, il sottotetto è una valle paurosa, il ficus cresce come un mostro nodoso. Ogni dettaglio costruisce un universo poetico e onirico, che riflette l’imprevedibilità della vita. Il testo, firmato da Ciannamea, autore anche della cover fotografica, è ricco di allegorie e citazioni fiabesche, mentre l’arrangiamento elettropop firmato da Piero Strada e prodotto da Albariate Studios dà al brano un tiro moderno e accattivante. L’interpretazione vocale di Piero alterna momenti affascinati e narrativi ad altri più intensi, quasi disperati, come un grido d’aiuto lanciato a chi ascolta. Il labirinto liquido diventa così metafora di una condizione emotiva: perdersi, lasciarsi trasportare, cercare una mappa per non smarrirsi del tutto. Il singolo celebra anche il legame tra i due autori, entrambi originari di Bari: un’amicizia lunga una vita, che si rinnova attraverso la musica e le parole. La distribuzione è a cura dell’etichetta Artisti Online di Marco Gatti, con edizioni Magilla Spettacoli di Massimo Galantucci. Ascolta l’artista open.spotify.com/intl-it/artist/0Q9OPG4pfFc7WUzic9er1S?si=KZvv5PppSC2in11HPMyCdg Piero Strada, classe 1973, vive e lavora a Milano, mantenendo un profondo legame con la sua terra d’origine. Dopo aver iniziato a scrivere musica nel 2017, ha pubblicato l’album “3 di Me” nel 2020 e numerosi singoli. Artista dalla voce originale e dall’approccio eclettico, ha partecipato a concorsi e manifestazioni canore in tutta Italia. Con “Il Labiriliquido”, Piero aggiunge un tassello prezioso alla sua produzione: un brano fuori dagli schemi, capace di unire narrazione, emozione e sperimentazione. Instagram: instagram.com/pierostradamusic/ Facebook: facebook.com/pierostradamusic YouTube: https://youtube.com/@PieroStradaMusic ... Continua a leggere

Il nuovo singolo del cantautore reatino, un canto di consapevolezza che trasforma il dolore in evoluzione «“Una rivoluzione” è una presa di coscienza, una riflessione sul fatto che, qualsiasi evento, negativo o positivo che sia, possa essere un momento di accrescimento e innalzamento della nostra evoluzione e rivoluzione interiore.» Marco Graziosi Marco Graziosi presenta “Una rivoluzione”, un singolo nato dall’esperienza più sconvolgente e trasformativa della sua vita: la diagnosi di un tumore allo stomaco. La canzone racconta la vita che scorre davanti agli occhi, troppo spesso invisibile a causa della frenesia quotidiana e dei pensieri che ci allontanano dalla bellezza nascosta nelle piccole cose. “Una rivoluzione” è un invito a fermarsi, ad osservare i propri pensieri scorrere come un fiume, senza combatterli, ma accogliendoli e colorandoli di speranza e consapevolezza. Il brano, prodotto artisticamente da Gianluca Misiti e Francesco De Nigris, si sviluppa in un crescendo che intreccia passioni, gioie quotidiane, errori e cambi di prospettiva. Un percorso sonoro che abbraccia ogni sfumatura dell’esistenza, trasformando ogni nota, anche quella stonata, in un’opportunità di evoluzione e rivoluzione interiore. A sostegno dell’uscita del singolo sarà lanciata una campagna di raccolta fondi per A.G.O.P., associazione di volontariato che da 47 anni offre assistenza globale ai bambini affetti da tumori e alle loro famiglie, garantendo cure e supporto in un ambiente accogliente e protetto. Un modo per trasformare la sofferenza in un gesto di solidarietà, perché ogni rivoluzione parte dal cuore. Link pagina campagna raccolta fondi: retedeldono.it/iniziativa/marcograziosi/una-rivoluzione Marco Graziosi nasce a Rieti nel 1973 e cresce a Montenero Sabino, un piccolo borgo della provincia reatina. A soli sedici anni partecipa a festival per giovani cantautori, ottenendo ampi consensi. Nel 1996 vince il Premio Pfm all’Alpheus di Roma e, nel 2000, il concorso “I have a dream” per miglior testo e arrangiamento con “Maledetta”, brano poi inserito nel suo album autoprodotto Bar Collando (2002). Parallelamente fonda con Anna Gaetano la Rino Gaetano Band, tributo ufficiale al cantautore calabrese, con cui si esibisce nelle principali piazze italiane. Nel 2004 è ospite, in Polonia, dell’ambasciata culturale di Varsavia per il mese della cultura italiana e partecipa alla trasmissione SKY “Stella” condotta da Maurizio Costanzo. Nel 2006 porta il tributo a Rino Gaetano alla sala Sinopoli dell’Auditorium di Roma, dove duetta con Angela Baraldi in “ Mio fratello è figlio unico” e con Francesco Baccini in “Nun te reggae più”. In seguito registra il provino del brano inedito di Rino Gaetano “In Italia si sta male” che nel 2007 Paolo Rossi presenterà al Festival di Sanremo, dove Marco partecipa in veste di corista. Nel maggio successivo, presenta il brano al concerto del Primo Maggio di Piazza San Giovanni a Roma, dove canta, inoltre, “Ma il cielo è sempre più blu” con Marco Conidi e Andrea Rivera. Nel 2008, interpreta il ruolo di chitarrista nella fiction di Rai Uno “Rino Gaetano” al fianco di Claudio Santamaria. Nel 2019 registra un nuovo album intitolato “Marco Graziosi” con la produzione artistica di Francesco De Nigris (chitarrista di Max Gazzè) e Gianluca Misiti (tastierista di Daniele Silvestri e autore di numerose colonne sonore per film). Masterizzato da Giovanni Versari, presso “La Maestà Mastering Studio” – esce per Vrec Music Label il 12 marzo 2021. Nello stesso anno è ospite della trasmissione WE HAVE A DREAM di Red Ronnie. Il 22 gennaio 2021 esce il video del singolo "Dove hai messo Cappuccetto Rosso" per la regia di Francesco Cabras. Il videoclip si è aggiudicato numerosi riconoscimenti come miglior videoclip musicale: Milan Gold Awards, Castellabate Film Festival, Rome International Movie Awards, Matiff- Matera International Film Festival. Il video di "Come una sposa" vince il premio come miglior videoclip musicale al Neum underwater film festival - Bosnia ed Erzegovina. “Una rivoluzione” è il nuovo singolo, in radio dall’11 aprile 2025. Etichetta: rEvoluzioni records CONTATTI E SOCIAL marcograziosi.it instagram.com/marcograziosi_official/ facebook.com/marcograziosiofficial/ open.spotify.com/intl-it/artist/7kMiWhsNK0DWp7RznzvFwy?si=QUm0znWLSVKjKpF6lkfZJg ... Continua a leggere

Il singolo è disponibile dal 18 aprile su tutti gli store digitali e in rotazione radiofonica nazionale Dal 18 aprile è disponibile su tutte le piattaforme digitali e in promozione radiofonica nazionale “Baby”, il singolo di Oissela, artista classe 2003 originario di Vasto (CH). Il brano segna una tappa importante nel percorso del cantautore, rappresentando un momento critico e intenso all’interno di una relazione ormai al capolinea. “Baby” racconta un amore sbilanciato, tossico, dove il sentimento non è ricambiato alla pari e il legame si trascina tra alti e bassi, incomprensioni e attrazione viscerale. Il brano è nato di getto, in una sera piovosa d’ottobre, quando Oissela ha sentito il bisogno urgente di mettere in musica il caos emotivo che lo attraversava. Il risultato è un testo diretto, autentico, sorretto da una metrica curata e una melodia che lascia il segno. Lo stile musicale di “Baby” si muove nel solco del pop contemporaneo, ma con evidenti richiami alla scena americana. La produzione, affidata a un producer statunitense, dona al brano un respiro internazionale, arricchito successivamente da un lavoro attento di mix e dettaglio che richiama la qualità delle produzioni losangeline. È un pezzo che non fa sconti e parla a chi si trova in bilico, a chi ha vissuto notti insonni, a chi si è perso in relazioni complicate e ha cercato di ritrovarsi tra le crepe dell’anima. L’ascolto è sconsigliato ai cuori leggeri, ma raccomandato a chi cerca emozioni vere. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/6n4uu65CgpvcZxuG2A9O43?si=3958f0d1d565458f Oissela, all’anagrafe Alessio Salvatorelli, nasce nel 2003 e fin da piccolo mostra una determinazione fuori dal comune. Cresce ascoltando i grandi del rap americano e italiano, da The Notorious B.I.G. a Marracash, scoprendo nella musica non solo una vocazione, ma uno strumento di espressione e verità. Dopo i primi passi nella scena locale, Oissela si impone con uno stile autentico e personale, capace di fondere influenze urban e pop con una scrittura tagliente e sincera. Con “Baby”, Oissela conferma il suo talento e la sua identità: un artista che non cerca scorciatoie, ma sceglie di raccontare la realtà senza filtri, con coraggio e profondità. Instagram: instagram.com/_oiss3la_/

Il nuovo singolo del cantautore bresciano che racconta la vulnerabilità dell’amore non corrisposto «Ho scritto il brano ispirandomi a una semplice ballata anni ’60, alla quale ho aggiunto il mio stile. Gli accordi sono quelli del rock ‘n’ roll, ma il sentimento che volevo esprimere era diverso. Volevo una ballata solare con un pizzico di malinconia, e la metafora della barca mi è sembrata perfetta: non c’è niente di più bello che costruire qualcosa insieme, e niente di più doloroso di vederlo crollare o, in questo caso, affondare.» Ricky Martinelli "The Boat That I Built for You" è il nuovo singolo di Ricky Martinelli, una ballata intensa e malinconica che esplora il dolore e la fragilità dell’amore non corrisposto. Attraverso una scrittura evocativa e un sound che mescola folk e indie, il brano trasporta l’ascoltatore in un viaggio emotivo fatto di dedizione, incomprensione e perdita. Al centro della canzone c’è una metafora potente: una barca costruita con cura e amore, simbolo dell’impegno totale verso l’altro, che viene però affondata da chi avrebbe dovuto salirci. Questo gesto rappresenta la frustrazione di chi offre tutto e riceve in cambio solo distanza. Musicalmente fluido e strutturato in strofe, un ritornello incisivo e un bridge emozionale, "The Boat That I Built for You" unisce la delicatezza del folk all’introspezione dell’indie, portando alla luce la vulnerabilità e il coraggio di chi ama senza riserve. Riccardo Martinelli è nato a Brescia il 9 aprile del 2006. Studia chitarra con Marco Tiraboschi e Gabriele Fersini dal 2012, sitar col maestro Ashanka Sen, impara a suonare basso e pianoforte da autodidatta e si dedica allo studio del canto con Luigina Bertuzzi. Partecipa come cantautore al Tour Music Fest e Tour Music Camp 2023. Nel 2023 comincia a registrare i suoi brani nello studio di Paolo Costola a Brescia. Il 12 aprile esce il singolo “Picture of two”, il suo esordio discografico per l’etichetta G Records che raggiunge la prima posizione nella classifica cantautori indipendenti del 27 maggio. Il 5 luglio 2024 esce il singolo “You may take a photograph”. Il 18 ottobre esce “Not a second try”. Nel 2025 arriva “The boat that I built for you”, nuovo singolo in radio dall’11 aprile. Etichetta: G Records CONTATTI E SOCIAL facebook.com/profile.php?id=61557460753132 instagram.com/riccardo_marti?igsh=eTNvbzgyMmduMTBz https://www.tiktok.com/@ricky.martinelli1?_t=8lO9h2f9zzU&_r=1 open.spotify.com/artist/26AJIG9Rp7vsDdQVuAM4GG?si=DtsnIepnTgutTsfdda6ZKQ

Il nuovo singolo è uscito il 4 aprile e sarà in promozione radiofonica nazionale dal 18 aprile È disponibile dal 4 aprile su tutte le principali piattaforme digitali “Per sempre”, il nuovo singolo firmato da LKX, progetto solista di Leonardo Giacalone. A partire dal 18 aprile, il brano entrerà anche in rotazione radiofonica nazionale, portando il suo mix potente di sonorità indie rock e trap a un pubblico ancora più ampio. “Per sempre” nasce da una riflessione profonda sull’egoismo come forma di salvezza. Con parole crude e dirette, LKX affronta la delusione causata da persone egoiste e ipocrite, quelle relazioni che soffocano invece di far crescere. Il brano diventa così uno sfogo necessario, una presa di posizione che invita ad allontanarsi da chi consuma energie e valore personale. Non per chiudersi, ma per ricominciare a riconoscere sé stessi. Il singolo rappresenta perfettamente lo spirito del progetto LKX: raccontare le difficoltà e i passaggi dell’esistenza con sincerità e potenza emotiva. L’artista mette in musica il suo percorso di crescita, mescolando l’introspezione personale con temi universali. Il suono è diretto, ruvido e d’impatto, ma non rinuncia mai all’autenticità e alla ricerca di un equilibrio tra dolore e rinascita. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/2qp0ZFH9kAfuqev6yrN372?si=dea704988cdf45a3 LKX nasce in Sicilia nel 2020 come one man band, un progetto totalmente autoprodotto che miscela il rock più duro con momenti di chill, trap e indie. Leonardo Giacalone, di origini laziali, è il cuore pulsante di questo progetto che prende ispirazione da artisti come Nirvana, Lucio Dalla, Sleep Token, Finley, Bassi Maestro e XXXTentacion. Oltre alla sua carriera da solista, LKX collabora con diverse etichette e studi, scrive e produce per altri artisti ed è costantemente in movimento tra le scene musicali italiane. Ogni sua canzone è un frammento di vita e di analisi esistenziale, una finestra aperta sul disagio e sulla forza di chi sceglie di affrontarlo. Con “Per sempre”, LKX aggiunge un nuovo capitolo al suo percorso, invitando l’ascoltatore a liberarsi da ciò che intossica per abbracciare una forma sana di egoismo e ritrovarsi davvero. Multilink: linktr.ee/lkx_official? ... Continua a leggere

Il nuovo singolo di Giulio Biocca è disponibile dal 18 aprile su tutti gli store digitali e in promozione radiofonica nazionale È disponibile dal 18 aprile “Superstar”, il nuovo singolo firmato dell’eclettico Giulio Biocca, che torna a raccontare con ironia, sensibilità e grinta rock le dinamiche affettive più complesse e autentiche. Un brano che nasce dall’osservazione delle contraddizioni, dei pregi e dei difetti che colorano ogni relazione duratura, e che diventa un inno al quotidiano, all’imperfezione, al sentimento vissuto senza filtri. Con un sound energico e una scrittura diretta, “Superstar” mette al centro una figura femminile affascinante e sfuggente: “Ho pochi soldi, difetti molti, son prepotente, poco presente… e hai puntato il tuo dito dritto su questa faccia qua”. L’amore cantato da Biocca non è idealizzato, ma terreno, complicato, reale. È fatto di “pianti, grida, litigate”, ma anche di quella forza inspiegabile che tiene insieme due persone oltre ogni logica. Lei è “così viziata e permalosa”, ma è anche la regina indiscussa della casa, la superstar che non ha bisogno di riflettori perché “tu mi cambi l’umore quando il mondo mi fa incazzare”. Il testo, costruito con cura e ritmo, gioca tra sincerità e autoironia, alternando immagini quotidiane a slanci affettivi di grande impatto. Il risultato è un brano che fa sorridere e riflettere, capace di parlare a tutti, uomini e donne, che si siano trovati almeno una volta a vivere una relazione autentica e complicata. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/4epQo03xivw5mgnja38oeI?si=fb1e1a7410044eb7 Giulio Biocca è uno dei protagonisti storici della scena rock italiana underground. Attivo fin dagli anni Ottanta con progetti come Interceptor, Synthesis, Beginning Point, Falstaff e ovviamente i Fuorilegge con cui ci sono stati moltissimi concerti in giro per la penisola, ha collaborato con nomi importanti come Maurizio Solieri e David Pieralisi. Negli anni ha costruito una carriera solida, tra tour, album e nuove sperimentazioni. Oggi prosegue la sua avventura musicale portando sul palco e in studio la sua esperienza e la sua energia, sempre fedele a uno stile che unisce cuore, rock e verità. “Superstar” è una dichiarazione d’amore senza fronzoli, ironica e vera, che celebra le donne forti, complesse e indimenticabili. Quelle che “non vanno in tv”, ma cambiano il mondo di chi le ama davvero. Instagram: instagram.com/giuliobiocca/ YouTube: https://youtube.com/@FuorileggeIta Facebook: facebook.com/giulio.biocca.5

Il nuovo singolo 
 "Veleno Blu" è una canzone che trasmette un forte senso di malinconia e smarrimento,   legato a una relazione intensa ma tossica o ad una persona sfuggente e difficile da trattenere. Il "veleno blu" nel ritornello rappresenta un dolore che si insinua lentamente nelle vene, come il ricordo di qualcuno che lascia un segno indelebile, una sorta di dipendenza emotiva.  La persona amata è come un'onda su un mare senza direzione o una foglia nel vento, simboli di instabilità e incertezza. 
Nel complesso, la canzone parla di un legame forte ma doloroso, di un desiderio di appartenere e di una ricerca di stabilità in mezzo al caos.
; Nasce a Seregno da famiglia brianzola, cresciuto tra la città natale e l’hinterland milanese, suona fin da bambino prende lezioni di pianoforte e chitarra. Nel 2008 fonda LA SINDROME, band nata inizialmente con una matrice rock inglese, ma poi improntata su una musicalità più vicina al pop rock italiano, nel 2009 pubblicano il primo album “L’arena del peccato” con un ottimo riscontro e successivamente, dopo vari concerti nei palchi più importanti del nord Italia, nel 2011 “Dichiarazioni di guerra al sole”, entrambi registrati presso i Massive Arts studios di Milano sotto la super visione di Marco Barusso (Lacuna coil, Modà, thirty second to mars ecc) al mixaggio. Dopo lo scioglimento della band e vari concerti nel 2018 l’esordio solista con “Zer0”. Nel 2024 esce il secondo lavoro DRAGHI FAMA E FANGO totalmente autoprodotto e suonato, registrato in casa, studio e in giro tra vari luoghi e parchi. Un concept album che riscuote un ottimo feedback dalla critica seguito sempre nel 2024 da DISCOVERDRIVE il terzo album dalle sonorità country folk rock che fa viaggiare verso paesaggi e pensieri interiori. Nella primavera del 2025 la firma con Bravehop Records ed il nuovo singolo VELENO BLU,  un ritorno alle origini ed un seguito ben definito del suo percorso musicale. Instagram: instagram.com/_lucasalmaso_?igsh=MWhlMzB3ODlxbzR0aw== Spotify: open.spotify.com/artist/1KtbYYUNQnNuIvlh6NCLOv?si=IwgmafGTQGaUTrUQknK7Cg Facebook: facebook.com/lucasalmasomusic

Il singolo della band alternative rock esce l’11 aprile e racconta il disagio del nostro tempo tra digitale e realtà Dall’11 aprile è in rotazione radiofonica nazionale e disponibile su tutte le piattaforme digitali “Restless Analogue”, singolo d’esordio dei Grimace of the White Fly, primo estratto dall’EP “Inconcrete”. Il brano nasce come riflessione sulla comunicazione moderna, sempre più filtrata e svuotata di autenticità, e si fa portavoce della frustrazione di una generazione che fatica a entrare davvero in contatto con gli altri, schiacciata tra convenzioni sociali e sovrastrutture digitali. “Restless Analogue” è un grido ruvido e consapevole, che intreccia sonorità alternative rock con una scrittura intensa, diretta, capace di evocare immagini forti e immediate. Il brano non si limita a criticare, ma suggerisce una via d’uscita: tornare a forme di comunicazione più vere, meno filtrate, più umane. La scelta del titolo rimanda proprio a questa tensione: l’irrequietezza di chi cerca una connessione autentica in un mondo che si esprime ormai solo per frammenti e notifiche. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/2KYPquGo2M91DGitybE8kA?si=420a67ff72b24449 Grimace of the White Fly è un trio nato nell’estate del 2024 e formato dai fratelli Mario e Giovanni Moscotto insieme a Diego Vermiglio. Uniti non solo dalla musica, ma anche dal lavoro condiviso come facchini, i tre sviluppano un forte legame umano che si riflette nella loro proposta artistica. Il progetto nasce dal desiderio di dare forma e voce alle composizioni di Mario, arricchite da anni di esperienze musicali e sperimentazioni personali. “Restless Analogue” rappresenta l’inizio di un percorso che si annuncia potente, coerente e d’impatto. Il brano fa parte dell’EP “Inconcrete”, un lavoro che affonda le radici in una realtà vissuta con occhi critici e che promette di far emergere una nuova voce nel panorama alternative italiano. Con questa prima uscita, i Grimace of the White Fly mostrano una visione chiara e una forte identità, senza rinunciare alla sensibilità che trasforma il disagio in musica. Guarda il video

?si=HtG8Y3t7Z_zfhdW9 “La difficoltà di connettersi autenticamente in un mondo dominato da interazioni superficiali e prettamente digitali. Il videoclip, autoprodotto e modificato tramite data-moshing, aggiunge effetti di deformazione, disorientamento e incertezza, rispecchiando il significato del brano.” Grimace of the White Fly Instagram: instagram.com/grimaceofthewhitefly Facebook: facebook.com/profile.php?id=61567468425130 ... Continua a leggere

Il singolo racconta l’invaghimento più scomodo con sincerità disarmante e arrangiamenti essenziali Esce sulle piattaforme digitali e dall’11 aprile nelle radio in promozione nazionale “Battito d’aprile”, il nuovo singolo del cantautore Rinaldi Francesco. Il brano nasce da un’ispirazione lontana nel tempo: scritto quindici anni fa e rimasto in un cassetto fino a oggi, viene ripreso, rivisto e completato con la consapevolezza di chi ha trovato le parole giuste per raccontare una storia complicata. "Battito d’aprile" affronta un tema delicato e universale: l’infatuazione per una donna sposata. Rinaldi lo fa con un approccio personale, mescolando ironia e malinconia, scegliendo di raccontare il turbamento interiore attraverso ossimori e immagini contrastanti. La canzone si muove tra luce e ombra, desiderio e senso di colpa, portando l’ascoltatore nel cuore di un sentimento che non trova spazio nel quotidiano ma che si impone con forza. Il brano cita esplicitamente “Situazione complicata” di Lucio Corsi, artista di riferimento per il cantautore, e ne condivide l’attitudine a esplorare zone grigie dell’animo umano senza retorica. La registrazione, inizialmente pensata come una semplice bozza, è diventata la versione definitiva per scelta artistica: nonostante qualche imperfezione, la traccia restituisce esattamente l’emozione originaria, confermandosi autentica e diretta. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/0kcUkqKWyF7jkmNnxHz9PK?si=2d87e870843949e6 Rinaldi Francesco si definisce un cantautore nato nell’isola che non c’è. Ha collezionato esperienze musicali tra concorsi, matrimoni e piccoli palchi, ma preferisce lasciare che a parlare sia la sua musica. Scrive porzioni di vita con ironia e sensibilità, inseguendo il sogno di condividere storie capaci di emozionare senza filtri. "Battito d’aprile" rappresenta un passo importante nel suo percorso: una canzone che non cerca la perfezione ma la verità, che racconta senza maschere un frammento di realtà. Con questo brano, Rinaldi Francesco si presenta al pubblico con un linguaggio personale, fatto di immagini evocative e sonorità essenziali. Instagram: instagram.com/frankie_rinaldi?utm_source=qr Facebook: facebook.com/francesco.rinaldi.18?locale=it_IT YouTube: https://youtube.com/@frankie_rinaldi ... Continua a leggere

Una ballata folk in lingua inglese è il nuovo singolo della cantante e performer lombarda, secondo estratto dall’album “Bio-” Marilena Anzini torna con “Unknown drummer”, secondo singolo estratto dal suo album “Bio-”. Una ballad folk intensa, cantata in inglese, che si sviluppa attorno a una domanda essenziale: “What is a heart? – Che cos’è un cuore?”. Attraverso una raffinata tessitura musicale il brano esplora il pulsare ostinato e instancabile della vita, evocato da una percussione vocale che riproduce il battito del cuore, simbolo di resistenza e forza. Il dialogo musicale tra la chitarra arpeggiata di Marilena e il basso fretless di Michele Tacchi crea una profondità emozionale che culmina nei ritornelli, dove le voci dell’ensemble vocale Ciwicè si aprono in un'armoniosa coralità sottolineando il messaggio centrale del testo: “Life is stronger than you’ll ever know and it’s always full of love! And it flow – La vita è più forte di quanto immagini ed è sempre piena d’amore! E scorre, va avanti”. DICONO DEL SUO DISCO: «Folk acustico, arpa celtica e sperimentazioni vocali, italiano e inglese si alternano e convergono in una celebrazione della bellezza e della fragilità della vita. Marilena Anzini, supportata dal coro Ciwicé nei brani a cappella, crea un'atmosfera musicale tra fiaba e preghiera, forza e vulnerabilità. Un inno a tutte le sfumature dell'esistenza, al suo fluire, che non perde di luminosità anche nelle difficoltà.» RUMORE «La vita con le sue piccole cose da proteggere, la sintesi che viene fuori nel singolo “Pace in terra” lasciando spazio alle sole vocalità con ricami spesso dal sapore barocco: penso sia qui il vero cuore pulsante della ricerca di Marilena Anzini.» RARO PIÙ «La cantautrice di Busto Arsizio ancora una volta regala, a chi sa ascoltare oltre, l'essenza vera del suo canto che s'innalza puro, limpido, significante.» VINILE «Possiamo tranquillamente definire Bio- come un lavoro sperimentale, molto vicino a cose del cantante e jazzista statunitense Bobby McFerrin, dalla cui musica Anzini trae spesso ispirazione. L'artista bustocca non lascia nulla al caso, con rilievi semantici e semiotici dei testi utili a riportare la Canzone (con la «ç» maiuscola) in un alveo filosofico dove la banalità non è di casa.» BUSCADERO Marilena nasce a Busto Arsizio (Va) nel 1964 e canta e suona la chitarra fin da quando era bambina. Inizia giovanissima a suonare e cantare in vari gruppi proponendo repertori che vanno dal folk americano alla musica d’autore italiana e si dedica ben presto anche a scrivere brani propri. Nel 1998 fonda, con Giorgio Andreoli il gruppo acoustic-rock Arecibo, di cui è stata cantante, autrice e compositrice fino al 2012, ottenendo importanti riconoscimenti tra cui il Premio della critica al concorso Bianca D’Aponte (presieduto da Fausto Mesolella) e la finale di Voci per la Libertà nel 2002, in seguito alla quale apre il concerto di Elisa per Amnesty International a Padova nel 2003. Si interessa via via sempre di più al canto corale e fa parte per diversi anni dell’orchestra vocale a cappella Ancore d’aria - condotta da Oskar Boldre - con cui incide un album, Teptalidum (2009). Con la guida di Oskar Boldre scopre l’arte dell’improvvisazione vocale e delle circle songs, che approfondisce poi studiando anche con Rhiannon, storica componente della Voicestra di Bobby McFerrin. Fa parte per un breve periodo di un ensemble internazionale di Improvvisazione vocale, con il quale offre alcuni concerti in diverse importanti città europee (Amsterdam, Berlino, Dusseldorf…)​. Contemporaneamente svolge un’intensa attività didattica: insegna musica, canto, canto corale, improvvisazione e funzionalità vocale presso scuole, associazioni e nel suo studio a Busto Arsizio. Già socia fondatrice e presidente dell’Associazione di promozione sociale Home and Journey, ne continua come libera professionista il lavoro di ricerca e di diffusione di tutto ciò che riguarda la voce, il canto e la crescita personale. Collabora anche con l’Associazione Voce Mea di Santa Giustina (BL) e con il Centro di Ricerca di Musicoterapia Arpamagica di Milano. Dal 2019 dà inizio ad un nuovo progetto solista e riprende a scrivere canzoni con regolarità: la sua ricerca e il suo lavoro sulla voce portano ad una nuova vena creativa che dà ai sui suoi brani una nuova luce con arrangiamenti vocali raffinati e insoliti, che diventano a detta di molti una caratteristica particolare e distintiva della sua musica. Il suo primo lavoro discografico Oroverde esce nel dicembre 2020 con il supporto di Giorgio Andreoli che ne ha curato con lei la produzione. Con la sua chitarra acustica e le sette voci femminili dell’ensemble vocale Ciwicè da lei diretto, Marilena partecipa a diverse importanti rassegne come Al riparo degli alberi a Trento, Le corti in canto a Locarno-CH e WoodinStock/Buscadero day al Parco Berrini di Ternate (Va). Il 2 settembre 2022 esce il singolo Belli numeri accompagnato dal video di Luisa Raimondi e successivamente, il 1 ottobre, il nuovo album che si intitolerà Gurfa, che letteralmente significa «l’acqua che si può raccogliere in una mano». Il 16 Gennaio 2025 esce il terzo album, Bio-, preceduto dal singolo Pace in terra il 15 Dicembre 2024, accompagnato dal video realizzato da Michela Piazza. Con Gratiae, uno dei brani di Bio-, ha ricevuto una menzione al Premio InediTo 2023 e si è classificata nei primi 60 a Musicultura 2024 partecipando alle audizioni live di Macerata. Il nuovo singolo dall’album è “Unknown drummer”, in radio dal 4 aprile 2025. SOCIAL facebook.com/Marilena-Anzini-e-Ciwic%C3%A8-108254024703919/ instagram.com/marilenaanzini/ open.spotify.com/artist/73rm3m5raE2nEqPiLKbKvu itunes.apple.com/it/album/id1783809431 ... Continua a leggere

Un singolo rap diretto e autentico in uscita venerdì 11 aprile che racconta il valore di mettere sé stessi al primo posto Esce venerdì 11 aprile su tutti i principali store digitali e in promozione radiofonica nazionale “Egoista”, il nuovo singolo di Dayan. Il brano nasce in un momento di angoscia e malessere psicologico e diventa fin da subito uno sfogo potente e sincero, una dichiarazione d’intenti di chi ha scelto di tradurre i propri sentimenti in musica, con coraggio e lucidità. “Egoista” è un inno all’amor proprio, una rivendicazione della necessità, talvolta, di mettere sé stessi al primo posto senza sensi di colpa. Con un sound rap/hip hop diretto e una scrittura personale, Dayan affronta il tema delle relazioni in cui si perde il proprio equilibrio e invita a riscoprire la propria voce anche a costo di sembrare egoisti. Ma non si tratta di egoismo fine a sé stesso, quanto piuttosto della volontà di difendere la propria identità e serenità. Il brano colpisce per la sua autenticità: nessun filtro, solo parole vere nate da un’esperienza vissuta in prima persona. Dayan, con questo singolo, conferma il suo stile schietto e incisivo, capace di toccare corde profonde con semplicità e immediatezza. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/artist/2v8xmw8MbLBQmBJr9WuyQ5?si=fFMd80MsQCqjkdMi8zTtbg Daniel Romano, in arte Dayan, nasce a Torino 26 anni fa e cresce nella periferia di Barriera di Milano. Fin da piccolo è affascinato dal mondo dei beat e della scrittura, tanto da iniziare a comporre i suoi primi testi già a 9 anni. A 10 anni registra il primo ritornello grazie al supporto di un vicino di casa, che diventa per lui una figura guida. Dopo una pausa forzata dalla musica, a 18 anni riprende in mano la penna e a 21 pubblica il suo primo brano ufficiale. Dayan porta avanti un percorso costruito con determinazione, superando le proprie insicurezze e trasformandole in forza creativa. Con “Egoista” inaugura una nuova fase artistica, con la promessa di continuare a raccontare sé stesso senza filtri, in nome della libertà espressiva e del rispetto per la propria verità interiore. TikTok: tiktok.com/@brrdayan30?_t=ZN-8vQ2Jv36kiM&_r=1 Instagram: instagram.com/dayanthereal/ ... Continua a leggere

Il nuovo singolo della band La band canavesana alternative pop Bisanzio torna sulle scene con "Come gli insetti", il nuovo singolo disponibile su tutte le piattaforme digitali. Il brano, distribuito da Bravehop Records, esplora i drammi esistenziali e la sensazione di sentirsi schiacciati da una routine quotidiana dal quale sembra impossibile scappare. Con "Come gli insetti", i Bisanzio confermano la loro capacità di coniugare testi evocativi e un sound che richiama influenze new wave e alternative, mantenendo una forte identità personale. “Come gli insetti” è un brano che racconta uno spaccato della società contemporanea, attraverso il senso di vuoto, l’annichilimento e la frustrazione di una quotidianità fatta di una routine basata sulla produttività lavorativa. L’incapacità di scappare porta ad abituarsi e ad accettare passivamente la propria condizione, finendo per trasformare gli uomini in automi incapaci di provare emozioni autentiche e di stabilire legami reali. La canzone avvolge l'ascoltatore in un'atmosfera malinconica e dolceamara, dove la disperazione lascia spazio ad una paradossale serena rassegnazione, come se narratore e ascoltatore stessero annegando e fossero sommersi da un senso di pace e accettazione nei confronti della propria situazione. “Come gli insetti” si ispira ai suoni degli anni ‘60, con Telecaster pulite e ritmiche di batteria tipiche del genere Beat, affiancati dall’elettronica di synth nauseabondi e distrutti, che evocano un subdolo ronzio. Velvet Underground ma anche Baustelle e Radiohead per la parte elettronica e per il tema delle canzoni (Ok Computer uno su tutti). Come gli insetti è stata interamente prodotta da Davide Vuono e Andrea Ravera Chion, i due membri fondatori dei Bisanzio, tra le colline del Canavese. Ad accompagnare il singolo, un videoclip girato interamente a Torino, realizzato con la regia di Giulio Angelino e Gregorio Audasso, e la direzione della fotografia affidata a Fabio Migliorini. Le immagini amplificano il messaggio del brano, raccontando attraverso scenari urbani e suggestioni visive il senso di oppressione e alienazione che pervade il testo. https://youtube.com/watch?v=_CG2j78qQME I Bisanzio sono un progetto composto da Andrea Ravera Chion (Voce e chitarra), Nicolò Ghiringhello (Basso e backing vocals) e Davide Vuono (Batteria e backing vocals). La band nasce nel 2022, nella provincia di Torino, dall’esigenza di dare forma alla visione musicale e alle idee di ciascuno dei componenti. Il trio fonda elementi tipici del cantautorato italiano a sonorità più internazionali che attingono dal rock più classico, dal punk e dalla musica elettronica, ricercando un sound sempre originale e una scrittura dolceamara, esistenzialista e talvolta ironica. Nata come cover band, i Bisanzio divengono presto una fucina di scrittura e nel giro di un’ estate concludono il loro primo EP “Carta da parati”, contenente 5 brani che, nonostante sonorità ancora grezze, trattano temi intimi e gettano le basi per il futuro
creativo del progetto. Tra le tracce dell’EP “La deprecabile pratica dell’onanismo” finisce sulle playlist editoriali di Spotify “Indie Italia” e “Scuola Indie”, all’interno della quale rimane per 3 settimane consecutive. E’ con i due successivi singoli “L’ultima scena di un film” e “Amore Stoccolma” che il trio cesella le proprie sonorità e consolida la propria identità musicale. Dopo la partecipazione a contest locali e festival (Emergenza Festival 2023, Apolide 2024), nell’estate del 2024 il gruppo entra in studio e inizia la registrazione di un album interamente autoprodotto. Tra le
colline del canavese prendono forma nove canzoni autentiche, che alternano momenti di rabbia feroce a istanti di malinconia, in cui risuona la realtà provinciale in cui il progetto si colloca. Tra queste spiccano i singoli Tuttofare e Come gli insetti, che introducono le orecchie degli ascoltatori alle nuove sonorità della band Link spotify:  open.spotify.com/track/4VbaQMkUY1SeWjcMpzhqO8?si=cViWrx8MSsmxz5Pz9MdZHQ&context=spotify%3Aalbum%3A0HNzErliOW34rn9zKC8CvY Instagram: instagram.com/siamoibisanzio/ instagram.com/andrearaverachion/ instagram.com/davidevuono/ Tiktok: tiktok.com/@siamoibisanzio Facebook: facebook.com/bisanzioilgruppo/?locale=it_IT Rockit: rockit.it/bisanzio 
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Il nuovo singolo di Marco Tascone, in radio dall’11 aprile, racconta con ironia e malinconia la ricerca di un senso oltre i dogmi Dall’11 aprile è in rotazione radiofonica nazionale “La (di)retta via”, nuovo singolo del progetto LeFragole firmato dal cantautore bolognese Marco Tascone. Il brano, estratto dal concept album “LXI”, si inserisce in un racconto musicale più ampio ma vive anche come storia a sé, toccando il tema della spiritualità e della ricerca di conforto in un momento di profonda crisi personale. Il brano nasce da un’esperienza autobiografica: l’autore racconta di anni passati a cercare risposte nei confessionali, senza mai trovare la chiave giusta per attraversare davvero il proprio buio interiore. In “La (di)retta via”, un’anima entra in chiesa alla ricerca di sollievo, ma incontra un prete incapace di andare oltre la morale. Eppure, anche quell’ascolto parziale riesce ad accendere una riflessione. È un momento sospeso tra fede e disillusione, dove nemmeno la religione sembra offrire appigli autentici, ma resta la possibilità di guardarsi dentro e tentare una strada diversa, più personale. Con un arrangiamento che richiama l’atmosfera anni ’70 e una melodia malinconica ma avvolgente, Marco Tascone affida al brano una sincerità disarmante. Il risultato è una ballata urban-pop-rock di grande impatto emotivo, dove l’ironia e il dubbio convivono con il desiderio di verità. Ascolta il brano open.spotify.com/intl-it/track/1wlncezxKkwz7O7EuBcoHD?si=5a206bd61cce4028 LeFragole è il nome con cui Marco porta avanti la propria ricerca cantautorale da Bologna, affiancato nei live dall’Ensemble delle Fragole. La sua storia musicale è legata al tessuto sociale e culturale della città, con progetti premiati come “Gli amanti” e numerose partecipazioni a rassegne nazionali. Il nuovo album “LXI” è un mosaico narrativo diviso in 32 brani e sette capitoli, in cui quattro personaggi fluidi raccontano solitudini, conflitti e slanci d’amore. LeFragole confermano così un’identità queer e profondamente umana, fatta di attenzione al dettaglio e libertà espressiva. “La (di)retta via” è la sintesi perfetta tra canzone d’autore e riflessione esistenziale, tra rabbia e poesia. Una preghiera laica, dolceamara, che parla a chiunque abbia cercato un senso dove non c’era. Instagram: instagram.com/lefragolemusic/ Facebook: facebook.com/lefragoleband YouTube: https://youtube.com/tasco78 Web Site: lefragole.net/

Un viaggio tra le emozioni più profonde di una delusione d’amore Una lettera aperta a chi ha promesso di restare ma si è rivelato solo un’ombra di passaggio. Il brano cattura il tumulto interiore di chi ha creduto in un sentimento sincero e si ritrova a fare i conti con il vuoto lasciato da un’illusione svanita. Le parole dipingono un cuore diviso tra la paura dell’abbandono e l’orgoglio di chi non vuole più farsi ferire. “Se torni, non richiamarmi” è un monito di autodifesa, il tentativo di chiudere una porta per proteggersi dal dolore. Ma tra le righe si intravede ancora un filo di speranza, quella speranza che, nonostante tutto, lascia aperto uno spiraglio alla possibilità di essere sorpresi da una luce inaspettata: “Spero di sbagliarmi e che tu mi sorprenda con la tua luce”. La melodia accompagna ogni sfumatura emotiva, intrecciando il senso di smarrimento con la forza di chi sceglie di rialzarsi. Cuando haya tiempo non è solo una canzone, è una confessione sincera, un sussurro di vulnerabilità che diventa un grido di resilienza. La produzione è di Lorenzo Iuracà per i x i Recording Label Romina Lettieri è una cantante dall’anima internazionale, nata a Montevideo, in Uruguay, il 5 febbraio 1991. Fin da bambina, la musica è stata il suo mondo: giocava con le cassette, si lasciava incantare dalle melodie di Xuxa e si emozionava ascoltando grandi voci italiane come Laura Pausini ed Eros Ramazzotti, che cantavano anche in spagnolo. A soli 8 anni, ha scritto la sua prima canzone, segnando l’inizio di un amore destinato a durare per sempre. A 13 anni, ha iniziato a studiare canto e pianoforte alla Scuola Musicale Monteverdi di Paina di Giussano, ma il destino l’ha riportata in Uruguay, dove ha dovuto momentaneamente mettere in pausa la sua formazione per terminare gli studi scolastici. Tuttavia, la passione non l’ha mai abbandonata e, a 21 anni, ha ripreso il suo cammino musicale al Conservatorio Vicente Pablo di Montevideo, focalizzandosi sempre di più sul canto Commedia Musicale di Valeria Lynch e la Scuola di Arti di Valeria Lima, dove ha dato vita al suo primo spettacolo. Dopo essersi laureata in Informazione e Comunicazione a Montevideo, Romina ha sentito che il richiamo della musica era troppo forte per essere ignorato. Così, ha fatto una scelta audace: trasferirsi in Italia per inseguire il suo sogno e trasformare la sua passione in una carriera. Oggi continua a perfezionare la sua voce e a lavorare su diversi progetti, sia come solista che come cantante in un gruppo di cover acustiche. Con determinazione e talento, Romina Lettieri è pronta a conquistare il pubblico con la sua musica. Instagram: instagram.com/rominalettieri_pop?igsh=MWc3b2s1NzZxMDdlcQ== TikTok: tiktok.com/@rominalettieri_pop?_t=ZM-8vRLglfqSV4&_r=1 YouTube: https://youtube.com/@rominalettieri_pop?si=WwsH582lsdL98Q1O